Terry Stacey

Carson Phillips es un investigador en Los Ángeles. Bebedor y jugador, debe dinero y es perseguido por sus acreedores. Recibirá el encargo de localizar a una mujer y tendrá que viajar a Galveston, en Texas. En esa ciudad se crió Carson y llegó a ser una gran promesa del fútbol americano. Por allí sigue su antigua novia, Jayne Hunt, y su viejo amigo Doc, que ahora se ha hecho dueño y señor del territorio. Ejemplo de cine negro moderno que sigue las pautas del género de modo bastante clásico: detective solitario, bebedor y autodestructivo, con su código moral, voz en off en primera persona, etc. El guión es entretenido, pero el desenlace quizá no está a la altura de lo esperado. Falta algo de mordiente. Parece ser que parte del rodaje se quedó en la sala de montaje y eso se nota más de la cuenta, también por la ausencia de intérpretes acreditados. Aún así hay momentos de interés, tiene una competente dirección a cargo de George Gallo (Columbus Circle) y cuenta con un elenco de actores que hace un correcto trabajo, comenzando por John Travolta en el papel protagonista y por un secundario Brendan Fraser físicamente muy cambiado. Entre el reparto trabaja también la hija de Travolta, Ella Bleu Travolta, en un papel importante.

Una banda de asaltantes desata un brutal tiroteo junto a un establecimiento de Los Ángeles para llevarse un furgón blindado. Se encarga de investigar el caso Nick Flanagan, policía cuyo matrimonio se desintegra, que está al frente de un equipo que rápidamente descubre que el vehículo robado estaba vacío, y que los delincuentes lo sabían, por lo que su motivación resulta un misterio. Debut como realizador de Christian Gudegast, guionista de Objetivo: Londres, de la que recupera algunos elementos, sobre todo la acción sin límites, un guión sin demasiadas pretensiones, y la presencia como protagonista de Gerard Butler, que con su carisma salva que su personaje sea un tanto tópico, prototipo del policía que no sigue las normas tipo Harry el sucio. También cumplen Pablo Schreiber (Orange is the New Black) como líder de los ladrones, y O’Shea Jackson Jr. (Straight Outta Compton), que parece una fotocopia de su padre, Ice Cube, hace unos años, que encarna a un camarero especializado en huidas por carretera a toda velocidad. Logra resultar amena pese a su excesivo metraje, de dos horas y veinte, lo que supone todo un logro. Pero podría haber dado más de sí. No se entiende por ejemplo por qué dedica de repente escenas a presentar la vida familiar del protagonista, para darle algo de tridimensionalidad al personaje, pero después se olvida por completo de este asunto. Se nota que quiere ser Heat, pero carece de un libreto tan redondo, de Al Pacino y Robert De Niro, y de la potencia visual del director Michael Mann.

Interesantísima cinta de intriga que ayuda a entender un poco más los vericuetos de la delicada situación de Oriente Medio, siempre en precario equilibrio. Basada en hechos reales acontecidos en los 70, sigue a la misteriosa figura de Ashraf Marwan, casado con Mona, hija del presidente de Egipto Nasser. Deseoso de lograr la paz, espió para Israel informando de los planes de su país para atacar a los judíos, pero también llevó a cabo delicadas misiones diplomáticas por orden del presidente, por ejemplo ante Gadaffi, en Libia. El esfuerzo para tener equilibrio y lograr credibilidad, tuvo sus consecuencias en la vida familiar. Ariel Vromen desarrolla muy bien la historia, y la metáfora de la fábula de Esopo de "Pedro y el lobo" resulta eficaz a la hora de describir lo difícil que era probar ante Israel que lo suyo no eran "fake news", sino las dudas del presidente acerca del momento idóneo para atacar el Sinaí. Toby Kebbell, que hizo de Messala en la reciente versión de Ben-Hur, resulta una buena elección para encarnar al agente israelí, mientras que Marwan Kenzari, curiosamente también presente en ese film, vende bien su ambigüedad entre los que le rodean.

Ethan y su madre salvan al perro Bailey, a punto de morir deshidratado en el coche en el que le han dejado encerrado. Lo trasladan a su casa, donde se lleva muy bien con el niño, pero traerá problemas al padre, un hombre que cae en el alcoholismo, al no conseguir que en su empresa deje de ser viajante para asumir un puesto de oficina. Al sueco Lasse Hallström le fascina el mejor amigo del hombre, pues contó el amargo drama de un niño que perdía a su perra al mismo tiempo que a su madre, en Mi vida como un perro, y la historia de un animal muy unido a su dueño en Siempre a tu lado. Hachiko, revisión de un film japonés. Ahora completa la trilogía perruna con Tu mejor amigo, adaptación de un best-seller de W. Bruce Cameron que ha arrasado, sobre todo en Estados Unidos. Resuelta con bastante simpleza, funciona porque los actores, sin resultar memorables dan la talla, sobre todo el veterano Dennis Quaid, y porque se han usado para el rodaje animales bastante expresivos. Capta muy bien la conexión entre el amo y su mascota, por lo que caerá bien en el sector del público que haya tenido alguna. Pero incluye una reflexión ‘new age’ sobre el karma de los animales que a pesar de su tono positivo, resulta demasiado pueril. Así, el can protagonista se reencarna cada vez que muere, conociendo a amos diferentes, hasta que encuentre su propósito en la vida.

