Tom McCarthy

Las aventuras detectivescas de Timmy DeSastre, un chaval de desbordante imaginación, a punto de terminar la enseñanza primaria, aunque con problemas en la escuela. Vive con su madre en Portland, y está convencido de que a su alrededor hay crímenes, corrupción y conspiraciones rusas que debe resolver, porque nadie a su alrededor parece darse cuenta. Y para conseguirlo contará con la ayuda de un curioso compañero que le acompaña a todas partes, nada menos que Total, un oso polar. Película familiar de Disney+, que adapta una bizarra novela juvenil de Stephan Pastis, coautor también del guion junto al director Tom McCarthy. Este ha descollado sobre todo con sus películas Vías cruzadas, The Visitor y Spotlight, aunque también ha probado las cintas familiares, con la irregular Con la magia en los zapatos, más afortunada ha sido su contribución a los libretos de las disneyanas Up y Christopher Robin. DeSastre & Total. Agencia de detectives nº 1 tiene un pase, con una trama un tanto surrealista, deudora de títulos de Wes Anderson –sobre todo de Moonrise Kingdom y Gran Hotel Budapest–. aunque más para todos los públicos, en que el espectador no estará seguro nunca si lo que ve responde a la imaginación del pequeño protagonista o no, a su forma de observar el mundo, donde intenta no instalarse en la mediocridad –normalidad lo llaman los conformistas– a la que trata de empujarle su entorno. Pese a algunas ideas interesantes, como la de invitar a la responsabilidad personal, domina el desconcierto de una narración descompensada. No se nos dan explicaciones de la ausencia del padre en la vida de Timmy, solo vemos a una madre preocupada, y a su simpático novio policía local. Y resulta difícil empatizar con el pequeño protagonista, que se supone que debe arrancarnos la sonrisa con sus consideraciones, con voz en off, o con lenguaje detectivesco, “afirmativo”, “negativo”, “se cometieron errores”, aunque Winslow Fegley no exhibe una mueca risueña –resulta difícil calificarla de sonrisa– hasta el minuto 80 de metraje. En fin, los admiradores de La princesa prometida tendrán la alegría de reconocer a Wallace Shawn, Vizzini en ese film, y aquí interpretando al profesor Crokus. Llama la atención lo bien integradas que están las imágenes del oso polar, lleva a aceptar como lo más normal del mundo su presencia en el film.

Biografía del controvertido Roger Ailes, estratega de Nixon y Reagan, y presidente de Fox News, que poco antes de su muerte fue demandado judicialmente por Gretchen Carlson, una de las presentadoras estrella de la cadena, por acoso sexual. Comienza mostrando su fallecimiento, en 2017, por hematoma subdural, para después viajar al momento en el que el magnate Rupert Murdoch le recluta para lanzar una cadena informativa por cable. Tom McCarthy, que ya retrató los medios de comunicación en Spotlight, ha concebido junto al guionista y productor Alex Metcalf, artífice de Heridas abiertas, una miniserie para Showtime que adapta el libro del periodista Gabriel Sherman. Este profesional siguió tan de cerca al personaje que aparece, encarnado por Frank Kranz. Los guiones parecen haberse inspirado en el excelente trabajo del gurú Aaron Sorkin para Steve Jobs, donde no se recogía todo el periplo del fundador de Apple, sino tres momentos significativos. De forma similar, cada uno de los siete capítulos reconstruye uno de los años más importantes para el protagonista, comenzando en 1995, en los albores de Fox News. Se nota el posicionamiento ideológico de sus creadores, tendentes a la izquierda, pues se ofrece la sensación de que sólo las compañías conservadoras manipulan sus informativos, pretenden influir en las elecciones, etc. Y se demoniza a Ailes pero se deja fuera de las críticas a la familia Murdoch. Pese a todo, esta producción se distingue por una puesta en escena impecable, se reconstruyen con esmero los hechos, y se genera la suficiente intriga como para que acaben pegados a la pantalla incluso los menos interesados por los entresijos de las cadenas estadounidenses. Se hace hincapié en su faceta de depredador sexual, en ese sentido brillan secuencias como la entrevista a una aspirante a presentadora. Pero también se abordan otros asuntos, como sus decisiones para explotar el morbo durante los atentados del 11-S, o su animadversión hacia Barack Obama. Pese a que se le pinta como un tipo despiadado, egoísta y misógino, al menos se concede a Roger Ailes una enorme astucia para los negocios, decidió dirigir con gran acierto su cadena al público conservador que sentía que los demás medios estaban muy sesgados a favor del Partido Demócrata, y no informarles sino "hacerles sentir informados" (llega a asegurar en un episodio que crea las noticias). Muy caracterizado, Russell Crowe realiza un gran trabajo, se diría que el mejor desde los tiempos de American Gangster o Cinderella Man, componiendo a un titiritero que utiliza a los demás a su antojo, pero al que le sobra carisma. En el extenso e impagable reparto destaca Naomi Watts como la citada Carlson.

