Manuel Morón

Carmen está a punto de ver hecho realidad su mayor sueño: convertirse en la hermana mayor de su cofradía de Semana Santa en una localidad malagueña, será la primera vez que una mujer ocupe tal puesto. Siempre entregada en cuerpo y alma a la causa, contempla con horror cómo el elegido por los hermanos cofrades resulta ser Ignacio, alguien que sólo desea figurar, y cuya dedicación real a los preparativos para procesionar son más bien escasos. Aunque se esfuerza en encajar el golpe con deportividad, la prepotencia del otro se lo pone difícil. Debut en la dirección de largometrajes de Marta Díaz de Lope Díaz, cineasta formada en la ESCAC, que también coescribe el guión con Zebina Guerra. Se trata de una comedia amable y blanca, el cine español ha descubierto mirando el caso del vecino país francés que este tipo de filmes son muy agradecidos, el espectador sale siempre con una sonrisa dibujada en el rostro, y se ha lanzado a producir títulos en esta línea, de entre los que marcó un antes y un después la exitosa Ocho apellidos vascos, cuya secuela, Ocho apellidos catalanes, abordaba también colateralmente en el arranque la Semana Santa sevillana. Jugar argumentalmente con un tema como las cofradías de la Semana Santa siempre resulta delicado, muchísimas personas participan piadosamente en las procesiones, como cofrades o como espectadores, y existe el riesgo de herir sensibilidades. En tal sentido la directora se muestra respetuosa, lo relativo a la cofradía sirve más bien de pretexto para urdir una trama de enredo, donde Carmen, discutiendo con Ignacio, se mete en un buen lío, que deben ayudarle a disimular su hija, su vecina, y su más eficaz ayudante de la cofradía. La película no es perfecta, y el discurso feminista en algunos tramos puede cargar un poco. Pero en general estamos ante un film muy grato, con timing razonable y algunos pasajes tronchantes. En el reparto, perfecto, brilla la protagonista, una Gloria Muñoz de mucho carácter, muy bien arropada por secundarios como Carmen Flores, divertida vecina empeñada en hacer torrijas, que además fue reconocida como mejor actriz de reparto en el Festival de Málaga.

Serie ambiciosa producida por Movistar+, que reseñamos tras el visionado de los dos primeros capítulos presentados en primicia en el Festival de San Sebastián. Transcurre en la Sevilla de finales del siglo XVI. Hay un esfuerzo importante de producción, dentro de lo que cabe, rodaje en las calles de la capital andaluza ante la catedral, vistosos planos del Guadalquivir con barcos y el “skyline” de la ciudad, barrios degradados con casas de adobe, fotografía en claroscuro muy cuidada. Y tiene detrás al director de La isla mínima y El hombre de las mil caras, Alberto Rodríguez. Pero todo esto no es suficiente. Decir que La peste es la peste sería una broma demasiado fácil, y quizá injusta, pero sí resulta obligado decir que la trama es tediosa, los personajes muy poco atractivos, y el cansino desarrollo no atrapa en ningún momento. La carta de la truculencia, individuos degradados, víctimas de la peste, autopsias muy gráficas, sórdido sexo, apenas sirve de excusa para lo más obvio. Falta una historia interesante, capaz de atrapar. Las andanzas de un tal Mateo, que sale de Sevilla para volver luego a ocuparse del hijo bastardo de un amigo, que es acusado de hereje, pero al que acude finalmente un obispo para que investigue un brutal crimen de tipo religioso, son confusas, y vienen entreveradas con la actitud insensata de unas autoridades que no quieren alertar sobre el riesgo de peste para que no deje de fluir el oro de América, y el trabajo de una pintora que firma con el nombre de su padre, son tiempos machistas, supersticiosos y brutales, donde nadie muestra un resquicio de bondad, hasta los niños son brutales. La España oscura, un ejercicio de autoflagelación que pienso que no va a lograr enganchar, al menos estas dos primeras entregas no lo consiguen.

Desahuciada por el banco, la parada Silvia se ve obligada a regresar con su marido (también sin trabajo) y su hija de diez años a la casa de sus progenitores. Pero este inmueble también está en riesgo, pues perder el piso no ha servido para saldar la deuda, y la familia no puede hacer frente a la cantidad que se reclama. El drama ha afectado emocionalmente a Pablo, empleado de la entidad bancaria, y Jaime, un policía que participó en el desalojo. Como intérprete de la canción “No te puedo encontrar”, de Blancanieves, Silvia Pérez Cruz ganó el Premio Goya más accidentado de la historia, pues la encargada de entregar la estatuilla, Adriana Ugarte, leyó el nombre de otros supuestos ganadores. Ahora, la cantante debuta como actriz con Cerca de tu casa, donde también canta, y ha compuesto los temas originales. Adscribirse al musical diferencia este film de otros recientes que ha dado el cine español sobre las consecuencias de la crisis económica, como Techo y comida. El realizador y coguionista Eduard Cortes sale airoso, con su buen hacer habitual, de un reto peliagudo, abordar temas duros de la realidad cotidiana desde este género, resulta inevitable pensar en Bailar en la oscuridad y Los paraguas de Chesburgo. Se luce con algunas imágenes, como la del número que tiene lugar en el metro, y saca tajada de un buen reparto, con trabajos de la artista citada, veteranos de la pantalla como Adriana Ozores, Lluís Homar y sobre todo de Iván Massagué, en un registro dramático como marido muy alejado del protagonista de la nefasta telecomedia Gym Tony, que le ha hecho popular. Se agradece por un lado que intente dar una visión compleja de la realidad, indagando en la realidad del otro lado, representado por el empleado bancario y el policía, a quienes se describe con humanidad. Pero todo resulta poco sutil, al final se abusa de los clichés, y no falta la perorata final que se ha convertido en un tópico de este tipo de acercamientos a tan grave problema.

