Ed Skrein

1919. El oficial del ejército británico T.E. Lawrence ha pedido al gobierno británico que apoye a Husayn ibn Ali, jerife de La Meca, que podría convertirse en rey de los árabes, pues existen muchos intereses en la zona, ya que todo indica que se encontrará petróleo. Pero otro enviado del Imperio, St. John Philby ha constatado que entre el pueblo es más querido su gran rival, Abdulaziz bin Saúd, respetado emir y valeroso guerrero, así que le facilita a escondidas armamento. Cuando le pide a Saúd que visite Londres en misión diplomática, para ganarse el apoyo de Churchill, éste teme que su enemigo aproveche su ausencia para atacar, por lo que decide enviar a su tercer vástago, el adolescente Faisal. Una vez en Europa, el chico se gana con facilidad el favor de la población, del rey Jorge V, y sobre todo de la hija de éste, la princesa Mary. Pero el primer ministro, y el secretario de Estado de Exteriores, Lord Curzon se hacen los locos porque no quieren reunirse con él. Arruinado tras Manolete, el productor español Andrés Vicente Gómez vive a caballo entre España y Arabia Saudí, donde cara a mejorar su imagen internacional en un momento delicado (tras el asesinato del periodista Jamal Khashoggi) la familia real le ha financiado una superproducción de presupuesto cercano a los 20 millones de dólares. Supone el primer largometraje internacional rodado en la nación árabe en cinco décadas. Gómez ha confiado el proyecto a Agustí Villaronga, autor de títulos como Tras el cristal o Pan negro, que por una vez deja atrás sus historias oscuras y sus atmósferas opresivas, para limitarse a ejercer como artesano, al servicio de un guión coescrito por el británico Henry Fitzherbert y el español Ray Loriga. El resultado puede definirse como polémico, por su parcialidad, pues ensalza la figura de Faisal, sin ningún punto oscuro. Y también se nota que Villaronga no se ha implicado demasiado, por lo que a las imágenes les falta algo de alma. Pero por otro lado, logra hacer interesante lo que narra, y su reconstrucción histórica –que incluye incluso alguna batalla– resulta bastante digna, permitiendo al espectador por un momento eludir comparaciones odiosas con la muy superior Lawrence de Arabia, de David Lean, que ofrecía un punto de vista sobre el conflicto totalmente opuesto. Relato iniciático, un poco básico pero eficaz, sobresale el retrato de la relación entre Faisal con la princesa Mary, que le toma casi como un hermano, traumatizada por el reciente fallecimiento del suyo. Se puede hablar de equilibrio en el amplio reparto, con trabajos decentes del joven debutante Abdullah Ali, en el papel protagonista, y de Hermione Corfield (Rey Arturo: La leyenda de Excalibur), como Mary. Aparte, Ed Skrein (Deadpool) humaniza la figura de Philby, y pese a la brevedad de su intervención, tiene su mérito que un correcto Laurence Fox (La joven Jane Austen) no haga que se eche de menos al genial Peter O’Toole, como T.E. Lawrence.

