Steve Zahn

Bernadette Fox es una enigmática mujer, de acusada personalidad, antaño arquitecta de prestigio, en la actualidad retirada de la vida pública en una urbanización de Seattle, ciudad a la que odia. Ahí vive con su esposo Elgie, programador gurú de Microsoft, y con su inteligente hija adolescente Bee. La chica logra arrancar a los padres la promesa de que se irán de vacaciones a la Antártida, un lugar que le fascina. Pero el ya habitual nerviosismo de Bernadette irá en aumento, lo que se manifiesta en un comportamiento impertinente con sus vecinas, en las compras electrónicas compulsivas con su asistente informático, y en el consumo de fármacos. Richard Linklater nunca defrauda. Estamos ante un cineasta interesado en el ser humano y sus motivaciones, algo que se trasluce en cada una de sus películas, desde la trilogía que inició con Antes del amanecer a la historia de veteranos de guerra La última bandera, pasando por su asombroso proyecto Boyhood, gestado a lo largo de doce años de paciente rodaje. Aquí aborda el tema del genio artístico, de su desarrollo y su posible frustración por dificultades que no se logran gestionar adecuadamente. En tal sentido, la cuestión de la arquitectura está introducida con gran realismo, de modo que el reportaje especial sobre uno de sus proyectos, colgado en internet, fascina, y se entiende la cuestión del corrimiento de tierras, o cierta idea que surge en un momento fundamental de la trama. Y ello está bien maridado con la dedicación informática de Elgie, terreno en el que es algo parecido a un geniecillo, aunque se le escapen ciertos problemas de Bernadette, o las aportaciones como “amateur” de Bee en una representación escolar, con un instrumento musical. Hay mucho e inteligente subtexto, como en la medalla de santa Bernadette, la vidente de Lourdes, y que alude a distintas visiones de las cosas que todos necesitamos para funcionar en la vida. La película adapta una popular novela de Maria Semple, y en el guion, además de Linklater, han intervenido Holly Gent y Vincent Palmo Jr., que ya habían colaborado con él en Me and Orson Welles. Y se combina sabiamente el drama por la crisis familiar, por los problemas psíquicos y de convivencia de ella, pero también por la excesiva dedicación al trabajo de él, y los temores que surgen alrededor de la próxima partida de Bee a un internado. También tienen interés las relaciones humanas con las vecinas, donde se pinta ese ambiente que vienen retratando series como Mujeres desesperadas y Big Little Lies, de mujeres casadas y madres que tratan de brillar en su vida social. Ahí hay espacio para lo tragicómico. Una vez más Linklater acierta con un magnífico reparto, donde brilla Cate Blanchett, perfecta como neurótica asocial artista con encanto, verdaderamente esta mujer se transfigura en cada papel que asume, y es lo más parecido a una Katharine Hepburn que tenemos en la actualidad. También demuestran gran nivel Billy Crudup o Kristen Wiig, aunque merece la pena destacar el trabajo de la recién llegada Emma Nelson como la hija, está sencillamente maravillosa.

Intrigante serie televisiva de corte fantástico y de ciencia ficción, más cercana en planteamientos a Perdidos y Los 4400 que a The Leftovers, la angustia vital de la tercera no está aquí tan presente. La premisa atrapa, y la duda es si después del piloto sus creadores, Jay Beattie y Dan Dworkin, serán capaces de mantener el interés despertado. Pues las imágenes del arranque, la playa de un pueblecito costero estadounidense con cientos de cuerpos flotando en el mar, impactan. Jude, el sheriff local, es el primer alertado ante la aparición de un cadáver, que luego resultan ser muchos, junto también a varias decenas de supervivientes. No está claro de donde vienen estas personas, que podrían ser refugiados en busca de asilo, que tratan de traspasar las últimamente impenetrables y poco acogedoras fronteras de Estados Unidos. Ellos aseguran venir del futuro, han logrado viajar en el tiempo y ponerse a salvo de lo que el porvenir reserva para la humanidad para dentro de unos siglos. Y hablan de unos seres humanos evolucionados, los apex, que podrían haber viajado antes que ellos para ocupar puestos clave de la sociedad. La definición al principio ambigua de héroes y villanos, por las motivaciones poco claras, junto a los clásicos dramas familiares, relaciones padres-hijos, familias rotas, incipientes enamoramientos, prepotencia de los federales, el FBI trata a los policías locales como si no estuvieran preparados para afrontar la crisis... Estos elementos, bastante familiares, sirven par ofrecer una trama distópica a la que conviene prestar atención. Los actores no son excesivamente conocidos, los más populares son Steve Zahn y Sandrine Holt, poli y agente del FBI respectivamente. Y firma el piloto uno de los directores veteranos de Expediente X, Rob Bowman.

Semblanza musical de Blaze Foley (1949-1989), cuyo verdadero nombre era Michael David Fuller. Blaze fue un músico outsider, que se movió en el terreno del country y del folk-blues y dejó una huella imborrable en la tradición del movimiento Texas Oulaw Music, que tuvo eminentes representantes en Merle Haggard o Willie Nelson. Blaze fue un tipo singular, compositor de genio, poético, capaz de embelesar a la concurrencia con sus baladas, que, lejos de grabaciones comerciales, fueron tocadas por el camino, guitarra en mano, en muchos bares y locales rurales, y pusieron sus cimientos para la inmortalidad. Porque Blaze, como él mismo dice en la película, no deseaba ser una estrella, más bien prefería ser una leyenda. Y es que las buenas canciones duran para siempre. El actor, guionista y director Ethan Hawke es un tipo inquieto. Su faceta artística no sólo incluye el ámbito cinematográfico, sino también el teatro y la literatura. Y se ve que este proyecto es muy personal, algo propio de una visión artística fuera de las esclavitudes de la moda y el negocio. Y está mimado hasta el extremo. Vierte así en este film una visión tierna y mitificada del artista desnudo, auténtico, de vida desarrapada y errante, anárquico y visceral, aunque sin endulzar el resultado. Blaze se basa en las memorias de quien fuera su esposa, Sybil Rosen, que también ejerce de coguionista, y cuya relación con el músico vertebra prácticamente todo el film y lo sitúa en una vertiente romántica y trágica a la vez, en la línea de las dificultades afectivas del artista sin fisuras, incapaz de instaurar orden en su vida familiar –la pareja llegó a abortar a su hijo– y de comprometerse más allá de lo que él considera una vida libre. Narrada de modo desestructurado, Hawke comienza su film con una entrevista radiofónica a sus amigos artísticos, que hablan de la prematura y trágica muerte del músico a causa de un disparo ajeno. La trama serpentea entonces por dos fases de la vida de Blaze, la centrada en su última actuación y la que recoge diferentes eventos de su vida, sobre todo en lo referente a su relación amorosa con Sybil. Y todo el film, absolutamente todo, está trufado de las baladas del genial músico, muchas veces como temas de fondo aunque la mayoría proceden del propio desarrollo argumental, bajo la sentida interpretación directa de un asombroso Ben Dickey, que parece completamente mimetizado con el personaje. También está estupenda Alia Shawkat. Destaca además un extraordinario tratamiento fotográfico de Steve Cosens, pleno de colores tostados y nocturnos que impregnan de nostalgia la película. Blaze nace para ser minoritaria, una rara avis del cine actual, pero que los amantes de la música, de las canciones populares, de los creadores de raza apreciarán sin duda como un soplo de aire en medio del desierto.

