Jamie Blackley

En la isla griega de Mykonos, el magnate del mundo de la moda en decadencia Sir Richard McCreadie prepara una suntuosa fiesta, inspirada en la película Gladiator, para celebrar su sesenta cumpleaños, y demostrar a los medios de comunicación que todavía le queda mucha cuerda. Pero se complica la preparación del evento, que incluye construir un anfiteatro a imitación del Coliseo, y traer un león, a lo que se suma la tensión con la madre de su hijo, a la que ha sustituido por una joven, y con su controladora madre. Además, han empezado a investigarle por la forma fraudulenta con la que consolidó su imperio, lo que provoca que algunos invitados cancelen su asistencia. Como su personaje, el británico Michael Winterbottom anda algo de capa caída, quedan lejos el Oso de Oro por In This World, de 2003 y el Oso de Plata al mejor director en Berlín por Camino a Guantánamo, de 2006, y la Concha de Plata al realizador en San Sebastián por Génova, de 2008, y otros títulos de enorme interés, como Wonderland (1999) y El perdón (2000). Así que trata de dar un golpe de efecto con una disparatada sátira del mundo empresarial, un tanto facilona y tópica, de denuncia de los excesos que pueden cometer los poderosos, lo que a ratos trae a la memoria El lobo de Wall Street, pero sin lograr el mismo resultado. Parece que el realizador ha perdido algo de la chispa que tenía antaño, y el metraje resulta excesivo. Al menos se salvan algunos momentos divertidos, tienen gracia los chistes sobre el film de Ridley Scott. Y también sale airoso Steve Coogan, de nuevo a las órdenes de Winterbottom tras buenos trabajos en 24 Hour Party People, Tristam Shandy y la serie iniciada con The Trip. Demuestra ser un buen actor que imprime humanidad a su exagerado personaje, empresa en la que fracasan con los suyos Isla Fisher (la ex) y Asa Butterfield (su retoño). El título original, Greed, se corresponde con el de Avaricia, el clásico de Erich Von Stroheim, así que usarlo resulta una decisión un tanto codiciosa, porque no resiste las comparaciones.

Don Wallace ingresa como nuevo interno en la prestigiosa institución escolar Matadero, situada en medio del campo británico, en una zona cercana a un bosque. Allí pronto se dará cuenta de que va a tener una vida difícil. El director es muy rarito, su compañero de cuarto, Willoughby, es igual de extraño y la disciplina es férrea en el lugar debido a un veterano muy violento. Lo único bueno en el horizonte es la presencia de Clemsie, una estudiante por la que Don se siente atraído. Pero todo esas cosas quedarán en segundo plano cuando unas excavaciones prohibidas en el bosque cerca de la escuela provoquen el caos y la muerte entre los alumnos. Los comediantes ingleses Simon Pegg y Nick Frost se hicieron un nombre en el cine gracias a sus delirantes comedias de terror, al estilo Zombies Party. Aquí recuperan el aliento de antaño y ejercen como productores y también como actores de esta película gamberra y sanguinolenta que hará las delicias de frikis poco exigentes. Terror, sangre y humor se unen en un argumento poco trabajado, donde los efectos especiales importan poco y parece que lo más relevante es pasarlo bien en el rodaje. El resultado es inferior al de otras películas del mismo estilo. Cuenta, eso sí, con la aparición de otros actores de renombre, como Michael Sheen o la australiana Margot Robbie.