Primera película española realizada en colaboración con la plataforma de streaming Netflix, y estrenada directamente allí, es la demostración de que con un presupuesto ajustado y un calendario de rodaje seguramente mínimo, se puede hacer algo muy digno. La intensa historia con el transfondo de la corrupción y la pérdida de valores éticos en tantos estratos de la sociedad, transcurre en un único escenario, el loft de una empresa tecnológica, donde se reúnen con urgencia los cuatro socios fundadores, que se enfrentan a una inminente inspección de Hacienda por una fuga de capitales a las cuentas que tiene cada uno en Suiza. El desfalco podría suponer para cada uno 7 años de cárcel, y piensan que la única solución es transferir todo a la cuenta de uno de ellos en España, de modo que cargue con la responsabilidad de todos. El problema es quién. Y para tomar una decisión acuden a un mediador, que les ayudará a consensuar los pasos a seguir. A partir de un guión de José Cabeza y Julia Fontana, con algunas frases memorables, por ejemplo las del dilema de la naranja, Roger Gual retorna a la tensión que puede cocerse en grupos en el mundo laboral vista en Smoking Room. Lo hace con una trama de escenario y tiempo únicos, que recuerda mucho al clásico Doce hombres sin piedad, o a la más reciente El método, donde los cuatro amigos y socios, con el mediador como testigo que trata de atemperar los ánimos, se tiran los trastos a la cabeza, diciéndose con amargura y resentimiento lo que nunca se atrevieron a decirse, lo que piensan unos de otros. El riesgo de que la película parezca puro teatro filmado se salva con una cámara con continuos movimientos casi de ballet, y los efectos de iluminación. Bien realizada y con puntos de interés, la visión del ser humano no puede ser más desoladora. Pues tenemos personajes que parecen preocuparse sólo de acumular dinero y poder, y vivir de las apariencias, sin importarles lo más mínimo la moralidad de sus actos, ya sea en lo referente a la fidelidad matrimonial, tener hijos –el recurso frívolo al aborto–, cuidar de parientes enfermos, o en defraudar al fisco. Están muy bien los cinco actores, tanto los socios y supuestamente amigos Paco León, Álex Brendemühl, Juana Acosta y Juan Pablo Raba, como el mediador profesional, Manuel Morón.

A sus diez años Claire ve cómo su vida da un vuelco al tener que dejar a su madre adoptiva Virginia y ser recogida por su madre real, Sara, tras serle devuelta la custodia. La vida de Claire, antes fácil y regalada, con una buena educación, se verá truncada de pleno, porque Sara no le puede ofrecer demasiado, con un pasado alcohólico y un escaso porvenir profesional. Pero, aunque nadie crea en ella, especialmente Virginia, Sara está decidida a cuidar de su hija y para ello lo primero que harán es marchar en coche rumbo a Marsella, con el fin de que la pequeña conozca a su padre, a quien Sara no ve desde que Claire fuera concebida. El viaje no será nada fácil. Sentido drama de la directora Belén Macías (La princesa de Éboli), quien indaga en el mundo de la maternidad, con la multitud de aspectos que ello conlleva: amor, responsabilidad, aceptación de las propias limitaciones y, sobre todo, el daño y las esperanzas de futuro para el hijo, en este caso la pequeña Claire encarnada con enorme soltura por Noa Fontanals. Más allá de algún tópico amor de carretera y cierta subtrama criminal que no acaba de encajar, hay en el guión –coescrito por Macías, Aitor Gabilondo y Verónica Fernández– sabiduría al enfocar estas temáticas y al ir completando el tapiz argumental poco a poco, tomándose su tiempo, de modo que los personajes van entrando paulatinamente en el espectador, hasta resultar creíbles, reales, de carne y hueso, y también de lágrimas (estupenda la escena de la bofetada). Pero muy lejos del culebrón superficial, Macías narra con una bien trabada estructura de “road movie”, con muy pocos elementos en juego y dedicando los minutos necesarios en cada etapa geográfica o emocional que van atravesando sus personajes. Marsella plantea una situación dura, pero no hay juicios de valor acerca de los modos de ser madre; aunque sí dice algo claro: que lo importante es la hija, al margen de unos sentimientos maternos que a menudo pueden ser ensuciados por el egoísmo adulto. Hay que elogiar en este sentido la dirección de actores. Está claro que la actriz María León tiene algo, una autenticidad casi de documental, que atrapa más allá de atractivos argumentales, y aquí Macías ha sabido sacar de ella un personaje muy verosímil, débil y fuerte a su modo. No es una madre perfecta, pero quiere a su hija. Y lo mismo sucede con Goya Toledo en su encarnación de madre adoptiva, cuyo corazón ha de seguir también su propio itinerario para hacerse cargo de la situación. Los secundarios Eduard Fernández y Manuel Morón está tan bien como siempre.