Dos periodistas radiofónicos de una emisora neoyorquina. Frank es el figura, que con dos datos es capaz de componer una historia muy convincente cuando se emite por la radio; soltero y sin compromiso tiene mucho éxito con las mujeres. Mientras que Ian es el técnico, buena persona pero más apocado, casado, pero con una esposa que no lo valora. Les tocará cubrir la guerra civil que ha estallado en Ecuador, pero la pérdida de los pasaportes les conduce a encerrarse en una casa y simular que están radiando la más rabiosa actualidad en vivo y en directo lo que está ocurriendo. El inesperado éxito de las crónicas hace que la mentira crezca y sea más difícil de sostener. Ricky Gervais dirige, escribe y coprotagoniza para Netflix este remake del film francés Enviados muy especiales, cuya estructura está calcada, aunque el conocido cómico figura como único guionista en los títulos de crédito y no en cambio los autores de la historia original, Jacques Labib y Simon Michaël. Curiosamente, éste escribió el guión de La totale, que también fue rehecho por los yanquis con Mentiras arriesgadas, y que posee bastantes puntos en común con la cinta que nos ocupa. La trama sigue una tradición de películas de fingimiento, que retrotrae a títulos como Capricornio Uno –sobre la supuesta llegada del hombre a Marte–, y en el ámbito del periodismo, a El gran carnaval, Cortina de humo o Héroe por accidente. Sirve para poner en solfa tanto la manipulación mediática como la credulidad del público. Es más o menos entretenida y de tono amable, con algún momento hilarante, aunque da una imagen de Ecuador bastante ridícula, y varios bajones de ritmo. Eric Bana es el eficaz contrapunto actoral a Gervais, en reparto donde las secundarias femeninas, Vera Farmiga y Kelly Macdonald resultan muy adecuadas.

La realizadora ‘indie’ Liza Johnson apenas ha tenido repercusión internacional, aunque su film Return, con Michael Shannon, participó en la Quincena de Realizadores, del Festival de Cannes, en 2011. Ahora, repite con el mismo actor en una reconstrucción de cómo pudo haber sido la reunión en la Casa Blanca del presidente Richard Nixon con Elvis Presley, el Rey del Rock and Roll, que tuvo lugar el 21 de diciembre de 1970. La foto oficial del encuentro tuvo una enorme repercusión mediática. El guión, en el que curiosamente ha intervenido el actor Cary Elwes (La princesa prometida), por primera vez en estos menesteres, ofrece una versión delirante y deformada, pero bastante fiel a los hechos reales, desclasificados casi cuatro décadas después de que ocurrieran, en 2007. Preocupado por el avance del movimiento hippy y el comunismo, Elvis piensa que puede echar una mano, si le conceden una chapa de agente federal. Para conseguirla, se planta en la puerta principal de la Casa Blanca, en Washington, en compañía de Jerry, amigo y colaborador, con una carta para el presidente, y pidiendo una cita con él. La noticia desconcierta a Bud Krogh, consejero presidencial y asesor de Nixon, aunque acaba proponiendo al mandatario que le reciba, para mejorar su imagen pública. Éste no lo ve demasiado claro… La realizadora imprime un tono satírico, y algo alocado, pero mantiene cierta amabilidad, hasta el punto de que rehúye algún aspecto sórdido, como la adicción a las drogas del roquero. Está lograda la ambientación de la época, con detalles como numerosas imágenes televisivas del momento. A pesar de la ligereza del conjunto, resulta ameno, con secuencias que provocan carcajadas, como la demostración de kárate del rey a su anfitrión, o cierta simpatía, en el caso del encuentro con ciudadanos negros en un restaurante. Ambos personajes centrales comparten que están en decadencia, el músico porque The Beatles le han quitado su puesto, el político por el problema de la guerra de Vietnam. Ni Michael Shannon, ni Kevin Spacey se parecen físicamente a Elvis o a Nixon. Pero resultan meritorios sus retratos a base de imitar sus gestos, sobre todo el del segundo, en un registro más paródico que el de actores como Anthony Hopkins (Nixon), Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon) o un desafortunado John Cusack (El mayordomo). Están bien secundados por Alex Pettyfer (Jerry) y Colin Hanks (el consejero Krogh).

