Mercedes Sampietro

Isidro está jubilado pero siente que aún puede hacer mucho más que gastar sus días como canguro de su nieto. Acude con ilusión a entrevistas de trabajo pero pronto se da cuenta de que ése no es ya el camino hacia su futuro. Desesperado, tendrá por fin una lúcida idea: la de fundar su propia empresa con ayuda de sus dos inseparables amigos, Desiderio y Arturo. El objetivo será crear una guardería. Magnífico debut en el largometraje del extremeño Santiago Requejo (1985), que cuenta con una larga y exitosa trayectoria en cortometrajes y piezas audiovisuales. Ofrece con Abuelos una mirada divertida, fresca y reconfortante a la edad madura, en tiempos en los que las virtudes propias que da la experiencia están rebajadas por el predominio tecnológico y la inmediatez de los negocios. Requejo enseña en este film que la juventud y el éxito no dependen tanto de la edad como de las ganas de emprender nuevos caminos y desafíos, no sólo profesionales, sino sobre todo interiores, personales, esos retos que precisamente los años y las dificultades nos pintan por imposibles. Hay que tener empuje para asumir ese planteamiento, sí, quizá haya que tomar decisiones arriesgadas y las dificultades –tedio, rutina, falta de autoestima, cansancio, escasez económica, familia– no se van a esfumar, pero hay que lanzarse y está en la mano de cada uno llevarlo cabo. El guión de Javier Lorenzo y el propio Santiago Requejo no da puntada sin hilo. Se ve que hay detrás una labor depurada de precisión, donde los diálogos nunca suenan a relleno, ayudan al avance de la narración, enriquecen la trama. Pero aquí interesan las personas y sobre todo se percibe un encomiable trabajo a la hora de perfilar a los personajes, muchos y muy variados. Resulta especialmente llamativo que hasta los más secundarios –el matrimonio de Carlos y Lola, la hija de Arturo, la mujer de Isidro- tienen su tiempo y su arco de evolución, nada se olvida. Y no digamos ya los tres amigos protagonistas, cada uno con sus cuitas y dudas, sus miedos y cobardías, sus afanes y alegrías, donde la fuerza de la amistad siempre ejerce de tapiz de fondo. La narración se desarrolla con soltura y, aunque los conflictos poseen entidad dramática, la historia se disfruta constantemente con una media sonrisa, si bien es cierto que en algún momento puede asomar la carcajada. Rodada con corrección y cierto clasicismo, el film está acompañado de un aparato técnico a la altura, con tonalidades cromáticas elegidas sin arbitrio en la fotografía de Ibon Antuñano y con la excelente música de Íñigo Pirfano, que envuelve de sentido las imágenes en escenas escogidas. Todo el reparto brilla en su trabajo, pero quizá destacan especialmente los españoles Ramón Barea, Ana Fernández y Roberto Álvarez y la argentina Clara Alonso.

Sólido debut en la dirección de Miguel del Arco, autor también del guión. Sigue la complicada relación entre los miembros de una familia, los Ponte Alegre, que se diría son víctimas de las célebres Furias, hijas de Urano, de la mitología griega, tantas vicisitudes envenenan el trato entre unos y otros. Ahí están Leo, el abuelo, célebre actor de teatro que conoció una etapa de decadencia, y ahora padece una demencia senil; su esposa Marga, psiquiatra, que mantiene una relación amorosa lésbica que nadie conoce con su ayudante Julia; sus tres hijos, Casandra –directora de un programa de radio nocturno, casada con Gus, músico en paro, y con una hija adolescente psicótica, María–, Héctor –el triunfador, que acaba de anunciar su boda al fin con Ana, su pareja desde hace 20 años– y Aquiles –el más perdido de los tres, soltero y que está escribiendo un libro sobre su padre–. El inesperado anuncio de Marga de la venta de la casa de campo familiar propicia una última reunión en la finca, donde se celebrará la boda de Héctor y Ana, y que será el escenario donde se desaten aún más las Furias que atenazan a la familia. A modo de intensa tragedia griega, conviven en Las furias las libres decisiones de los personajes con cierto fatalismo, no escogemos a los miembros de nuestra familia, ni las enfermedades que padecemos, y podemos aconsejar a otro pero no sustituirle en lo que hace. El modo en que Miguel del Arco plasma las vicisitudes de una familia que, casualidades irónicas de la vida, al unir padre y madre apellidos se convirtieron en los Ponte Alegre, hace pensar en una familia auténtica también sacudida por verdaderas turbulencias, la del poeta Leopoldo Panero, y cuya vivencia fue recogida en dos películas de corte documental, El desencanto y Después de tantos años. Uno de los grandes méritos de Del Arco es dar consistencia a todo el tejido narrativo y a los numerosos personajes, ninguno es de poca entidad, y todos los actores lo hacen muy bien, casi resultaría injusto destacar a uno por encima de los demás, aunque podamos hablar de una Carmen Machi sorprendentemente seria, de la jovencita Macarena Sanz, de José Sacristán senil, de Bárbara Lennie con acento argentino... Además, una película coral de este estilo corría el riesgo de caer en la teatralidad, pero no, Las furias es muy cinematográfica, y aúna además lo clásico con elementos de la modernidad, una soledad y un desconcierto muy actuales, también en las relaciones afectivas de corte homosexual, en la infidelidad, en la unión padres-hijos, en el cuidado de los mayores, en la inclusión no casual de una mujer que va a ser madre por inseminación artificial, y que concejala, va a oficiar una boda civil.

