Teresa Palmer

La actriz australiana Rachel Griffiths destacó a partir de los años 90, con largometrajes como La boda de Muriel, y la serie A dos metros bajo tierra. Ahora debuta como realizadora con un biopic de Michelle Payne, que triunfó en su país como jinete. Hija menor en una familia de diez hermanos de Victoria, al sur de Australia, al fallecer su madre cuando ella tiene seis meses tiene que cuidar en solitario de todo el clan su progenitor, el entrenador de caballos Paddy Payne, que enseña a cada uno de los chavales a convertirse en campeón de hípica. Parece que espera menos de Michelle, a la que sobreprotegerá tras la muerte de una hermana por culpa de una caída. Tras encontrar a su caballo ideal, el Príncipe de Penzance, sopesará competir en el Gran Premio de Melbourne, pero antes tendrá que superar numerosos problemas, como alguna lesión, la obligación de perder peso para cumplir con el máximo exigido, etc. Al proceder de la interpretación, a Griffits se le da bien la dirección del casting, por lo que logra impecables trabajos de Teresa Palmer (Nunca apagues la luz, Hasta el último hombre), y el veterano Sam Neill, que da vida al padre. En el elenco sobresale Stevie Payne, uno de los hermanos reales de Michelle, aquejado de síndrome de Down, que se encarna con enorme espontaneidad a sí mismo. Por lo demás, estamos ante un architípico film de superación personal, que habla de las dificultades de cumplir los sueños de las mujeres en un terreno tradicionalmente masculino, pero también de la unidad en las familias numerosas. Quizás pierde algo de fuelle hacia la mitad, por la acumulación de obstáculos que debe superar la protagonista, lo que no empaña un film correcto.

Dylan Branson, controlador aéreo, tiene un extraño episodio provocado por una cegadora luz cuando evita la colisión de dos aviones en el aire. Lo malo es que la historia se repetirá una y otra vez cada día, hasta llegar a una hora exacta, las 2:22, momento en que se produjo la intensa luz. En esa situación entrará en contacto con una mujer llamada Sarah. Un guión rocambolesco es la principal característica de este thriller de acción con características fantásticas. El director Paul Currie se las apaña para ser lo más verosímil posible y logra que el desarrollo sea más o menos ágil. La pareja protagonista, Teresa Palmer (Hasta el último hombre) y Michiel Huisman (Juego de Tronos) hace un trabajo convincente.

Cinta de terror de pura serie B, con presupuesto ajustado y actores desconocidos, sembrada de sustos y a la que se ha intentado sin fortuna dar cierta consistencia interna, pues el conjunto termina resultando bastante deslabazado, con demasiados cabos sueltos. También resulta extraño que los fenómenos fantasmales ocurran como si tal cosa, nadie parece muy extrañado por ellos, o con la necesidad de comunicar a los demás lo que está pasando.  Sigue a Rebecca, que se marchó de casa cuando su padre abandonó el hogar y su madre Sophie cayó en un estado depresivo. La chica se siente en la obligación de cuidar de Martin, su pequeño hermanastro, después de la misteriosa violenta muerte del progenitor, y de que la salud mental de Sophie vaya cuesta abajo, con síntomas preocupantes como su manía de encerrarse en un armario y charlar con una amiga que ya murió, y con la que coincidió en el psiquiátrico. Le ayuda en la tarea Bret, que aspira a ser su novio. Pese a su breve duración, no llega a la hora y media, se nota que Nunca apagues la luz surge de un corto del mismo director, David F. Sandberg, rodado tres años antes. Produce James Wan, responsable de filmes del género como Saw, Insidious y Expediente Warren. Se trata sobre todo de un ejercicio de estilo, donde se juega con la idea de la aparición de una siniestra y agresiva criatura cuando no hay luz, de modo que la defensa consiste en pertrecharse de abundante luz eléctrica y velas, pero esto resulta no ser tan sencillo como parece; la fotografía juega con distintos tonos luminosos.