Hace tiempo que Christopher Robin abandonó al oso Winnie the Pooh y al resto de amiguetes del Bosque de los Cien Acres, para estudiar en un internado. Concluida la Segunda Guerra Mundial, se ha convertido en un adulto gris, que ejerce como contable de Winslow, compañía de maletas en Londres. Durante un fin de semana debe elaborar un plan urgente para recortar gastos, lo que implica renunciar a salir de la gran ciudad, con Evelyn, su esposa, y Madeline, su hija. Una vez solo, un frasco de miel que se le cae provoca por arte de magia la visita del pequeño plantígrado de su infancia. En una filmografía de lo más variopinto, donde sobresalen la adaptación literaria Cometas en el cielo, el drama que le dio a conocer, Monster’s Ball, el film de zombies Guerra Mundial Z y el Bond Quantum of Solace, Marc Forster había integrado dos ejercicios metaliterarios de enorme interés sobre el valor de la imaginación, Más extraño que la ficción y Descubriendo Nunca Jamás. Ahora, completa una especie de trilogía añadiendo esta continuación de las peripecias de Winnie the Pooh, y el resto de personajes infantiles creados por A.A. Milne. Ha llegado al público meses después de Adiós, Christopher Robin, biopic de este escritor, centrado en la relación con su hijo, que inspiró al niño de sus libros. A diferencia del resto de revisiones de personajes clásicos de Walt Disney reconvertidos en personajes de imagen real, Christopher Robin no parece tener como ‘target’ al público familiar, como Maléfica, o La Bella y la Bestia. Entretendrá más o menos a los niños, pero se dirige más al público adulto, por su tono nostálgico, algo amargo en el arranque. También por el tema central del inteligente guión, coescrito por Tom McCarthy (Spotlight), que expone con frescura la necesidad de recuperar en la mediana edad lo que verdaderamente importa, sin dejar en segundo plano a la familia. Sin duda que Ewan McGregor ha sido una buena elección para el rol protagonista, pues no defrauda; tienen menos presencia pero no desentonan Hayley Atwell (la esposa) y Bronte Carmichael (la joven hija), aunque quienes cautivan por completo son los simpáticos Winnie, Tigger, Piglet y el resto de animales digitales, integrados mediante asombrosos efectos visuales, que pueden tomarse como metáfora de la inocencia perdida al dejar atrás la infancia. Su mezcla de elementos de Hook, Mary Poppins y el cine de Frank Capra va ganando en intensidad hasta desembocar en un emotivo desenlace.

