Adriane Lenox

A los 9 años, a Matt Murdock –hijo de un atormentado boxeador– le atropella un camión cuando aparta de su trayectoria a un anciano para salvarle la vida. El vehículo transporta un material radioactivo que se derrama en los ojos del chico, dejándole ciego. Años después se ha convertido en un abogado que regresa a su barrio neoyorquino, la Cocina del Infierno, para poner un despacho con su amigo Foggy. En sus ratos libres imparte justicia oculto tras una máscara, pues el accidente le dejó sin vista, pero potenció sus otros sentidos. Drew Godard, discípulo de Joss Whedon como guionista de Buffy, la cazavampiros y Angel, y director y guionista de La cabaña en el bosque, y de J.J. Abrams como libretista en Alias y Perdidos, se emancipa como máximo responsable de esta serie de Netflix. Daredevil supone la primera de las producciones de la plataforma digital que adaptan las peripecias de superhéroes Marvel. No inventa la pólvora, y acusa la sobreexplotación del género. Pero Daredevil se constituye como la mejor serie basada en un personaje Marvel y supera ampliamente el film de 2003 protagonizado por Ben Affleck. Con una fotografía sombría de aire 'retro', toma claramente como modelo la saga de El caballero oscuro, de Christopher Nolan, al imitar sobre todo su tono realista. El punto fuerte reside en las interpretaciones, pues Charlie Cox dota de gran humanidad al personaje, un superhéroe católico practicante, por una vez alejado de los todopoderosos Thor o Capitán América, pues transmite el sufrimiento por el que tiene que pasar para llevar a cabo sus hazañas. También está a la altura Vincent D'Onofrio, como Wilson Fisk, también llamado Kingpin, capo mafioso que controla los negocios sucios. Se puede pasar por alto, que algún actor, como Elden Henson (Foggy) resulte un tanto exagerado.

Después de casi cuatro décadas de convivencia, la pareja gay que conforman Ben y George ha podido contraer matrimonio en Nueva York gracias a las nuevas leyes. Amigos y familiares celebran el enlace, y no falta la sobrina política que confiesa que su ejemplo le ha servido de inspiración en su matrimonio con Elliott, con quien tiene un hijo, Joey. La mala noticia es que George se queda sin empleo, la escuela católica donde impartía clases de música le despide por no compartir el ideario del centro en cuestión de tanta entidad como el matrimonio. Triste pero sin ira, deja su trabajo, el problema es que con la pensión de Ben y el desempleo de George no tienen para pagar su apartamento, de modo que, temporalmente, Ben se va a vivir con sus sobrinos, y George con una pareja vecina de policías homosexuales. Lo que no es, desde luego, una solución ideal. Ira Sachs, que firma el guión con Mauricio Zacharias, se esfuerza por entregar una película delicada, militante sin duda en afirmar el amor homosexual, pero que incluso en su título –“el amor es extraño”– parece quedar dejar claro que la meta no es otra que la de imprimir en el espectador la idea de que el afecto toma caminos diversos que no deberían juzgarse a la ligera. De modo que se construye la narración procurando no ir contra nadie, incluso se quiere salvar al colegio donde daba clases George, trasladando la culpa de la posible injusticia a un anónimo obispo, la jerarquía, ya se sabe, que no puede actuar de otro modo que siguiendo las reglas. Así, se centra la atención en los personajes, las relaciones humanas, trazadas sin grandes aspavientos, incluso sembrando dudas en sus motivaciones profundas, no podemos meternos en el interior de cada uno. John Lithgow y Alfred Molina entregan una interpretaciones inteligentes, contenidas, de un viejito y un tipo maduro que se quieren, y Marisa Tomei vuelve a bordarlo como secundaria que sabe cargar a sus personajes de credibilidad, su dibujo de madre con dificultades para trabajar por la llegada del nuevo inquilino, y cansada de un marido demasiado metido en su trabajo y poco atento al hijo, está muy matizado. Más confuso y ambiguo es lo referente al adolescente Joey y su amistad con Vlad, un chico del colegio de origen ruso, subtrama que quiere reforzar la ya mencionada idea de que “el amor es extraño”.

