Matt Bomer

Revisitación de la historia de siete expertos con las armas, que deben defender a una pequeña y pacífica comunidad de campesinos, amenazados por unos matones que quieren hacerse con sus tierras. Originalmente fue contada por Akira Kurosawa en Los siete samuráis, y luego trasladada al lejano oeste por John Sturges en Los siete magníficos, el mismo escenario donde transcurre esta nueva versión dirigida por Antoine Fuqua. Más allá del viejo y absurdo debate de si resulta “innecesaria” esta película –cualquier historia puede ser contada de nuevo, y hasta está bien hacerlo si contiene material valioso, también pensando en las nuevas generaciones: luego los espectadores decidirán si desean verla o no–, podemos decir que se trata de una película correcta, rodada con una espectacularidad a ratos algo exagerada, que entretiene pero que no resulta memorable. Lo más destacable y que sabe poner en valor, como los anteriores filmes, es la idea de fondo de la dignidad, hay que saber mantener la cabeza alta y dar la cara ante la injusticia, aunque resulte  incómodo y surja la tentación de escurrir el bulto. Y entre los elementos novedosos, pero que no enriquecen en gran cosa la narración, está la idea de dar al grupo unos rasgos multiculturales –un afroamericano, un indio, un oriental...–, más el hecho de que se realza el papel de la mujer, al fijarse en la viuda que contrata a los pistoleros. Teniendo la película como coguionista a Nic Pizzolatto, que ha logrado llamar la atención con la serie True Detective, cabía esperar una mirada más filosófica y deprimente a la naturaleza humana, pero prevalece cierto optimismo, y también la fe sencilla que lleva a reunirse y rezar en la iglesia, y a la confianza de que pase lo que pase, y a pesar de sus personales demonios, los lugareños del pueblo y sus defensores se mueven por una causa justa. Los actores están bien, sobre todo Denzel Washington, que imprime la necesaria decencia a su personaje.

En los finales de los 70, suman fuerzas como inusual pareja investigadora en Los Ángeles, un detective sin placa y otro con placa, el segundo con una hija adolescente. El aparente suicidio de una actriz de cine porno, que habría estrellado su propio coche contra una casa, es el primer eslabón de una serie de muertes relacionadas con la película que ella estaba rodando. Shane Black empezó como guionista de películas policíacas un tanto inusuales, a pesar de plegarse a algunas convenciones del género, como en Arma letal, donde teníamos a un par de agentes de personalidad contrapuesta. Tramas como las de El último boy scout o El último gran héroe trataban de ser comerciales siendo al tiempo algo diferentes. Lo mismo le ocurrió cuando debutó como director en Kiss Kiss Bang Bang, y ahora con Dos buenos tipos. Pues estamos ante una hilarante comedia de acción, muy bruta y alocada, que desafía los encasillamientos, las apariencias engañan en una narración que destila ironía. Aunque vayan avanzando en su investigación, Healy y March se muestan bastante torpes, y las cosas les van saliendo bien porque ellos son los buenos y así lo exige coherentemente el guión. Abundan los gags y los diálogos trabajados, huyendo de lo políticamente correcto, ahí tenemos a una adolescente de sonrisa encantadora, inmersa en una sórdida trama, o a los protagonistas fumando, bebiendo y matando, no es que sean precisamente unos personajes modélicos. Black recrea un ambiente setentero hortera, que en el cine se caracterizó muchas veces por una violencia seca y una ambientación cutre, con muchas escenas de desnudos gratuitos. Ello con un tono festivo e iconoclasta, tal vez podríamos hablar de la versión “elegante”, por así decir, y salvando todas las distancias que uno quiera, del mismísimo Torrente. Y en tal tesitura parecen pasárselo en grande Ryan Gosling y Russell Crowe. 