Una película asombrosa, que vuelve a demostrar que Mel Gibson es un cineasta genial, capaz de elevar una historia interesante a la categoría de obra maestra fílmica sin paliativos, verdaderamente él cumple con la regla de las 3 "E", que dice haber escuchado y tener en cuenta: un film debe ser Entretenido, debe mostrar una vertiente Educativa, y, ya es lo máximo, debe Elevar el espíritu del espectador, divisas tenidas muy en cuenta en Hasta el último hombre. Como hizo en Braveheart y en La Pasión de Cristo, parte de hechos reales, aquí con la ventaja adicional de que existen testimonios escritos y filmados de los protagonistas de su historia, de hecho la película concluye con algunos de estos últimos. El film cuenta la asombrosa historia de Desmond Doss (1919-2006), un joven de Virginia que desea servir en el ejército de su país tras el ataque japonés a Pearl Harbour, y la consiguiente declaración de guerra. Pero, objetor de conciencia y hombre de fe, cristiano adventista del séptimo día, se ha prometido en presencia de Dios no tocar un arma, él servirá como médico y pondrá los medios para salvar vidas. Semejante postura se topa con la incomprensión de compañeros y superiores, que la confunden con locura, cobardía, fanatismo o una mezcla de todo eso. Pero él se mantendrá fiel a sus convicciones y finalmente destinado en Okinawa dará prueba de un valor y entrega a los demás desarmante. El guión de esta poderosa historia lo han urdido dos hombres que ya antes han escrito historias inspiradoras con componente bélico: Robert Schenkkan en la miniserie The Pacific, con el mismo escenario de guerra, y Andrew Knight en El maestro del agua. Su libreto es sólido. En el primer tramo, componiendo el background de Desmond antes de su alistamiento, su vida alegre y sencilla, su enamoramiento, el trauma del padre veterano de la Gran Guerra, cuyas secuelas han influido en toda la familia. Luego con la peripecia de su preparación militar en un cuartel, con la incomprensión que suscita su determinación de no tocar un fusil. Y finalmente en Okinawa, la guerra pura y dura, donde su fe y la entrega incondicional en su trabajo se desvelan de modo heroico. La película de Gibson no puede ser más oportuna en un momento histórico en que un derecho que parecía pacíficamente aceptado, el de que nadie debería ser obligado a hacer algo que repugne a su conciencia, empieza a conocer trabas y a ser puesto en entredicho, porque supuestamente sería un estorbo para otros. La cuestión está muy bien desarrollada y es básica en un personaje muy bien perfilado, y al que da vida de modo maravilloso Andrew Garfield: nos creemos su entereza, donde la fe es primordial, da pruebas de humanidad, no es de piedra, tiene sentido del humor, y la subtrama romántica con una encantadora Teresa Palmer tiene la virtud de convertir en agradabilísimo lo que en diferentes manos habría sido decididamente ñoño. Las escenas bélicas están muy bien concebidas y resultan comprensibles para el espectador, a diferencia de otros filmes, donde todo es confuso, y la excusa facilona y cómoda es, "ya se sabe, la guerra es así". Así que entendemos el objetivo de una acción, el desplazamiento de los soldados, los obstáculos, el recurso a la artillería... En la línea de sus anteriores filmes, Gibson se decanta por el hiperrealismo, violencia estilizada muy bien fotografiada, pero violencia, al mostrar todo el horror de la batalla en lo referente a heridas, mutilaciones, sangre y vísceras. De este modo, por contraste, queda más subrayado el hecho asombroso de cómo se puede ser heroico en la guerra sin disparar una sola bala, y ello sin pretender negar que los otros soldados también están cumpliendo su deber luchando contra los japoneses con las armas. La partitura musical de Rupert Gregson-Williams está inspirada, y no pretende imponerse al resto de los elementos de las distintas escenas, de modo que se puede disfrutar de una interpretación, o de la belleza de algunos planos, como aquellos a que dan pie los descendimientos de los soldados y del propio Desmond desde lo alto del Hacksaw Ridge. Todo el reparto está muy bien, hemos mencionado a Garfield y Palmer, pero los padres del protagonista (Rachel Griffiths y Hugo Weaving), más los distintos soldados (Vince Vaughn, Luke Bracey, Sam Worthington...) también están interpretados con mucho talento.