Debut en la gran pantalla de Alejandro Ezcurdia, que tiene como padrino a Santiago Segura, en su primer film como productor que no es una comedia. El título, Tres-60, hace referencia a una compleja maniobra de surf, que consiste en dar un giro completo de 360 grados sobre la ola, por lo que lógicamente se vuelve a la misma posición. En Tres-60, Guillermo, joven estudiante universitario apasionado del surf, encuentra casualmente un viejo carrete fotográfico en las obras de reforma de la casa de sus padres. Al revelarlo, descubre fotos que sugieren que Iván, su amigo de la infancia desaparecido en misteriosas circunstancias, fue secuestrado por una red de tráfico de órganos. Investigará lo que le ocurrió con ayuda de Ángela (una estudiante de Bellas Artes que le tiene enamorado), Ruso (su mejor amigo) y Mario, su jovencísimo hermano especialmente brillante para las nuevas tecnologías. Lo mejor es el trabajo de Roque Baños, que ha compuesto una evocadora partitura muy superior al nivel del film. Por lo demás, también se agradece que Ezcurdia trate de componer un thriller sin pretensiones destinado al público juvenil, que quiere seguir la senda del cine comercial de calidad de Alejandro Amenábar o José Antonio Bayona. Desafortunadamente, Ezcurdia no llega por ahora ni de lejos al nivel de los realizadores citados, pues su factura no pasa de correcta, e incluso por momentos parece propia de cualquier serie española del montón. El principal problema de Tres-60 reside en un guión mediocre, firmado por Luiso Berdejo, que obtuvo un prestigio increíble por el guión de [Rec], cuando en realidad éste era el único punto débil del exitoso film de terror. En esta ocasión todo resulta forzado desde el principio (ridículo que los malos se hayan dejado un carrete con fotos de los órganos con los que trafican, en una bolsa que casualmente tiene escritas las iniciales del desaparecido). Lo que peor funciona es la casualidad final, que intenta dar que pensar sobre la responsabilidad de la sociedad en la génesis de la delincuencia (como cuando Amenábar mostraba el morbo de los telespectadores en el desenlace de Tesis), pero resulta bastante grotesco. Tampoco acaba de resultar convincente el reparto, encabezado por el jovencísimo Raúl Mérida, famoso por la serie Los protegidos. Le arropan veteranos como Geraldine Chaplin, Manuel Morón y Joaquim de Almeida, que no parecen demasiado convencidos con el proyecto.

Serie que recrea el periplo de los Bertomeu, una familia que ha conseguido amasar una gran fortuna a lo largo de varias generaciones. Rubén Bertomeu dejó atrás los negocios agrícolas para crear un entramado empresarial basado en el ladrillo, que le ha convertido en el hombre más rico y poderoso del pueblo costero de Misent, involucrando a todos los poderes fácticos de la comarca. Ahora, Rubén ha puesto en marcha “Costa Azul”, megacomplejo turístico que terminará con el paisaje donde sus padres vivían cómodamente de los cítricos y los olivos, pero que le enriquecerá aún más. Pero como Rubén ha cometido alguna acción ilegal en más de una ocasión, y tiene contactos con mafias de Europa del Este, va a ver cómo se le complica la vida. Esforzada serie televisiva, que adapta una novela de Rafael Chirbes, imitando los modos de las prestigiosas obras de HBO. Aborda con modos "padrinescos" y "sopranescos" el tema de la corrupción en España, que ensucia a la clase empresarial, financiera, política y propiamente criminal de la costa del Mediterráneo. Los problemas con la justicia de Rubén se conjugan con la narración de sus cuitas familiares -la madre que no la entiende, la hija que nunca quiso saber de los "negocios" de la familia, la amante "florero", la nieta caprichosa a la que todo, siempre le ha venido dado...-, conformando un entramado que se sigue con interés, y con personajes razonablemente definidos.Cuenta con un buen trabajo como realizador de Jorge Sánchez-Cabezudo (La noche de los girasoles), y aunque hay algún lugar común, y complacencias en el tratamiento del sexo y la violencia, es de lo mejor que ha dado la ficción televisiva española en los últimos años.

Álex y Virginia, con planes de boda, han pagado la entrada de un piso en construcción en la prometedora urbanización Señorío del Mar. Pero constructores y políticos son unos sinvergüenzas, y rencillas entre ellos paralizan la obra dejando a la pareja y a otras muchas personas en la estacada. En el caso de Álex y Virginia se inicia un deslizamiento existencial cuesta abajo. Biznaga de Oro a la mejor película en el Festival de Málaga. Resulta muy de agradecer que Max Lemcke aborde temas que interesan a los ciudadanos de a pie. En Casual Day abordó las relaciones laborales y el mundo empresarial, y ahora toca mirar a la especulación inmobiliaria y sus víctimas. El problema es que... no tiene historia. Hay un planteamiento, un punto de partida, una situación: pareja que ve cómo su vida se va por la borda porque les quitan la casa a la que tenían derecho. Pero a partir de ahí, la cosa se estanca y no da mucho de sí, más allá de poner el acento trágico en el personaje de Fernando Tejero –bastante dramático, aunque con un contrapunto de cómico patetismo–, colocado al borde del precipicio.