Concienzuda reconstrucción de la investigación periodística llevada a cabo por el equipo Spotlight del Boston Globe y premiada con el Pulitzer, acerca de los casos de pederastia perpetrados por sacerdotes de la diócesis de Boston, y manejados torpemente por la jerarquía, que quiso evitar el escándalo promoviendo acuerdos extrajudiciales y conformándose con cambiar de destino pastoral a los implicados. El film maneja material muy sensible, tanto para las víctimas y sus allegados, como para los fieles católicos. Y su mérito es hacer honor al título, poner el foco de luz en un punto, la profesionalidad con que se llevó a cabo la investigación, siendo rigurosos en la exposición de los hechos sin pretender convertir en superhéroes a los protagonistas, ni arrastrar por el lodo a los culpables, lo sucedido resulta suficientemente elocuente. No hay espacio para recrearse en los detalles sórdidos de los abusos –se dan las pinceladas justas–, ni para los trazos toscos de los encubridores, una tentación en la que habría resultado muy fácil caer. Ni siquiera se cae en el manido recurso de incluir pasajes de ceremonias religiosas que subrayen la posible doble moral. En tal sentido Spotlight se encuadra en la tradición de títulos modélicos en el subgénero del drama periodístico como Todos los hombres del presidente. Presenta un guión sólido, obra del propio director, Tom McCarthy, y de Josh Singer, que abordó el tema del WikiLeaks en El quinto poder. McCarthy no fuerza las cosas. El trabajo de los periodistas consiste en entrevistar a personas, llegar a fuentes que confirmen los hechos, manejar la documentación, cotejar datos. Un montaje dinámico, e incluso las carreras de Mike Rezendes para llegar al juzgado, no son óbice para que la narración sea en general tranquila y clarificadora, se evita una trama embarullada y difícil de seguir. Y se señala el background de estos chicos de la prensa, la condición judía de Martin Baron, recién incorporado editor del Globe, que impulsa la investigación, o la de católicos no practicantes de los componentes del equipo Spotlight. Sin ocultar sus errores, incluida la posible culpa en no haber abierto antes los ojos a los crímenes de los que eran víctimas los más débiles, los niños. Somos testigos del desequilibro psíquico, mayor o menor, de éstas ya adultos, e incluso de uno de sus depredadores. O las actitudes bienintencionadas pero erradas de no armar escándalo de los que sabían y callaban. Una cuestión importante que aborda el film es la quiebra de confianza que sufre la Iglesia por el modo en que maneja el caso. En tal sentido está lleno de fuerza un pasaje protagonizado por Mark Ruffalo –Rezendes–, en que confiesa haber abandonado la práctica religiosa, como tantos, en la juventud, pero que siempre había albergado la idea de regresar algún día, y cómo los hechos investigados han roto tal añoranza. Es la misma pena del breve plano de la piadosa Nana leyendo el Globe. De algún modo se señala lo fácilmente que se pueden quebrar ciertos lazos de vinculación a la Iglesia si éstos se encuentran ya debilitados, cuando se produce el escándalo. Como cabe imaginar, el cardenal Bernard Law queda malparado por su actitud encubridora. Aunque lo más discutible del film es la inclusión en off –una voz telefónica– de las opiniones de un ex cura casado psiquiatra, A.W. Richard Sipe, que achaca al celibato sacerdotal los crímenes sexuales ocurridos, una relación causa-efecto que parece bastante insostenible, o como mínimo, simplista. Spotlight es de esas películas que merecería un premio a su reparto al completo, los actores tienen la suerte de que sus personajes están muy bien trazados en el guión con unos pocos rasgos, y ellos hacen el resto. Con carácter, pero no arrogantes, están estupendos Mark Ruffalo, Michael Keaton, Brian d'Arcy James, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery y Stanley Tucci, más otros secundarios desconocidos y harto eficaces.

