Julian Wadham

Desde que era un niño prodigio, Dovidl Rappoport se ha preparado para su gran momento de debutar tocando el violín en un prestigioso escenario londinense. Pero esa gran noche de 1951 no aparece, desaparece sin dejar rastro dejando colgada a la familia que le acogió, y al que era su gran amigo, Martin Simmonds. Con un juego narrativo de flash-backs y flash-forwards, se nos cuenta la infancia de Dovidl, cuando su padre judío residente en Varsovia lo dejó a cargo de los Simmonds, que prometen respetar sus creencias religiosas. El chico tiene un gran talento, pero es de carácter difícil, y el estallido de la Segunda Guerra Mundial y el incierto destino de su familia le hacen mella. El canadiense François Girard vuelve a abordar una trama donde tiene importancia primordial la música, como lo hiciera anteriormente en El violín rojo y El coro. En esta caso adapta una novela de Norman Lebrecht, que convierte en guión Jeffrey Caine, responsable de los libretos de El jardinero fiel –otra adaptación– o Exodus: Dioses y reyes, trama judía por excelencia, la bíblica historia de Moisés y el éxodo del pueblo de Israel. Girard acierta al crear intriga, y funciona la estructura narrativa de indagación sobre el paradero de Dovidl por parte de un Martin adulto, que le lleva a viajar a lugares diversos como Varsovia y Nueva York, y los recuerdos del pasado y de cómo se forjó la amistad de los dos protagonistas. Aunque hay algún momento más forzado, o del que se habría agradecido un mejor desarrollo –las mujeres en las vidas de ambos, apenas esbozadas, el otro músico polaco que perdió la cordura–, capta la atención del espectador, y se acepta el momento-revelación que tiene lugar la noche del concierto perdido, hay que decir que a partir de ese momento la película se eleva, con grandes momentos musicales. Y dejando espacio para las ideas de rechazo y aceptación de la voluntad de Dios ante las desgracias y el sufrimiento, siempre entretejidas en la historia del holocausto, el destino terrible de tantísimos judíos en los campos de exterminio como el de Treblinka. Los actores están muy bien, tanto en la versión adulta de sus personajes –Tim Roth y Clive Owen–, como en los que interpretan su infancia y adolescencia, estos absolutos desconocidos.

Winston Churchill es una de las grandes figuras políticas del siglo XX, no sólo de la escena británica, sino también del panorama mundial. En su larga carrera, jugó un papel principalísimo en las horas oscuras en que parecía que las hordas nazis de Hitler estaban destinadas a conquistar la Tierra. El film que nos ocupa sin embargo pone el foco de la atención en sólo dos días de la vida del premier inglés, las que precedieron al desembarco de Normandía. Y osa componer un retrato donde prima el lado más humano del mitificado Churchill. En efecto, la idea es mostrarle envejecido, y contrario a las ideas con que vienen los aliados americanos con Dwight Eisenhower a la cabeza, de pasar al continente por la llamada playa de Omaha, en una acción que sin duda tendrá un enorme coste en vidas humanas, y donde es crucial la discreción y que la climatología no juegue una mala pasada. El australiano Jonathan Teplitzky no es ajeno a la temática de la Segunda Guerra Mundial, en 2013 entregó Un largo viaje, que jugaba en dos tiempos con los traumas bélicos de los personajes de ambos bandos por su participación en la guerra del Pacífico. Su humanización del conflicto en aquella ocasión la traslada ahora al alto mando, para mostrar que el liderazgo y la determinación no están reñidos con las dudas y la conciencia de estar siendo relegado a un segundo término, una suerte de humillación, sentimientos que pugnan en el espíritu de Churchill, a quien trata de sostener Clementine, la gran mujer que tiene a su lado. Por parte de los americanos, Ike y otros oficiales, hay una mezcla de respeto al viejo mandatario, y la resolución de hacer lo que hay que hacer. Por eso resultan muy eficaces algunos planos en que los personajes se mueven con el telón de fondo de grandes escenarios, una interesante forma de subrayar los formidable problemas a los que se enfrentan los que dejan de ser simples seres humanos, con sus inevitables limitaciones. El guión de Alex von Tunzelmann que maneja Teplitzky es delicado, en ningún momento se cae en el dibujo grotesco del protagonista, algo a lo que ayuda la composición que hace de Churchill Brian Cox, imprimiéndole un fuerte carácter a pesar de su edad senil, con un enfoque diferente del que aportaba John Lithgow en The Crown, pero igualmente eficaz. Le respalda un buen reparto, con una convincente Miranda Richardson como su esposa, o el "mad man" John Slattery encarnando a Eisenhower.

