Xavier Dolan

Tras sufrir la persecución del payaso abductor de niños Pennywise en Derry, su pueblo natal de Maine, la pandilla de chavales compuesta por Bev, Bill, Richi, Mike, Ben, Eddie y Stan se juraron volver a reunirse si alguna vez aparecía de nuevo en sus vidas este personaje de pesadilla. Veintisiete años después se han dispersado y convertido en adultos, cada uno lleva su vida sin mantener el contacto; por ejemplo, Bill se ha convertido en escritor de novelas nunca satisfecho con las adaptaciones al cine, Bev se dedica a la moda, Richie tiene un programa cómico televisivo. Sólo Mike se quedó en Derry, y la reaparición amenazante de Pennywise propicia que les convoque, y es que todos notan su presencia maléfica, que propicia el despertar de recuerdos que habían quedado sepultados en el olvido. Segunda entrega de la adaptación de la larga novela de Stephen King “It”, repiten tras la cámara Andy Muschietti, mientras que Gary Dauberman asume el rol de guionista en solitario. Aunque la película sigue las andanzas de los protagonistas una vez alcanzada la madurez, en el fondo la apuesta es de nuevo la infancia, y no sólo por los abundantes flash-backs sobre sucesos del pasado, en que podemos ver a los actores niños del film anterior. Aletea en todo momento la nostalgia por los años en que uno es un chaval y descubre las cosas por primera vez, mientras saborea el valor de la palabra dada, lo que es un flechazo, la lealtad prometida a los compañeros, la franca camaradería y las aventuras compartidas. En el fondo Bev y compañía adultos nos interesan en la medida en que vemos en ellos a niños grandes, que quieren recuperar esos sentimientos perdidos; en cambio, lo que sería propio de la vida de mayores, en el film resulta hasta grotesco, véase la descomunal pelea que casi al inicio mantiene Bev con su marido maltratador, sin que se nos ofrezcan muchas explicaciones, o el acoso homófobo de unos matones a una pareja gay. It: Capítulo 2 es una película que puede propiciar en el espectador sentimientos contradictorios. Para empezar, es una película desmesurada, en su duración y en la acumulación episódica de sustos, efectos visuales y recuerdos, que acaban siendo reiterativos, aunque algunas secuencias resulten ciertamente brillantes. Al modo de una atracción ferial, somos vapuleados vertiginosamente en el gran contenedor en que consiste el film, subimos arriba y abajo, a menudo caprichosamente, con el clásico humor bizarro y tono oscuro que tanto le gusta a King. Y hay momentos logrados, pero otros agotan y no aportan nada. Las escenas que afectan a los niños en el presente parecen concebidas para buscar el puro efectismo, y sí, vienen a recordar la traumática desaparición del hermanito de Bill en la primera entrega. Y desde luego hace falta estar muy entregado para aceptar sin pestañear todo lo que tiene que ver con la maldición india, los fuegos fatuos y el modo de deshacer el conjuro que afecta al payaso. No estamos ante el mejor film que adapta a King, y resultaba sin duda más redondo el anterior It. Pero como se aferra desesperadamente a los sentimientos que encerraba éste y que lo emparentaba con Cuenta conmigo, no deja de despertar simpatía. Los efectos especiales son de gran calidad, y cuenta con un estupendo reparto, donde tienen casi el mismo peso los niños actores que los actores adultos más o menos famosos –sobre todo Jessica Chastain, James McAvoy y Bill Hader, el mejor de los tres–, que dan la versión adulta de sus personajes. Bill Skarsgård sigue logrando que Pennywise resulte bastante siniestro.

Película escrita, dirigida, producida y coprotagonizada por el canadiense Xavier Dolan. Como el resto de su filmografía explora la complejidad de las relaciones familiares y amorosas, prestando especial atención a la homosexualidad, de acuerdo con su propia condición gay. Arranca con una reunión de amigos veinteañeros, dentro de poco Maxime dejará el país rumbo a la lejana Australia, y todo el grupo se reúne en una casa de la familia de Matthias. Éste tiene miedo de que su hermana Erika les estropee la diversión, porque está estudiando cine, y va a estar también en la casa; y en efecto, acaba enredándoles en el rodaje de un corto, donde Maxime y Matthias deben darse un beso en una de las escenas. Tal circunstancia despertará recuerdos y atracciones reprimidos desde la adolescencia, porque se ve que se gustan bastante más de lo que justifica la amistad y la camaradería. Lo que pone patas arriba el mundo de Matthias, que se debe cuestionar cómo ha enfocado su vida hasta ahora, al compartirla con una mujer. Dolan sigue mostrando su dominio de la puesta en escena y la dirección de actores, y es hábil a la hora de definir personajes, que nunca parecen de cartón piedra. Y sabe reírse de la pedantería cinéfila de una estudiante que considera que algo puede ser al mismo tiempo impresionista y expresionista, o de las actitudes burguesas de la familia de Matthias. También pinta las dificultades de Maxime con su madre, a la que va a dejar atrás con su mudanza a Australia. De todos modos, en su desarrollo el film resulta premioso en exceso y se le nota su intención de aleccionar al espectador para que se cuestione sus preferencias sexuales, creando tensión con las situaciones incómodas que afrontan los protagonistas al rodar el corto –un recurso narrativo muy artificioso, pero que justifica toda la trama–, o acompañando, en el caso de Matthias, a un cliente, a un club de striptease.