César está a punto de conducir a la comunidad de simios que lidera a una tierra prometida, donde no faltan los suministros de agua y comida. Pero llega al bosque en el que se refugia un grupo de humanos conducido por un siniestro individuo que se niega a escuchar las ofertas de paz de César, así que ataca con saña, con la presencia de algún mono traidor en sus filas. Tras las trágicas consecuencias, los primates tendrán que apañárselas para llegar a su destino sin su máximo dirigente, ya que éste emprenderá un viaje para arreglar un asunto personal con el enemigo, acompañado por un reducido grupo de ayudantes. Digno colofón a la trilogía en la que le preceden El origen del Planeta de los Simios (2011) y El amanecer del Planeta de los simios (2014), que además termina de explicar por qué Charlton Heston se encontró el panorama desolador de El planeta de los Simios (1968), adaptación de la novela distópica de Pierre Boulle. No faltan las referencias un poco frikis, que agradarán a quienes conozcan bien el original, como la presencia de algunos de sus personajes, años atrás. Pero también se alude a alguna película mesiánica, en especial a una de las más conocidas, del actor del clásico de la ciencia ficción, para añadirle relevancia al personaje central, el ya conocido César. Repite como director y coguionista Matt Reeves, que ya se ocupó de la segunda, tomando el relevo de Rupert Wyatt. No tiene miedo a alternar espectaculares secuencias de batalla, con largos momentos dialogados. Por esta razón, quizás tenga más altibajos de ritmo que sus predecesoras, pero supone un más difícil todavía, pues tras una primera entrega humana con algún simio, y una continuación en la que ambas especies tenían el cincuenta por ciento de importancia, ahora acaparan el protagonismo absoluto los monos. Estos personajes están bien descritos, se entiende por qué varían sus emociones. El especialista en captura de imagen Andy Serkis parece superarse a sí mismo, se nota mucho su presencia tras el protagonista digital, pero también su séquito tiene carisma, véase Mal Simio (Steve Zahn), Rocket (Terry Notary) y Maurice (Karin Konoval). Ayuda que los efectos especiales hayan ido avanzando estos años, y eso que ya la primera entrega impresionaba; atención a las impactantes secuencias de masas. Acompaña a los simios un convincente reparto de humanos, donde en realidad casi todos los diálogos los tiene Woody Harrelson, como coronel renegado que trae a la memoria al coronel Kurtz de Apocalypse Now (atención a las pintadas que dicen “Ape Pocalypse Now”, que sería algo así como “Apocalipsis simio ahora”), ¡hasta explica sus motivaciones en un monólogo, como Marlon Brando! No desmerece la sorprendente niña Amiah Miller, pese a que tiene un papel mudo. La guerra del Planeta de los Simios contrapone dos tipos de líderes, el veterano al que la edad le ha dado una amplia perspectiva de las cosas, cuyas reflexivas decisiones conducen a salir adelante dejando vivir a los demás, frente al fanático ofuscado, que se impone desatando el miedo, cuyo odio sólo puede llevar a la tragedia. El camino que separa a ambos es muy estrecho, si nace el deseo de venganza en el primero, tiene posibilidades de derivar en el segundo. Se debe mencionar la trabajada banda sonora de Michael Giacchino, que la mayor parte del tiempo se limita a subrayar sutilmente lo que expresan las imágenes, pero que cuando arranca en el tramo final encandila.  

Charlie es un adolescente, establecido recientemente en las proximidades de Portland. El chico añora algo parecido a un hogar: la madre les abandonó siendo él muy pequeño, el padre le quiere pero es un mujeriego que se mete fácilmente en líos. Echa en falta especialmente a su tía, de la que conserva una fotografía con él de niño. Casualmente conoce a Del, un tipo que malvive entrenando caballos de carreras. Aunque no es perfecto, es buena persona y le da trabajo. Lo que propicia el encariñamiento de Charlie hacia un caballo de cinco años, Lean on Pete, que fácilmente podría acabar en el matadero cuando deje de resultar rentable. Chaval, caballo, carreras. Con estos elementos se puede entregar con facilidad y en el mejor de los casos una película previsible. Lean on Pete no lo es, sorprende gratamente por su realismo y contención, no busca la emoción y la lágrima fáciles, y lo que vemos resulta creíble, lo que no necesariamente significa desagradable, y también conmovedor. Quizá el film es algo largo, con pasajes algo extendidos, pero tiene sentido el riesgo de tomarse un tiempo para contar bien lo que se pretende. Andrew Haigh (45 años) adapta una novela de Willy Vlautin, que muestra con habilidad el proceso de maduración del protagonista, un magnífico Charlie Plummer, visto recientemente en Todo el dinero del mundo. Al chico le toca soportar la mayor parte del peso de la película, en gran parte acompañado del caballo que da título al film, y sale airoso del difícil reto. Resulta muy creíble como joven sensible, capaz de conectar con las personas, sometido a duras pruebas, y que desarrolla una relación muy especial con Pete. El director y guionista sabe ir mostrando además una amplia galería de personajes en el periplo de Charlie hacia Laramie, Wyoming, buen reflejo de parte del paisaje humano de Estados Unidos que a veces los medios y los políticos se empeñan en ignorar, donde todos los actores están muy bien: Travis Fimmel, el padre, Steve Buscemi, el entrenador, Chloë Sevigny, la jockey, y Steve Zahn, el tipo que le acoge en la caravana, pero también otros secundarios desconocidos de breve presencia en roles camareros, veteranos de Irak, encargados de un establecimiento, una joven obesa que vive con su abuelo… No hay un empeño a toda costa por entregar una película "bonita", ni se juega de modo desproporcionado con la incertidumbre del resultado de las carreras. La película es sobre todo, muy humana –equina también, por supuesto–, y por ello, bella.