Al prolífico Steven Soderberg le dio por filmar números de strippers masculinos en Magic Mike, con un mínimo guión, pero donde le arropaban Matthew McConaughey y Channing Tatum. Por el morbo, la propuesta triunfó en las taquillas, al parecer sobre todo entre el público femenino, por lo que tres años más tarde el realizador ejerce como productor ejecutivo, director de fotografía (como Peter Andrews) y montador (como Mary Ann Bernard) de la secuela, para la que sin embargo cede el testigo de la realización a su asistente habitual Gregory Jacobs. Aquí el libreto, de nuevo de Reid Carolin, es más simplón que el original, si eso es posible. La figura del destape Magic Mike (Tatum) se había retirado de sus numeritos, pero su novia le ha dejado y no ha podido ganarse la vida con otra ocupación, así que se reúne con su equipo habitual, los Reyes de Tampa, para acudir a Myrtle Beach a una convención de su particular gremio que tiene lugar durante el patriótico fin de semana del 4 de julio. Paran de vez en cuando a poner a cien a diferentes mujeres que encuentran por el camino. Tan frívola e intrascendente como subproductos de tías buenorras ligeras de ropa con poca sustancia al estilo de El Bar Coyote, pero en versión masculina, en Magic Mike XXL queda bastante claro que Tatum y sus compañeros de reparto bailan muy bien, pues la peli se queda en una interminable y agotadora sucesión de bailes sensuales que enloquecen a mujeres gritonas que no paran de tirarles dinero. Aquí las feministas deberían protestar, pues la visión de las mujeres que se ofrece no pasa de ser la de unas locas histéricas. Pero tampoco son muy sólidos los personajes masculinos, unos hombres objeto, así que Magic Mike XXL sólo logra cierta tridimensionalidad con un mínimo pasaje donde uno de los maromos explica que echa de menos una vida “convencional”, con esposa e hijos. No existe ningún tipo de posicionamiento crítico de los autores del film hacia la vida vacía de sus personajes, si bien por su cuenta algún espectador se preguntará adónde nos va a llevar la obsesión por una estética determinada y el erotismo. Soderberg le ha pedido que interprete un papel a la protagonista de Sexo, mentiras y cintas de vídeo, su primer largo, Andie McDowell, ya madura, que sin embargo decepciona porque le toca lidiar con un personaje cliché, en línea con el resto del film.

Nueva York, principios del siglo XX. Peter Lake es un ladrón perseguido por un siniestro personaje llamado Pearly Soames, que no es otra cosa que un demonio que pretende vengarse de quien antaño fue uno de sus “socios”. Antes de marcharse de la ciudad, Peter entrará a robar en una suntuosa mansión y allí se enamorará de la bella Beverly Penn. Pero el destino de ese amor es trágico porque ella tiene tuberculosis y le queda poco tiempo de vida... Tras una exitosa carrera como guionista, en donde ha formado tándem con un peso pesado como Ron Howard, en películas de la talla de Una mente maravillosa o Cinderella Man, el neoyorquino Akiva Goldsman debuta en el largometraje con Cuento de invierno (Winter's Tale), después de haber hecho ya sus pinitos detrás de las cámaras en la serie Fringe. Para su puesta de largo en la gran pantalla ha elegido una historia difícil de manejar, que se adentra por vericuetos fantásticos y a la vez pretende mantener la verosimilitud de la trama, con acendrados acentos dramáticos, en torno a la lucha entre el bien y el mal, la perpetuidad del amor y la fuerza del destino. Basada en una novela de Mark Helprin, el mayor problema de Cuento de invierno (Winter's Tale) es la dificultad de digerir la enorme amalgama de elementos fantásticos en un escenario realista, el Nueva York actual y el de un siglo atrás. Quizá provengan del material previo, o quizá Goldsman haya incluido ideas propias, sea como fuere aquí la trama es especialmente confusa por exceso de ingredientes en el cóctel, que incluye desde tradiciones puramente religiosas, hasta concepciones mitológicas y mágicas, pasando por el ideal romántico de la fuerza inmortal del amor. Religión, magia, mitología, con una severa dosis de imaginería milagrosa a lo New Age es el ecléctico resultado. A veces estos elementos se muestran con sutileza, como ese estado de percepción en que la luz y sus reflejos ayudan a ver el mundo desde una nueva perspectiva, pero en otras ocasiones las cosas no funcionan tan fácilmente: verdaderamente es complicado aceptar la existencia de un caballo blanco con alas que aparece mágicamente sin explicación alguna. Y que se trate de un cuento no es suficiente. Dicho esto, está claro que lo que mejor funciona es la pura historia de amor de toda la vida, punto detonante del film. Por lo demás, lo más destacado de Cuento de invierno (Winter's Tale) es la lograda ambientación de la historia, sobre todo la de la época de principios del siglo XX, con un cuidadoso diseño de producción, así como el tono fotográfico de la película, que saca mucho partido a los colores grises del invierno. Y al margen de sus personajes, los actores están todos bien, con mención especial para un eficiente Colin Farrell (en su pose de sufridor) y la guapa jovencita Jessica Brown Findlay (Downton Abbey). Sin embargo es una pena constatar lo relegados que quedan en la trama actores de la talla de William Hurt o Jennifer Connelly.