En 2014, dentro de la política de revisar sus clásicos de animación con actores de carne y hueso, acompañados de deslumbrantes efectos visuales, Walt Disney decidió abordar el cuento de “La bella durmiente” de Charles Perrault centrando su atención en la villana Maléfica, que no habría sido siempre tan mala, y que hasta podría ser que tuviera su corazoncito. Maléfica sorprendió agradablemente, hasta el punto de que la compañía del ratón vislumbró que había espacio para planear una secuela, Maléfica: Maestra del mal. Todo pivota en el nuevo film alrededor del romance entre la princesa Aurora –que se ha convertido en una hija para Maléfica– y el príncipe Philip, perdidamente enamorados. De producirse el enlace matrimonial, idea que no agrada a Maléfica, esto supondría el aparcamiento definitivo de las diferencias entre su reino de las ciénagas y el reino del castillo. Una cena concertada para que se conozcan las familias políticas, termina en desastre cuando el rey y padre de Philip queda en estado durmiente, hecho del que todos culpan, incluida Aurora, a Maléfica. Pero en realidad se trata de un oscuro plan urdido por alguien más maléfica aún que Maléfica, su futura consuegra y reina Ingrith, que ha visto la ocasión de terminar definitivamente con todas las criaturas del reino de las ciénagas, para tomar ella las riendas del poder. Linda Woolverton, la guionista del film original, repite en esta tarea respaldada por dos escritores, Noah Harpster y Micah Fitzerman-Blue, cuyos principales logros no están precisamente en cintas disneyanas familiares, sino en la serie para adultos de Amazon Transparent. En cualquier caso la nueva entrega maléfica discurre por parámetros semejantes a los de su predecesor, incluido un arranque empalagosamente saturado de efectos visuales, con los dos tortolitos enamorados Aurora y Philippe acompañados de criaturitas voladoras y florecillas sin fin, que invita a los peores presagios. Pero por fortuna, idear a una villana a la altura de Maléfica, una Michelle Pfeiffer que casi acaba robando la función a Angelina Jolie, permite desarrollar una trama con el justo punto siniestro para no asustar a los niños y complacer a los adultos, lo que incluye algún momento espeluznante, especialmente el encierro de las criaturas de las ciénagas para ser gaseadas, un movimiento audaz que inevitablemente nos evoca las siniestras cámaras de gas de los campos de exterminio nazis. En tal sentido parece haber sido una buena idea confiar la tarea de dirigir la cinta al noruego Joachim Rønning, quien parece sentirse cómodo con las dimensiones de los rodajes de Hollywood tras rodar para Disney tras su entrega de la saga de Piratas del Caribe. El resultado es una cinta muy entretenida, con guión novedoso, y donde se sabe sacar partido a múltiples personajes secundarios. Quizá alguna idea resulta un tanto peregrina y no excesivamente desarrollada, como la de imaginar un linaje de criaturas maléficas con cuernos como ella, pero sirve para apuntalar la idea de que pueblos con culturas diferentes deberían poder ser capaces de convivir en armonía conservando su particular idiosincrasia. Las escenas de batallas son muy vistosas, y no desmerecerían en una saga tolkieneana de la Tierra Media.

Roland Emmerich es un cineasta alemán que ya desde el inicio de su carrera mostró su fascinación por el cine estadounidense, siguiendo los parámetros de un Spielberg en títulos como El secreto de Joey. Luego, ya en Hollywood, demostró una sorprendente atracción hacia títulos que rendían pleitesía al amor de los yanquis por su país, con Independence Day  y El patriota, a la vez que manejaba enormes presupuestos, sin duda que se movía como pez en el agua a la hora de armar superproducciones. Por ello no resulta extraña que ahora dirija Midway, sobre la Guerra del Pacífico en los años de la Segunda Guerra Mundial, concediendo el espacio principal a la batalla del título, aunque ampliando el marco con los prolegómenos que conducen a ese punto culminante de la contienda. Por supuesto, no es la primera vez que el cine la aborda, en 1976 tuvimos La batalla de Midway de Jack Smight, con un reparto plagado de estrellas, Charlton Heston, Henry Fonda, James Coburn, Glenn Ford y Toshiro Mifune, entre otros. En realidad podríamos decir que el film de Emmerich combina lo contado ahí con lo que mostraba la película de 1970 Tora, Tora, Tora. De modo que la trama arranca con el oficial de inteligencia Edwin Layton detectando que Japón podría sentirse fuerte para intentar imponer su dominio en el Pacífico, pero sin que sus advertencias sean escuchadas, lo que conduce al desastre de Pearl Harbor, el ataque japonés inesperado y que destruye gran parte de la flota. Con el nombramiento del almirante Chester Nimitz, Estados Unidos se prepara para dar una respuesta contundente, el audaz bombardeo de Tokio, coordinado por el teniente coronel Jimmy Doolittle. Para llevar a cabo la operación es necesario que inteligencia, con Layton detrás sea escuchada, en sus intentos de descodificar los mensajes nipones. Y pilotos como Dick Best se jugarán la vida, pues las operaciones tan lejos de un lugar para repostar, y sin apenas portaviones, son de altísimo riesgo. Todo conducirá a la batalla de Midway, que podría convertirse en una trampa mortal para unos y otros, decidiéndose el destino de la guerra. El film de Emmerich, coproducción con China que cuenta con un guion del más bien desconocido Wes Tooke, es riguroso a la hora de ceñirse a los hechos históricos, y se sigue con interés. Los efectos visuales digitales siguen perfeccionándose, de modo que todas las escenas de acción bélica resultan impactantes. Como es de rigor en una cinta de guerra que sigue las pautas de la vieja escuela, resulta importante el reparto, casi exclusivamente masculino, donde destaca Woody Harrelson, un actor igual se enfrenta a los zombies con guasa en Zombieland. Mata y remata, que se lanza a interpretar con enorme dignidad y clase al almirante Nimitz. Hay muchos rostros reconocibles, como el de Nick Jonas, uno de los hermanos Jonas, el valiente piloto Bruno, o los de Dennis Quaid, Aaron Eckhart y Luke Evans, correctos aunque no tienen la fuerza de los clásicos. El bando japonés es retratado con respeto, se evita caer en el trazo típico de la caricatura.