Jacob King llega a Los Ángeles procedente de Ciudad del Cabo, en Sudáfrica, prácticamente con las manos en los bolsillos, le toca alojarse en un cochambroso apartamento; su objetivo es dar con el paradero de su hermana. Se va a llevar más de una sorpresa, entre otras cosas de que tuvo un hijo, de que el padre les abandonó, y finalmente de que su cadáver desfigurado y con signos de tortura se encuentra en la morgue, sin identificar. Desde ese momento busca venganza. Rutinaria cinta dirigida por el belga Fabrice du Welz, con pasajes violentos bastante desagradables, y personajes con los que resulta imposible empatizar, incluido el protagonista, al que da vida Chadwick Boseman, antes de que si hiciera hiperfamoso gracias a Black Panther.

El deportista extremo Johnny Utah, reciclado como agente del FBI, se infiltra en el grupo de atletas de élite que buscan el karma o algo así, y que lidera el emblemático Bodhi, pues los relaciona con una serie de actos delictivos. Si alguien no tiene clara la importancia de un buen director debería ver Le llaman Bodhi, y Point Break. Sin límites, su remake. Con la primera, Kathryn Bigelow triunfó en 1991 en un terreno que parecía exclusivo para hombres, el cine de acción, con un argumento, un tanto tópico, y protagonistas, Keanu Reeves y Patrick Swayze, no excesivamente grandiosos, sobre todo el primero. Una puesta en escena muy brillante, llena de aciertos como mostrar casi siempre entre sombras el rostro de Swayze, y unas secuencias de acción originales y vistosas, cuando aún no se utilizaba a mansalva la infografía, dieron pie a un film que 25 años después continúa resultando impactante, y en el que también se nota algo la mano de su productor ejecutivo, James Cameron, por entonces esposo de la realizadora. Ahora, Ericson Core (más experimentado como director de fotografía de títulos como Mumford que como realizador) cuenta a priori con las mismas cartas, pero su jugada deja mucho que desear. Sobre todo porque parece haberse concentrado únicamente en componer espectaculares secuencias de deportes de riesgo, con ayuda de efectos digitales, que a veces parecen sacadas de un anuncio de Cola Cao, pero que al menos harán las delicias del público menos exigente que tenga claro lo que va a ver. Por lo demás, el director no obra el milagro que consiguió Bigelow con sus protagonistas, pues Luke Bracey (La conspiración de noviembre) y Édgar Ramírez (El consejero) carecen de química, y la más eficiente Teresa Palmer está totalmente desaprovechada. Se salva dentro de lo que cabe Ray Winstone, un gran sustituto para Gary Busey como el poco ortodoxo agente Pappas. En cualquier caso, el mayor defecto de la revisión reside en un guión bastante plano del experto en revisiones Kurt Wimmer (Desafío total, El secreto de Thomas Crown), al que le falta un mínimo de profundidad en sus personajes, y una reescritura de sus torpes diálogos, y le sobra la agotadora y bastante ridícula motivación espiritual 'new age' de los delincuentes.