Adaptación de la obra teatral underground de Larry Kramer sobre los inicios del sida entre los homosexuales, contemporánea a los primeros tiempos de la enfermedad, cuando se ignoraba casi todo sobre ella. Se centra en la campaña de Ned Weeks, homosexual, que impulsa una asociación para tratar de sensibilizar al mismo tiempo a la opinión pública general y a sus compañeros gays, que no acaban de salir del armario ni de comprometerse en serio en la lucha contra “el cáncer gay”. El propio Ned era bastante indiferente hasta que le abrió los ojos la doctora Emma Brookner, que desde la silla de ruedas a la que le tiene clavada la polio trata de entender las causas de la enfermedad. 20 años después de ser escrita, y cuando el poder de influencia del lobby gay ha alcanzado cotas nunca vistas, Ryan Murphy -gay declarado y celebérrimo gracias a la serie televisiva Glee- ofrece la versión fílmica de la la obra de Kramer gracias al apoyo en la producción de la HBO y de Brad Pitt a través de su compañía Plan B. Contada desde dentro de la comunidad gay, se convierte en una especie de documento didáctico autocomplaciente de “memoria histórica”, para explicar las muchas dificultades a que se han enfrentado históricamente los homosexuales, no sólo por el sida, sino por el rechazo social, crisis de identidad, problemas afectivos, promiscuidad, etc, etc. Más allá de la aceptación o rechazo de sus postulados, el film resulta muy desequilibrado y narcisista, aunque esté movido por la loable intención de que entendamos el dolor que causó el sida entre los gays. Lo lastran los discursos teatrales algo exagerados y grandilocuentes, casi histéricos; las comparaciones con la persecución judía de los nazis; los diálogos descriptivos; los datos continuos de muertes de personas que para el espectador son anónimas y no conmueven; y el rechazo que produce la vehemencia del protagonista, Mark Ruffalo, alter ego de Larry Kramer un tanto pasado de rosca, también en su amor por un periodista del New York Times. No faltan imágenes algo cansinas de un hedonismo homoerótico; pasajes algo almibarados, como el baile de Ned con la doctora, una Julia Roberts esforzada, pero sin magia; un lacrimógeno discurso fúnebre; o el caso del enfermo en el avión, tal y como se cuenta absolutamente grotesco.

Adam se hace amigo de Mike porque ambos trabajan en la construcción. Viviendo la noche en una discoteca, Mike introduce a Adam en el mundo de los strippers masculinos, un dinero fácil por exhibirse delante de mujeres que satisfacen así sus instintos básicos. Y en efecto en su primera "actuación" el jefe, Dallas, constada que Adam, apodado como "El Niño", tiene madera. Brooke, la hermana de Adam, se preocupa de la nueva "profesión" de su hermano, pero Mike –cuyo apodo es "Magic"– promete cuidar de él. Y es que se supone que Mike tiene los pies en el suelo, en realidad está ahorrando para montar su propia empresa de muebles por encargo. Steven Soderbergh es un cineasta que igual sirve para un roto que para un descosido, tal variedad de géneros y temas ha abordado en su larga carrera. De modo que toma el guión que Reid Carolin ha escrito para Magic Mike y lo convierte en película que a pesar de su vulgaridad y lo previsible de su desarrollo, se beneficia de su pericia tras la cámara, sobradamente demostrada. Y así nos cuenta en Magic Mike una historia con su pequeña moraleja –no puede uno pretender entrar en el mundo de los strippers, con el consiguiente vértigo hedonista de mujeres hermosas, sustancias estimulantes, dinero y demás, y pretender que aquello no te afecta, que puedes racionalizar aquello y planificarlo para una breve temporada. Pero en el fondo todo es muy insustancial y repetitivo, un ejercicio de estilo donde Soderbergh prueba su genio fílmico, hasta para lo más tonto. Tanto numerito cansa, incluida esa especie de obligación de mostrar que todos los actores, incluido Matthew McConaughey, que se reserva para el final, pueden contonearse en el escenario hasta provocar el histérico delirio colectivo de las chicas del público.