Adaptación de un libro de James Baldwin, la trama se sitúa en el imaginario barrio de Beale Street, que deviene en metáfora de esas zonas urbanas donde los afroamericanos tratan de llevar sus vidas del mejor modo posible, aunque sean víctimas de los prejuicios raciales, hasta encontrar una vivienda digna se torna tarea harto difícil. Es lo que les sucede a Tish y Fonny, tiernamente enamorados. Una acusación falsa de violación hace que él acabe con los huesos en la cárcel, donde se entera de que ella está esperando un niño. Barry Jenkins, que triunfó en los Oscar con Moonlight, parece empeñado en convertirse en el “Douglas Sirk negro”, con este drama con tintes de culebrón, donde entrelaza bien el presente en que se busca evitar una condena fatal con escenas que explican cómo se ha llegado a la actual e injusta situación carcelaria. Hábil cineasta, Jenkins sabe rodar con intensidad, por ejemplo en la redonda escena final. Pero carga las tintas hasta la caricatura en algunos personajes –la cerrazón mental de la madre y las hermanas de Fonny, la brusquedad grosera de la hermana de Tish, el repulsivo policía blanco que hizo la detención– e incluso se pierden en el camino algunos personajes, sin que volvamos a saber de ellos, véase el viejo amigo de Fonny. La pareja protagonista, KiKi Layne y Stephan James, hace un buen trabajo actoral. Hay también un buen plantel de secundarios, entre los que descolla Regina King.

Estamos en el siglo XXVI es una sociedad distópica, la guerra con los marcianos 300 años atrás ha dejado profunda huella en la Tierra. En la ciudad aérea de Salem vive una élite inalcanzable, mientras que en tierra firme se encuentran los parias, un conjunto abigarrado de seres humanos, los cárnicos, y de cyborgs, que tiene partes de su cuerpo artificiales. En Iron City, en la zona de desguace, el doctor Ido experto en curar a cyborgs encuentra los restos de la desechada Alita, con un cerebro humano en perfecto estado, y a la que reconstruye en su clínica. Cuando logra que despierte, ella, de aspecto adolescente, no recuerda nada de su pasado, pero pronto sale a la luz que posee cualidades muy especiales, sus dotes físicas son realmente extraordinarias, propias de una guerrera; lo que no quita para que destaquen en Alita unos sentidos muy acendrados de la bondad, la lealtad y la justicia, como se advierte en sus relaciones con esa figura quasi paterna que es el doctor Ido, o con su nuevo amigo Hugo, que le guía en ese mundo hostil, donde se siente muy atraída por un deporte muy popular, el Motorball. Trepidante adaptación del manga de Yukito Kishiro, que ya antes había conocido una versión como serie de anime no demasiado apreciada por los fans. Teniendo detrás la mente creativa de James Cameron, que ejerce como coguionista y productor, puede imaginarse que técnicamente Alita: Ángel de Combate alcanza una perfección inusitada en sus aspectos visuales, tanto en el uso de efectos especiales CGI como en la presentación del 3D, usado con tanta inspiración como en Avatar, el proyecto que tan enfrascado le tiene, da la impresión de que el resto de su carrera sólo dirigirá las secuelas de ese film. Para la dirección, Robert Rodriguez se revela como una acertada elección, pues se nota que el cineasta de origen hispano admira la fuente original, y que posee un talento especial para el cine de acción. Estamos ante un film donde el entretenimiento de calidad es la meta principal, meta que se alcanza sobradamente. La recreación del universo futurista es espectacular, con muchísimos detalles, grandes planos generales de Iron City con edificios semiderruidos o del estadio donde se juega al Motorball. También es fabulosa la calidad y movimiento de los cyborgs, la simbiosis de las partes puramente mecánicas o de robots, con las humanas, manos o rostros, en muchos casos tratados visualmente, como los espectaculares ojos de Alita, todo un homenaje a los clásicos de los personajes del anime, con su redondez saltona. Y las peleas, persecuciones, etcétera, están muy logradas, nada que ver con el cansinismo de ciertas perezosas producciones de acción, está todo muy bien estudiado para asegurar la diversión. Quizá alguno considere que los elementos que componen la trama son muy sencillos o arquetípicos, pero sea como fuere, lo cierto es que funcionan a las mil maravillas. La chica sin memoria que necesita arraigar en algún sitio, conocer el sentido de su vida; los padres sacudidos por una tragedia que les marcó para siempre; los sentimientos paternales y filiales entre Ido y Alita, al modo de una revisión moderna del cuento de Pinocho; la élite controladora de los parias desde la distancia, sin mezclarse nunca con ella; los cazarrecompensas y demás tipos duros; el amigo que decepciona, pero donde siempre cabe el perdón. Rosa Salazar, abonada a las sagas distópicas –Divergente, El corredor del laberinto– asume con aplomo el protagonismo del film y logra hacer creíble la mezcla de pureza y fuerza de su personaje; y funciona muy bien el resto del reparto, incluidos tres oscarizados secundarios de lujo, Jennifer Connelly, Mahershala Ali y Christoph Waltz.