Audaz y original película española dirigida por Joaquín Oristrell, quien pergeña una insólita historia coral –de extraordinario reparto– que tiene lugar en tiempo real y que acontece en un radio de medio kilómetro, en los alrededores de la Plaza de Lavapiés, en Madrid, punto de inicio de un continuo travelling que va pasando de un personaje a otro y nos va acercando a su situación real, a las vivencias en esos 75 minutos de un grupo de habitantes, en su mayoría jóvenes desorientados, frustrados, que deambulan en la noche de agosto madrileña y hablan, discuten, cantan, piden, recitan... Ahí está la perorata de un “loco” que ve por todas partes una conspiración social; la cita telefónica de una enamorado; la entrevista de un reportero; las excusas de un jefe a una empleada a la que debe dinero; los lamentos de una joven madre hambrienta; los diferentes enfados de una chica obsesiva con varios interlocutores telefónicos; la compra callejera de un director de hotel; la frustración de una joven que busca trabajo; las explicaciones de un hijo a su madre sobre su adicción a la pornografía; las discusión entre dos limpiadoras de basura; los jóvenes que van de marcha; la canción de un artista; la actuación de unos actores... Teniendo en cuenta que toda la película ha sido rodada en un único plano y que el set es un entorno urbano real, calles transitadas habitualmente en el centro de Madrid, hay que reconocer el enorme mérito de una narración ejemplar en cuanto a la planificación y a la extraordinaria pericia al ajustar la entrada y salida del encuadre de los diferentes personajes y sus tramas. Sólo por este soberbio ejercicio de estilo la película merece admiración. Destaca en este sentido el número rimado que se marca un enorme Antonio de la Torre. A su vez, indudablemente planea sobre el conjunto un cierto aire irreal, generado por la artificiosidad de captar a cada hombre y a cada mujer en el preciso instante que se requiere para que sus conversaciones se entiendan, se sigan, se esperen... De fondo, hay en los personajes que aparecen en la película un halo de tristeza y frustración ante la adversidad, pues todos son perdedores y cargan con su personal saco de dificultades, económicas, laborales, afectivas, etc., y es fácil comprobar cómo la crisis financiera global enmarca cada una de sus pesadumbres y hace un poquito más difícil sus vidas. Sin embargo, también al conjunto puede achacársele cierta superficialidad, pues el somero vistazo social que es el film no puede entrar en honduras de entidad, ni ofrecer soluciones. Así las cosas sorprende mucho el logrado y sugestivo final, que, aunque efectista, no deja de ser un sentido homenaje al mundo del teatro, a la fuerza transformadora de las palabras, en donde los poemas de Blas de Otero sirven de catalizador y elevan la película hacia una suerte de desenlace filosófico-existencial que hace preguntarse a los actores sobre el sentido de su vida, de su libertad, de su destino, como si fueran protagonistas de la obra de un Creador (con mayúsculas) cuyo silencio interpela a todos, espectador incluido.