Un futuro indeterminado. Los avances en ingeniería genética han detenido el envejecimiento del ser humano, a partir de los 25 años las personas no cambian su juvenil aspecto. Sólo hay un pequeño inconveniente: cuando se alcanza esa edad, uno dispone de un año más de vida, y para lograr el sueño de vivir eternamente en este mundo hay que hacer acopio de tiempo, el bien más preciado, que ha sustituido al dinero en el mercado, cualquier transacción implica el pago con tiempo. De modo que hay millonarios de tiempo, que llevan viviendo desde quién sabe cuándo, y parias que conducen sus tristes existencias en los ghettos viviendo al día, a veces apurando su tiempo hasta el límite, en que consiguen in extremis ganar unas pocas horas de vida adicional. Uno de éstos últimos es Will Salas, destinado a poner patas arriba un mundo profundamente injusto. Como creador de originales fábulas de corte fantástico y ciencia ficción, más pegadas al mundo de lo real de lo que podría pensarse a simple vista, Andrew Niccol no tiene quizá parangón en el cine actual. A él se deben las tramas de títulos como Gattaca, El show de Truman y S1m0ne. En In Time también es muy sugerente su propuesta de una sociedad distópica, en que a las tradicionales desigualdades sociales basadas en la acumulación de bienes y el acceso a la cultura, se suma el hecho de que los ricos pueden vivir para siempre, o casi, mientras que los pobres tienen los días más contados que nunca. Esta posibilidad de alcanzar la eternidad en este mundo es cuestionada a través del personaje de Sylvia, hija de un millonario: aunque se le prometa una vida sin fin, ella es consciente de que hay vidas que no son vida, encerrarse en el propio cascarón del egoísmo sin interactuar con los demás, arriesgarse, comprometerse, no merece la pena. Niccol, guionista, productor y director, logra un film entretenido, con abundantes dosis de acción, con un esquema de persecución donde el tozudo guardián del tiempo Leon, interpretado por Cillyan Murphy, compone un personaje policíaco en la línea del de Tommy Lee Jones en El fugitivo. Pese a todo, y más tratándose de un film de Niccol, la sensación que puede experimentar el espectador es la de que le han colocado la miel en los labios, pero no le han dejado saborearla. Da la impresión de que la trama daba para más, y que al final se tira por el camino fácil del espectáculo un poco hueco, con Justin Timberlake y Amanda Seyfried en plan “Bonnie & Clyde” a lo Robin Hood. Para entendernos, a este film, pese a la brillantez e ingenio de algunos pasajes, le pasa un poco lo que a La isla, que plantea interrogantes éticos, pero enseguida los deja de lado para emprender fórmulas más rutinarias. Parafraseando al film, podríamos decir que a la postre Niccol no arriesga el todo por el todo.

Neal es un ladrón especialista en realizar grandes estafas y hurtos de gran calibre efectuados en museos o bancos, pero cuando es capturado por el agente especial del FBI Peter Burke, no le queda más remedio que prestar sus servicios a los Estados Unidos para ayudar a atrapar a delincuentes, a cambio de su libertad condicional. Entretenida serie de 6 temporadas cargada de misterio y tensión en un ambiente policiaco, con un punto de comedia. Neal (Matt Bomer) y Peter (Tim DeKay) pasan a formar una poderosa relación de amistad basada principalmente en la confianza.

1969. Eric, un veterano del Vietnam, pide que le reenvíen al conflicto para acompañar a su hermano Dean, a punto de ir al frente. En realidad éste pretende huir a México con Bailey, su novia. Pero antes de decir la verdad a Eric, ambos hermanos y sus chicas emprenden un viaje por carretera por Texas durante un fin de semana. En la carretera, los chicos sufren un accidente por culpa de unos moteros. Un policía acude supuestamente a ayudarles. Ignoran que en realidad se trata de un miembro de una familia de asesinos. Precuela de La matanza de Texas, rodada en 1974 por Tobe Hooper, que a pesar del bajo presupuesto aterrorizó al público mostrando el lado más cruel del ser humano. El film fue objeto de varias entregas y un remake de Marcus Nispel, con el mismo argumento, pero filmado de modo más brutal y realista. El desconocido Jonathan Liebesman reconstruye los primeros crímenes del famoso Leatherface y su familia de psicópatas. Desgraciadamente, el guión repite por enésima vez el esquema del original. Pero el director cuenta con más medios que Hooper en su momento, lo que le permite una violencia hiperrealista difícilmente soportable.