Largometraje en solitario de uno de los personajes de mayor éxito de las últimas décadas de los comics Marvel. Vuelve a estar interpretado por Ryan Reynolds, que le dio vida en X-Men Orígenes: Lobezno, donde era un secundario que formaba parte de un particular equipo de mutantes con el protagonista. Estamos pues ante un 'spin-off' de otro: ¿Hollywood languidece? Wade Wilson sobrevive como mercenario, con encargos de poca monta, como amenazar a un repartidor de pizzas para que deje de acosar a una chica. En el bar donde trabaja su amigo Weasel conocerá a Vanessa, prostituta con la que inicia una intensa relación, que se ve amenazada cuando a él le diagnostican un cáncer terminal. Desesperado, acaba aceptando la oferta de un 'reclutador' desconocido que puede curar su cuerpo además de dotarle de poderes sobrehumanos. Por desgracia, Wilson no contaba con la letra pequeña de su peculiar acuerdo. Esperadísimo por los fans, el film Deadpool ha obtenido una buena taquilla en su estreno en Estados Unidos a pesar de un tono irreverente y grosero que espanta a parte del público, y las críticas han sido bastante elogiosas. Esto se explica en buena medida porque logra cierta frescura gracias al recurso de que el protagonista rompe la cuarta pared, dirigiendo al público sus iconoclastas y cínicos comentarios, y por la abundancia de humor, de tintes negros, y muchas veces metacinematográficos, tomándose a broma el universo de los superhéroes de la gran pantalla. En ese sentido, arrancan carcajadas detalles como los sinceros títulos de crédito iniciales, algún comentario sobre Liam Neeson y la saga Venganza, etc. Abundan los guiños a iniciados, que también apreciarán que aparezcan Coloso y la joven Negasonic Teenage Warhead, dos miembros de los X-Men. Sin embargo, por debajo de estos fuegos de artificio, el debutante en el largometraje Tim Miller sólo logra componer un film de venganzas bastante convencional, que aunque saca punta a los tópicos del cine de mutantes y demás enmascarados no puede evitar caer en ellos. Sus escenas de acción, más violentas que la media en este tipo de cine, funcionan, pero no resultan memorables. Nada llega a la altura de la también iconoclasta Kingsman. Servicio secreto, deconstrucción del género de superespías, que además ofrecía una historia brillante y atractiva. A Ryan Reynolds le pega el personaje, pero tampoco consigue apasionar al respetable. Su romance con la correcta Morena Baccarin (esposa del terrorista en Homeland) está lejos de resultar tan evocador y emotivo como otras historias del estilo de La bella y la bestia, sin ir más lejos una tan similar como la que cuenta Darkman, protagonizada por el aludido Neeson.