Kay es una joven timadora que sobrevive robando coches con una amiga. Durante uno de sus golpes está a punto de ser detenida por un guardia civil, pero escapa gracias a la intervención de Abel, un tipo que pasaba por allí, y que resulta ser un cobrador profesional de deudas, que usa métodos violentos para ello. Kay se enamora de Abel, con el que inicia un idilio, al tiempo que ayuda a su padre a robar unos diamantes a unos policías corruptos que le han pedido que los venda. Esforzado pero fallido thriller que supone el debut como director de Patxi Amezcua, coguionista de El viaje de Arián, de Eduard Bosch. De tono violento, el director parece haber encontrado su inspiración en el Tarantino de Reservoir Dogs. En un panorama de cine español marcado por la mediocridad y la recurrencia a temas como la guerra civil, se agradece que el tal Amezcua intente hacer una película de género, pero las buenas intenciones no son suficientes. Es indudable que tiene cierto talento visual, que podría dar lugar a películas de interés. También se agradece que intente aportar algo de fondo a la narración, porque sus personajes solitarios, marginales y amorales intentan buscar apoyo en las relaciones familiares, lo que podría haber dado mucho más de sí. Kay siente necesidad de estar con su padre, aunque éste es un pobre diablo que se empeña en tirar su vida a la basura, mientras que Abel fue abandonado por su mujer, e intenta poder sacar adelante a su hijo, cuidado por los abuelos... Pero Amezcua es incapaz de sacar interpretaciones creíbles a sus actores, algunos de ellos con posibilidades, como los protagonistas, Francesc Garrido y Aida Folch. En general, el reparto intenta que parezcan espontáneas sus frases, pero suenan impostadas. Además, a pesar de que el presupuesto es mínimo, se empeña en componer un par de secuencias de acción que no funcionan, y habrían quedado mucho mejor ‘en off’.

Como su propio título indica, Esperpentos está íntimamente relacionada con Don Ramón María del Valle-Inclán. La película supone una interpretación algo libre de tres de las obras del maestro literario: "Las galas del difunto", "Los cuernos de Don Friolera" y "La hija del capitán". De adaptarlas a un guión cinematográfico se encargaron el propio director José Luis García Sánchez y el fallecido Rafael Azcona. Esperpentos está protagonizada por don Manolito y don Estrafalario, que viven los últimos años de la dictadura de Primo de Rivera afanados por encontrar las obras escritas por su gran ídolo, Valle Inclán, y que han sido prohibidas por el gobierno.

Intenso film carcelario dirigido por Daniel Monzón (El corazón del guerrero, La caja Kovak) a partir de la novela homónima de F.P. Gandul. Monzón demuestra que es uno de los directores españoles más en forma, capaz de crear imágenes poderosas, aunque le falte un puntito para que sus películas sean redondas. Celda 211 obtuvo muy buena acogida en el Festival de Venecia, lo cual es mucho para tratarse de una producción española. Juan es un joven casado que pronto va a ser padre. Es funcionario de prisiones y está a punto de entrar a trabajar en una cárcel. Para echar un vistazo al lugar hace una primera visita de reconocimiento un día antes del día fijado. Le acompañan algunos de sus futuros compañeros. Y mientras está dentro se produce un violento motín liderado por un psicópata llamado 'Malamadre'. Por mala suerte Juan queda atrapado en el interior de la celda 211 y pronto se da cuenta de que la cárcel ha quedado en manos de los presos. Para salvar la vida sólo le queda convertirse en uno de ellos y ganar tiempo para poder escapar. Celda 211 es seguramente la mejor película de Daniel Monzón, quien ha contado para el guión con su colaborador habitual, Jorge Guerricaechevarría. La historia, de corte fatalista, critica la escasa calidad de vida de los presos y pone el dedo en la lacra de la inmoralidad de los métodos empleados por las autoridades cuando deciden que el fin justifica los medios. Pero es en la puesta en escena carcelaria en donde el fin destaca dentro del panorama del cine español. Hay buen ojo y mucho sentido del ritmo y del encuadre. Ya desde las primeras imágenes, de un realismo impresionante, el espectador queda avisado de que va a ver un drama sólido, con altas dosis de violencia. Aunque en algunos casos los caracteres están sólo esbozados, hay que reconocer un trabajado esfuerzo por definir a los diferentes personajes (Tachuela, Apache, el funcionario de interior) y, sí que funciona, y muy bien, la singular relación que se establece entre Juan y 'Malamadre'. Por contra 'cantan' un poco los tópicos del poli psicópata (un Antonio Resines muy poco inspirado) o de la inoperancia de los funcionarios (hay momentos en que su tranquila actitud resulta totalmente inverosímil), así como se echa en falta más sutileza y menos aturullamiento en la fase final de la película. De todas formas la historia atrapa y funciona. El talento de Luis Tosar, aquí algo sobreactuado, es conocido, pero es una sorpresa mayúscula el joven Alberto Ammann, quien compone un personaje perfecto. Y Roque Baños vuelve a hacer que su música influya en el resultado positivamente.

Cine español con buenas intenciones, pero algo irregular, firmado por Rafa Russo. Dos cuarentones, Rubén y Adriana, arrastran un pasado de tres divorcios. Ambos se conocen en la barra de un bar, y se gustan, pero les costará dar a conocerse tal y como son. Lo mejor es trabajo de los actores, Gustavo Garzón y Ana Fernández.