El pequeño Anthony se dispone a pasar el fin de semana con su padre Walt, un buen hombre con poca fortuna, pues tiene problemas con el alcohol, podría quedarse sin casa, y su trabajo de carpintero es precario. Dentro de una semana Anthony hará la primera comunión y recibirá la confirmación, motivo quizá por el que su madre y su nuevo marido hacen un retiro espiritual. Lo que debía ser un tiempo tranquilo y más o menos anodino, se convierte en toda una aventura, pues a Walt le roban la caja de herramientas con la que se gana la vida, y harán todo lo posible por recuperarla. Aunque el título y el punto de partida podrían hacer pensar que el film va a abordar las convicciones religiosas con cierta hondura, en realidad la cuestión de la confirmación se toca de modo ligero, apuntando a que esos temas hay que abordarlos en serio cuando uno se hace mayor, con la mente abierta. De modo que se convierte en poco más que la excusa para un par de bromas tontas, y sobre todo en símbolo de lo que va a suponer un fin de semana de maduración para padre e hijo, que aprenderán a conocerse mejor y a afianzar su relación. Un tema querido para el guionista y director de La confirmación, Bob Nelson, que firmó antes el libreto de Nebraska, que también abordaba una relación paternofilial, aunque en este caso entre un anciano con comienzo de demencia senil y su hijo adulto. En cualquier caso Nelson, que debuta como director, apunta maneras tras la cámara, lleva la historia con cierta soltura, con un telón de fondo de perdedores, gente vapuleada por la vida, con cierta buena intención, que lo hacen mejor o peor, de todo hay en la viña del Señor, podríamos decir. Hay buena química entre padre e hijo, intepretados por Clive Owen y Jaeden Lieberher; curiosamente este chaval estuvo en otra película, St. Vincent, también con elementos católicos, aunque allí con mayor entidad. Todo el reparto está bien muy bien escogido, incluidos la madre, el padrastro, algunos amigos del padre, los prestamistas, un colgado que les ayuda a buscar al ladrón...

Shawn Levy, director de Noche en el museo, aborda una comedia dramática. Ahí os quedáis se basa en un best seller de Jonathan Tropper. El propio escritor se ha encargado de la adaptación del guión. En Ahí os quedáis el mismo día en el que Judd Altman pilla in fraganti a su esposa en la cama con su jefe se entera también de la muerte de su progenitor. Tras el entierro, la madre explica a los cuatro hermanos Altman que a pesar de su ateísmo, el fallecido deseaba respetar la shivá, tradición judía que consiste en que los familiares directos permanezcan juntos siete días en la casa familiar. Sigue el esquema de películas de reuniones familiares como la reciente Agosto, y otras más lejanas en el tiempo, como Celebración, Milou en mayo, etc., aunque Ahí os quedáis también pretende recordar a comedias dramáticas como Reencuentro o Los amigos de Peter, donde variopintos personajes se vuelven a ver tras algún tiempo separados. Por desgracia, Levy abusa de un humor grosero o facilón que no acaba de funcionar, lo que impide que resulten las secuencias que deberían ser dramáticas. Jason Bateman ha demostrado su buen hacer, por ejemplo como candidato a padre adoptivo en Juno, pero en esta ocasión no encuentra el tono para su personaje protagonista, un tanto plano, por lo que acaba tendiendo a la caricatura. Más o menos le ocurre lo mismo al resto del reparto, en el que destacan nombres como Tina Fey, Rose Byrne o Adam Driver, el nuevo villano de la saga de La guerra de las galaxias. Por su parte, Jane Fonda está desaprovechada en un insulso papel de madre que guarda un secreto, aunque al menos la veterana actriz hace gala de una enorme capacidad para reírse de sí misma y sus intervenciones de cirugía estética. Ahí os quedáis muestra una familia cuyos miembros se necesitan unos a otros a pesar de su cinismo, en sintonía con la serie televisiva Los Simpson.

Simpática comedia familiar, basada en los libros de Judith Viorst. Sigue a Alexander Cooper, un chaval que en vísperas de su 12º cumpleaños ha tenido un día horrible, a diferencia de sus padres y sus tres hermanos, a los que todo parece irles de maravilla, profesionalmente, con la novia soñada a punto de acudir a la fiesta de graduación, o con el papel protagonista de una función escolar de "Peter Pan". En tal tesitura, pide un deseo de cumpleaños, que los demás tengan una jornada espantosa, para que se enteren, y que él en cambio, tenga un buen día. Para su sorpresa, el deseo empieza a convertirse en realidad. La cinta que dirige Miguel Arteta, entronca con cintas como Big o Ponte en mi lugar, en que por arte de magia, las cosas suceden de un modo diferente al acostumbrado. También, en lo referente a sentirse diferente al resto de la familia, el pequeño Alexander nos puede hacer pensar en el niño Kevin de Solo en casa. En cualquier caso la sencilla trama permite orquestar un buen puñado de situaciones cómicas, algunas muy físicas, a la vez que surgen los buenos sentimientos de todos los componentes del clan Cooper, como no podía ser menos. Hay acierto en la selección de los actores adultos, la encantadora Jennifer Garner y el tronchante Steve Carell, sublime cuando trata de encandilar a unos jóvenes tipo Steve Jobs que le quieren fichar para que diseñe un videojuego. En cuanto a los poco conocidos chavales, cumplen sobradamente, especialmente Ed Oxenbould, que como Alexander debe soportar gran parte del peso narrativo de la película.