Traslación a un marco contemporáneo español del clásico relato de Edmondo De Amicis, que fue tan popularizado por la serie homónima de dibujos animados. Sigue a los dos hermanitos Marco y Lucas, que ven con pena como su madre, viuda, debe dejar el pueblo e irse a trabajar a Benidorm. Sus frecuentes cartas un día dejan de llegar, motivo por el cual escapan de la casa de unos conocidos donde se alojaban, y parten en busca de su mamá. Trata de darles caza un asistente social. Félix Viscarret, que debutó con cierto ímpetu con Bajo las estrellas, dirige un digno pero algo soso producto televisivo cuyo inicial marco navideño es una débil excusa para programar su emisión en estas fiestas. El guión es de Ramón Campos y equipo, que se han curtido en series como Hispania, la leyenda y Gran Hotel, y lo confía todo al desparpajo de los niños protagonistas, que acaban cansando un poco con sus bromitas, miedos y buenos sentimientos. El plantel de secundarios adultos de lujo -Ariadna Gil, Mercedes Sampietro y compañía- poco pueden hacer para dar lustre a una historia previsible, de plano desarrollo.

Spleen es un tipo al que le gustan tres cosas en la vida: Valle-Inclán, los Smith y las chicas malas con flequillo. Una noche, conoce a La Rusa, una chica mala con flequillo. Es el primer momento en que para de llover después de tres meses de agua constante. Algo está a punto de cambiar, pero Spleen aún no lo sabe. Su noche con La Rusa le acabará marcando sobremanera. Santiago de Compostela es el escenario de la noche de los dos protagonistas. La ciudad está fantástica como complemento de la historia de descubrimiento de Spleen y La Rusa.

Extremadura, España. Finales de los años 60. En un hospital psiquiátrico donde además de locos también recalan golfos y maleantes, da con sus huesos Mateo, un tipo más cuerdo que la mayoría, pero que encaja en la segunda adscripción de huéspedes del lugar. De preclara inteligencia, tiene nada más llegar un encontronazo con Burgos, el director del manicomio. Allí aprenderá a convivir con personas que presentan graves taras mentales; y encuentra cierta comprensión en Carmen, una médico que trabajo allí desde hace poco. También despertará su atención Lola, una jovencita tímida que alberga en su interior las secuelas de un duro suceso del pasado. De entrada la trama del guionista y director debutante José Manuel González, encerrada en un largo flash-back, despierta simpatía: tiene un punto de originalidad y el cineasta exhibe en muchos pasajes un notable pulso narrativo. Hay además un esfuerzo por la construcción de personajes y sus relaciones, por ejemplo con los secundarios del portugués y el francés. Pero no se evitan algunos fallos de principiante o ciertos tópicos algo increíbles, de los que se resiente el resultado final, como el del celador que abusa de las mujeres dementes, mientras el director mira a otra parte; o el del preso encerrado en un oscuro calabozo -¿quién será?, ¿qué habrá hecho?, ¿qué oscuro secreto encierra?-, que oculta la inevitable intolerancia de la época, el franquismo, ya se sabe... En el reparto destacan las mujeres, Irene Visedo despegándose de su personaje de la serie televisiva Cuéntame cómo pasó, y la joven María Valverde, en una muestra de su versatilidad.

Judith Colell fue una de las autoras del film colectivo El dominio de los sentidos, que aglutinaba cinco trabajos de prometedoras cineastas, como María Ripoll. En 2000 debutó en solitario en el largometraje con la desconocida Nosotras. En su segundo largo, Colell se perfila como una autora a tener en cuenta, pues ha rodado un interesante drama social compuesto por tres historias diferentes que confluyen en un punto y tienen que ver con perros, aunque es un film muy distinto a Amores perros. Los protagonistas son tres personas que coinciden en una parada de autobús. Justo al lado, un automovilista deja a su perro atado y le abandona. Recoge al animal Celso, un humilde guardia de seguridad que se lo lleva a su hijo pequeño, al que le da una gran alegría, justo antes de que su esposa embarazada le dé una noticia inesperada, pues le acaban de confirmar que espera gemelos. A Celso le entra auténtico vértigo, por sus graves problemas económicos y la falta de entereza para poner en marcha alguna solución. Otro de los personajes es Mila, una profesora de Lengua y Literatura asustada ante la perspectiva de regresar al instituto, un año después de ser agredida por un alumno violento. Mila tiene como vecina a una anciana solitaria, que acoge perros abandonados, a la que los demás inquilinos del inmueble toman por loca. Por último, Valeria es una estudiante de violoncelo, que mantiene una relación con su profesor, un hombre que le dobla la edad y que tiene pavor de contarle la verdad sobre su vida. Paradójicamente, la madre de Valeria ha sido abandonada por su marido, que también se ha ido con una chica más joven. Los actores sacan todo el partido a unos personajes bien trazados, lo que da lugar a varias secuencias de intensidad dramática. Se luce especialmente Alex Brendemühl, con el personaje que más evoluciona, y sin duda, el más interesante, con momentos de primera, como el de la cabina telefónica, y el desenlace de su historia. Como siempre, Mercedes Sampietro ofrece una lección de arte dramático, y también dan la talla a pesar de la brevedad de sus intervenciones Silvia Munt y Joaquim De Almeida. El arranque es una buena metáfora de lo que les sucede a los protagonistas, que llegan a tocar fondo, quedándose tan solos como el citado perro abandonado. Es la consecuencia más importante de su propia cobardía, pues la directora se centra sobre todo en mostrar a individuos incapaces de tomar las riendas de su propia vida, que tienen difícil superar sus problemas de incomunicación, de aceptación del paso del tiempo y de desamor.