Luis, un hombre de mediana edad, cena en Nochevieja con toda su familia. Poco después, su mujer desaparece sin dejar rastro, porque está harta de que no se la valore. Al mismo tiempo, Luis descubre que su madre y su hija, las otras mujeres de su vida, también le han abandonado por motivos desconocidos. Debut cinematográfico de Álvaro Begines, uno de los miembros del grupo humorístico-musical ‘No me pises que llevo chanclas’, esos que pusieron de moda la canción ‘Ay, que pena me da que se me ha muerto el canario’. Bejines copia al milímetro la fórmula de El otro lado de la cama, esto es, una trama ligera, tirando a ordinaria y chabacana, que sirve para enlazar números musicales, en que actores que no se dedican habitualmente a cantar interpretan famosas canciones de pop español. Si el film de Emilio Martínez-Lázaro tenía cierta frescura, a pesar de sus limitaciones, esta imitación de medio pelo hace aguas por todas partes. Las coreografías son pobres, y los actores cantando en playback dan vergüenza ajena. La trama se dispersa en multitud de personajes sin interés y algunas situaciones parecen sacadas de Torrente, el brazo tonto de la ley. Únicamente salva el tipo algún actor de categoría, como Lola Herrera y el omnipresente Antonio Dechent, en la decimocuarta película que ha rodado en el año 2006. Otros, francamente, hacen el ridículo, como Manuel Morón, ceceando y poniendo una voz extraña que no tiene ninguna gracia.

Venía precedido el estreno de este film de declaraciones polémicas de su director y guionista, el escritor Ray Loriga. Pero se ve que ofende no quien quiere, sino quien puede. Y a Loriga la vida y figura de santa Teresa de Jesús le viene grande, muy grande... Dice que ha leído todo lo que ha caído en sus manos sobre ella. Tal vez, pero... La película arranca con un prólogo que, se supone, intenta situarnos en la época. Lo que significa referencias a los desmanes de la inquisición e imágenes de orgías que vienen a cuento de no se sabe qué... De ahí pasamos a una Teresa de Cepeda y Ahumada coqueteando y algo más, con un apuesto caballero... Pero no, lo suyo no son los amores de este mundo, e ingresa en un convento carmelita. De ahí pasamos a un acercamiento más fiel a la historia, en que la candidata a monja se somete a un régimen de vida muy austero... Se nos sugieren sus experiencias místicas en clave sexual –hay algunos que parecen no poder ver la vida por otro prisma que el erótico, ya se sabe...–, y somos testigos de sus deseos de santidad y unión con Cristo, que le llevarán a su idea de reformar el Carmelo. El film tiene un despliegue de producción más que notable... Podría haberse hecho algo muy digno. Pero los complejos de Loriga le llevan a quedarse entre dos aguas, lo que seguramente no contentará a nadie. El cineasta es consciente de que el público objetivo de su film es el cristiano al que interesa la vida de la santa, motivo por el cual intenta no ser demasiado ofensivo en su aproximación al personaje... Por otro lado, no puede dejar de alimentar sus ínfulas de artista de vanguardia, que aborda la vida de una mujer que se sobrepuso a su época y bla, bla, bla... Y así, incluye secuencias oníricas trufadas de pedantería, con Teresa embuchada en un espléndido vestido rojo diseñado por la japonesa Eiko Ishioka, que no debía tener bastante con los hábitos de las monjas, y que hace parecer a la santa un trasunto de novia recién salida del Drácula de Coppola... El resultado de las componendas de Loriga es un film frío, que ha dejado escapar aspectos básicos del carácter de Teresa de Jesús, como su proverbial sentido del humor. Ella, encarnada por una esforzada Paz Vega, aparece como una mujer terca y decidida en sus propósitos, con deseos de amor de Dios. Pero se pierde el sentido de lo que hace, por ejemplo en su exigente uso de las disciplinas, o en sus ayunos... En el dibujo de personajes eclesiásticos hay de todo. Si Eusebio Poncela compone un Gaspar Daza más convincente de lo que cabía esperar, el dominico inquisidor de Manuel Morón es absolutamente risible, mientras que a la doña Guiomar de Leonor Watling se la dota de una extraña ambigüedad, que da que pensar, y el Pedro de Alcántara de José Luis Gómez es un santón al que falta humanidad. Ay, esos corros de personajillos, pensando en reformar la Iglesia, si les dejan... La película queda muy lejos de logros de la serie televisiva de Josefina Molina Teresa de Jesús, o del moderno, éste de verdad, acercamiento de Rafael Gordon, en forma de entrevista televisiva, en Teresa, Teresa.

Con su debut, Frío sol de invierno, el director donostiarra Pablo Malo se hizo con el Goya al mejor director novel en 2005. Ahora pasa del drama al terror. Él mismo se encarga del guión, que sigue los pasos de Marco, un profesor de instituto que pide una excedencia temporal, tras el suicidio de una alumna. Acaba en un remoto pueblo de los Pirineos, donde ha aparecido muerta otra niña, fugada del colegio donde estaba interna. Marco entabla relación con Julia, directora del internado, que intenta esclarecer si son ciertas las historias de Mónica, una alumna que asegura que habla con el espíritu de su compañera muerta. El film desarrolla a los personajes más que otras películas del género, centradas en secuencias truculentas. Además, cuenta con actores de primera, como la veterana del teatro María Jesús Valdés. El ritmo no decae, y las apariciones fantasmagóricas del relato resultan creíbles. Pero se trata de un film previsible y convencional, más cercano a producciones de Fantastic Factory como Darkness, que a Los otros, de Amenábar, de mucha más calidad.