Katie ha emprendido una apresurada huida, la policía va tras ella por motivos desconocidos. Viajando en autobús rumbo a Atlanta, decide establecerse en uno de los pueblecitos costeros. Consigue un trabajo de camarera, una casita discreta en el bosque... y hace buenas migas con Alex, viudo y padre de dos niños, que regenta un pequeño supermercado. Adaptación de una novela de Nicholas Sparks, autor que ha dado pie a todo un conjunto de películas con su particular sello que las convierte, más que en románticas, en “romanticonas”, tan almibaradas suelen ser. En su descargo digamos que Sparks es un tipo optimista y positivo en sus planteamientos, lo que siempre es de agradecer. Además aquí cuenta en la dirección con el sueco Lasse Hallström, que aunque en Hollywood ha acabado plegándose a los convencionalismos de los estudios, tiene cierta personalidad. Los actores no son superconocidos, parece que la decisión de los productores ha sido confiar en el tirón de Sparks. Un lugar donde refugiarse juega al despiste en su mezcla de drama romántico y thriller, y aunque la sorpresa final no deja de ser bastante tramposa y artificial, el conjunto resultará agradable para el público destinatario del film. Aunque previsible en lo que se refiere al amor de Katie y Alex, el mosqueo del hijo adolescente y la gracia de la niña encantadora, se trata de dar a estas escenas “familiares” cierta carta de naturalidad; quizá si la fotografía y la música no fueran tan... “romanticonas”, la cosa habría quedado mejor. El elemento novedoso de Un lugar donde refugiarse es la parte de intriga, con un policía que se diría una especie de Javert de Los miserables, tratando de hacer justicia con su “presa”, a la que no desea soltar, con una dedicación desmedida. Aunque quizá los motivos que le mueven resulten ser... diferentes a los del personaje creado por Victor Hugo.

La presencia de Gran Bretaña en zonas calientes del globo como Irak y Afganistán no contribuye precisamente a mejorar las relaciones con el mundo árabe. El primer ministro presiona para dar con algún proyecto que pueda ayudar, y su eficiente jefa de prensa Patricia cree encontrarlo en un plan de un jeque multimillonario que suena a completo disparate: la introducción de la pesca de salmón en Yemen. El experto Fred Jones no cree en la idea visionaria del jeque, Yemen no reúne ninguna condición favorable, pero obligado por sus superiores se ve obligado a estudiar la viabilidad, justo en un momento en que su matrimonio atraviesa una situación delicada. Le sirve de enlace con el jeque la muy competente Harriett Chetwode-Talbot, cuyo novio, militar, acaba de ser destinado en Afganistán. La pesca de salmón en Yemen es una adaptación de la divertida novela de Paul Torday a cargo del oscarizado Simon Beaufoy (Slumdog Millionaire) en lo concerniente al guión, y con la muy competente dirección del sueco Lasse Hallström. Tiene mucho mérito esta versión para la pantalla, que conserva el fino humor británico del original, pero que estaba obligada a salir del atolladero de la estructura primigenia, el intercambio de correos electrónicos entre los distintos personajes. Tal recurso sigue teniendo algo de presencia, pero la historia toma aire y aumenta su campo planteando algunas cuestiones que en el mejor de los casos Torday simplemente apuntaba. De modo que la idea de un proyecto descabellado, que da pie a pasajes muy divertidos, invita a reflexionar sobre la fe en un mundo donde, al menos en Occidente, se ha perdido en gran parte el horizonte de lo trascendente: no lo controlamos todo, pueden ocurrir sucesos que objetivamente considerados parecen milagrosos por lo improbable de su ocurrencia, en otras culturas se vive de otra manera, hay menos cinismo... Está introducida con gran naturalidad la necesidad del entendimiento entre Oriente y Occidente, con la apertura a otras mentalidades y la lacra del terrorismo fundamentalista, pero también el oportunismo político y la obsesión por la imagen y las apariencias. Y todo ello traspasado por el humor, aunque no falta dramatismo cuando hace falta, especialmente en el último tramo, con un desenlace que funciona, y que en otras manos sonaría a tópico. Aunque todo lo dicho hasta suena a trama de sátira política y punto, lo cierto es que uno de los méritos de La pesca de salmón en Yemen es su componente humana, plasmada en la composición de dos personajes muy sólidos (Ewan McGregor y Emily Blunt), que estrechan su relación de un modo muy natural y sin transitar caminos trillados, a pesar de sus caracteres contrapuestos: él es como un ratón de biblioteca que sólo sabe de pesca, ella una mujer abierta y cosmopolita, y sus previos compromisos componen una madeja de enorme interés sobre el amor, la entrega y el compromiso. También tiene gran mérito en el capítulo interpretativo la tronchante jefa de prensa que compone Kristin Scott Thomas –asombroso cómo concilia familia y trabajo, y el modo en que maneja a los políticos–, y el difícil papel del jeque, que compone Amr Waked.