1887. En Inglaterra se celebran las fiestas con motivo del cincuenta aniversario de la coronación de la reina de Victoria. Dos súbditos venidos de la India serán encargados de ofrecer un presente a la reina. A ésta le caerá en gracia uno de ellos, el joven y apuesto Abul Karim, un indio musulmán, optimista y bondadoso, que pronto se convertirá en su amigo y confidente, ante la desaprobación de la corte. Una historia sumamente adecuada para ser plasmada en pantalla por el británico Stephen Frears, debido al costumbrismo que desprende, y al respetuoso y a la vez realista y fresco retrato de la anquilosadas costumbres de la monarquía de Inglaterra, algo que ya ofreció con genialidad en La reina. Sabe mostrar así la aburrida y cuadriculada vida de una reina ya casi anciana, que ha de presidir todo tipo de eventos protocolarios con el espíritu de quien se siente sola, llevada de aquí a allá, esclavizada por su cargo y sus deberes, perdidos ya todos los alicientes políticos y sentimentales que podrían aliviar el tedio de sus obligaciones. Abdul será quien durante los últimos años de su vida le abra la puerta a la ilusión, a la naturalidad, quien ampliará su vista más allá de los ceremoniosos actos oficiales. Valiéndose del libro Shrabani Basu como material de apoyo, Frears logra una película emotiva y agradable, inspirada en hechos reales. El guión de Lee Hall (Billy Elliot) se muestra especialmente lúcido en algunos pasajes encaminados a perfilar los caracteres que ya quedarán definidos para el resto del film: la reina, Abdul, Mohammed, el secretario Sir Henry Ponsonby, etc. El inicio es modélico en este aspecto, además de incluir gags servidos por el director con sabio humor británico. Por el contrario, también se observa en el conjunto poca evolución argumental: una vez mostrada la unión especial entre la reina y Abdul (reducida a una especie de amor a primera vista, más que desarrollada en profundidad), y su no aprobación por los funcionarios de la corte (su hijo, su secretario y su médico, en primer lugar), la película se vuelve algo banal e insulsa, sin situaciones memorables. Correctamente rodada y ambientada, lo mejor de La reina Victoria y Abdul es sin lugar a dudas la composición de Judi Dench, que trabaja para Frears por cuarta vez en su carrera. No es la primera vez que se mete en el papel de la célebre monarca decimonónica, pues ya ofreció otra cautivadora interpretación de la reina en Su majestad Mrs. Brown, película de John Madden por la que fue nominada al Oscar. Aquí desde luego vuelve a ser dueña y señora del film, con escenas impresionantes –la confidencia de su soledad, la apología personal frente a sus tres estrechos colaboradores, sus palabras en el lecho de muerte– que confirman una vez más su talento y bien podrían ser merecedoras del Oscar.

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial se constituyeron tribunales internacionales para juzgar crímenes de guerra, de los cuales los más célebres son los de Nuremberg, que juzgaron las acciones de personas constituidas en autoridad del régimen nazi. Lo que dio pie al célebre film Vencedores o vencidos, de Stanley Kramer. Es menos conocido lo ocurrido en Japón, y esta miniserie viene a dar respuesta a esta ignorancia generalizada, al seguir la constitución de un tribunal en Tokio para juzgar las acciones de antiguos primeros ministros, ministros y diplomáticos, el llamado Tribunal Penal Militar Internacional para el Lejano Oriente. La serie se centra sobre todo en la relación entre los componentes del tribunal, de distintas nacionalidades, entre ellos un australiano, un canadiense, un neozelandés, un holandés –que es el hilo conductor, con las misivas que escribe a su esposa–, un soviético, un francés, un indio, un chino, un filipino, un británico. Y en las discusiones sobre la calificación jurídica de los hechos –inicialmente deben dilucidar entre crímenes contra la paz, crímenes contra la humanidad, y crímenes convencionales de guerra–, y el posible afán de venganza que podría dificultar que el juicio sea justo. Tampoco se escamotea el hecho de que el emperador Hirohito fue exonerado directamente, en el protectorado bajo el mando del general MacArthur se le consideraba una pieza clave para la reconstrucción del país y las necesarias reformas. Dirigida con oficio por Rob W. King y Pieter Verhoeff, es casi un docudrama y tiene interés sobre todo por los aspectos históricos, en lo dramático deja algo frío, incluso cuando se describen atrocidades como las cometidas en China. Todo está muy bien documentado, y se opta por ofrecer fragmentos del auténtico juicio en blanco y negro, que se mezclan con los de ficción, incluidos los planos de miembros del tribunal, que se ofrecen también en blanco y negro. En las discrepancias que surgen en el tribunal, a partir de las ideas del juez indio, pueden encontrarse ecos de Doce hombres sin piedad, pues al principio es el único que cuestiona los apriorismo de cómo se va a abordar el juicio, pero luego suma a su causa algunos puntos de vista coincidentes.