El cubano Pavel Giroud, que dirigió un segmento del film colectivo Tres veces dos, y el documental Esther Borja: Rapsodia de Cuba, debuta en el largo de ficción, con esta coproducción entre su país y España. El guión del prometedor Arturo Infante ha sido apadrinado por el Nobel Gabriel García Márquez, tras el taller anual ‘Cómo se cuenta un cuento’, que imparte desde hace tiempo el autor de ‘Cien años de soledad’. La película ha sido nominada al Goya, a la mejor película hispanoamericana, y representa a Cuba en los Oscar. El título es una expresión cubana que hace referencia al período previo a la adolescencia, es decir, que se podría traducir como ‘la edad del pavo’. Se encuentra en ese tramo de edad el protagonista, Samuel, que tras la ruptura de su madre con su enésima pareja, regresa con ella a la casa en La Habana de la abuela, Violeta, una mujer española de carácter huraño, con pocas ganas de compartir su residencia. Corre el año 1958, justo antes de la llegada de Fidel Castro al poder, y aunque el chico entra en la típica etapa de rebeldía, acaba estableciendo un estrecho vínculo con su abuela. Este relato iniciático lanza una mirada nostálgica a una época clave de la historia de Cuba. El director ha cuidado la ambientación, en todos los detalles, música, vestuario y coches de la época, por lo que se puede decir que estamos ante una especie de Cuéntame cómo pasó, en versión cubana. Se centra en la falta de afecto del chico protagonista, que sufre las consecuencias de vivir en una familia desestructurada. El niño Iván Carreira, comparte el protagonismo con la memorable actriz española Mercedes Sampietro (la abuela), y con la joven Susana Tejera (la madre).

Esto era un sordo, un cojo y un ciego que van en un coche... No es un chiste, sino el argumento de la última comedia del especialista Joaquín Oristrell. Carlos, el ciego, está a punto de casarse, y para celebrarlo se dispone a ir al cine y después a tomar unas copas, en plan despedida de soltero, con Rubén, el sordo, y Dani, el cojo, que les lleva en su coche. Carlos conocerá a Yolanda, una chica con la que parece llevarse mejor que con su futura esposa. Rubén se enamora de Patricia, que asegura ser minusválida porque no puede distinguir los sabores. Dani se da cuenta de que le atraen los otros hombres. Tan ligera como los demás trabajos de Oristrell, y aunque se alarga en exceso y recurre al humor chabacano, lo cierto es que acumula diálogos y situaciones de cierta hilaridad. No en vano, cuenta con la gracia natural de Tejero, el talento de Santi Millán y la polivalencia de José Luis García Pérez, que un día dará la campanada cuando le den un papel a su altura.

El bonaerense Juan Diego Solanas debuta en el largo como director, con este arriesgado drama que denuncia el comercio de bebés en las zonas más desfavorecidas de Argentina, al Nordeste del país. Hasta ahí llega Elena, una cuarentona francesa desesperada por ser madre, que ha decidido adoptar un niño, aunque sea ilegalmente. A cambio de una gran cantidad de dinero, le ofrecen un bebé que resulta estar a punto de morir. En su periplo, Elena conocerá a Juana, una madre humilde que lucha por sacar adelante a su hijo. El debutante Solanas muestra con realismo el problema, presenta situaciones escalofriantes y retrata la cruda realidad de la corrupción. Pero acusa la evidente falta de presupuesto. Además, el reparto está formado por actores de varios países, como la francesa Carole Bouquet y la española Mercedes Sampietro, que parecen fuera de lugar. El conjunto no acaba de funcionar.