A Adam, un joven de 27 años que trabaja en la edición de documentales, le diagnostican un rarísimo cáncer, y le dan unas probabilidades de supervivencia frente a la muerte del 50%, de ahí el título de la película. Su condición de enfermo le dará una nueva perspectiva en lo que se refiere a su relación con los demás: su egoísta y melindrosa novia Rachael, su amigo obsesionado sexual Kyle, su sobreprotectora madre Diane y su padre con secuelas de un ictus cerebral Richard; y también con los recién conocidos Katherine, su terapeuta, y varios compañeros de las sesiones de quimioterapia. Will Reiser se estrena como guionista basándose en su propia experiencia juvenil, cuando recibió el mazazo de la noticia de un cáncer, del que felizmente se recuperó. Y Jonathan Levine se apresta a contar su historia, sencilla de planteamiento, la idea es mostrar la confusión inicial que conmueve a quien se sabe aquejado de una grave enfermedad, a la que sigue una perspectiva más ajustada del amor que le muestran los que les rodean. Hay acierto en la composición de unos personajes con claras limitaciones, que se esfuerzan más o menos en estrechar lazos con los otros y hacerse cargo de su situación. No hay espacio para la sensiblería fácil, y se captan los temores, la rabia, la aceptación de lo que hay... Aunque se echa en falta la completa ausencia de un horizonte trascendente, o la preparación para lo peor, simplemente se aborda la necesidad de aceptar el estado de las cosas, lo que tenga que ser será. Los actores están bien, con la sobriedad requerida, especialmente Bryce Dallas Howard en su antipático personaje, y Joseph Gordon Levitt. Cansa un poquito Seth Rogen, con un registro que le hemos visto ya demasiadas veces.

Finales de la década de los 80. A lo largo de una noche un recién graduado va en busca de la chica de sus sueños. Le ayudan en la tarea su hermana gemela y un buen amigo. El propio protagonista del film ha intervenido en el guión de esta agradable comedia, que de algún modo está emparentada con In Good Company.

Leslie, una magnífica fisioterapeuta, se ha convertido en la mejor amiga de la estrella de baloncesto de la NBA Scott, a quien está ayudando a recuperarse de una lesión. Pero a medida que continúa el trato entre ambos, ella se enamora perdidamente de su paciente. Película con telón de fondo deportivo y desarrollo sentimental más que previsible, no la salva la espontaneidad de su protagonista Queen Latifah, ni los esfuerzos del rapero Common.

John es un soldado norteamericano, de permiso en su costera ciudad natal. Allí pasa las vacaciones Savannah, una jovencita de buena familia. Y rápidamente surge el amor, apasionado, son dos semanas muy intensas, en que además ella muestra una especial conexión con el padre viudo de él, un tipo cercano al autismo, obsesionado con su colección de monedas. Cuando llega la hora de partir, John y Savannah se prometen –y cumplen con ello– intercambiar cartas para mantener viva la llama del amor. Pero el inesperado ataque del 11-S lleva a John a plantearse la cuestión de reengancharse en el ejército, todo sea por servir a su país. Lo que no está claro es si Savannah podrá aguantar que la separación de ambos se prolongue con esta decisión. Nueva adaptación de una novela del popular contador de historias 'romanticonas' Nicholas Sparks. El sueco Lasse Hallström se pliega al material del autor de best-sellers que tiene entre manos, y da exactamente lo que cabe esperar: los altibajos amorosos de una pareja insoportablemente guapa, Channing Tatum con su atlético 'body' de surfero, la rubita Amanda Seyfried con sus ojos claros y aspecto angelical. Siguiendo el modelo 'culebrón' se ofrece un doble caso de autismo –el padre del protagonista, estupendo Richard Jenkins, y un niño criado por su padre–, una situación de guerra en Afganistán, el clásico jovenzuelo 'borde' que ve cómo John le pisa el terreno, las cartas 'conmovedoras', el trágico 'destino'... Hallström pone el 'piloto automático' de artesano, y entrega un film impecable, en el sentido de que está cortado por el mismo patrón que títulos que apasionan a los fans de Sparks, como Un paseo para recordar o El diario de Noa.

El director Greg Mottola continúa con este film por la senda de su anterior y exitosa película, Supersalidos. Porque en Adventureland la cosa va también de jovencitos, frikis, relaciones, guasa y primeros amores, si bien es cierto que, quizá al no tratarse en este caso de una producción de Judd Apatow, el grado de libertinaje de los protagonistas y las referencias sexuales son, digamos, menos chabacanas y desagradables. 1987. James es un joven que ha obtenido plaza en la Universidad de Columbia, en Nueva York, para estudiar periodismo. Sin embargo, por falta de dinero, se ve obligado a trabajar durante el verano en un parque de atracciones de la localidad, llamado "Adventureland". Ahí llegará con su aire inocente y algo victimista, y se pondrá a trabajar en las casetas de juego. Poco a poco irá conociendo a sus compañeros: Joel, un friki deprimido y taciturno; Frigo, un antiguo amigo muy chalado; Mike, el jefe de mantenimiento; la jovencita Em, por la que se sentirá pronto atraído; Bobby, el cómico jefe del parque; y Lisa P, la guapetona y vanidosa del lugar, por la que todos pierden los vientos. Aunque baje demasiadas veces al terreno escabroso de la promiscuidad entre jóvenes, el director y guionista apuesta decididamente por el romanticismo. Sus personajes están muy desorientados, sobre todo en materia amorosa, pero también existencial ("no creo en Dios, sino en el amor", tontería declarada por el desconcertado protagonista), aunque se evita a menudo encumbrar demasiado la frivolidad. En este sentido, aunque el protagonista es el "patito feo" entre sus compañeros (pues es virgen, faltaría más...), la novedad es que él no se avergüenza de ello, sino que tantea buscando el amor en medio de ese mundo destartalado. Probablemente Jesse Eisenberg (Una historia de Brooklyn) no haya sido la mejor elección para encarnar al protagonista, pues desconcierta ese aire tan poco resuelto, dubitativo y maleable, falto de química frente al sólido personaje de Em, encarnado por la joven actriz en alza Kristen Stewart (Crepúsculo). Se agradecen por lo demás, algunos divertidos gags, como el que protagoniza el divertido director del parque con el bate de béisbol (un personaje formidable) o los deprimentes gustos literarios del estrafalario Joel. Al final, estamos ante una comedia romántica medianamente agradable, muy juvenil, pero con poquito vuelo y limitada perspectiva vital.