Ben y Leslie Cash decidieron llevarse a sus hijos a vivir en lo más profundo de un bosque de Oregón, donde crecen sin comodidades, entrenando duramente cada día, y leyendo libros sesudos, mientras llevan una vida propia de los hippies a medio camino con el comunismo. Pero la madre sufre transtornos depresivos, por lo que acaba ingresando en un sanatorio psiquiátrico en el que se suicida. Ben decide acudir con su prole al funeral de su esposa, a pesar de que su suegro le ha advertido de que le denunciará si aparece. Matt Ross, más conocido como actor, por su papel del duro hombre de negocios Gavin Belson, en Silicon Valley, ha escrito este film, con puntos en común con La costa de los mosquitos, de Peter Weir, y otras cintas que critican la civilización e idealizan el entorno natural. Dan en la diana algunas reflexiones en torno a la educación, y la superficialidad de la sociedad moderna, que provoca que muchos jóvenes estén más preocupados por los videojuegos que por la historia de su propio país, o que coman de forma desordenada dando lugar a problemas de obesidad. Viggo Mortensen forma con los jóvenes que interpretan a sus hijos un sólido reparto, mientras que resulta un acierto haberle puesto como antagonista a Frank Langella, un sólido actor que defiende bien el punto de vista opuesto del abuelo. El autor del film parece obsesionado con criticar y caricaturizar a la Iglesia, como si la considerase responsable de todos los males de occidente. Además, aunque en el último tramo del film el inteligente guión pone en solfa la solidez de una familia tan radical como la que protagoniza el relato, se nota que todas sus simpatías están con ella.

Tommy Stockburn, blanco que vive con los indios, parte en busca de su progenitor, forajido secuestrado por una banda con la que mantiene una deuda. Por el camino, Tommy descubrirá que tiene cinco hermanos, que querrán ayudarle en su cometido. La plataforma de emisión en streaming Netflix suele lograr buenas críticas con sus series (House of Cards), que revalidó con Beast of No Nation, de Cary Fukunaga, su primer largometraje creado especialmente para su estreno online. Pero se estrella del todo con el segundo, The Ridiculous 6, uno de los films más ridículos, valga la redundancia, de la carrera de Adam Sandler, que ha dejado muy atrás la calidad de El chico ideal, aquella cinta que al principio de su carrera hacía presagiar otra cosa. Aquí vuelve a ponerse a las órdenes del realizador de aquélla, Frank Coraci, que sin embargo en estos años ha perdido gas. Quizás por la aparición del veterano Nick Nolte, el único que logra mantener el tipo como padre del protagonista, The Ridiculous 6 empieza con cierta fuerza. Pero enseguida todo se va al traste por el abuso del humor escatológico (un numerito basado en las deposiciones de un burro da vergüenza ajena) y hasta machista (las mujeres de la tribu tienen nombres como Zorra Fumadora o Sin Sostén, ¡en la línea del cine de Antonio Ozores!). La acumulación de gags con poca chispa deriva en una sensación de que el metraje se alarga innecesariamente. En una línea que recuerda a las secuelas de Torrente, el protagonista, también productor y coautor del guión, cuenta con el apoyo de numerosos 'amiguetes', dispuestos a hacer el tonto, pero totalmente desaprovechados. Así, aparecen por la pantalla los conocidísimos Steve Buscemi, Danny Trejo, Steve Zahn, John Turturro, y Vanilla Ice, entre otros. En suma, un cocktail de humor y western más cercano a la desastrosa Mil maneras de morder el polvo que a la brillante Maverick.

Remake de la serie británica del mismo título, arranca con la reunión de cinco amigos en la casa de uno de ellos en Belice, en Centroamérica, en un lugar costero de aguas cristalinas verdaderamente paradisíaco. Promete ser aquel un encuentro lleno de diversión, donde disfrutarán de la fortuna de Milo obtenida de forma más que dudosa. Tanto que se ven enredados en una sangrienta trama, donde un tipo con una máscara les amenaza brutalmente, deben devolver el barco sustraido a su jefe por Milo, operación en la que los otros se han convertido en cómplices sin saberlo. La trama desarrollada por Chris Cole engancha, pero a la vez resulta demasiado extrema en su violencia y en el recurso a un humor negro no apto para todos los paladares. La idea es que cuando la propia supervivencia está en juego, el ser humano puede sacar a flote sus peores instintos, y la amistad puede dejar de serlo; y que con frecuencia depositamos las esperanzas de nuestra felicidad en metas que no merecen la pena. Con estos mimbres se van desarrollando los desafíos y sorpresas a que se enfrentan los personajes, con un reparto de caras conocidas –Ben Chaplin, Michael Imperioli...–, aunque no son actores de primerísima fila.

Temporada final de la serie, en donde la recuperación anímica del paso del huracán Katrina ya casi se ha asentado por completo. En esta nueva entrega podemos observar nuevas decisiones que afectarán por última vez a nuestros protagonistas en su camino de redención personal, encuentro con el perdón y concepción de una nueva esperanza. Treme llega a su final en una temporada que cuenta con tan sólo cinco capítulos. El capítulo final está dirigido por la prestigiosa Agnieszka Holland.