Tres parejas gays han decidido unirse en una ceremonia colectiva en la que se convertirá en la primera unión formal de gays en España. Pero antes, cada uno de los chicos debe conocer a su familia política. El especialista en comedias Manuel Gómez Pereira parte de un guión poco inspirado, por lo que desperdicia un buen reparto, que incluye a tres de las mejores actrices españolas: Mercedes Sampietro, Marisa Paredes y Carmen Maura.

Desde su debut en Tasio (1984), el navarro Monxto Armendáriz se ha situado como uno de los guionistas-directores más destacados de nuestro país. En su filmografía brillan especialmente Historias del Kronen (1995) y Secretos del corazón (1997), sólidos dramas en los que Armendáriz lograba transmitir íntimos sentimientos personales en medio de una ambientación costumbrista muy lograda. Y en Obaba, misterio, sentimiento y costumbrismo, quizá las tres características más comunes de su cine, no sólo vuelven a estar presentes sino que se convierten en el verdadero motor de la película. Lourdes es una joven de veinticinco años que, cámara en mano, se dirige al pueblo de Obaba con la intención de realizar un reportaje para la universidad. Allí, en medio de las montañas, irá descubriendo diferentes episodios en la vida de sus habitantes, mezcla de leyendas y sucesos reales, que ejercen sobre su imaginación una atractivo insuperable, casi mágico. De ese modo, conocerá de primera mano las misteriosas historias de la maestra que esperaba cartas amor que jamás llegaban, del niño enamorado de una chica alemana, del hombre trastornado que habla solo, del lugareño cuyo cerebro fue horadado por un lagarto… La película adapta algunas de las narraciones recogidas en Obabakoak, la obra más famosa del escritor vasco Bernardo Atxaga. Es más que elogiable el esfuerzo de Armendáriz por intentar trasladar a la pantalla, con fluidez y elegancia, el aire entre misterioso y mágico del texto original. Pero también es cierto que el espectador comprueba la dificultad de la empresa al certificar que el digno resultado final no esconde del todo algunas caídas de ritmo y de tensión narrativa. Lo mejor, junto con las caracterizaciones de Pilar López de Ayala y Eduard Fernández, son la realista puesta en escena y la cuidadísima ambientación rural, la cual se ve claramente favorecida por la sobresaliente fotografía del experto Javier Aguirresarobe.

Debut en el cine de la realizadora televisiva catalana Silvia Quer. Recrea la historia de Lars Belden, vendedor de casas de lujo, casado y con un hijo, que casualmente lee en un periódico que Sela Huber, su antigua novia, se ha suicidado. La noticia le hará replantearse lo que ha sido su vida hasta el momento. Filmada en un estilo cercano al documental, se centra en el tema de la muerte y la búsqueda de la propia identidad. Sin embargo, la cosa verdaderamente no interesa, el guión no tiene mucho sentido (lo de las cintas de vídeo acaba tostando a cualquiera), la narración es errática, la puesta en escena es demasiado irreal y las reacciones del protagonista son caprichosas o ridículas. Sorprenden varias colaboraciones de grandes actores.

Alma, hija de un neurocirujano, investiga la misteriosa desaparición de su marido, un psiquiatra. Le ayudará Salvador, cuñado de Alma, y enamorado en secreto de ella. La única pista es un manuscrito del desaparecido. Lo mejor del último trabajo del director de Sin vergüenza es la ambientación de la Barcelona modernista de principios del XX. Bien interpretada, el guión se queda en una comedia alocada con algo de intriga y referencias a las anticuadas teorías de Freud.