Un grupo de militares retirados se adentra en un bosque para dar con un búnker nazi abandonado, que oculta un misterioso y horripilante secreto. En él se llevaban a cabo experimentos con soldados para crear hombres indestructibles. Película de acción con tintes de terror, dirigida por Steve Barker, y que resulta agobiante por momentos, sobre todo en las escenas del búnker, cuando los mercenarios encuentran los cuerpos mutilados. A la cabeza del reparto está el grandullón Ray Stevenson (Roma).

Cuatro casos de intriga que debe resolver la señorita Marple, la madura heroína detectivesca creada por Agatha Christie, aquí interpretada por la británica Geraldine McEwan. En "Un crimen dormido" una joven de buena posición le pide ayuda por ciertas visiones que está experimentando en su recién adquirida casa en la costa. Todo podría tener que ver con un pasado infantil en la India que había olvidado. En "El caso de los anónimos", el veterano de guerra Jerry Burton y su hermana buscan la tranquilidad mudándose a vivir a un pueblecito. Pero allí resulta que alguien comienza a envenenar a la gente por medio de cartas anónimas. En "El cuadro", Marple comienza a investigar en una residencia de ancianos tras una muerte y una desaparición. Y en "El misterio de Sittaford", Clive Trevelyan, miembro del parlamento británico, es asesinado y todo parece relacionado con el hallazgo de una tumba egipcia.

1959. Ralph Compton narra las vicisitudes familiares en la zona del este del sur de África, lo que luego sería Swazilandia, justo en una época convulsa en donde las tropas británicas están a punto de abandonar el lugar. La historia responde de algún modo a la autobiografía del director Richard E. Grant, actor en películas como La edad de la inocencia o El pequeño vampiro, que aquí debuta en los apartados de guión y dirección, narrando sus recuerdos de infancia. La película, agradable de ver, cuenta con un sólido reparto y con una excelente banda sonora del compositor Patrick Doyle.

Beirut, años 50. Sally, una artista americana casada, emprende una aventura con Leo, corresponsal de prensa británico, y antiguo empleado del servicio de inteligencia de su país. Los dos rompen con sus familias, y se casan. La existencia de ella se convierte en una pesadilla cuando un mal día Leo se esfuma. Agentes del MI5 se presentan en casa de Sally con la horrible noticia de que Leo es un espía comunista, y que se ha ido al otro lado del telón de acero. Incrédula, Sally hará todo lo posible por averiguar la verdad. El film, pelín rutinario aunque Marek Kanievska se esfuerza tras la cámara, se inspira lejanamente en el caso real de de Kim Philby y su esposa Eleanor, acontecido en los años de la guerra fría. Y combina el thriller, la historia amorosa y la angustia por descubrir el engaño. Sharon Stone, que encarna a la protagonista, asegura que lo que le atrajo es que “ella sabe y no sabe, y que más tarde acaba por darse cuenta de que sí sabía. Pero sufre un duro golpe porque toma conciencia de que sólo sabe hasta cierto punto. Ésa es la complejidad y la fascinación que emana de interpretar este personaje.”

Tras la Segunda Guerra Mundial, el padre Lancaster Merrin sufre una aguda crisis de fe. Resulta que no puede sacarse de la cabeza las atrocidades cometidas por los nazis contra los feligreses de su parroquia de Holanda. En un intento de olvidar los sanguinarios sucesos vividos, viaja a El Cairo. Por su reputación como arqueólogo, el padre Merrin atrae a un coleccionista de antigüedades que le pide ayuda para conseguir una imagen de un templo cristiano, recién descubierto en la cercana región de Turkana, en Kenia. Cuando Merrin viaja a ese lugar, descubre que acontecen siniestros acontecimientos inexplicables, relacionados con el diablo. Más vale tarde que nunca. Tres décadas después de El exorcista, el terrorífico clásico de William Friedkin, llega ahora esta precuela, que reconstruye un asunto al que se alude brevemente en el original, el primer encuentro del padre Merrin con el demonio, en África. Filmada en los míticos estudios Cinecittà de Roma, la cinta ha contado con estupendos profesionales italianos, como el inigualable director de fotografía Vittorio Storaro. Stellan Skarsgård consigue sacarle partido a su personaje, haciendo incluso olvidar que en la cinta original lo interpretó Max Von Sydow. Y si bien, la cinta acumula tópicos del cine de terror, tiene un desarrollo efectista y carece de la escrupulosa documentación sobre la Iglesia católica del original, hará las delicias de los incondicionales del género.

Dos viudos pueden llegar a formar la pareja perfecta. Aunque él sea un duro promotor inmobiliario, y ella la esposa de un obrero que murió en la construcción de un edificio. Cuando a ambos les toca negociar la indemnización que merece ella, una hermosa gitana, Cupido hará de las suyas. Sheree Folkson firma una simpática comedia romántica, donde Jack Davenport (el comodoro Norrington de la saga de Piratas del Caribe) es el empresario que conocerá en sus carnes lo que es que los demás le tomen por un gitano.