En Atlanta, Estados Unidos, la mafia rusa campa a sus anchas liderada por la dura Irina. Su poder es tal que tiene comprados a muchos agentes de la policía, de modo que les encarga espectaculares golpes, como el robo de una caja de seguridad con material sensible en un banco. Atrapados en su laberinto de corrupción, estos policías no ven otra salida para conservar el pellejo y el de sus seres queridos que el cumplimiento de unas exigencias cada vez más peligrosas e inmorales. El nuevo robo que deben ejecutar es de tal riesgo, que deciden matar a uno de sus compañeros policías honrados, lo que se conoce en el argot como un Triple 9: así los polis estarán tan ocupados en vengar al caído que ellos podrán llevar a cabo su golpe. Después de Lawless (Sin ley), parece que el australiano John Hillcoat le ha tomado gusto a las tramas criminales con gángsteres y agentes de la ley corruptos. Aquí entrega un film muy movido, con buenas escenas de acción –el atraco inicial es modélico, y también las persecuciones automovilísticas– y un exceso de violencia, que en su fatalismo se diría que trata de seguir la misma senda que la celebrada serie televisiva True Detective, no en balde uno de los actores de la primera temporada, Woody Harrelson, tiene aquí también un papel. También se diría un referente tonal Heat, de Michael Mann. Falta un punto de credibilidad a la trama y de desarrollo de los personajes, los policías corruptos resultan demasiado desalmados, no parecen humanos. Sólo el intrépido y aún no maleado Chris (Casey Affleck), conserva algo parecido a los intereses de una persona normal, el resto, de algún modo, se han convertido en la peor versión de sí mismos.

Cut Bank es un pequeño pueblo de Montana, famoso por ser el más frío de América. Al menos así reza un cartel publicitario a la entrada de la localidad. Al joven Dwayne le gustaría salir de allí, irse lejos con su novia Cassandra, que sueña con ser actriz. Además se siente atrapado porque tiene que cuidar de su padre enfermo. Un día, mientras los dos novios pasan el tiempo en su pradera favorita, Dwayne presencia y graba un asesinato. La víctima es el cartero del pueblo. El sheriff comenzará a investigar los hechos... El planteamiento y los personajes de Cut Bank recuerdan sobremanera a los de Fargo: pueblo perdido de Estados Unidos, tipos que quieren engañar con un falso crimen para sacar tajada, y plan fallido que desemboca en un desastre... Pero conforme avanza el relato se ve que el guión de Roberto Patino no ha incluido ni un ápice del humor negro y surrealista de los hermanos Coen. El director Matt Shakman, curtido en series como Mad Men, entrega un thriller singular, historia de asesinos en la América profunda, uno de esos lugares ideales para fabricar y albergar a tipos solitarios, ciudadanos corrientes a los que se cree conocer, sin saber que en realidad son peligrosos psicópatas. Adopta un tono seriote, aunque las andanzas de los lugareños –el sheriff compuesto por John Malkovich, el visitante Oliver Platt, el indio Match– desconciertan un poquito con la forma de actuar, ofreciendo un retrato quizá algo caricaturesco de la idiosincrasia propia y estrafalaria de los grupos humanos de esos sitios remotos. El caso es que las relaciones entre los personajes sugieren una familiaridad soterrada, típica de pueblos pequeños, pero su trato frío y distante (quizá a eso y no a la temperatura se refiera el cartel de entrada al pueblo) se transmite también al espectador, que no se siente muy identificado con sus problemas. Algunas interpretaciones son buenas, especialmente la de Michael Stuhlbarg (Un tipo serio), verdaderamente modélica, pero también las de los mentados Malkovich y Platt. Mucho menos carisma tiene Liam Hemsworth (Los juegos del hambre), que desaprovecha una buena ocasión de brillar en un film muy diferente al resto de su filmografía.