La historia de la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos, a través de los ojos de Cecil Gaines, que trabajó como mayordomo en la Casa Blanca, desde los días de la presidencia de Eisenhower hasta los de Reagan. El film, a modo de película río, arranca con la niñez de Cecil y el asesinato de su padre, que cultivaba campos de algodón. Una serie de carambolas propician la dedicación profesional de Cecil en ambientes refinados, lo que le empuja a ser considerado para un puesto que le lleva a servir a siete presidentes. Un sueldo razonable –aunque inferior al que perciben sus iguales blancos– le permite sacar adelante a su familia, aunque deberá afrontar el alcoholismo de su esposa Gloria, el activismo político, que no entiende, de su hijo Louis, y la decisión del otro, Charlie, por ir a luchar a Vietnam. Lee Daniels, director de cintas duras como Shadowboxer, Precious y El chico del periódico (The Paperboy) entrega sin duda la que es su película más comercial y digerible por el gran público, basada en un caso real relatado en un artículo periodístico de Will Haygood. Firma el guión de la cinta Danny Strong, autor de los libretos de las “tv-movies” políticas Game Change y Recuento. El mayordomo es una cinta agradable de ver, con un reparto casi siempre acertado, donde se llevan la mejor parte interpretativa Forest Whitaker (Celil), Oprah Winfrey (su esposa Gloria) y David Oyelowo (el hijo de ambos, Charlie). De hecho son sus conflictos dramáticos los que mejor funcionan: el padre que ha conocido un estado de las cosas y desea lo mejor para su familia, confiando en el sistema, aunque acabará cuestionándose las cosas, al estilo de lo que hacía Anthony Hopkins en Lo que queda del día; la madre que padece ciertas desconsideraciones de su esposo –nunca ha movido un dedo para enseñarle la Casa Blanca–, mantiene la unidad familiar como puede y es tentada por consuelos que mitiguen las ausencias de Cecil; y el empuje generacional del hijo que pelea por el cambio, aunque pueda preguntarse acerca de si el precio del distanciamiento de su padre no es demasiado alto. Algo más ambigua es la consideración que merece la dedicación profesional de servir como mayordomo, pues aunque se inserta una acertada reflexión de Martin Luther King sobre la ética del trabajo, no deja de presentarse como un trabajo de segunda fila, tal vez porque en este caso su desempeño va unido a las consideraciones raciales. Cuando se quiere hacer un gran fresco histórico, el devenir de los Estados Unidos en la última mitad de siglo, se corre el riesgo de la simplificación y el academicismo, que no acaba de sortear con éxito Daniels. De hecho los presidentes que desfilan por la pantalla son pobres esbozos sin alma, especialmente ridículo resulta Nixon, al que John Cusack no logra insufla el necesario carácter, más allá de que se quiera ofrecer de él una descripción decididamente poco partidaria. Y el colofón con Obama, aunque razonable, resulta algo previsible y carente de la necesaria emoción.

Lola tiene 29 años y vive con su novio Luke. Sin embargo, cuando poco antes de la boda, Luke se echa atrás, Lola caerá en un tremendo estado de confusión. Irá entonces dando tumbos afectivos, con su amigo Henry (mejor amigo de Luke), un tipo que encuentra en un bar, etc., mientras recibe el apoyo de su amiga Alice y de sus padres. Film con vitola de independiente que acaba dando un poco menos de lo que promete. Responden la historia y los personajes a una visión muy postmoderna de la vida, con urbanitas neoyorquinos que parlotean y parlotean sobre el amor, en un intento de huir de la soledad, pero que en el fondo no saben vivir con una mínima hondura sus relaciones. La película tiene algo de los filmes de Woody Allen, sobre todo por la neurótica protagonista, la frescura de los diálogos y la inclusión de la cínica y humorísta amiga de Lola, Alice (interpretada por la coguionista Zoe Lister Jones), una artista, joven y deslenguada. La actriz Greta Gerwig hace un buen trabajo.