Cuando su padre sufre un infarto cerebral, Jorge le sustituye como portero de un edificio, al tiempo que saca adelante sus estudios para ser economista. El hermano mayor, que está en la cárcel, le pedirá un extraño favor: el de dejar embarazada a una chica, también presa, de la que él se ha enamorado. Mientras tanto, el mejor amigo de Jorge sufre un trauma al descubrir que su padre mantiene relaciones sexuales con otro hombre. Primer largometraje del madrileño Daniel Sánchez Arévalo, que describe con eficacia una pluralidad de personajes. Aunque algunas subtramas son claramente fallidas, la emotiva historia de superación personal del protagonista es bastante destacable.

Ha nacido una estrella, una joven promesa para el cine español. Hasta ahora Jorge Sánchez-Cabezudo era conocido por su corto La gotera, nominado al Goya en 1997. Ahora lo será por este film, escrito y dirigido por él, de guión singularmente desestructurado, con ingredientes dramáticos y de thriller, y que funciona como un perfecto mecanismo de relojería. La historia está compuesta a base de piezas y saltos temporales, bien ejecutados e integrados. Está el viajante violador y padre de familia, de vida mediocre, que se diría pariente lejano del Willy Loman de Muerte de un viajante; el espeléologo que viaja con su esposa y un compañero para explorar una cueva recién descubierta, que podría animar un poco un pueblo en peligro de desaparición; los dos ancianos solitarios de campo, rivales ancestrales; y los dos guardias civiles, el agente y su jefe, unidos por lazos familiares: la hija del segundo está casada con el primero. Con estos personajes, una agresión sexual y un error fatal al que sigue una muerte, Sánchez-Cabezudo pergeña una trama apasionante, puzzle que permite ahondar en la psicología humana, sus grandezas y miserias. El joven cineasta no deja de señalar que los actos tienen consecuencias, y que existe el sentido de culpa, aunque lo hace con crudeza, de un modo desesperanzado y algo fatalista. Sorprende la madurez narrativa, la sabia combinación del suspense con consideraciones acerca de la agonía de la vida rural y sus intentos de supervivencia, o de la mediocridad en que fácilmente nos instalamos, y de la que a veces buscamos salir por atajos equivocados. El reparto es perfecto, pero puestos a destacar a alguien señalemos el trabajo de Celso Bugallo como veterano guardia civil.

Ernesto, un timador de poca monta que se inició pronto en el arte del timo. Un día, Pilar, una antigua novia, le ofrece un “mirlo blanco”. Así se conoce en el mundillo de los estafadores a un golpe que permite desplumar a un incauto con pocas luces, forrado de dinero.   Los thriller de timadores, como El golpe, o Nueve reinas, apenas se han tocado en el cine español, a excepción de Los tramposos, con Tony Leblanc. Miguel Bardem, autor de Noche de reyes, sale airoso de su incursión en el subgénero, con una factura técnica brillante y actores de primera componiendo una rica galería de perdedores y caraduras.

Avelino Lechuga, actor en paro que sobrevive actuando como payaso en fiestas de cumpleaños, intenta hacer famoso a Paquito, un niño sorprendentemente dotado para la cancion. Esperpéntico retrato de la España cañí, que recuerda al cine de los 60. Con guión del veterano Rafael Azcona, José Luis García Sánchez hace debutar en la pantalla al niño Raulito, cantante lanzado a la fama por Rosa León, mujer del cineasta. La cinta parodia el cine de niños prodigio, de Joselito, Marisol y otras pequeñas glorias, criticando la codicia que lleva a veces a explotar a pequeños artistas.

La trayectoria de Gerardo Herrero como productor tiene en su haber un buen puñado de títulos encomiables. Pero su labor como director, una decena de filmes, es otro cantar. Malena tiene nombre de tango, Territorio comanche y Desvío al paraíso son películas fallidas. Pero el tipo ha cogido oficio, qué duda cabe, y en la actualidad puede presentar sin sonrojo buenos filmes, como Las razones de mis amigos y El misterio Galíndez. Afortunadamente, El principio de Arquímedes va en esta línea. El guión del film pertenece a la escritora Belén Gopegui, de quien Herrero adaptó precisamente una novela en Las razones de mis amigos. Nuevamente, la cosa va de treintaañeros en crisis. El film presenta a dos matrimonios, amigos y vecinos. Sonia es una ejecutiva de una cadena de tiendas de moda, tan volcada en su trabajo, que apenas tiene tiempo para su hijo pequeño, y su marido. En cambio su vecina Rocío acumula cierta frustración: casada también, y con una hija, sólo ha tenido empleos eventuales, y las labores de ama de casa no le satisfacen. Cada una va a experimentar un desplazamiento, de dedicar más tiempo a los que más anhelan: el hogar y la profesión respectivamente. Pero en el camino dejan jirones de su alma, amistades truncadas, amores rotos. El film es una interesante reflexión, donde Herrero y Gopegui muestran sin complejos las insatisfacciones de la vida moderna, donde un egoísmo autocomplaciente es incapaz de dar la felicidad, ni siquiera un sucedáneo de la misma. Los cineastas señalan las dificultades afectivas y laborales de una selva urbana, donde las normas a veces están más cerca del mundo animal que del humano. Los cuatro actores principales están soberbios, con mención especial para Marta Belaustegui y Roberto Enríquez.