Terry Bernard (Josh Lucas) recibe un trasplante de corazón, tras el que comenzará a notar como el órgano le muestras visiones de los asesinos de su donante. Esto le llevará a iniciar una búsqueda frenética de los homicidas. Un thriller que no consigue del todo esa intriga que este género necesita. Se adapata bien al relato de Poe aunque le falta la tensión que el relato produce.

Holly y Gerry parecen el matrimonio perfecto, se quieren con locura, saben superar sus diferencias. Pero... El cáncer mata a Gerry. Y la viuda Holly no admite consuelo, está hecha fosfatina, se siente incapaz de salir de casa, distraerse o lo que sea, a pesar de los esfuerzos de sus dos mejores amigas y su familia. Para colmo, algo contribuye a que Holly no pase la página de Gerry demasiado rápido. Resulta que su amado esposo, antes de morir, dejó organizado una especie de juego para ella, como una gimkana romántica y sentimental que debería ayudarle a encauzar el resto de su vida. De modo que Holly empieza a recibir mensajitos y regalitos, que sirven para recordar los mejores momentos en común, el modo que se conocieron, etc., servidos con ¿oportunos? flash-backs. Lo que no está claro es que dicho plan ayude a superar la pena. Desde luego la madre de Holly más bien piensa que aquello es regodearse en el dolor. Almibarada tragicomedia romántica, ejecutada por un amante del género, el guionista y director Richard LaGravenese, que adapta una novela de Cecelia Ahern. El resultado es fallido, a pesar de algún momento más o menos emotivo. Lo cierto es que LaGravenese funciona mejor cuando sus guiones románticos los lleva a la pantalla otro, y más si es un gran cineasta como Alfonso Cuarón, Robert Redford o Clint Eastwood, y ahí están para demostrarlo sus títulos La princesita, El hombre que susurraba a los caballos y Los puentes de Madison. Aquí se equivoca en la línea de salida, la petición al espectador de que suspenda su incredulidad con tan disparatado argumento resulta difícil de atender. El desequilibrio de risas, lágrimas y amor es patente, el reduccionismo sentimental excesivo. Y la dirección es demasiado plana para persuadir de que esto tiene pies y cabeza, resulta difícil no conceder la razón a la madre de que todo “el plan” es un ejercicio de sadismo de dudoso gusto. Además, se concilia poco con ese amor romántico y apasionado que se procura ensalzar algunas ideas ridículas de las “amigas” de Holly, como llevarla a un club nocturno gay para divertirse, o animarla a tener sexo ocasional, para llevar mejor la tristeza que le embarga. No basta tener un reparto atractivo, con la “friend” Lisa Kudrow, Gerard Butler, Hilary Swank y Kathy Bates, las dos últimas damas con Oscar, para levantar la cosa, que cae en todos los tópicos imaginables en lo relativo a posibles nuevos amores. Por cierto que en el film se deja ver un tal Jeffrey Dean Morgan, que parece el “primo americano” de Javier Bardem.