Película basada en hechos reales, plasmados en las memorias de su protagonista, Garrard Conley. Sigue la peripecia de Garrard, hijo único de un pastor baptista en un pueblo de Arkansas, que con apenas 18 años tiene inclinaciones homosexuales, le gustan los hombres. Confuso por dentro, también por sus creencias religiosas y por temor a disgustar a sus padres, Marshall y Nancy, no cuenta a nadie sus sentimientos; y estando en la universidad sufrirá una violación de otro estudiante, con el que había trabado amistad. Sincerándose más tarde en casa, acepta el camino que le marca su padre, seguir el programa del centro de terapia “Amor en Acción”, que se supone que enderezará su tendencia homosexual, y que dirige con mano de hierro Victor Sykes. Joel Edgerton escribe, dirige y coproduce Identidad borrada, reservándose el papel más incómodo a priori, el de Sykes, con la intención de evitar los reduccionismos que podrían convertirlo en un villano de opereta. Porque la idea del cineasta, según él mismo ha explicado, es la de humanizar a todos los personajes, y entender los diversos puntos de vista, ya que se supone que cada uno a su manera, con mayor o menor tino, busca el bien de quien se supone que debe ser curado. Lo que no impide que su intención didáctica sea bastante evidente, la de condenar las llamadas “terapias de conversión” de las tendencias homosexuales, que harían un enorme daño psíquico, e incluso podrían incitar al suicidio; con un enfoque prevalente de persuadir a los espectadores cercanos a la perspectiva de los padres del protagonista, que presentarían una fe cristiana y una cultura algo rudimentarias, la primera pegada a la literalidad de la Biblia. Es evidente que se describe un caso concreto, y que en el contexto de personas con sensibilidad religiosa y antropológica particulares, pueden producirse reacciones de todos los tipos, incluida la descrita en el film. Por otro lado, los tiempos han cambiado bastante desde los tiempos no tan lejanos en que agrupaciones profesionales, como la Asociación de Psiquiatría Americana, describían la homosexualidad como una enfermedad. En ese contexto cualquier terapia que busque una modificación de conducta no es aceptable en las modernas sociedades contemporáneas, menos con la presión del muy activo lobby LGBTQ. Lo que no deja de ser paradójico cuando al mismo tiempo se habla de identidad de género, y de la libertad que cualquier persona tendría para construirse dicha identidad. Pero más allá de estas consideraciones socioculturales, en el film llama la atención la completa ausencia de amor en un programa que se autodenomina “Amor en Acción”, pues se actúa con rigidez y modos de robot, siguiendo normas de manual, y nunca atendiendo las necesidades del individuo concreto, no parece que existan personas. También la fe ciega con la que los padres de Garrard entregan a su hijo a los cuidados de unos desconocidos, por muy aconsejados que estén por supuestos hombres sabios de su congregación. Por eso algunas reacciones, como la de Nancy reprochando a Sykes que seguramente no tiene ni siquiera un título de psicólogo, resultan chocantes. Y al fin, el objetivo de humanizar el relato fracasa parcialmente, hay algo de desequilibrio creciente en el doble relato paralelo, el chico en el centro, y los hechos que le han llevado hasta ahí, hasta cierto momento climático, no demasiado bien resuelto. El film, filmado con corrección, tiene la buena intención de invitar a la comprensión entre las personas; aunque vean las cosas de modo distinto, el amor debería prevalecer sobre la condena y el rechazo tajantes, unos padres deberían querer y ayudar a su hijo homosexual, respetando sus decisiones aunque no las compartan, y éste no debería romper los lazos con ellos, aunque piense que no han sabido echarle una mano cuando la necesitaba. En este sentido hay un gran esfuerzo actoral para dibujar esas relaciones paternofiliales, Russell Crowe y Nicole Kidman con Lucas Hedges, éste repitiendo el rol de joven estrechamente unido a su madre, después de trabajar con Julia Roberts en El regreso de Ben.