La vida de Max Simkin es una calamidad. Sin alicientes ni planes de futuro, se aburre soberanamente en su zapatería en el Lower East Side de Nueva York, heredada de padres a hijos desde hace generaciones. No tiene novia, ni amigos, ni vida social. Tan sólo se habla de cuando en cuando con el barbero del negocio colindante y por las noches con su anciana madre, con quien vive. Pero el hallazgo de una máquina de coser mágica puede dar un vuelco a su existencia. Y es que gracias a ella, al ponerse los zapatos de sus clientes, su apariencia física se transforma y se convierte en ellos. De la noche a la mañana, Max puede vivir cualquier vida... Thomas McCarthy es uno de esos actores que de cuando en cuando escribe y dirige películas. Tanta calidad tienen estas últimas que ha alcanzado un gran prestigio en ese campo creativo, prenda del cual son títulos excelentes como Vías cruzadas o The Visitor. Ahora, alejándose del tono más dramático de sus trabajos anteriores, por primera vez se adentra en el género de la comedia fantástica, con una fábula urbana, a veces tragicómica, escrita en colaboración con Paul Sado, donde se habla de la importancia de “ponerse en el lugar del otro” si uno quiere que su vida tenga sentido, y se tocan temas como la amistad, los padres y los hijos o la búsqueda de un sentido para vivir. La película es agradable pero no alcanza la calidad de los anteriores trabajos del cineasta. Indudablemente el conjunto bebe de dos fuentes: en primer lugar, el cine de Frank Capra, con esa alusión al ángel en el inicio del film, el optimismo de fondo y el desenlace sorpresivo, con sus referencias acerca de las fuerzas del bien y del mal que luchan en el mundo; y en segundo lugar, los relatos del Woody Allen más neoyorquino, judío y juguetón, con el tono ligero y saltarín de filmes fantasiosos como Alice o Midnight in Paris, y el sempiterno jazz sonando de fondo. Pero no todo funciona igualmente bien en Con la magia en los zapatos –empezando por el título… ¿Qué ridícula necesidad había para cambiar el original “El zapatero”?–, pues aunque la historia comienza con garra, va perdiendo fuelle y se dispersa demasiado deslizándose hacia tramas anecdóticas, narrativamente tramposillas y en general tontorronas, sin la suficiente intensidad. El impacto del film es por eso superficial, liviano, y a la postre deja un tanto indiferente. Falta la magia del título. Por lo demás, funcionan algunos gags especialmente graciosos (como el susto “mortal” en el coche), mientras que la elección de Adam Sandler para dar vida al protagonista es la mar de adecuada.

Recreación de la historia real de J.B. Bernstein, representante de deportistas de élite. El chico del millón de dólares comienza cuando el protagonista está en horas bajas, después de que fracase su intento de que le contrate Popo, joven crack del béisbol. Mientras cambia los canales del televisor, topa con una retransmisión de cricket que le inspira una idea que podría reflotarle económicamente. Así, acaba viajando a La India para organizar un concurso en busca de jóvenes 'crickettistas', con el fin de reconvertirles en jugadores de béisbol en Estados Unidos. Topará con dos prometedores chicos... Enésimo film de béisbol sobre superación personal, El chico del millón de dólares también reivindica como suele ser bastante habitual en este tipo de cine los valores deportivos por encima de intereses comerciales. Podría ser una architípica cinta deportiva, pero Walt Disney ha acertado al encomendarle el guión a un peso pesado, Thomas McCarthy, con experiencia en el género por Win Win, ganamos todos, sobre el entrenador de un equipo de lucha escolar. Aquí su trabajo podría definirse como más convencional, pero se esfuerza por darle aires novedosos al desarrollo, centrándose en elementos como la adaptación de los jóvenes indios a la sociedad estadounidense, los intentos de Bernstein por arreglar su desordenada vida personal tras fijarse en su atractiva inquilina, etc. El libretista encuentra un aliado en el realizador del film, Craig Gillespie (autor de la 'indie' Lars y una chica de verdad), que también contribuye a darle cierta frescura al conjunto. Lo mejor, un reparto muy bien escogido. A Jon Hamm, el conocido Don Draper de Mad Men, le va al pelo un perdedor un tanto impresentable que transita hacia la madurez. Le secundan los ideales 'chicos del millón de dólares' Rinku Singh (La vida de Pi) y Dinesh Patel (Slumdog Millionaire), así como Bill Paxton (el entrenador que se hace cargo de ellos). Sobresale especialmente a pesar de la brevedad de su papel el veteranísimo Alan Arkin, ojeador en apariencia un tanto perezoso.