La historia auténtica de Ron Woodroof, un electricista de vida promiscua, con fama de “machote”, que en 1986 queda estupefacto cuando los médicos le diagnostican que tiene sida -“una enfermedad de maricas”, a su entender- y que sólo le resta un mes de vida. Tras la incredulidad viene la desazón, y luego un verdadero deseo de aferrarse a la existencia, primero con AZT obtenido clandestinamente, y luego, dada su alta toxicidad, buscando medicamentos alternativos, lo que pondrá en su contra a la industria farmacéutica y a los reguladores de nuevos fármacos cuando trata de darles una amplia difusión entre los enfermos seropositivos. Con un guión de Craig Borten, que entrevistó largamente a Woodroof antes de su fallecimiento, para luego trabajar en equipo con Melisa Wallack, el film desprende autenticidad en casi todo su metraje, la excepción serían algunos de los pasajes en que se arremete contra los agentes sanitarios y reguladores, que resultan un tanto convencionales, aunque al menos se intenta no convertirlos en villanos de opereta, y se pone el dedo en llagas interesantes del mundo médico, que pueden dificultar el tratamiento de los enfermos, como la burocracia o los intereses económicos. El canadiense Jean-Marc Vallée, que ya abordó una historia real en La reina Victoria, cuenta con garra su historia, aunque tambiéndescarnadamente, sobre todo en las reiterativas escenas sexuales. Matthew McConaughey hace un buen trabajo, no sólo por su demacrado aspecto al estilo Christian Bale en El maquinista, sino porque hace creíble el arco de transformación de su personaje, en relación a su egoísmo y a sus prejuicios, pues acaba viendo personas en los homosexuales y empleando su dinero en ayudar a otros enfermos. También resulta muy convincente Jared Leto como el travesti Rayon, al que Woodroof llega a apreciar.

Cuando a Joe, aspirante a cantante, le deja su novia, sus amigos Eric y Hung deciden llevárselo a pasar un fin de semana de rol en vivo. Y es que Eric y Hung son frikis de las historias fantásticas y junto con otros muchos pirados participan a menudo en aventuras campestres, en donde juegan a batallas, hechizos, luchas con monstruos, etc. Pero, esta vez, un extraño conjuro que pronuncia Eric con un libro mágico se hace realidad, y en medio de la fiesta todos los participantes se verán atacados por una criatura demoniaca. Barata y a ratos divertida parodia de las películas de aventuras fantásticas de toda la vida, al estilo El señor de los Anillos, Dragones y mazmorras o Juego de tronos. De hecho, es gracioso ver a Peter Dinklage (por ejemplo), reírse de sí mismo como caballero con armadura... La película reúne a unos cuantos actores conocidos y la historia tiene el ritmo requerido. Sin embargo, todo es tan friki, tan amateur y tan disparatado que acaba por tener poca gracia.

Más episodios sobre la reconstrucción física y anímica de una ciudad. Tras el paso del huracán Katrina había mucho que recomenzar en Nueva Orleans. Primero fueron llegando las personas, pero dentro del caos, la delinciuencia y el crimen campeaban a sus anchas. En esta temporada empezará a llegar el dinero necesario para que la vida en la ciudad comience a ser más o menos normal, aunque habrá que esperar a que la justicia y los políticos también se asienten... El actor Tim Robbins dirige uno de los episodios, el 7 para ser exactos, de un total de 10.

Segunda temporada de esta original serie norteamericana que narra las trágicas consecuencias que dejó el huracán Katrina a su paso por Nueva Orleáns. En esta temporada seguimos tras las huellas de los distintos personajes, hombres y mujeres de todo tipo y ocupación, que vieron cómo sus vidas y su pasado se los llevaba el agua. Asistiremos a su puesta en marcha de nuevo y a su ejemplar y difícil acomodo a su modo de vida. Creada por David Simon (célebre gracias a The Wire (bajo escucha)), esta temporada consta de 11 episodios y cuenta con algunos dirigidos por cineastas conocidos, como Brad Anderson, Tim Robbins, o Agnieszka Holland.

Greg inicia un nuevo curso en el instituto, en que se siente más seguro dentro de su condición de pardillo algo cobardica. Pero esta vez su hermano mayor Rodrick va a ponerse especialmente insoportable en sus esfuerzos por hacerle la vida imposible. Secuela de Diario de Greg, que retoma las andanzas de los personajes creados por Jeff Kinney, primero en internet, y luego en papel en diversas novelas gráficas, popularísimas en el mundo anglosajón. Se trata de una película familiar elemental, cuya idea principal es ahondar en las relaciones fraternales entre un preadolescente y un completo adolescente, pintando primero las diferencias que surgen, para luego invitar a superarlas a través de la comprensión mutua y el sacrificio por el otro. Dirige la cinta un especialista en títulos infantiles animados, David Bowers, responsable de Ratónpolis y Astro Boy.

Una serie sobre la adversidad y el espíritu humano, ubicada en Nueva Orleans, tras las secuelas que dejó el mayor desastre natural de la historia americana. Personas corrientes –músicos, chefs, residentes– se ven aferradas a una cultura única y se preguntan si la ciudad que vio nacer ese estilo de vida sigue teniendo futuro. David Simon, creador de The Wire (Bajo escucha), está detrás de esta serie que brilla por su originalidad. Sigue los pasos de diversos personajes corrientes –músicos, chefs, residentes– de Nueva Orleans, afectadas por el huracán Katrina. Tiene el tono de las cintas del cine independiente estadounidense, y cuenta con la colaboración de la cineasta polaca Agnieszka Holland, que dirigió el episodio piloto.

Greg es un preadolescente que trata de encontrar su sitio en el colegio, lo que no le resulta fácil pues está rodeado de matones, pardillos, acosadores, etc. Greg decide recoger sus peripecias para sobrevivir en el lugar en un diario. Allí aparecen todos los planes que no se puede perder. El problema es que Greg es un poco pardillo también y por mucho que vaya de rebelde, sus planes no suelen salir como esperaba. Película inspirada en las historietas y dibujos que durante años colgó en internet Jeff Kinney. El éxito fue abrumador, por lo que se empezaron a recopilar estas historias y ponerlas sobre papel en 2006. El resultado fue también excelente, de ahí que la adaptación cinematográfica no se hiciera esperar.

Cliff y Cydney están de luna de miel en inaccesibles paisajes de ensueño en Hawai. Lo que coincide con los crímenes de una pareja de chiflados no identificada, que asesina a recién casados. En tal tesitura van a conocer a dos parejas, y ambas no parecen estar demasiado en sus cabales. ¿Será una u otra la responsable de los horrendos asesinatos? Serie B de David Twohy, responsable de Pitch Black y su secuela, Las crónicas de Riddick. El director y guionista no engaña a nadie en sus modestas pretensiones, ofrecer un entretenido thriller con muchos de sus elementos típicos, tensión, falsos sustos, pistolas y cuchillos con sus heridas correspondientes, y edénicos baños sin ropa. Aunque es reiterativo, y cansan las conversaciones supuestamente ingeniosas -Cliff es guionista de cine, y uno de sus acompañantes fue veterano en Irak-, se las arregla en cierto momento para dar un vuelco a la trama: quizá tal sorpresa sea algo tramposa, pero es lo que hay. El reparto es resultón, con Steve Zahn y Timothy Olyphant en el capítulo masculino y Milla Jovovich y la chica de Perdidos Kiele Sanchez en el femenino.