Camille Delamarre (Brick Mansions) ofrece en su segunda película como director este reboot de la franquicia creada por el francés Luc Besson, que contaba ya con tres entregas. Lo más llamativo es que el protagonista ha dejado de estar interpretado por el estólido Jason Statham y ha sido sustituido por el aún menos expresivo Ed Skrein (Ill Manors). Curiosamente no es la primera vez que Dellamarre trabaja con el personaje de Frank Martin, ya que también ha sido director de segunda unidad en numerosos episodios de la serie del mismo título protagonizada por el convincente Chris Vance. Frank Martin es requerido por una mujer para hacer un trabajito. A pesar de que la clienta cambia las reglas, Frank se verá obligado a seguir su juego al saber que su padre ha sido secuestrado y que morirá si no cumple con su parte del plan. Pronto se da cuenta de que él y su padre han sido invitados a una trama de venganza por parte de cuatro jovencitas de buen ver que desean desvalijar las cuentas de los tres mafiosos que las han utilizado como esclavas sexuales durante años. Los problemas de Transporter Legacy son muchos. El más importante es que el guión es de una planicie supina, sólo ofrece acción y esa ni siquiera sorprende (aunque sea inverosímil hasta el tebeo), pero además la sorna de otras entregas prácticamente desaparece. Se intenta, es cierto, mantener cierto tono de humor, pero los gags no funcionan, llegan poco por culpa de la sosería de Ed Skrein, un actor que contra pronóstico acaba por hacer bueno el trabajo de Statham. El film tiene en su contra además que se esfuma la complicidad del protagonista con la policía –ese simpático personaje de François Berléand ofrecía en anteriores películas humor, dinamismo, variedad ante tanta acción–, aunque sí se gana algo de frescura en la trama con la introducción de Frank Martin Sr., padre del ex agente de las fuerzas armadas, aquí interpretado por Ray Stevenson. También funciona el papel de la chica de turno, gracias a que está interpretada con correcta chulería por una actriz que promete, Loan Chabanol.

Un grupo de vikingos se queda aislado en las costas de Escocia cuando su barco se hunde por una tormenta. Ya en tierra toman como rehén a la hija del rey de Alba. Para salvar la vida deberán dirigirse hasta Danelag, un territorio en donde se ubica un asentamiento de los suyos. Pero el rey de Alba envía a unos mercenarios tras ellos. Film de aventuras ambientado en el siglo IX, que recrea la época de las incursiones vikingas y los enfrentamientos corespondientes. La trama sigue un itinerario batante clásico, una persecución a vida o muerte, y aunque no tiene un elevado presupuesto, cuenta con un diseño de producción medianamente logrado, que saca partido a los escenarios naturales y los combates están coreografiados con esmero. Incluye en el reparto rostros conocidos como el Ed Skrein o Ryan Kwanten.

La obra de un cantautor, Ben Drew, un rapero conocido en este mundo por el nombre de “Plan B”. Como ha crecido en Fores Gate, un barrio difícil del Este de Londres, desea testimoniar las carencias de allí, sobre todo en el ámbito familiar. Su película da una importancia capital a la música, de forma que la acción es interrumpida por canciones que apoyan los acontecimientos dramáticos del relato. El método seguido da buenos resultados y contribuye a la originalidad de la obra. Esta, en la primera parte se limita a seguir las aventuras de varios personajes que se debaten contra las influencias negativas del ambiente social y moral del medio humano escrito. Hay una profusión de acciones que se mezclan al ritmo, cada vez más acelerado de la música. Esta parte coral deja paso a una acción más intensa, sobre un niño abandonado por su madre en un tren a causa de la persecución de la que es objeto. Son las peripecias en torno al niño, vendido y recuperado, las que animan la última parte de la película mucho más clara y emocionante. Como de costumbre, el cine británico sigue ofreciendo interpretes de gran calidad (Riz Ahmed, Ed Skrein, Anouska Mond, etc.)