Patricio. Inmigrante africano en España. Como pago a un favor, recibe un estupendo traje. Casi parece mágico. Porque ponérselo y parecer otra persona, respetable, a la que tratan con educación allá donde va, resulta novedoso. Pero esto no impide que deba abandonar precipitadamente su piso tras un registro policial. Sin tener donde dormir, conoce en un albergue a Pan con Queso, pícaro con el que inicia una singular asociación. El guión lo firman Alberto Rodríguez y Santi Amodeo, directores de El factor Pilgrim, aunque sólo el primero dirige esta historia donde ambos protagonistas ganan de su mutua relación. El contraste entre la seriedad e ingenuidad de uno, y la picardía y simpatía del otro, recuerdan a El sudor de los ruiseñores de Juan Manuel Cotelo, mientras que la inventiva a la hora de ganar dinero retrotrae a Nueve reinas de Fabián Bielinsky y Luna de papel de Peter Bogdanovich. Valgan las referencias para subrayar el andamiaje clásico del film, donde lo importante son los personajes, y la reflexión acerca de las apariencias, que no raramente engañan, y de los inevitables dilemas morales que la vida lleva consigo.

El calor agobiante del verano de Madrid es el nexo de unión de una serie de historias con variopintos personajes: una periodista de televisión, un ama de casa escayolada, un joven obrero y un director de cine de capa caída. Sus vidas se irán relacionando durante el mes de agosto. Tragicomedia de enredo con un reparto coral, donde sobresalen Nathalie Seseña, Elvira Mínguez, y el director, actor y productor Antón Reixa.

Si a Gary Cooper nadie le acompañaba para hacer frente a los forajidos en Solo ante el peligro, el mismo problema sufre Ramírez. Y eso que lo que le pide a sus compañeros de trabajo es tan simple como razonable: que le apoyen con una firma para que la empresa habilite una habitación para fumadores. Por el momento, a los riesgos del tabaco, los trabajadores de su oficina tienen que añadirle el del frío al salir a la calle en pleno invierno. Paradójicamente, todos están de acuerdo en la petición, pero nadie se atreve a hacer algo que hipotéticamente podría contrariar a unos superiores, que no conocen, de una multinacional que ha adquirido la compañía. Premiados con el Goya a la mejor dirección debutante, los creativos publicitarios Julio Wallowits y Roger Gual han filmado una de las cintas más originales del cine patrio en los últimos años. Rodada con un estilo cercano al documental, los cineastas formaron para financiarla una cooperativa entre los actores. Todos ellos, por cierto, están sobresalientes en sus interpretaciones naturalistas y cotidianas, especialmente Eduard Fernández y Antonio Dechent. Aunque parezca lo contrario, no es una cinta sobre los peligros del humo, sino que habla de las relaciones humanas, de la crispación y las manías que a todos nos afectan, y que nos empujan, desgraciadamente, a la deshumanización.

En Valencia, un inmigrante guineano es brutalmente apaleado por un grupo de radicales. El inspector que lleva el caso, Eduardo, descubrirá que están implicados los tres jóvenes sobrinos de una madura enfermera a la que acaba de conocer, y de la que se ha enamorado. El Goya al mejor guión adaptado de este año fue a parar a esta versión cinematográfica de una obra de José Luis Alonso de Santos sobre los violentos “cabezas rapadas”. Para su opera prima, el madrileño Carlos Molinero emparejó a Imanol Arias y Marisa Paredes. Además, la presidenta de la Academia de Cine trabaja por primera vez con su hija, María Isasi.

Cuando es una niña, Luna sufre el asesinato de su padre por una deuda de juego. Poco a poco se va haciendo mayor y comprueba que ha heredado el don de su padre y se ha convertido en una extraordinaria jugadora de póker. Pero el juego es algo peligroso y no tardará en endeudarse. El destino de su padre sobrevuela sobre ella, que se debate además entre seguir con esa vida o irse lejos con el hombre del que se ha enamorado. Entretenido film sobre el mundo del juego y las timbas clandestinas. Se desarrolla de todas formas de manera bastante plana, sin momentos de tensión o espectacularidad, y el desenlace es muy decepcionante. Todo lo sostiene el apañado reparto, especialmente el magnetismo de la protagonista, una estupenda Ana Torrent (Tesis).

Película que ha acaparado los más importantes premios en España, nada menos que cuatro Goyas, entre ellos Mejor Película. Sin duda, en su primer largo como director, Achero Mañas se ha convertido en uno de los creadores españoles con mayor proyección. El Bola sigue en cierto modo la de Benito Zambrano con Solas: temática social, puesta en escena realista, actores desconocidos, y... esperanza, mucha esperanza. En este caso, Achero ha tocado uno de los temas más candentes y preocupantes de la sociedad: los malos tratos. Pablo es un chaval de doce años al que todos llaman “El bola”. Es despierto e inteligente, pero tiene problemas en su casa y eso le hace sentirse desplazado en su relación con los chicos de su edad. Hasta que un día conoce a Alfredo, un nuevo chaval de clase, y entabla con él una amistad profunda que le hará conocer otras realidades familiares. Ello le dará fuerza para afrontar su propia situación. La película aborda con contenida crudeza el mundo de la soledad infantil. El espectador presencia atónito a los estragos que produce un padre violento en el equilibrio emocional y personal de un niño. Juan José Ballesta, que da vida al protagonista, sorprende con una variedad de registros insólita para un chaval de su edad; su premio de la Academia española como Mejor Actor revelación está más que justificado. Un guión preciso y un reparto magníficamente dirigido completan una película sincera y atrevida que supone un golpe moral a la conciencia y sensibilidad de las personas.