Adaptación del libro humorístico de Emma McLaughlin y Nicola Kraus, que se inspiraron en su experiencia como niñeras de familias bien en el Upper East Side del Manhattan neoyorquino. El film sigue la pista a Annie, una recién licenciada, a la que en teoría debería aguardar un halagüeño porvenir en el mundo empresarial. Pero la joven se siente insegura, mete la pata en sus entrevistas de trabajo. Casi por un golpe del destino, impide en Central Park que un niño sea arrollado por un patinador. Su emperifollada madre confunde el nombre Annie, con que es una "nanny" (niñera), y le da su tarjeta ofreciéndole empleo; lo que provoca una catarata de ofertas en el mismo sentido de otras madres. Inesperadamente acepta ese trabajo, mientras se aclara acerca de a qué quiere dedicarse. Pero se ha metido en un trabajo con trampa, que no es tan grato como pudiera parecer, por sueldo y alojamiento. En efecto, los padres olvidan a sus hijos, y chicas como Annie deben hacer en la práctica de madres; Annie va tomando cariño al chico al que debe cuidar, aunque sea un trasto, y claro, le cuesta dejarle en la estacada, aunque esté harta de los padres, sus jefes, porque cree que si se ausenta el chaval se echará a perder del todo. Divertida y cáustica película, que dirigen al alimón con aplomo el matrimonio formado por Shari Springer Berman y Robert Pulcini, que ya sorprendieron gratamente con la inclasificable American Splendor. De hecho ya es original el arranque, que habla de las tristes características de las clases altas neoyorquinas como si estuviéramos en un museo antropológico, donde se clasifican los distintos especímenes y tribus, con su vitrina correspondiente. Al tiempo que se ofrecen escenas tronchantes, hay de fondo un sabor agridulce, pues se pone el dedo en la dolorosa llaga de unas personas desahogadas en lo económico, pero egoístas y con enormes carencias afectivas, obsesionadas con dietas y actividad social, pero completamente desamoradas, incapaces de dar un poquito de cariño a quien de inmediato se deben, el cónyuge, el hijo (sí, en singular, pues se diría que no es fácil que sean generosos para tener más). Hay por supuesto trazos caricaturescos, pero quizá no tan alejados de la realidad, pues los casos extremos, desgraciadamente, se dan. Son perfectos en su papel de padres "desastre" Laura Linney y Paul Giamatti, éste por ejemplo siendo incapaz de descubrir una persona en Annie; primero, simplemente, no ve nada, y al fin, cuando se fija, lo único que ve es un cuerpo bonito. Scarlett Johansson sigue dando muestras de ser lo más parecido a una estrella que ha surgido en los últimos años. Borda su papel de chica insegura y con encanto, bella, y que sin embargo sabe de algún modo apagar esa hermosura porque lo requiere su interpretación. El film, aunque se ceba en sus críticas con "los ricos", no esquiva la mirada mordaz hacia ciertos jóvenes inmaduros, incapaces de tomar decisiones, y que son incapaces de mostrarse sinceros con las personas que lo han sacrificado todo por ellas; es tremenda en ese sentido la escena de confrontación de Annie y su madre, cuando ésta se entera de que la otra le ha engañado con respecto a su dedicación profesional.

Frankie, Jane y Christine, tres mujeres casadas de buena posición, se sienten preocupadas por Olivia, amiga suya desde la infancia, que atraviesa graves dificultades económicas, trabaja como asistenta, y no encuentra pareja. La directora y guionista Nicole Holofcener, forjada en teleseries como A dos metros bajo tierra y Sexo en Nueva York, describe muy bien a los personajes, sobre todo a las protagonistas, todas ellas mujeres insatisfechas un tanto extremas e irreales. Si resultan convincentes es porque las interpretan actrices de primera. Destaca Frances McDormand, como una diseñadora fácilmente irritable. Aunque el conjunto sabe a poco, y los personajes apenas evolucionan, resulta interesante su análisis de las modernas relaciones sociales, y da que pensar sobre las apariencias y el egoísmo.

Maggie y Rose son hermanas, pero al margen de ese pequeño detalle no tienen absolutamente nada en común, a no ser, quizá, el número de calzado. Maggie, que es casi una analfabeta, está acostumbrada a vivir de su aspecto físico y explota su sexualidad de modo irresponsable e ingenuo. Además es incapaz de mantener un trabajo más allá de unos días. Su hermana Rose, por el contrario, se graduó en Princeton y trabaja como abogada de éxito en un importante bufete, aunque en temas del corazón es un completo desastre y siente que su vida es en realidad más deprimente de lo que parece. Un día, a raíz de una burda traición amorosa, Rose echa en cara a Maggie la inutilidad de su vida arrastrada y holgazana, y ambas hermanas terminan por decirse adiós bruscamente. Sus vidas transcurrirán entonces por caminos diversos: mientras Rose sigue en la gran ciudad, Maggie se traslada a la costa para visitar a su abuela. Curtis Hanson ha demostrado con películas como L.A. Confidential o Jóvenes prodigiosos de lo que es capaz cuando llega a sus manos un buen guión. Y en esta adaptación de la novela de Jennifer Weirner, despliega también su sobrado oficio: atención a los personajes, manejo del ritmo narrativo, sabiduría al equilibrar el drama y la comedia…, y además adereza esos aspectos con una especial frescura que impregna toda la cinta y que se agradece de veras. Quizá cargue algo la mano al mostrar los frívolos encantos de Cameron Díaz, quien por otro lado deja claro que es mucho más que un cuerpo bonito. Toni Collette borda su personaje de hermana responsable con un punto depresivo (un tipo de papeles que conoce a la perfección desde Un niño grande y El sexto sentido) y la veterana Shirley MacLaine está estupenda como abuela sabihonda. En definitiva, una simpática historia de mujeres desorientadas que buscan la felicidad, y cuyo clásico desarrollo no esconde sus buenas intenciones.