Thriller deudor del mejor cine de los hermanos Coen y Quentin Tarantino, perfectamente ejecutado, con humor negro, misterio, perdedores en busca de redención, villanos grotescos, violencia operística, buenos golpes de efecto. Drew Goddard, como en Una cabaña en el bosque, vuelve a concentrar la acción en un lugar en medio de la nada, y sorprende su manejo del espacio y los conflictos, con personajes muy bien perfilados e interpretados por un gran reparto. La acción transcurre en El Royale, un hotel situado junto al lago Tahoe entre los estados de Nevada y California, hasta el punto de que los huéspedes pueden elegir habitación entre uno y otro estado, según gustos y deseos de ahorrar unos dólares. En tan pintoresco hotel recalan diversos personajes. Allí está el padre Daniel Flynn, que de cura no tiene nada, simplemente ha venido a recuperar el botín de un atraco, que escondió bajo el suelo de una habitación, antes de que se viera obligado a pasar una temporada en prisión. Darlene Sweet es una cantante afroamericana, que lucha por abrirse camino en su profesión. Seymour "Laramie" Sullivan es un supuesto viajante, muy charlatán, que vende aspiradoras. Emily Summerspring es una misteriosa mujer, que tiene secuestrada a su hermana Rose, a la que ha rescatado de una secta, cuyo líder les pisa los talones. Y como anfitrión ejerce el joven conserje del hotel, Miles Miller, católico cuya conciencia le atormenta por ciertas actividades de espionaje, y por un pasado violento que se irá esclareciendo. Con esta grupo de variopintos personajes, a los que seguimos sobre todo a lo largo de una noche, saltando de habitación en habitación, con los necesarios flash-backs para entender su trayectoria y presencia en el hotel, Goddard, director y guionista, logra entregar una película dinámica, con elementos de thriller y humor negro, que verá con sumo gusto cualquier espectador al que le guste este tipo de filmes con el justo punto bizarro. El coral reparto es fantástico, tanto los actores más conocidos –Jeff Bridges, Dakota Johnson, Jon Hamm, Chris Hemsworth– como los menos –Cynthia Erivo, Lewis Pullman...–.

Terror sadomasoquista para el que hace falta un estómago a prueba de bombas. La cosa va de una cría encontrada por la policía en un matadero, donde ha estado encerrada varios días. Pasados quince años la chica va a tener que enfrentarse a un sufrimiento que jamás hubiera imaginado. Con muchos elementos gore, el film de Pascal Laugier es de ésos que lleva la etiqueta de 'escandaloso' por todos sus poros. Parece que el cineasta pergeñó su película durante un período depresivo, por lo que la atmósfera es malsana, como si hubiera metido ahí todos sus demonios interiores, algo cercano a la esquizofrenia.

Película escrita, dirigida, producida y coprotagonizada por el canadiense Xavier Dolan. Como el resto de su filmografía explora la complejidad de las relaciones familiares y amorosas, prestando especial atención a la homosexualidad, de acuerdo con su propia condición gay. Arranca con una reunión de amigos veinteañeros, dentro de poco Maxime dejará el país rumbo a la lejana Australia, y todo el grupo se reúne en una casa de la familia de Matthias. Éste tiene miedo de que su hermana Erika les estropee la diversión, porque está estudiando cine, y va a estar también en la casa; y en efecto, acaba enredándoles en el rodaje de un corto, donde Maxime y Matthias deben darse un beso en una de las escenas. Tal circunstancia despertará recuerdos y atracciones reprimidos desde la adolescencia, porque se ve que se gustan bastante más de lo que justifica la amistad y la camaradería. Lo que pone patas arriba el mundo de Matthias, que se debe cuestionar cómo ha enfocado su vida hasta ahora, al compartirla con una mujer. Dolan sigue mostrando su dominio de la puesta en escena y la dirección de actores, y es hábil a la hora de definir personajes, que nunca parecen de cartón piedra. Y sabe reírse de la pedantería cinéfila de una estudiante que considera que algo puede ser al mismo tiempo impresionista y expresionista, o de las actitudes burguesas de la familia de Matthias. También pinta las dificultades de Maxime con su madre, a la que va a dejar atrás con su mudanza a Australia. De todos modos, en su desarrollo el film resulta premioso en exceso y se le nota su intención de aleccionar al espectador para que se cuestione sus preferencias sexuales, creando tensión con las situaciones incómodas que afrontan los protagonistas al rodar el corto –un recurso narrativo muy artificioso, pero que justifica toda la trama–, o acompañando, en el caso de Matthias, a un cliente, a un club de striptease.