Adaptación de "El vocabulario de los balcones", un cuento de Almudena Grandes. Juan Vicente Córdoba logra darle un adecuado tono intimista, con cierta delicadeza, atrapando la desorientación afectiva de los personajes. Se trata de una historia de amor en dos tiempos, entre Lucía, una chica bien, y Juan, de extracción social humilde. En los años 70 aquello es un juego de complicidades propiciado por los balcones enfrentados desde los que mutuamente se encuentran. Como acaban yendo cada uno por su cuenta, un encuentro casual veinticinco años después podría propiciar la renaudación de esa relación, sobre todo porque ambos comparte cierta soledad, y las diferencias de clase ya no son tales.

En la vida suceden cosas horribles, nos dice Plenilunio. Jovenzuelos de aspecto imberbe se transforman en psicópatas violadores de niñas. Padres sin mala voluntad pero en Babia, ahogan la personalidad de sus hijos. Parejas de amigos se ponen los cuernos entrecruzándose. Gente sin nombre ni apellidos te puede poner una bomba en los bajos de tu coche por ser policía. Los nervios destrozan la salud mental de una esposa. Y cuando aparece en el horizonte un atisbo de salida, no es fácil tomarla. Sí, la vida es compleja: plantea muchas preguntas, y da pocas respuestas. Imanol Uribe ofrece una visión cansada de la existencia, de gente que ha pasado por mucho y tan sólo ha encontrado islotes de felicidad dispersos y poco duraderos. La base literaria del film la proporciona Antonio Muñoz Molina y el guión lo firma Elvira Lindo. A la arquitectura narrativa poco hay que reprocharle. Quizá alguna frase solemne... La interpretación de Miguel Ángel Solá y Adriana Ozores es buena. Y Juan Diego Botto, que evita la exageración, hace una composición perfecta del psicópata: quemado en su trabajo y con su familia, musitador perpetuo de su fracaso personal, con carencias afectivas y complejos sexuales notorios...

Manuela es una madre soltera, que lo que más quiere en este mundo es a su hijo Esteban. Cuando muere atropellado, todo se le viene abajo. Le quedan los remordimientos por no haberle revelado el nombre de su padre, y unos sentimientos contradictorios hacia la célebre actriz Huma Rojo, responsable involuntaria de la muerte de Esteban. Cuando Manuela se acerca a Huma, consigue un trabajo como relaciones públicas y, más tarde, uno de sus sueños: actuar en una obra de teatro. ¡Atención! A preparar todas y todos los kleenex. Pues esta película de Pedro Almodóvar rebosa sentimientos por todos sus poros, y hace falta ser de piedra para no quedar "tocado". Con referencias al mundo del teatro (con citas de Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams y del film Eva al desnudo de Joseph L. Mankiewicz), y situaciones y relaciones complicadas entre mujeres, Almodóvar monta un culebrón que no parece tal, una película en la línea de las de su admirado Douglas Sirk. El director manchego apuesta por el melodrama y por hacer creíble el manojo de sentimientos que presenta; y ahí está su principal mérito. Para ello rebaja la presencia de personajes extrafalarios, y concentra el humor que su parroquia le exige en el personaje de Antonia San Juan. El reparto femenino es de quitarse el sombrero; a destacar las maravillosas, Cecilia Roth y Marisa Paredes.

Un viejo garaje. Unos pobres diablos malviven con un bareto de medio pelo y con un negocio de furgonetas de mundazas. Juntos planean el robo de un dinero de un viejo conocido, que se ha enriquecido de forma harto dudosa. El caso es que algo sale mal. El dinero se pierde, y empieza a no estar nada claro quién lo tiene en su poder. En los alrededores se encuentra el Circo de Los Lobos de Washington, a modo de metáfora de las ilusiones y desengaños que la vida conlleva. Mariano Barroso, que firmó ese estupendo film llamado Éxtasis, dirige este thriller de tintes dramáticos y final inesperado. Cuenta con un reparto mayoritariamente masculino, en el que destacan dos presencias casi imprescindibles ya en el cine español: Javier Bardem y Ernesto Alterio.

El futuro. España es una república federal. Lola Otero, la mujer más fea del mundo, fue criada por una monja ciega. Conocedora de lo que es el desprecio, la humillación y los fracasos amorosos, se somete a una complicada operación para convertirse en una hermosísima chica. El film, curiosa mezcolanza de esperpento, romanticismo y gore, sacude sin piedad al mundo de las top model y las pasarelas. Los efectos especiales y ambientación están cuidadísimos, aunque la pretendida reflexión de Miguel Bardem sobre la belleza interior se queda un pelín en la superficie. La peli supone el descubrimiento de una nueva actriz, Elia Galera.

Un total de nueve temporadas, repartidas entre 1998 y 2002, se mantuvo esta serie en la televisión española. Fue una referencia en la pequeña pantalla, aunque sus comienzos fueron algo titubeantes. La trama, dirigida al público juvenil y familiar, se enmarca en el estilo de Al salir de clase, aunque era mucho menos frívola que ésta, y recogía las vicisitudes de varios compañeros en un instituto. La pandilla ofrecía momentos de gran diversión y también algunas lágrimas. Por la serie fueron apareciendo algunas caras que más tarde serían muy conocidas en el cine español, como Paz Vega, Juan José Ballesta o Alberto Jiménez.