Fernando. Un maduro profesor universitario argentino. Aferrado a sus ideales sociales de siempre. Casado de toda la vida con Liliana, una catalana, mujer fuerte, su perfecto sostén. Ellos viven en Argentina, pero tienen un hijo casado, Pedro, con dos niños, en España. Las diferencias entre las dos generaciones resultan manifiestas: Fernando cree firmemente en la utopía de la justicia social; Pedro es un hombre de hoy, que vive al día, que bastante tiene con sacar adelante a los suyos. El film describe cómo afronta Fernando el otoño de su vida, que coincide con la etapa a veces traumática de la prejubilación. Ésta se hace soportable gracias a la esposa cercana, que adivina que algo no va, que sabe sacrificarse. Sensible historia con guión de Adolfo Aristarain y Kathy Saavedra, a partir de un relato de Lorenzo F. Aristarain, premiado con el Goya. La película realiza un cuadro perfecto de un matrimonio que ha sabido mantener joven su amor, a pesar del transcurrir de los años, donde la esposa sabe adivinar lo que le ocurre al marido con una simple miradita. Acostumbrados a tanto film superficial que describe amores basados sólo en la pasión y en el atractivo físico, sorprende Lugares comunes, que muestra con hondura las bases sólidas sobre las que se asienta el afecto verdadero, que tiende a ser duradero. La película no sería la misma si faltara la gran composición interpretativa de ese par de actorazos que se llaman Federico Luppi y Mercedes Sampietro. Ésta fue merecidamente premiada en el Festival de San Sebastián y en los Goya.

Año 1944. La guerra civil española terminó hace años. ¿Seguro? En las montañas del Pirineo navarro, el maquis libra su particular batalla con el régimen de Franco. En tal contexto llega la joven Lucía a pasar una temporada a un pueblo de estas montañas. Allí descubre su primer amor, el idealista y algo ignorante herrero del pueblo. Pero también descubre la división que existe entre la gente, dos bandos irreconciliables. Y el silencio de unas personas que no se atreven a hablar, y que cuando lo hacen pueden producir las más terribles heridas en el alma. El director navarro Montxo Armendáriz (Tasio, Secretos del corazón) hurga sin miedo en nuestro pasado: “La película no trata de posicionarse o valorar los comportamientos de quienes participaron en la trágica contienda en que se sitúan los hechos que se relatan, ni pretende reabrir viejas rencillas: su finalidad es recuperar un trozo de nuestra memoria histórica y reflejarla con toda la objetividad posible.” En el reparto destacan más los veteranos que los jóvenes, unos inspirados Mercedes Sampietro y Álvaro de Luna.

Una joven psiquiatra que empieza a trabajar en un hospital de Galicia se siente atraída por un singular enfermo con el síndrome de Korsakov, que le impide recordar acontecimientos recientes. Cuando unos individuos acuden en su búsqueda, la doctora descubre que su paciente estuvo relacionado con la llamada guerra sucia. Primera película de ficción de Patricia Ferreira, tras realizar varios documentales. Los padres de Inés París, una de las dos guionistas de la película, murieron en un atentado de ETA que no ha sido esclarecido, por lo que está claro que el tema le toca de cerca. El film tiene formato de thriller, y brilla con luz propia Ana Fernández, que despuntó en ese peliculón llamado Solas.

En un barrio de Barcelona, las vidas de varias mujeres se entrecruzan en el lapso de unas pocas horas. Son mujeres de todas las edades y de diferentes sectores sociales. Para su primer largometraje en solitario la catalana Judith Colell (53 días de invierno) eligió la adaptación de un libro de historias de la escritora Isabel-Clara Simó. La directora adopta un tono equilibrado de comedia dramática para pintar el mundo femenino de la capital catalana. El reparto reúne uno nutrido grupo de actrices de renombre.

Alberto y Elena forman una pareja joven que no atraviesa su mejor momento. Ambos tienen dudas sobre el amor y el sentido de su relación. Alberto conoce a Diego, un homosexual por el que se siente atraído sin remedio. De esta manera, se forma un complejo triángulo. Gerardo Vera, tras el fracaso de La Celestina, se adentra en un enmarañado mundo de sentimientos.

Serie que intentó repetir el éxito de Al salir de clase. Como ésta, gira en torno a las peripecias de un grupo de adolescentes, que intentan resolver todo tipo de problemas. Todos los protagonistas se articulan en torno al personaje de Adrián, enamorado desde siempre de Patricia. Pero un día queda deslumbrado por Natalia, que le hace dudar de lo que siente. Ambientada en una ciudad indeterminada, la serie obtuvo cierto éxito, a pesar de su falta de calidad. La presencia de algún intérprete veterano, como Mercedes Sampietro, no compensa la falta de talento de los jóvenes protagonistas.