El argumento de Memorias de un zombie adolescente viene a ser una versión libre de Romeo y Julieta. Así, R., un joven muerto viviente que se alimenta de cerebros humanos, participa en una escaramuza contra un grupo de supervivientes. Pero tras despedazar a un chico que va acompañado de su joven novia, Julie, se siente atraído por ella, y decide rescatarla de la voracidad de los otros muertos vivientes. Mientras R. y Julie tratan de sobrevivir, surgirá el amor entre ambos. El irregular Jonathan Levine (Seducción mortal) adapta la novela de Isaac Marion, que aparte de las referencias a William Shakespeare se sitúa muy en la línea de Crepúsculo, aunque cambiando los vampiros por muertos vivientes. La diferencia fundamental estriba en que Memorias de un zombie adolescente incorpora numerosos elementos humorísticos, casi todos bastante negros, pero efectivos. No faltan las buenas dosis de secuencias acarameladas que posiblemente sean la causa de que el film haya sido un tremendo éxito, en su estreno en Estados Unidos. El veterano John Malkovich, como padre de armas tomar de la protagonista, da un poco de lustre al reparto, encabezado por Nicholas Hoult (la Bestia en X-Men: Primera generación) y Teresa Palmer (El aprendiz de brujo), dos jóvenes valores un tanto insulsos. Los efectos digitales resultan un tanto rudimentarios.

Con el nombre de John, un joven rubio llega a una nueva ciudad junto a Henri, que pasa por ser su padre. En realidad Henri es el guardián de John y ambos vienen de otro planeta, Lorien, que ha sido arrasado por los mogadorianos, extraterrestres brutales y sanguinarios que se apropian de los lugares a los que llegan. John es uno de los Nueve ciudadanos de Lorien que tienen una serie de habilidades que los hacen únicos. Pero los tres primeros ya han muerto a manos de los mogadorianos y ahora van a por John, el número 4. Sin embargo, por primera vez en su vida John ha decidido no ocultarse pues se ha enamorado de una humana, su compañera de clase Sarah. Adaptación de la novela homónima de Pittacus Lore (pseudónimo bajo el que se esconden de James Frey y Jobie Hughes), primera de la que promete ser una saga de éxito dentro del género juvenil de la ciencia ficción. El responsable de La conspiración del pánico y Disturbia se ha puesto detrás de las cámaras y ofrece una animada vuelta de tuerca al género de los extraterrestres, pues la historia entra dentro del espectro de las que tratan de “seres extraordinarios escondidos entre la gente ordinaria”. Caruso se luce especialmente en escenas de acción como la de la escuela, pero en cambio desdice el guión pobretón, sin apenas giros, lleno de frases tópicas y un tratamiento del amor juvenil bastante tontorrón, casi de Enid Blyton. No ayudan demasiado las interpretaciones. Aunque Alex Pettyfer (Operación Stormbreaker) se esfuerza, su personaje es muy plano, y su composición no es demasiado atractiva, carece de matices y sentido del humor. En general falta carisma entre el reparto, sobre todo en el femenino y en la simplista concepción de los mogadorianos, que resulta casi cómica. El mejor es sin duda Timothy Olyphant, el único que da algo de empaque a esta historia de ciencia ficción llamada a continuar.

Finales de la década de los 80. A lo largo de una noche un recién graduado va en busca de la chica de sus sueños. Le ayudan en la tarea su hermana gemela y un buen amigo. El propio protagonista del film ha intervenido en el guión de esta agradable comedia, que de algún modo está emparentada con In Good Company.

Balthazar es un mago que lleva siglos protegiendo a la humanidad de las fuerzas del mal, aunque sabe que él nunca vencerá a la malvada bruja Morgana. Según el libro de magia, un joven elegido será quien consiga tal proeza y Balthazar tiene que encontrarlo. Dave resulta ser ese chico, aunque a simple vista su torpeza no lo hace parecer el candidato ideal para convertirse en un heroico mago. Clásica historia de alumno y maestro que tan bien se ha desarrollado en películas como Karate Kid, pero que en esta ocasión tiene un resultado fallido. El típico y duro entrenamiento que debería seguir el chico está simplemente esbozado. Esto hace que entre los dos protagonistas no exista la “magia” de dúos como el de Daniel y el señor Miyagi. Tampoco da la talla de la secuencia de Fantasía protagonizada por Mickey que ha inspirado este título, por mucho que tenga cierta simpatía la versión siglo XXI del baile de las fregonas. Nicolas Cage se ha aficionado a lucir peinados horribles en sus películas (El motorista fantasma) y aquí no ha hecho una excepción. Últimamente sus trabajos son inferiores y en El aprendiz de brujo está lejos de mostrar al héroe que interpretó en La búsqueda, también a las órdenes de John Turteltaub. Su compañero, el joven Jay Baruchel, no es una elección brillante. El chaval está correcto interpretando al típico personaje “freaky-nerd” que triunfa en la actualidad tanto en la pequeña como en la gran pantalla. Lo más llamativo de la película son los efectos especiales. Hay que reconocer que hay escenas muy espectaculares como la persecución de coches, el ataque del dragón en Chinatown, el renacimiento de Alfred Molina a partir de asquerosos bichos y la gárgola voladora. Mucho artificio que no consigue ocultar que El aprendiz de brujo es una película muy previsible, con un libreto pobre.