Adaptación de la novela de John Irving Una mujer difícil (en realidad abarca la primera mitad), donde domina una atmósfera malsana, de obsesiones y cariños mal encaminados, de gustos artísticos degradantes. Ted es escritor de cuentos infantiles. Su matrimonio se va a pique. La puntilla parece haber sido la muerte de sus dos hijos en accidente de automóvil. Él y su esposa Marion deciden separarse temporalmente de modo amistoso, y cada día uno se ocupará de su pequeña hija, ahora casi lo único que los une. Casi al tiempo, Ted contrata a Eddie, un joven aspirante a escritor de 16 años, para que le ayude a transcribir sus cuentos. Eddie, un tipo muy tímido, se encapricha eróticamente con Marion, una mujer madura pero muy hermosa; además, a ella le recuerda a uno de sus hijos muertos, del que ignora si tuvo alguna vez relaciones sexuales; de modo que, en un morboso ejercicio de seducción, decide corregir tal ‘laguna’ con el joven que tiene ante ella; y así ambos satisfacen unos deseos que lindan con lo enfermizo. Mientras, Ted pinta modelos desnudos para sus cuentos infantiles, algo que no parece contribuir demasiado a su equilibrio. De este modo, con sus traumas a cuestas, y sus curiosas vías de escape, los personajes se van acercando a ‘the door in the floor’ (o sea, la puerta en el suelo), y por tanto a los ‘espectros’ que se esconden al otro lado. Personajes frágiles, que tratan de superar sus carencias por caminos tortuosos. Que no tienen recursos para superar la muerte de sus seres queridos. Reconoce Irving que Ted, Marion y Eddie son antipáticos, y que su desafío es que el lector (y el espectador) haga caso a una advertencia implícita en el relato: “No juzgues a esta persona demasiado pronto”. El desconocido Tod Williams se pone al servicio de la historia (no sólo dirige, sino que firma el guión), con un reparto en el que destacan Jeff Bridges y Kim Basinger, los esposos en crisis.

Singular película que maneja distintos planos de ficción y realidad, se inspira en la serie de cómics American Splendor, ideada por Harvey Pekar a partir de su propia experiencia vital, con dibujos de Donald Crumb. La película combina pasajes con declaraciones del auténtico Pekar, realizadas sobre fondo blanco, con otros que dramatizan con actores (estupendos Paul Giamatti y Hope Davis) su vida gris. En estos pasajes de ficción, los directores y guionistas Shari Springer Berman y Robert Pulcini usan a veces recursos típicos de las historietas: ya sea por el modo de planificar, o por el uso de rótulos y bocadillos; pero al tiempo tienen el acierto de no recargar el film abusando de ellos. Los cineastas hacen hincapié en la especial percepción de Pekar para convertir en posibles viñetas las situaciones más corrientes y los comentarios más inopinados, pronunciados por sus compañeros de trabajo o sus seres queridos. De modo que el cómic se convierte en herramienta que permite exorcizar su deprimente visión de la vida, alimentada por su trabajo de archivista en un hospital y los dos divorcios que ha sufrido. Así, su talento creativo le permite encontrar una segunda ocupación, la posibilidad de formar un hogar, e incluso afrontar un cáncer. Existen, eso sí, los peligros –convertirse en un freak en un show televisivo, o, por qué no, en una película–, que deben ser evitados.

Historia coral de varios treintañeros, algunos bastante inmaduros, que tienen problemas a la hora de guardar fidelidad a sus parejas. Es una comedia dramática sobre el amor y el sexo, que no ahorra algunas escenas subidas de tono. La película se basa en una obra teatral de Patrick Breen, que también se ha encargado del guión y se reserva además un pequeño papel. Destaca la presencia de actrices como Marisa Tomei (El luchador) o Marley Shelton (Planet Terror).

El brutal asesinato de Matthew Sheppard, un estudiante homosexual de la Universidad Wyoming, víctima de la violencia e irracionalidad de dos homófobos desencadena la reacción de la ciudad, Laramie. Basada en hechos reales, el film se centra en un tema tan controvertido como la homofobía y que ha generado críticas hacía el odio y la intolerancia que existe en alguna personas y comunidades respecto a la homosexualidad.  

Ruby tiene bastantes problemas, por lo que acude a terapia en busca de ayuda. Las cosas se van complicando poco a poco hasta que culminan en un cambio de actitud de su novio. El cambio es positivo, ahora es más dulce y atento, pero a Ruby no le encajan las cosas. La explicación no es que la vaya a dejar mucho más tranquila, pues su novio le dice que ha venido del futuro para evitar la muerte de su hermana. Con esta película Brad Anderson demuestra ser poseedor de una filmografía de lo más variada. Así, en su todavía no muy extensa carrera se encuentran títulos tan dispares como éste, la cinta de terror psicológico Session 9 y el thriller El maquinista.

El joven Freddy, que tiene problemas para asumir su responsabilidad en el embarazo de su novia, huye de su pueblo en busca de un tío suyo que le puede ayudar. Por el camino conoce al inconsciente y lanzado Albert, fugado del correccional. Para esta "road movie" independiente, el prácticamente debutante Edward A. Radtke se basa en sus propias experiencias, pues tuvo una juventud marginal, de la que salió bien parado gracias a la ayuda de sus padres.