Ha pasado el tiempo. Tres hermanas se reúnen con motivo de la muerte de su madre. El cumplimiento de su último deseo –la división de sus cenizas en tres partes, que deben entregarse a distintos destinatarios–, sirve para que Gloria (Mercedes Sampietro), Ana (Adriana Ozores) y Lidia (Rosa Mariscal) buceen en su pasado familiar, en el que hay oculto más de un secreto. Cuando vuelvas a mi lado es una película llena de sensibilidad. Su directora, Gracia Querejeta, sabe penetrar en el alma femenina, y dibuja varios e interesantes personajes femeninos. Las tres hermanas protagonistas son muy distintas, cada una ha seguido un rumbo distinto en la vida. Pero aunque se dicen verdades hirientes, el cariño perdura, como podrá comprobarse. La directora utiliza una estructura original, pues combina la narración en tiempo presente, con "flash-backs" que nos introducen en el momento en que los padres de las tres hermanas se conocieron, y en diversas escenas de su infancia. El reparto es de primera magnitud. Además de las tres ya mencionadas, que dan vida a las tres hermanas, podemos ver en acción a Marta Belaustegui y a Julieta Serrano.

Un pueblecito de la provincia de León está a punto de ser engullido por las aguas de un recién construido pantano. Es la excusa que aprovecha Manuel Perea, un autoexiliado voluntario en Argentina, para volver a una tierra que le trae muchos recuerdos. Entre ellos el de un amor que no pudo ser con una antigua novia. Película nostálgica a tope, protagonizada por ese pedazo de actor llamado Federico Luppi. Enrique Gabriel capta a la perfección el tono de añoranza por unas casas y tierra a punto de desaparecer, y que han sido el centro vital de muchas personas. Aún con lo dicho, Gabriel deja que aflore algún que otro desahogadero humorístico, bien insertado en la trama.

El doctor Molinos es un prestigioso cardiólogo de la España de los años cincuenta. Su matrimonio con Isabel no pasa por un buen momento, y su vida cambia radicalmente cuando conoce a Julia, una compañera de trabajo. Sin embargo, vivir ese nuevo amor le acarreará numerosos problemas al ser un hombre casado.

Adaptación de la novela de José Ángel Mañas, que relata las andanzas de un grupo de jóvenes en la noche madrileña y en especial de Carlos, un estudiante de 21 años amante de la provocación, que se reúne con sus amigos en un bar llamado Kronen. Todos suelen vivir al límite por la noche y no admiten ninguna barrera. La realización Montxo Armendáriz (Tasio, Las cartas de Alou, Secretos del corazón) y las interpretaciones son bastante buenas, lo que compensa la dureza de la trama y un argumento que expone las actitudes de este tipo de jóvenes y, a pesar de su distanciamiento, resulta crítico.

Una mujer de cierta edad, Carmen, interpretada por Mercedes Sampietro, se dedica a la restauración de obras de arte. Poco después de reencontrarse con su único hijo, es víctima de un asalto sexual. Esto le provoca un grave trastorno psicológico, pero no parece afectarle al hombre con quien comparte su vida, Fernando. Carmen, muy dolida y decepcionada, decide emprender un viaje en busca de su esposo, de sus padres, y en definitiva, de su pasado. En ruta hacia el sur, está decidida a comenzar una nueva vida. Se trata de una de las películas más personales de Pilar Miró. Habla, desde un punto de vista femenino, de la soledad, la dignidad, los afectos y las desilusiones. Brillante guión de Mario Camus. El título de la película procede de un texto de Pío Baroja, en el que se refiere al momento en el que una persona tiene en su mano "el pájaro de la felicidad", y sin darse cuenta lo deja escapar.

Manuel Taranto, joven de familia de raza gitana, se enamora de Ana Montoya, que pertenece a un clan rival con el que mantienen una antigua enemistad. Ninguna de las dos familias acepta la relación. Versión libre de la tragedia de "Romeo y Julieta", en este caso ambientada en Andalucía, con logrados números musicales.

En la margen izquierda de la ría que divide la ciudad de Bilbao, tres individuos, Mario, Rocío y Domingo, intentan salir adelante en un marco conflictivo. Drama costumbrista que retrata la realidad social de la zona más desfavorecida de Bilbao, con grandes interpretaciones.