Londres, 1930. Rosemary y Gordon, los eternos novios. Ella querría que él sentara la cabeza, y abandonara sus locas ideas de dedicarse a la poesía. Así que hará todo lo posible para que se casen de una vez. Adaptación de una novela de George Orwell, el film está lleno de una sutil ironía.

En los años de la Segunda Guerra Mundial, un inglés sobrevive milagrosamente a un accidente aéreo. Aparentemente amnésico, con el rostro desfigurado, el conde Laszlo de Almassy recuerda su apasionada relación amorosa, en el desierto egipcio, con Katherine Clifton. Ella es la esposa de uno de los hombres que le ayudan a trazar mapas para la Sociedad Geográfica Británica. Adaptación de una novela de Michael Ondaatje, ganadora del Booker Prize. Logró doce nominaciones al Oscar, de los que materializó nueve, incluido el de mejor película. Los entusiastas han elevado la película a la altura de Casablanca, la quintaesencia del cine romántico. Más dura será la caída, pues El paciente inglésno es la maravillosa historia de amor que algunos pretenden. Consiste, en todo caso, en el hábil relato de una pasión amorosa, teñida de fatalismo, a la que Almassy es incapaz de poner freno, y donde los intentos de Katherine por detenerla apenas son apuntados. Al marido engañado, tercer vértice del triángulo amoroso sobre el que pivota el film, apenas se le dedican unas tenues pinceladas. La habilidad está en la estructura del guión –Anthony Minghella elabora muy bien el entramado de flash-backs–, en el apoyo de la hermosa fotografía del desierto –debida a John Seale– y de los demás departamentos artísticos. Los actores están muy bien seleccionados y encarnan muy bien sus personajes, ya sean principales o secundarios. Donde debería amor, apenas hay otra cosa que egoísmo. Se puede entender que Almassy se enamore de una mujer casada, pero la ausencia de principios al enfocar la atracción, la disposición a sacrificar todo –la lealtad a la patria, la amistad, la propia vida mediante el suicidio o la eutanasia– en aras a ese supuesto amor, lastran al film privándolo de su teórica razón de ser: mostar un amor que va más allá de la muerte. Hay momentos emotivos –el amor entre la enfermera Hana y el militar hindú Kip propicia la hermosa escena de la contemplación de los frescos de una iglesia–, pero la película se resiente de su larga duración y de su planteamiento amoral de fondo.

Desde la segunda mitad del siglo XIX, varias oscuras organizaciones anarquistas comenzaron a conspirar en Europa contra los gobiernos. Estas organizaciones estaban formadas por personas idealistas, con fuertes convicciones y una fe en la utopía que hoy resulta difícil de comprender. La acción nos sitúa en Londres, año 1886. El agente secreto Verloe, al servicio del gobierno, tiene la misión de introducirse en uno de estos grupos. Una vez dentro, Verloe debe traicionarles, para que sus futuros atentados se vayan al traste. Pero poco a poco Verloe se siente atraído por la fuerte personalidad de los anarquistas. Una notable adaptación de la magnífica novela homónima de Joseph Conrad. Cuenta con un conjunto de intérpretes de excepción y está bien ambientada y narrada con destreza por Christopher Hampton, artífice de Carrington. La historia de este grupo de anarquistas interesa al espectador con mínimas inquietudes desde el principio. La composición musical corre a cargo del admirado Philip Glass.

En pleno siglo XVIII, el excéntrico rey Jorge III de Inglaterra está pasando por una depresión que deviene en locura. Sus súbditos no saben como detener sus absurdos y cómicos actos, y el príncipe de Gales empezará a pensar en relevarle en el poder. Nicholas Hytner (El crisol, Mucho más que amigos) dirige esta historia biográfica que está contada en clave de humor. El desaparecido Nigel Hawthorne obtuvo una nominación a los Oscar, al igual que Helen Mirren, (Oscar por La Reina), que además recibió la Palma de Oro en Cannes por su interpretación de la reina Charlotte. Ken Adam y Carolyn Scott, responsables de la dirección artística, se llevaron la estatuilla.

Nuevos capítulos de la serie británica que tiene como protagonista a Hércules Poirot, el agudo investigador creado por Agatha Christie, aquí espléndidamente encarnado por David Suchet. Se reúnen en esta temporada un total de once capítulos que corresponden a sus correspondientes novelas, todos ellos con una duración de 50 minutos. Se trata de una serie de casos perfecamente diseñados para entretener la sobremesa del espectador. Entre ellos, Poirot se las tendrá que ver con extrañas relaciones, robos, brutales asesinatos, intrigas espiritistas, tragedias familiares, etc.