Elaine Cassidy

Una película entrañablemente dolorosa, y que en muchos espectadores hará evocar experiencias comparables en su entorno. Basada en hechos reales, narrados en un libro por uno de sus protagonistas, St John Greene. Describe el modo en que una familia, los Greene, y sus parientes y amigos, afronta la enfermedad y la muerte, que forman parte de la vida. Todo gira alrededor del cáncer de pecho diagnosticado a Kate, casada con Singe, y madre de dos niños, Reef y Finn. La familia ya sabe lo que es lidiar con esta enfermedad mortal, pues el mayor de los hijos, Reefe, también ha padecido un cáncer, y le daban muy escasas probabilidades de superarlo, y a pesar de ello ha salido adelante. Ahora las previsiones son más optimistas, el cáncer se supone que es tratable, pero la medicina no es una ciencia exacta y las cosas van a empeorar. En el ínterim Kate se prepara para lo que pueda venir, y lo mismo quiere hacer con su familia, que sepan aceptar su previsible muerte y seguir adelante con sus vidas. Por eso les propone una serie de metas, con post-its y mensajes de texto, ideas inspiradoras de una felicidad a lo que no deben dejar de aspirar, para cuando ella ya no esté. Niall Johnson, director y guionista –recientemente ha coescrito el guión de Un día más con vida–, maneja con delicadeza lo que es, sobre todo, una gran historia de amor, en la vida y en la muerte. En tal sentido hace pensar en otro dos filmes rodados en inglés con directores españoles sobre el tema, Mi vida sin mí y Vivir para siempre, dirigidos respectivamente por Isabel Coixet y Gustavo Ron. El cineasta sabe atrapar el modo en que el amor guía siempre las acciones de los personajes, cuando la tentación es dejarse hundir por un sufrimiento paralizante; y aunque el visionado del film puede hacer derramar abundantes lágrimas, resulta contenido, no es burdamente manipulador. De modo que resulta emocionante cómo se dibuja un amor duradero, que se remonta a la adolescencia, ese flechazo en la pista de patinaje, que luego continúa con la formación de una familia, y la lucha y la asunción de las contradicciones, la alegría de los hijos y el dolor, también físico, náuseas y mareos, de la enfermedad. Todo se cuenta con un realismo integrador, donde se viene a decir que cuando hay un sentido que viene dado por el amor, las pruebas más difíciles pueden acometerse; incluido el después, la ausencia, el recuerdo, las conversaciones y visitas a la tumba, el cicatrizar de las heridas, las nuevas experiencias que se incorporan a la vida. Los niños aportan una interpretación muy natural, mientras que Rafe Spall y Emilia Fox saben encarnar muy bien a la pareja protagonista, su amor maduro, y el miedo a una muerte cuya proximidad cuesta aceptar. También lo hacen bien Ross McCormack y Sophie Simnet en sus sublimadas y románticas versiones juveniles, y los secundarios, donde destaca la amiga que ha sido testigo de su amor, interpretada por Elaine Cassidy.

El ciclista norteamericano Lance Armstrong pasa por haber protagonizado el mayor fraude deportivo de la historia. Durante años se sometió a un meticuloso programa de dopaje que le alzó a la más alta cumbre del ciclismo, deporte en donde llegó a ganar siete Tour de Francia entre los años 1999-2005. Pero en 2012, tras muchos meses de investigaciones, le fueron retirados todos sus títulos ganados a partir de 1998 y fue suspendido de por vida por dopaje sistemático. Fue la caída de un icono deportivo de la que el mundo del ciclismo internacional –profesionales, aficionados y opinión pública– aún está intentando reponerse. Ésta es la historia que cuenta con mucha soltura The Program (título que hace referencia a la planificación de dopaje que seguía el corredor), donde el veterano Stephen Frears sabe evitar soflamas latosas e innecesarias sobre sustancias, porcentajes, análisis farmacológicos, etc., aunque algo de esto hay, gracias a un guión accesible a todo tipo de público, de modo que las evidencias de las trampas llevadas a cabo por Armstrong son claras como la luz del día, mostradas en pantalla con implacable contundencia. En este sentido, el director inglés no se anda con chiquitas y desnuda la personalidad de Armstrong como la de un tramposo sin moral, cuya ambición por ganar llegó a rozar lo enfermizo y que le llevó a una espiral de mentiras que arrastró al abismo a muchas otras personas. The Program está basado especialmente en el libro que escribieron en 2004 –por tanto ocho años antes de que sancionaran al corredor– los periodistas del The Sunday Times David Walsh y Pierre Ballester, que contenía algunas entrevistas con conocidos de Armstrong que arrojaban sospechas sobre sus costumbres antideportivas. Y también se han usado los informes de la investigación llevada a cabo por diferentes organismos oficiales, como la USADA (Agencia Antidopaje de Estado Unidos) o la UCI (Unión Ciclista Internacional). Pero el guión de John Hodge (Trainspotting) es inteligente al enfrentarse a tan ingente material, pues elude terrenos pantanosos y escoge lo justo, para centrarse casi exclusivamente en la vida cotidiana del ciclista en época de competición, en sus métodos de dopaje y en sus interacciones con un reducido grupo de allegados (el médico Michele Ferrari, su director de equipo Johan Bruyneel, su compañero Floyd Landis, su abogado Bill Stapleton). De este modo se deja de lado casi totalmente cualquier faceta de Armstrong que haga referencia a su vida privada, y sólo se recrean algunos momentos que dedica a Livestrong, su fundación contra el cáncer, terreno en donde el deportista muestra su lado más humano y solidario. Acierta Frears al adoptar la historia con un estilo que tiene mucho de reportaje deportivo, hay ritmo, imágenes de carreras con look televisivo, ruedas de prensa, etc., pero también, aunque en segundo plano, supone otro homenaje más al periodismo de investigación (como Todos los hombres del presidente o Spotlight), donde se presenta al personaje de Walsh como un adalid de la verdad que se juega su carrera al oponerse a las mentiras de Armstrong. Pese a tratar hechos más o menos conocidos, este enfoque dinámico aporta agilidad a la historia, que se sigue siempre con interés, incluso con un punto de intriga. El reparto que maneja Frears está muy equilibrado, aunque brillan especialmente un estupendo Ben Foster (El único superviviente) en el papel protagonista y Chris O'Dowd (Calvary) en el del periodista David Walsh.