Skeeter trabaja como mantenedor de un hotel de lujo, perteneciente a un gran grupo. El dueño prometió al padre de Skeeter que un día éste dirigiría el hotel. Pero el tipo parece haber olvidado su promesa, y cuando anuncia un nuevo complejo hotelero, Skeeter es relegado, y se escoge en cambio a un impresentable como gerente. Mientras Wendy, la hermana de Skeeter, va a quedarse sin trabajo pues el ayuntamiento ha aprobado la demolición del colegio del que es directora. Mientras busca nuevo empleo, Wendy pide a Skeeter que se encargue de sus dos críos Barry y Violet; le ayuda en la tarea Jill, una vecina. Para tener entretenidos a los chicos, Skeeter les cuenta cuentos antes de acostarse, adaptando su situación del hotel a marcos fantásticos de la antigua Roma, la Edad Media, el lejano Oeste y las aún más lejanas galaxias. Para su sorpresa, algunas de las ideas que los chicos aportan a sus tramas se hacen realidad. De modo que pergeña un plan para que Barry y Violet imagen un final feliz para su plan de dirigir el nuevo hotel.Al tratarse de un film Disney, el director Adam Shankman adopta la línea contenida de títulos familiares como Un canguro superduro y Doce fuera de casa, y procura atar en corto al otras veces 'zafiete' Adam Sandler, que aunque apunta algún chiste en el filo de la navaja, se ciñe a lo que se espera de él. Hay que reconocer que hay un gran despliegue de producción, con buenos efectos especiales y algunas bromas divertidas, como el del camarero haciendo de intérprete galáctico de Skeeter. Así que el conjunto puede describirse como 'resultón'. No obstante se habría agradecido un mayor esfuerzo en el guión, donde muchos elementos son caprichosos, y no se explican suficientemente; los guionistas Matt Lopez y Tim Herlihy tal vez se agarrarán a la excusa de que, como en los cuentos de los niños, ellos se apuntan a la arbitrariedad. Pero no parece suficiente, por ejemplo, para relacionar la construcción del nuevo hotel con la demolición de la escuela, o para culpabilizar al protagonista de lo segundo, y resolver luego la cosa con un auténtico 'deus ex machina' sacado de la manga; tampoco la historia de amor es precisamente un prodigio de imaginación.