Peter y Fred son dos amiguetes que presentan un programa televisivo sobre naturaleza y vida salvaje. Como éste cada vez tiene menos audiencia, deciden buscar algún tipo de documental que pueda devolverles el éxito. Al final, se decantan por ir a Los Andes, en busca del legendario Bigfoot. Si logran imágenes del monstruo, su programa se hará muy popular. Steve Zahn (Sahara) protagoniza esta versión cinematográfica de una serie de sketches que aparecieron originalmente en el programa Saturday Night Live. Parodia los documentales de naturaleza televisivos.

La familia Lorkowski. Un padre y dos hermanas treintañeras. Sus vidas son difíciles en la ciudad de Nuevo México donde viven. Rose se dedica limpiar casas, es madre soltera y arrastra desde hace años una relación adúltera con el padre del niño, un amor de instituto que acabó casándose con otra. Norah es algunos años menor que Rose y lleva a rastras una existencia sin orden ni concierto, por lo que es despedida de todos los precarios empleos que consigue. Por su parte, Joe dedica la mayor parte del tiempo a cuidar de su nieto y es un hombre más bien tirando a serio y sin planes de futuro. Entonces, en un momento de especiales necesidades económicas para Rose, surge la posibilidad de montar un curioso negocio que consiste en limpiar las casas donde ha tenido lugar una muerte o un crimen. Ni que decir tiene que el trabajo es desagradable, pues aunque se lleva a cabo cuando ya se han llevado el cadáver, la mayoría de las veces se trata de muertes sangrientas, en lugares infectos, etc. Rose y su hermana Norah fundarán la empresa Sunshine Cleaning y empezarán a conocer el negocio. La película va de menos a más, y finalmente deja muy buen sabor de boca. Y es que después de una primera media hora dubitativa, y que hace presagiar un film sin ideas, con lugares comunes y de corte nihilista, el engranaje de la familia Lorkowski acaba enderezándose con fuerza y tomando forma hasta desembocar en una historia como Dios manda. De modo que, tras la deprimente Sylvia, la directora Christine Jeffs sale airosa con su siguiente film, bastante más optimista, cinco años después. Mucho tiene que ver el aire tragicómico e independiente que aporta a la narración y el estupendo y comedido guión de la debutante Megan Holley (una mujer a tener en cuenta), repleto de pequeños detalles llenos de verismo, de pura realidad. El film está producido por gran parte del equipo responsable de Pequeña Miss Sunshine, y ciertamente Sunshine Cleaning tiene, además del título, claras similitudes con ese famoso film premiado con el Oscar al mejor guión. Aparte de la puesta en escena y la presencia del formidable Alan Arkin, esta película indaga igualmente en las relaciones familiares problemáticas y en cómo las dificultades, sin desaparecer, pueden superarse con amor y entrega a los demás. Los corazones rotos pueden seguir latiendo y luchando en una familia unida. Mención especialísima merece el reparto, con la fantástica Emily Blunt y sobre todo con Amy Adams, quien lleva el peso de la trama con su papel de Rose. Su ternura, ingenuidad, tristeza, amor y alegría son increíblemente transparentes y tan luminosos como el nombre de su empresa.

Sue Claussen, vendedora ambulante de artesanía, conoce a un atractivo joven, Mike Cranshaw, en el motel donde ha vendido unos cuadros. Tras pasar la noche con él, Sue se marcha precipitadamente, y emprende una ruta por todo el territorio estadounidense, en busca de más compradores. Pero Mike se ha enamorado y decide perseguirle hasta donde sea para reunirse con ella y confesarle lo que siente. Jennifer Aniston y Steve Zahn protagonizan una romántica comedia, que supone el debut como director del guionista Stephen Belber, responsable de Tape (La cinta), y que también es el autor del libreto.

Durante la guerra de Vietnam, Dieter Dengler, un piloto germano-americano, intenta sobrevivir en Laos después de que su avión haya sido derribado. Capturado y torturado por el enemigo es enviado a un campo de prisioneros. Allí, intentará poner en marcha un plan para escapar junto con otros prisioneros. Atípica cinta de Herzog, que por una vez se adentra en el género bélico, con una película que retoma una de sus obsesiones autorales: la relación del hombre con la naturaleza. El realizador alemán versiona en clave de película dramatizada su documental El pequeño Dieter quiere volar, sobre un personaje real, que está interpretado por Christian Bale.

El francés Luc Besson escribe y produce un western repleto de elementos humorísticos, protagonizado por Penélope Cruz, a quien ya produjo en la fallida Fanfan la tulipe, y su amiga Salma Hayek, que llevaban algún tiempo queriendo trabajar juntas.  Besson brinda la oportunidad de debutar en el largometraje a dos directores noruegos, los treintañeros Joachim Roenning y Espen Sandberg, que proceden del mundo de la publicidad. El argumento recuerda a algún que otro clásico del western. Tyler Jackson y sus hombres, que supuestamente trabajan para un banco neoyorquino, aterrorizan a los habitantes de Santa Rita, una tranquila localidad mexicana, para obligar a sus habitantes a vender sus tierras por un dólar. María Álvarez, humilde hija de un granjero herido por la banda de Jackson, decide unirse a la malcriada burguesa Sara Sandoval, cuyo padre, director del banco, ha tenido peor suerte y ha sido asesinado. Juntas atracan el banco del padre de Sara, para entregar el dinero a los campesinos extorsionados, al más puro estilo de Robin Hood. Los inexpertos cineastas parecen convencidos de que los gags funcionarán mejor si sus actores gesticulan exageradamente, lo que da al traste con la credibilidad de la película. Tampoco dan con el tono de cine de aventuras clásico que supuestamente pretenden, parten de un guión absolutamente fallido y carecen de presupuesto para rodar secuencias de acción que tengan un mínimo de espectacularidad. En suma, una oportunidad fallida de recuperar el western, único género inventado por el cine.