Cinco hombres, yupis de dinero, comparten un lujoso loft con la intención exclusiva de que les sirva de lugar para sus encuentros sexuales a espaldas de sus esposas. La idea parece perfecta para que no surjan problemas, hasta que una mañana aparece en la cama el cadáver ensangrentado de una joven. Concebido cómo una intriga al estilo Agatha Christie, en la que unos cuantos personajes reunidos intentan descubrir qué ha sucedido, el film (un remake del film de 2008 dirigido por el mismo director, Erik Van Looy), urdido como si de una obra de teatro se tratara, nos lleva de adelante a atrás y de atrás a adelante en continuos saltos de tiempo para ensamblar la historia a modo de puzzle y comprender todos los elementos que han jugado un importante papel en la situación. El entretenido guión contiene pasajes sórdidos y retrata a personas sin escrúpulos que viven para el placer, con comportamientos irresponsables y donde la amistad y la traición no se contraponen. Los diferentes caracteres (el seductor, el graciosillo, el violento, el cerebral, el de buen corazón) están perfectamente descritos, a lo que hay que añadir una meritoria interpretación del reparto, lleno de rostros conocidos, en donde destacan James Marsden, Karl Urban, Wentworth Miller y Rachael Taylor.

Finales del XIX. La joven Denise Lovett abandona la campiña inglesa para trasladarse a una gran ciudad del norte de Inglaterra, donde su tío le había prometido un empleo en su pequeño comercio. Pero resulta que éste no puede darle trabajo, pues la mayoría de sus clientes se va a comprar a The Paradise, unos grandes almacenes cercanos. Pero Denise consigue que la contraten allí, en la sección de ropa de señoras. Su capacidad de iniciativa impresiona gratamente a John Moray, fundador del local, un carismático viudo que no puede olvidar a su esposa fallecida, pero al que acosa la manipuladora Katherine Glendenning, la hija del ricachón que avala económicamente su aventura empresarial, por lo que no puede decirle que no... Tras el enorme éxito de Downton Abbey, resurgen con fuerza los dramas de época televisivos en Gran Bretaña. Esta producción para BBC se basa libremente en la novela "El paraíso de las damas", de Émile Zola, y como es de esperar cuida al máximo la ambientación histórica, con unos decorados y vestuarios exquisitos. Tras el buen recibimiento de la primera temporada, de ocho capítulos, la cadena ya ha encargado una segunda. De tono amable y sumamente elegante, Galerías Paradise se entretiene sobre todo en el retrato costumbrista de la época. Pero además, las argucias de Moray dan pie a una interesante reflexión sobre las técnicas comerciales modernas a través del ejemplo a pequeña escala de un negocio pionero. Como otras series similares, Galerías Paradise se apoya en un solvente reparto, encabezado por Joanna Vanderham, ideal como la inteligente Denise. Destaca el trabajo de Emun Elliott, el empresario honrado a pesar de algunas gotas de cinismo. En la línea de Downton Abbey, todos los personajes tienen sus dosis de humanidad, incluso aquellos inicialmente más negativos.