Adaptación de la obra de teatro homónima de Jean-Luc Lagarce (1957-1995), muerto prematuramente de sida. Sin duda que aborda una temática profundamente personal y medianamente autobiográfica, que el canadiense Xavier Dolan ha encontrado también próxima, aunque reconoce que su primer acercamiento al texto escénico de Hasta el fin del mundo no le produjo especial emoción, tuvo que pasar el tiempo antes de que se produjera cierta conexión. El film describe el regreso a casa de Louie, tras doce años de ausencia. Escritor afamado y homosexual, se está muriendo de una enfermedad innombrada que su familia –la madre, el hermano mayor casado Antoine y su esposa Catherine, la hermana pequeña Suzanne, a la que apenas conoce– ignora por completo. Ellos están asombrados de su repentino e inesperado interés por propiciar una reunión familiar, pero lejos de convertirse aquello en la ocasión idónea para limar asperezas y conseguir algo parecido a la reconciliación, enseguida saltan chispas de resquemores e incomprensiones, que dificultan mucho expresar lo que verdaderamente sienten unos y otros, sincerarse. Dolan tiene el mérito de, sin ocultar el origen teatral de su propuesta, concederle una puesta en escena –fotografía, juegos de luces, breves flash-backs, inserciones musicales...– que convierte la experiencia en cinematográfica. No obstante las reacciones de los personajes a veces parecen exageradas, y como la idea es mantener al espectador en la oscuridad de qué ha envenenado las relaciones, y sólo sugerir que algo terrible sucedió, el conjunto a veces se antoja un tanto impostado, a pesar del buen hacer actoral de todo el reparto, donde sobresalen el contenido protagonista Gaspard Ulliel, o la torpeza del apocado y sensible personaje de Marion Cotillard.

Die es una madre viuda, que no lo tiene fácil para ganarse la vida. Su hijo adolescente Steve presenta además un cuadro de gran hiperactividad, lo que unido a un temperamento agresivo, provoca su expulsión del colegio. Aunque ambos se quieren, la relación es complicada, y la idea de educar a Steve en casa no parece de fácil cumplimiento. Pero casualmente tiene a una nueva familia vecina, y la madre, Kyla, maestra, está de baja laboral por motivos no aclarados. Como las dos mujeres congenian, y el chico se lleva bien con Kyla, acabará dándole lecciones particulares. El canadiense Xavier Dolan se esfuerza al fin en universalizar las cuestiones de sus películas, insistiendo en el tema de la relación madre-hijo. Y hay que reconocerle capacidad de riesgo, con el formato de pantalla casi cuadrado, que se abre en particulares momentos a panorámico, cuando los personajes respiran, en momentos de dicha y felicidad en que las cosas parece que pueden salir bien. También con el recurso artificial de iniciar el film con una imaginaria ley recién aprobada, que permite a los padres entregar al Estado la tutela de los hijos en casos particulares, preparada para propiciar el clímax de la película. El problema reside en el tono algo exagerado, enormemente crispado en ciertos momentos airados, con detalles desagradables, por no decir insanos, que podrían haber sido evitados, incluido el final, decididamente pasado de rosca. Pero el film es un paso en positivo en la carrera de un director con talento, que corre el peligro de quedarse en circuitos marginales.

Los altibajos a lo largo de diez años en la relación amorosa entre Laurence, un profesor de literatura que desea ser mujer, y su novia Fredérique, que trabaja como técnica en el mundo del cine, y que tiene muchas dificultades para encajar los problemas de identidad de su pareja. Familia y colegas de trabajo quedarán estupefactos cuando Laurence comienza a maquillarse y vestirse como una mujer. Larga, muy larga película del canadiense Xavier Dolan, que con sólo 23 años se atreve a abordar una compleja historia de ideología de género, que viene a plantear la idea de que cada uno se construye su propia identidad sexual, haya nacido biológicamente hombre o mujer. La impresión, que parece corroborar el resto de su filmografía, es que a Dolan, director y guionista, lo que cuenta le toca muy de cerca, forma parte de su mundo personal. Esa escena de petición del protagonista a su entrevistadora de que le mire a los ojos, se diría que está dirigida también al espectador, al que parece reclamársele, primero la tolerancia, y luego, quizá, la aprobación. Aunque puede resultar pertinente la crítica a la homofobia que presenta Laurence Anyways, en general el film parece concebido para justificar opciones personales, sin duda desgarradoras y dolorosas -la imagen del tipo que aguanta la respiración bajo el agua hasta que casi le estallan los pulmones-, bajo la idea de que hoy en día todo se puede hacer, como dice un personaje “el único límite es el cielo”. En cualquier caso la narración fílmica resulta muy artificiosa, la película tiene brillantez visual, pero también parece recargada en exceso, ahí está el barroquismo de los nuevos amigos de Laurence. Sea como fuere no dejamos de estar ante una historia marginal, y ello aunque se deslice la muy discutible idea de que todo el mundo tiene un gay en el fondo de su armario. Los momentos más intensos son aquellos en que los protagonistas se tiran los trastos a la cabeza, lo que resulta un recurso algo fácil para elevar la tensión dramática en una historia que cansa.