Penélope Cruz afianza su andadura americana con esta ambiciosa producción que mezcla aventuras, comedia y romance, por este orden, y que bebe sin secretos de la herencia de Indiana Jones. La actriz española es la intrépida doctora Eva Rojas, que en su trabajo solidario en tierras africanas acaba de descubrir una extraña infección mortal que se está propagando por la indefensa población. En su intento por llevar la salud a los afectados se topa con un simpático explorador norteamericano, llamado Dirk Pitt, quien junto a su desmelenado amigo Al Giordino se dedica a recorrer el mundo subacuático en busca de tesoros antiguos. Ahora, Pitt y Giordino han encontrado una valiosa moneda de oro procedente de la época de la Guerra de Secesión americana, un tesoro corriente para ellos si no fuera porque no están precisamente en el río Mississippi, sino un poquito más al Este, junto al cauce del río Níger, ¡en pleno desierto del Sahara! Una vieja leyenda de aquellas tierras de fuego dice que hace muchos años un barco recaló por allí, el llamado “Barco de la muerte”… Y, según la historia, un tesoro se ocultaba en esa nave y Pitt quiere recuperarlo. Entretenido film dirigido por Breck Eisner, basado en las peripecias de Dirk Pitt, el personaje literario creado por el escritor Clive Cussler y protagonista de múltiples de sus libros. La película, que ha contado con un presupuesto de 130 millones de dólares, resulta visualmente espectacular en sus desérticos escenarios, y el guión esquemático se enriquece con vibrantes y constantes secuencias de acción (fantástica la escena del río). El McConaughey y su Cruz se complementan bien, y a Steve Zahn le toca ser el graciosillo de turno (la verdad es que sus chistes son un verdadero acierto). Entre los secundarios destacan Delroy Lindo y, sobre todo, el incomparable William H. Macy.

Matt Dillon protagoniza esta típica y simpática comedia del tipo al que le ocurren de repente todas las desgracias. El otrora ídolo de las jovencitas ochenteras es David, un empleado de un banco que es despedido y además sufre el abandono de su novia (simpática Christina Applegate). Su mejor amigo le dice que todas esas cosas son en realidad lo mejor que le podía ocurrir, pero aún viene lo peor cuando unos cuantos millones desaparecen del banco.

El paso de caballero jedi a periodista de éxito podría habérsele atragantado al joven Hayden Christensen, el que fuera hace años Anakin Skywalker en El ataque de los clones. Pero la emergente estrella ha pasado la prueba dramática con creces. Aquí su papel tiene también un lado oscuro, aunque ahora es tan real como la vida misma. Stephen Glass es un periodista de la prestigiosa revista norteamericana The New Republic. Sus artículos demuestran que es un reportero de raza, con un sexto sentido para extraer la noticia a pie de calle, un maestro del olfato para estar en el sitio justo en el momento preciso y que luego tiene el talento crear opinión entre los lectores. Sin embargo, su artículo “El paraíso del Hacker” causa un escándalo en el The New Republic cuando un periódico de la competencia acusa a Glass de mentiroso y Chuck Lane –un compañero recién ascendido a director– se ve en la tesitura de confiar en la honradez de Glass o perder el apoyo de todo su equipo. El debutante Billy Ray evita cualquier “originalidad” tanto de forma como de contenido que desvirtúe esta sólida película, basada en hechos reales. El metraje discurre de modo lineal, prácticamente sin sorpresas. Y justamente ahí radica su fuerza, en su planteamiento sin fisuras, en su mirada digna –y por eso, ética– al mundo del periodismo, algo extensible también a cualquier otra actividad de los seres humanos. Y tanto Hayden Christensen como Peter Sarsgaard dan la talla con creces.

Earl Montgomery es un aspirante a policía con buenas aptitudes. Sin embargo tiene un pequeño problemilla: se le va la olla de modo asombroso. Tras ser rechazado, comienza a trabajar de vigilante en “Seguridad Nacional” (con silbatos en lugar de pistolas, y tal y tal). El tipo hace la vida imposible a un nervioso poli que, más tarde, pierde su trabajo y comienza a trabajar con Montgomery: juntos se llevan a matar, pero también descubren una trama criminal con corrupción policial. Martin Lawrence (El caballero negro) es un tipo con gracia, aunque puede llegar a ser pesado. No para en toda la película de decir paridas y, claro, uno acaba riéndose, también gracias a un convincente Steve Zahn en el papel del gafado compañero al que le caen todos los golpes. Se trata en cualquier caso de una peli de acción, un poco tontaina pero bien rodada por Dennis Dugan (Un papá genial).

Lewis y Fuller, dos hermanos, viajan de Colorado a Nueva Jersey. Antes de que se una a ellos Venna, una joven por la que Lewis está coladito, captan por radio la voz de un camionero con ganas de cháchara, que utiliza el alias de “Clavo oxidado”. Una broma pesadita, pesadita –uno de los hermanos simula ser una conductora preciosa, que se esconde bajo el sugerente apodo de “Caña dulce”– provoca la persecución implacable del tipo burlado, un psicópata con todas las de la ley. El diablo sobre ruedas de Steven Spielberg sigue inspirando películas. Tras la reciente Jeepers Creepers somos testigos en Nunca juegues con extraños de una nueva e inteligente variación, sobre el tema de “camionero al que nunca se ve el rostro, que agobia al pobre conductor de turno en carretera poco transitada”; la película demuestra que la fórmula todavía no está agotada. El director John Dahl explica que quiso transmitir “la sensación de estar en medio de ninguna parte”, para subrayar el estado de indefensión en que se encuentran los protagonistas. Con un reparto juvenil a la altura, el principal inconveniente del film es su inevitable aire de "déjà vu".

Darren, Wayne y J.D. Colegas desde que iban al “cole” en calzón corto. Siempre unidos. Hasta que aparece Judith, una hermosa mujer, que esconde algún secreto, y que atrapa a Darren. Sus amigos, para evitar el previsible casamiento, que consideran nefasto, le traen a su antigua novia, que quiere ser monja. Típico film protagonizado por adolescentes de cortas miras, con humor estilo “hermanos Farrelly”.