Lucy Honey Church (Elaine Cassidy), una joven inglesa de buena familia, se encuentra de viaje en Florencia junto a su prima Charlotte Bartlett (Sophie Thompson). En la pensión donde se hospedan conocen al señor Emerson (Timothy Spall) y a su hijo George (Rafe Spall), que, amablemente, les ceden sus habitaciones para que estas disfruten de una ventana con vistas a la ciudad. Remake en la televisón de la adaptación de 1985 de James Ivory sobre la novela de Forster. Cuenta con un reparto más televisivo, que si bien, no llega a la altura del reparto original, nos deja un producto de calidad más que correcta.

Un apartado caserón victoriano en la isla de Jersey. Es el año 1945, y la Segunda Guerra Mundial acaba de concluir. Grace vive con sus dos hijos en forzada reclusión. El marido fue a combatir, y no ha vuelto. Los chicos sufren una rara enfermedad: no puede exponerse a la luz del día, y deben vivir en perpetua penumbra. Su madre, sobreprotectora, pone todos los medios para que estén a gusto. Abre y cierra puertas para evitar los rayos de luz fatal. Y los educa lo mejor que puede, dentro de unos estrictos principios religiosos, a veces poco meditados. La llegada de tres nuevos sirvientes va a alterar la vida de tan peculiar familia. ¿Están tramando algo? ¿Tienen algo que ver con los extraños ruidos que se oyen en la casa, producidos por “los otros”? Inquietante y terrorífico film de Alejandro Amenábar, que sabe asustar sin acudir a las sanguinolencias al uso. El joven director (y guionista, y autor de la banda sonora) demuestra una vez más ser un maestro en la creación de atmósferas. Sabe agarrar al espectador y encerrarlo con Nicole Kidman y sus retoños en el siniestro caserón donde transcurre la película, para erizarnos el cabello a su antojo. Amenábar reconoce que de niño le gustaba imaginar historias de casas encantadas y extraños fantasmas. Y que las pelis de miedo como La semilla del diablo, Alien, el octavo pasajero, La noche del cazador, Seven y El silencio de los corderos le chiflan. Así las cosas, se ha despachado a gusto en este film. Quizá otra referencia inevitable es Alfred Hitchcock, el mago del suspense. Hasta el hecho de convertir a Nicole Kidman en una mujer rubia asustada, un poco a lo Grace Kelly, nos remite a las célebres rubias que poblaron las películas del mago del suspense.   Los otros es la película española que más éxito ha tenido en Estados Unidos hasta la fecha. Su recaudación en ese país ha rozado los 100 millones de dólares, y logró mantenerse con gran mérito entre las diez más vistas durante varias semanas. Lo suyo no fue el clásico arrase el primer fin de semana, para luego caer en picado, cuando se corre la voz de que el film no es bueno. Todo lo contrario: mantuvo una recaudación constante durante varias semanas, señal inequívoca de que funcionó bien el “boca-a-oreja” de que se trataba una estupenda película. Amenábar volvió a repetir el éxito de los Goya que ya tuvo con Tesis: ocho premios, incluidos el de mejor película, director y guión.

Adaptación de una famosa novela de Arthur Conan Doyle, que ya ha sido llevada a la pantalla con antelación. Cuenta las aventuras de los profesores Challenger y Summerlee, quienes van en busca de un mundo oculto a la civilización, en donde todavía sobreviven dinosaurios y hombres prehistóricos. El aliciente de este telefilm es su cuidada producción –pese a que ofrece algunos efectos especiales bastante caseros– y la presencia de un buen elenco de actores, con los veteranos Bob Hoskins y James Fox a la cabeza.

Felicia es una joven irlandesa, de 17 años, que viaja a Inglaterra en busca de su novio para comunicarle que se ha quedado embarazada. Su familia no ha sido nada compresiva, pero la chica encuentra una persona amable en la forma de Hilditch, un solterón que parece tener un corazón de oro. A medida que le conocemos, más rasgos de psicópata parece presentar este individuo, responsable de la desaparición de unas cuantas jovencitas. Inquietante pero formidable película, servida por la mano maestra de Atom Egoyan (El dulce porvenir). La película ofrece una meticulosa descripción psicológica de los personajes, y nos asoma al horror, a las circunstancias que han podido empujar a alguien a convertirse en psicópata. El film deja abiertos importantes resquicios a la esperanza y a las virtudes redentoras del amor, pero no a base de concesiones sensibleras sino con puro talento.

Shelley es una adolescente que no comprende el mundo de los adultos. Le sorprende que su padre tenga tantos amantes. Comedia de argumento poco imaginativo, lo que da al traste con las esforzadas interpretaciones de actrices como la veterana Angie Dickinson.