La doctora y profesora universitaria Margaret Matheson ha dedicado toda su vida a desenmascarar fraudes ocultos en supuestos fenómenos paranormales. Con una mente completamente racional, no hay espacio en su vida para creer en algo que no pueda ser probado científicamente. En sus actividades cuenta con la inestimable ayuda del joven Tom Bucklery, obsesionado por la reaparición de Simon Silver, un tipo ciego protagonista de fenómenos parapsicológicos, que abandonó la escena pública muchos años atrás por un sonado incidente. Tom desea acometer el caso Silver, pero la doctora no está tan segura de que sea una buena idea. Nuevo proyecto internacional escrito y dirigido por el español Rodrigo Cortés, con envidiable reparto y cuidadísima producción. Confirma la calidad de la cinta que Buried (Enterrado) no fue un espejismo. Luces rojas se trata de un potente thriller con el viejo debate en primer plano entre ciencia y fe, lo medible y lo que está más allá de nuestra comprensión. Para Margaret, estupenda Sigourney Weaver, su personaje es el mejor definido, uno debe llevar encendido siempre el radar de las "luces rojas", las señales que están ahí afuera para cualquiera que desee verlas, y así suspender su perezosa credulidad. La película funciona estupendamente cuando esta gran actriz tiene presencia, en la pantalla o fuera de ella. En cambio la narración se desinfla un tanto cuando dejamos de verla. Cortés demuestra su talento en la concepción de secuencias, véase la escena de apertura, que sitúa muy bien acerca de a qué se dedican Margaret y Tom, algunos momentos de genuino suspense, o el documental con el test científico dirigido por el personaje de Toby Jones. Pero la deseada tensión, en algunos momentos muy lograda, no funciona siempre, hay pasajes confusos y el efecto sorpresa del desenlace no fluye con la deseable naturalidad. También hay momentos de un efectismo exagerado, que aturde, como algunos pasajes en el teatro, la violenta pelea en el cuarto de baño. Da la sensación además de que algún pasaje ha debido quedarse en la sala de montaje, de modo que personajes como el de Elizabeth Olsen, actriz en alza, quedan poco definidos.

Después del éxito logrado por Hustle & Flow, el director Craig Brewer vuelve a ofrecer un film que podríamos calificar de estridente y pasado de vueltas. Igual que en la película anteriormente mencionada, aquí nos mete de lleno en una historia sórdida, de dolor y redención, ambientada en un innombrado pueblo sureño de Tennessee, en donde el sufrimiento de sus habitantes parece encontrar perfecta expresión por medio del blues. Tres personajes, tres dramas. Lazarus es un antiguo guitarrista que ha perdido la esperanza y la alegría tras el abandono de su mujer, que para más señas se ha marchado con su hermano. Rae y Ronnie están enamorados y son una verdadera tabla de salvación mutua. Él tiene un serio problema de ansiedad que le impide progresar en la vida y ella padece una enfermiza ninfomanía, derivada al parecer de los abusos que sufrió de niña. Cuando Ronnie marcha al ejército, Rae se desmorona y reemprende su vida viciosa y disoluta. Un día aparece medio muerta en una cuneta cercana a la casa de Lazarus. Es una pena que Brewer sea tan, digamos, excesivo. Cuenta las cosas con demasiada desvergüenza, sin ninguna contención al mostrar comportamientos inmorales, y el tono del film recuerda en ciertos aspectos al cine de Tarantino, por su lenguaje procaz y la rara mezcla de drama, violencia, los personajes marginales y las situaciones esperpénticas. Así, en este film lo mismo se habla con tino y buen juicio de hacer el bien al prójimo o de pedir perdón a Dios por los pecados, como se muestra hasta qué extremos de bajeza humana y desprecio personal puede llegarse. Hay en la película un sentido positivo de fondo, con un marcada frontera entre el bien y el mal –ejemplar cuando se habla del aborto–, aunque esto no evite para nada la falta de contención en otros aspectos. Destacan igualmente algunas ideas argumentales con gran sentido metafórico, como esas cadenas que sujetan la lujuria de Rae, y que en algún momento dan la ocasión al director para ofrecer planos visualmente muy impactantes. Samuel L. Jackson está en su salsa, con un personaje que recuerda al recitador de la Biblia de Pulp Fiction, y Christina Ricci hace un trabajo colosal, aunque es una pena que elija papeles tan estrafalarios, desagradables y poco ejemplares.