Film basado en la autobiografía de Beverly D'Onofrio, donde Drew Barrymore –ilustre miembro del clan de actores Barrymore, y encantadora pequeñaja en E.T., el extraterrestre– es estrella de la función. Cuenta la vida de D'Onofrio, desde su adolescencia, en que se convierte prematuramente en madre, hasta los 35 años, edad en que ve cumplido su deseo de ser escritora. Tras la cámara está Penny Marshall, directora con tendencia a lo sensiblero (La mujer del predicador es un exponente máximo), pero que de vez en cuando da algún título notable (la exploración de la infancia Big, el drama sobre la enfermedad del sueño en Despertares). Aquí se desliza por un terreno sentimental, acometiendo el desafío de hacer creer que la historia contada es, ciertamente, real. Las lágrimas están aseguradas. Pero poco más.

Enredo a cuento de un barbero que encuentra un tesoro de monedas antiguas, que decide quedarse. Se trata de una colección robada, y una detective va tras la pista del botín. El barbero trata de despistarla, pero a la vez se siente atraída por ella, por lo que empieza a moverse por la cuerda floja.Comedia graciosilla, que sigue a perdedores natos en una trama criminal, que se diría concebida por el "primo tonto" de Quentin Tarantino y los hermanos Coen, por así decir. Tiene un reparto apañadito, pero es irregular.

Revisitar o no revisitar "Hamlet". Un dilema que Michael Almereyda resuelve con brillantez. Su aproximación a Shakespeare, un hombre para todas las estaciones, adapta el original... al comienzo del tercer milenio. En Nueva York el reino de Dinamarca se transforma en una empresa multinacional. A partir de ahí el crimen y el infame matrimonio de Claudio y Gertrudis, las dudas y la fingida locura de Hamlet, los amores por Ofelia... funcionan como un perfecto mecanismo de relojería. La audacia de acercar la obra de Shakespeare a la época actual, como hicieron en su día Baz Luhrmann, Richard Loncraine o Kenneth Branagh, no es en absoluto banal. Y demuestra que los temas inmortales tratados por el genial bardo son, ciertamente, eternos. Buen Trabajo de Hawke y de quien fuera hace tiempo el actor fetiche de Lynch, Kyle MacLachlan.

Dos evadidos se ven obligados a robar una furgoneta, pero a su llegada a un pequeño pueblo, serán confundidos con los dueños del vehículo. Se trata de dos promotores de concursos de belleza que han sido contratados para que al menos una de las lugareñas se clasifique para un concurso de "misses". Ellos les siguen la corriente para sacar tajada. Por esta animada comedia independiente, Mark Illsley ganó el Premio especial del jurado en el Festival de Sundance de 1999. El director y coguionista dice haber tenido como referente a Robert Rodriguez, aquel cineasta que sorprendió haciendo con cuatro duros El mariachi.

Ben está inmerso en los preparativos de su boda. De pronto, todos los elementos, las fuerzas de la naturaleza, se alían para que no se case. Y no sólo las voces que dicen que matrimonio y compromiso son una locura, o los malos ejemplos de personas cercanas. Un accidente de aviación, un tren que se detiene, temporales y huracanes… y la aparición de la simpática y alocada Sarah, parecen gritar “¡no te cases!”. Pero… El film intenta ser una simpática comedia romántica. La idea alrededor de la cual giran las bromas es lo difícil que es comprometerse en el matrimonio, vista la cantidad de separaciones e infidelidades que hay. Como resultado, algunos gags graciosos, y la curiosidad de ver juntos en la pantalla a Ben Affleck y Sandra Bullock.

Jack es un elegante atracador de bancos. Sus golpes los calcula con exquisito detalle y sin violencia innecesaria. Pero siempre le pillan por algún pequeño detalle. Después de uno de esos robos fallidos, va a dar con los huesos en la cárcel. Pero enseguida planea una fuga con otros dos presos. Cuando sale al exterior del penal, se encuentra casualmente con Karen, una agente del FBI, que espera en su coche. Ella trata de hacerles frente, pero con escasa fortuna. La toman como rehén, y hasta se obligada a "compartir maletero" con Jack. El caso es que, pese a la situación, Jack y Karen se caen bien. ¿Se trata de amor a primera vista? Una vez más es llevada al cine una novela de Elmore Leonard. El film tiene los ingredientes típicos de Leonard: delincuentes simpáticos, situaciones con ingenio, referencias cinéfilas... Leonard asegura que cuidó mucho el dibujo de los personajes (estupendos George Clooney y Jennifer López: "Lo más importante es desarrollar los personajes. No empiezo con un argumento. Empiezo con los personajes. Llego a conocerlos bien –qué suelen desayunar, qué tipo de calzado llevan– y ellos me ayudan a descubrir el argumento, que es algo que siempre viene después."

Dos torpes cantantes de bareto son confundidos por un mafioso con unos célebres desvalijadores de cajas fuertes. Y bajo amenaza, les obliga a dar un golpe para él. La chapuza será inevitable. La película hila una serie de situaciones disparatadas, que en algunos momentos consiguen arrancar del espectador la ansiada carcajada.

George, un profesor gay, rompe con su pareja. Desconsolado, decide compartir apartamento provisionalmente con Nina, una joven que pese a tener novio, comienza a enamorarse de él. Las cosas se irán complicando estableciéndose todo tipo de posibles relaciones cruzadas. Nicholas Hytner había dejado muy buen sabor de boca con La locura del Rey Jorge y El crisol. Aquí se enreda un pelín al probar fortuna en un nuevo registro, el de comedia. Esta historia de protagonista homosexual sigue la moda hollywoodiense de títulos como In & Out, que presentan simpáticos personajes gays, en situaciones ordinarias, con idea de darles carta de naturaleza. Aunque los actores principales –Jennifer Aniston, en alza, y Paul Rudd– cumplen con sus papeles, casi interesan más los personajes secundarios –Alan Alda como una divertida caricatura del burgués, Nigel Hawthorne encarnando a un crítico teatral homosexual–, bien perfilados.