Woody Allen sigue explorando la condición humana, y en esta ocasión lo hace de modo explícito a través de Abe, un profesor de filosofía que ha tocado fondo existencialmente. Aunque sus clases en la universidad gozan de merecido prestigio, varias desgracias personales que le han tocado en lo más íntimo le han arrebatado las ganas de vivir, no encuentra gusto en sus investigaciones ni en el aula, e incluso ya no parece estar fisiológicamente a la altura de su fama de mujeriego. De hecho otra profesora universitaria, Rita, una mujer infeliz en su matrimonio, le tira los tejos sin demasiado éxito; más agradable resulta la compañía de su joven alumna Jill, que verdaderamente le admira, pero quiere mantener la relación en el plano de la amistad, no quiere echar a perder su noviazgo. Curiosamente la noticia de una terrible injusticia que está a punto de cometer un juez, y su idea de resolverla de un modo drástico, le transforma en un hombre nuevo, optimista y resolutivo. La duda es si tal transformación no resultará efímera. Verdaderamente merece alabanza el cineasta neoyorquino por su inagotable capacidad de trabajo, que le lleva a entregar anualmente una película, una puntualidad casi kantiana, si se nos permite la broma filosófica que también parece querer introducir Allen con la rutina del personaje del juez en el parque, que semanalmente efectúa siempre los mismos movimientos. Y lo que entrega nunca carece de interés, ni en los casos en que pueda estar menos inspirado o ser menos brillante. Irrational Man no es de los mejores filmes de Allen, y el problema no estriba tanto en que repita ideas y temas previamente abordados –la conexión en este caso con Delitos y faltas y Match Point, incluida la cita explícita a “Crimen y castigo” de Dostoievski, es evidente–, como en el abuso de la doble voz en off, y, sobre todo, en el estiramiento excesivo de la trama. Trama que en el fondo es muy sencilla, urdida alrededor de la paradoja que encierra la irracionalidad del hombre supuestamente racional, que se cree superior, por encima del bien y del mal, muy en la línea de Nietzsche, un filósofo que curiosamente no es citado expresamente en la película. La idea del crimen perfecto con coartada intelectual, que hace pensar en La soga de Alfred Hitchcock, es cuestionada con inteligencia cuando finalmente queda expuesto a las claras que las razones de fondo para actuar son puramente narcisistas, al final uno sólo piensa en su propio bienestar, se diría que las motivaciones desinteresadas en las personas no existen o son muy difíciles de encontrar. El pesimismo de Allen asoma no sólo en el deprimido profesor, sino también en las dos mujeres que asoman en su vida. Y aunque se supone que con su proceder el “profesor” Joaquin Phoenix va a impartir sendas “lecciones vitales” a sus “pupilas” Emma Stone y Parker Posey, no dejan éstas de estar atravesadas por una ironía próxima al cinismo, sólo a base de recibir palos en la vida llegamos al conocimiento.

El día en que espera la llegada de la carta que le informe de si ha sido o no admitida en la escuela Juilliard de Nueva York, Mia Hall –estudiante del último año de instituto y virtuosa del violonchelo– sufre un grave accidente de tráfico mientras viaja con sus padres y su hermano. Ella misma presenciará atónita los acontecimientos posteriores desde un plano distinto de la realidad, mientras su cuerpo se debate en el hospital entre la vida y la muerte. Además de sus demás familiares, acusará el golpe extraordinariamente Adam, su novio rockero. Hay películas que suenan a mil veces vista. Quizá la trama sea original y el desarrollo contenga puntos o material novedoso, pero el espectador tiene la sensación de que ya sabe de qué va y, lo que es peor, presiente cómo va a terminar. Algo así sucede con Si decido quedarme, adaptación del best-seller de Gayle Forman. Se trata de una historia muy sentida que exalta el amor juvenil y narra sucesos trágicos que hablan del límite entre la vida y la muerte, de lo inesperado del dolor y de las decisiones que forjan el destino, de la fuerza del amor y también de la vida después de la muerte. Sin embargo, hay también en el meollo del film una idea muy de moda, pero igualmente discutible: que somos los seres humanos quienes no se sabe con qué poderosa fuerza interior decidimos sobre nuestra vida y nuestra muerte. Es un enfoque romántico, bonito y literario, qué duda cabe, pero que resulta inevitablemente presuntuoso y, por supuesto, un poco falso... El director R.J. Cutler (especialmente conocido por su trabajo en The September Issue), rueda bien y se apoya con esmero en una magnífica fotografía de John de Borman (Un gran día para ellas). Debido a lo lacrimógeno de la historia, decide contar su película por montaje paralelo, seguramente para no cargar demasiado las tintas, de modo que por un lado se muestra el pasado de Mia, su enamoramiento de Adam, sus vaivenes afectivos, la relación con sus padres, sus dificultades a la hora de decidir su futuro; y por otro, el espectador es testigo del presente trágico, mientras ella está en coma, entre la vida y la muerte, acompañado por sus seres queridos en el hospital. Por lo demás, el enfoque un tanto “new age” es inevitable en este tipo de películas, en donde se muestran de algún modo los dos planos de la vida, el material y el inmaterial con una espiritualidad muy blandita. Los actores están bien, especialmente la protagonista Chloë Grace Moretz, que hace un excelente trabajo, creíble, pero también destacan Mireille Enos en el papel de madre y el veterano Stacy Keach en el de abuelo.