Daniel, escritor, se sumerge en una crisis vital que coincide con el inesperado éxito de su mujer como actriz. Daniel viajará a la tierra de su infancia, en el País Vasco, en donde se reencontrará con su hermana y con los fantasmas del pasado. Drama sensible que nos introduce en el viaje no sólo físico, sino psicológico del protagonista, que incluye elementos oníricos, aunque también un potente toque realista. El reparto es estupendo, aunque la propuesta es exigente.

Antonio se queda solo cuando su mujer le abandona. Acabará en una pensión trabajando de portero de noche, mientras intenta por todos los medios encontrar la compañía de una mujer. Así conocerá a Natalia, una joven a la que le falta un tornillo; Isabel, una prostituta de la que enamora; Hortensia, una señora mayor que busca marido; y hasta un transexual... Comedia, con toques de drama, que no logra despegar, pese al esfuerzo del protagonista Alfredo Landa, en un papel que le va como anillo al dedo, el de buenazo del que todos se aprovechan. De fondo suenan a menudo las canciones de Joaquín Sabina, que hace un cameo al inicio vestido de Groucho Marx.

La España de Felipe II. Un monasterio de monjas se encuentra en decadencia, y para sacarlo adelante sor Ángela finge el hecho milagroso de haber sido bendecida con los estigmas de la Pasión de Cristo, embuste en que le ayuda su amiga del alma sor Ana, que tiene por ella una suerte de amor sublimado. De modo que los poderosos se interesan por ayudar al sostenimiento del lugar, e incluso la hija de un duque decide profesar como monja. Miguel Picazo (La tía Tula) adapta una novela de Jesús Fernández Santos que fustiga la hipocresía religiosa y la superstición, a la vez que presenta una relación poco divina entre dos monjas. Figura como productor José Luis Garci, que años después haría otra película monjil de naturaleza muy diferente, Canción de cuna. En el llamativo reparto femenino están Carmen Maura y Mercedes Sampietro, además de Aurora Bautista y Assumpta Serna.

Bernabé, cuarentón que trabaja como director creativo de una importante agencia de publicidad, es un hombre casado. Aún así mantiene relaciones con una amante, y trata de conquistar a Lucía, una atractiva ecologista. En plena crisis de los cuarenta está obsesionado con seducir a todas las mujeres que se le ponen a tiro. Pero todo le sale al revés y su mujer le deja. Comedia en la línea del cine de su director, Fernando Colomo (Tigres de papel), que retrata a los típicos ejecutivos de la España de los años 80. Cuenta con actores tan eficaces como José Sacristán y Mercedes Sampietro, que le sacan partido a los divertidos diálogos.

Víctor es un ingeniero, separado, que mantiene una relación sentimental complicada. Atraviesa un momento delicado de su vida y profesionalmente se prepara para la inauguración de una central nuclear. Sin embargo, es advertido por un compañero de un grave error en la instalación, lo cual podría conducir a una catástrofe. Víctor no sabe qué hacer. Una de las películas menos logradas de Pilar Miró. El argumento es poco atractivo y a eso se suma un desarrollo –diversas conversaciones del protagonista con otros personajes– monótono y que aporta un tono bastante tristón al conjunto. El reparto es bueno y hace lo que puede para sacar a flote la propuesta.

En 1913 dos jóvenes de un pueblo fueron torturados hasta que confesaron un asesinato que no habían cometido. Dura obra de Pilar Miró, que se basa en hechos reales. Dirigida con gran sobriedad, cuenta con correctas interpretaciones.

Andrea Soriano es una cineasta de prestigio, directora de televisión, que anda por la treintena. Aunque el triunfo profesional ha sido grande, emocionalmente se siente sola. Debido a una enfermedad grave debe ser operada y es entonces cuando empezará a rememorar su vida, especialmente su relación con los hombres. Entre ellos evocará la figura del legendario Gary Cooper. Intimista película de la prestigiosa Pilar Miró, en quien no es difícil ver paralelismos con la protagonista de su historia, incluso físicamente. El film reúne a un fantástico elenco de actores españoles, capitaneados por una magnífica Mercedes Sampietro.

José es un hombre solitario, homosexual ya cincuentón, que apenas se relaciona con nadie. En realidad, en la vida de José pesa mucho el pasado, su infancia en Granada en donde llegó a conocer a García Lorca. Se trata de una película tristona, lenta y algo rancia en su puesta en escena, que no ha aguantado bien el paso del tiempo. Como protagonista, Héctor Alterio hace un buen trabajo, bien dirigido por Jaime Chávarri, autor de El desencanto.