Nueva York. Joe y Kathleen conviven con sus respectivos novios. Pero no están satisfechos. En cuanto aquéllos salen de casa, enchufan sus ordenadores via Internet, y mantienen una peculiar relación, cada uno bajo un seudónimo personal. Se cuentan preocupaciones, gustos, aficiones... ¿Estarán hechos el uno para el otro? Quién sabe. Pero mientras este amor incipiente gana intensidad, los dos se encuentran por casualidad en el mundo real. Y con bastante mala fortuna. Pues Kathleen regenta "The Shop Around the Corner" (guiño a la película de Ernst Lubitsch), tienda especializada en libros infantiles; y Joe es propietario de una enorme cadena de librerías, extendidas a lo largo y ancho de los Estados Unidos, que planea abrir una nueva justo enfrente del local de Kathleen. Comedia romántica a tope, género del que la directora Nora Ephron es especialista. Ephron juega con el hecho de que los protagonistas –deliciosos Meg Ryan y Tom Hanks– ignoran que el hombre o la mujer que odian es, a la vez, ése que tan bien les cae en sus charlas por Internet. Amor y situaciones divertidas se conjugan perfectamente. A la vez, se invita a pensar en lo impersonales que se han vuelto las relaciones en el mundo actual, razón por la que alguna gente se refugia en las animadas charlas de Internet. Otra idea presente es que las grandes empresas, con muchos dólares y poca personalidad, están echando fuera del campo al pequeño empresario amante de su negocio y de cuidar al cliente de modo personalizado.

Durante el verano de 1964, Guy Patterson trabaja como dependiente de la tienda de electrodomésticos de su padre en un pequeño pueblo de Pennsylvania. Tras pasar todo el día vendiendo tostadoras y radios, por la noche ensaya con la batería. Un día se entera de que un grupo de rocknroll local se ha quedado sin batería, y éstos le piden que actúe con ellos en un concurso universitario. Juntos consiguen sonar mejor que nunca, por lo que en poco tiempo, consiguen un contrato de un prestigioso sello discográfico, para grabar un disco y hacer una gira por todos los Estados Unidos. Paralelamente a su éxito en directo, su tema That Thing You Do se convierte en la revelación del año, y encabeza las listas de ventas. Sin embargo, comienza a haber ciertas tensiones en el interior del grupo. Debut como guionista y director del popular actor Tom Hanks. Describe el rápido camino hacia el éxito de un modesto grupo de rock and roll de los años 60. Rodada con sencillez y agilidad, resulta simpática por su tono amable y nostálgico, aunque le falta un punto de hondura dramática, probablemente deliberado, pues el realizador busca un tono intrascendente y divertido. Buenas interpretaciones y magnífica banda sonora. El propio Tom Hanks se reservó un pequeño papel, aunque el joven Tom Everett recuerda a Hanks cuando era joven.

Aunque con guión ajeno, Richard Linklater insiste en los temas que ya abordó en Antes del amanecer. Si ahí eran chico y chica los que se conocían casualmente y mantenían una conversación que duraba toda una noche, en SubUrbia se repite el esquema. Sólo que en este caso se trata de un grupo más amplio: cuatro chicos y tres chicas, más el dueño, pakistaní, de una tienda abierta 24 horas. El marco, el suburbio de una ciudad sin nombre, donde gastan una noche hablando y hablando, rompiéndose unos a otros los corazones. El film es una reflexión sobre la falta de horizontes vitales de gran parte de la juventud. Ni fama ni dinero (simbolizados por Pony, estrella de rock, y Erica, su agente), ni sexo (Buff, obsesionado por acostarse con cualquiera), ni alcohol (Bee-Bee, que lucha por dejar su adicción) hacen felices. Tampoco los anhelos de ser un artista (Sooze, que sueña con ir a Nueva York) o los intentos de una vida dentro del sistema (Nazeer, el pakistaní) aseguran que uno pueda ser buena persona. Refugiarse en uno mismo (el duro Tim) no parece solución. A través de la mirada de Jeff, que ve todas estas posiciones en sus amigos, el espectador se contagia de su desconcierto y desesperanza; y quizá también de su cobardía, al fin descubierta. Demasiado impregnado de pesimismo, al menos Linklater —y Eric Bogosian, en cuya obra de teatro se basa— no cierran los ojos a los problemas de una sociedad urbana demasiado centrada en el propio yo.

Un grupo multirracial de jóvenes de un instituto de Hawai, animado por una recién llegada profesora de inglés, se embarca en la aventura de diseñar un vehículo solar que les permita participar en una gran carrera en Australia. Basándose en un hecho real, el guionista Barry Morrow (ganador de un Oscar por Rain Man) desarrolla una historia de interés humano, en la que unos adolescentes desencantados recuperan la ilusión gracias al compañerismo y la amistad que facilita su trabajo en equipo. La película, aunque algo previsible, es entretenida y demuestra un importante esfuerzo en la dirección artística, sobre todo en el diseño de los diversos automóviles que participan en las distintas carreras.

Dos fantásticos actores se sitúan frente a frente en esta fabulosa película de acción, dirigida por el especialista Tony Scott. El capitán Frank Ramsey (Gene Hackman) es el experimentado comandante del submarino nuclear estadounidense Alabama. Su segundo, es el teniente coronel Ron Hunter (Denzel Washington). Sus opuestos caracteres van a chocar peligrosamente cuando reciben la noticia de que un psicópata nacionalista ruso quiere comenzar contra ellos una tercera guerra mundial, catastrófica y definitiva. El gobierno decide que han de hacer uso de sus armas nucleares, pero los dos máximos mandos del submarino tienen distintas intenciones y van a comenzar su propia guerra por el control de la nave. Impresionante película con la obediencia militar como telón de fondo. Hackman (Sin perdón, Arde Mississippi) vuelve a demostrar la fuerza y la intensidad de su personal modo de interpretar y Washington (Tiempos de gloria) no le va a la zaga. Película imprescindible para los amantes de duelos interpretativos.

Lelaina (Winona Ryder) es una joven periodista que sueña con ser directora de cine, y que rueda un vídeo sobre sus amigos en el día de su graduación, en el que plasman su visión de la vida. Lelaina trabaja en un programa de televisión, aunque la relación con su jefe es muy conflictiva. Un día, su vida cambia cuando conoce a un ejecutivo de éxito, que representa todo lo que sus amigos aborrecen, pero no puede evitar sentirse atraída por él. Extenso retrato social de los 'jóvenes de la generación X', es decir los de los años 90, de los que ofrece un panorama desgarrador. Su máxima caracteristica es el egoísmo y la falta de expectativas. Los intérpretes resultan excelentes, entre ellos Ben Stiller, que hace el papel de ejecutivo y fue el autor de la realización.