Drama en torno a un grupo de amigos huérfanos. Son Maps, Spit, Spark y Misty, y se denominan “los chicos de diciembre” porque comparten el mismo mes de nacimiento. Viven en un orfanato católico y debido a las dificultades para encontrar una familia han creado sus propios lazos de hermandad. Un días las monjas que regentan el lugar llegan con una estupenda noticia. Podrán gozar de unas minivacaciones en casa de un matrimonio mayor, junto al mar. Allí disfrutan remojándose y corriendo por la playa. Para el mayor, Maps, es la ocasión del despertar sexual. Pero no es la única experiencia, pues también se enfrentan a la enfermedad mortal de un ser querido, y a la posibilidad de la adopción. Justamente cuando surge la noticia de que uno de ellos podría integrarse en una familia empiezan los problemas, pues surge la rivalidad.Protagoniza el “mago” Daniel Radcliffe, y su interpretación hace que nos planteeemos qué tal crecerá el chico en la pantalla, pues lo cierto es que aquí se le ve algo envarado. La película, que se basa en una novela de Michael Noonan, quiere seguir la estela iniciática de títulos como Cuenta conmigo, aunque está a años luz de este referente. Hay un esfuerzo por dar a la narración un tono amable, pese al choque traumático de los chicos con el mundo real. El dibujo del catolicismo es algo simplón, con unas extrañas escenas oníricas de apariciones de la Virgen y de unas monjas celestiales, o en las escenas de confesión, aunque la intención sea seguramente ofrecer una mirada positiva.

Un instituto. Alguien está encerrado en un cuarto de baño. Un hilillo de sangre que asoma bajo la puerta apunta a una terrible desgracia. Retrocedemos unas horas antes, y seguimos durante una jornada a varios chicos del último curso. Escenas en blanco y negro, en que habla cada uno, parecen apuntar a una especie de encuesta, donde surge el interrogante de quién, presuntamente, ha intentado suicidarse. Vamos conociendo los problemas de unos y otros; inicialmente parecen los clásicos -el chico que se mea encima, y del que se burlan los otros, problemas de amor, un posible embarazo, el tipo perfecto del que todos esperan siempre lo mejor...-, pero a medida que ahondamos la cosa resulta bastante más oscura, y envuelve homosexualidad admitida u oculta, violación e incluso incesto. Oscura y durita película australiana, claramente deudora de títulos como Elephant. Supuso el debut de su director, guionista y montador Murali K. Thalluri. Está rodada con oficio, y se apoya bien en la música y uso del marco ambiental del instituto; además, hay cierta originalidad habilidosa en el ligero solapamiento de los distintos tramos, al repetir situaciones cambiando el punto de vista del personaje. Pero le pierde su tono exagerado, de acumulación excesiva de escenarios tremendos y traumáticos, en los cuales no hay siquiera un personaje medianamente equilibrado.

El grito era la versión americana de La maldición (Grudge), una cinta de terror japonesa de sustos eficaces, que compensaban su escaso argumento. En contra de lo que pudiera parecer, El grito 2 no es un remake de La maldición 2, la secuela japonesa. Takashi Shimizu, responsable de todas las películas de la saga, ha declarado que no hubiera aceptado dirigir una nueva entrega si no se basaba en un guión inédito. Vaya lío, ¿no? Además, existe otra película titulada en España La maldición (Cursed), de Wes Craven que no tiene nada que ver. En cualquier caso, Shimizu ha concebido la película para que la puedan ver espectadores que desconozcan las entregas anteriores. La actriz principal de El grito era Sarah Michelle Gellar, apreciada por los aficionados al cine fantástico, por su trabajo en la serie Buffy, la cazavampiros. La actriz retoma a Karen, su personaje, que esta vez no es la protagonista, sino su hermana Aubrey, encarnada por Amber Tamblyn. La tal Aubrey viaja a Tokio, para ayudar a Karen, poco después de enterarse de que permanece convaleciente en un hospital, tras un incendio que ella misma provocó, en el que murió su novio. A su llegada a la capital japonesa, Aubrey conoce a Eason, un reportero que se pone en contacto con ella para advertirle de que su hermana está amenazada por fuerzas sobrenaturales. También existe una segunda línea argumental paralela, que sigue los pasos de Allison. Ésta es una estudiante estadounidense en Tokio, que se aventura con sus amigas en la casa quemada por Karen, donde ocurrieron sucesos paranormales. Como era de esperar, Shimizu se copia a sí mismo una vez más. Fiel a su estilo, compone escenas de cierta tensión, a pesar de que el guión es tan simple y repetitivo que resulta bastante cansino.