Mike Flaherty es abogado de una pequeña población, felizmente casado, con dos niñas. En sus ratos libres entrena al equipo de lucha libre de un instituto. Enredado en dificultades económicas con las que no quiere preocupar a su esposa, acepta ser el tutor legal de un cliente anciano con principio de demencia senil, lo que supone unos ingresos extra. Un día se presenta Kyle, el nieto adolescente del anciano, con dificultades en casa, su madre soltera está en un programa de desintoxicación. Los Flaherty acogen en su hogar al chico, mientras Mike descubre que tiene ahí un diamante en bruto, Kyle tiene talento más que sobrado para la lucha libre. El actor Thomas McCarthy prueba su enorme talento para el guión y la dirección de películas, demostrado anteriormente en Vías cruzadas y The Visitor. Deslumbra lo fácilmente que fluye la narración de esta película, que combina elementos de drama, comedia y cine deportivo, sin que se imponga claramente ninguno de estos géneros. El cineasta sabe plantear conflictos de entidad, todos resumibles en la importancia de superar egoísmos y prejuicios para ocuparse generosamente de los demás, con la idea clara de que, como culminaba la película Con faldas y a lo loco, “nadie es perfecto”, a lo que podríamos añadir, “en todos podemos encontrar rasgos positivos, aunque no falten las manías y defectos”. Y al tiempo, toda la narración esta sembrada de pequeños detalles que la dotan de una agradecible credibilidad, mientras la lucha libre sirve de metáfora acerca de las peleas cotidianas que corresponden a todas las personas. El film es modélico en la construcción de personajes, con unos actores perfectamente seleccionados y dirigidos. Parece claro que McCarthy vierte en la película su propia experiencia familiar en los miembros de la familia Flaherty –estupendos Paul Giamatti y Amy Ryan, más las niñas–, pero además compone con acierto a los amigos del protagonista –estupendos secundarios Jeffrey Tambor y Bobby Cannavale–, a la abogada –Margo Martindale– y a los componentes de la familia desestructurada –el abuelo Burt Young, la hija Melanie Lynksey, el nieto Alex Shaffer, que debuta como actor–.

Carl Fredericksen es un anciano al que, desde que enviudó de su amada Ellie, los achaques le pesan más que nunca. Muy enamorado de su mujer, le quedó la espinita de no haber cumplido el sueño común, que se remontaba a la infancia, de hacer un viaje aventurero a las Cataratas del Paraíso en Sudamérica. Ahora ese sueño parece más lejos que nunca. Y por si fuera poco, la linda casita que Ellie y Carl convirtieron en hogar, se ha convertido en una especie de islote en medio de un montón de obras que pretenden levantar alrededor imponentes rascacielos. Cuando por mandato judicial, Carl está a punto de ser trasladado a una residencia de ancianos, pone en marcha un increíble plan, inspirado en su antiguo oficio de vendedor de globos: con una increíble nube de globos inflados con helio logra arrancar la casa de sus cimientos, y con pericia que envidiarían los mismísimos hermanos Montgolfier, emprende rumbo, volando, a Sudamérica. Lo que no sabe es que se le ha colado a bordo un polizón: Russell, un chico explorador, al que le falta la prueba de haber ayudado a una persona de la tercera edad para convertirse en Explorador Intrépido.Joya animada de Pixar. Obra maestra sin paliativos. Se superan en cada película, hasta poner cada vez más alto el cielo de la perfección. Toda alabanza es poca para las películas de animación que vienen llegando desde aquel año 1995 que alumbró Toy Story. John Lasseter y sus chicos han logrado el increíble milagro de acertar desde entonces con cada uno de los diez largometrajes que han entregado. La clave, por supuesto, es una buena historia, que se entrega con un maravilloso sentido artístico de la animación. En esta ocasión a dos veteranos de la casa, Pete Docter -director de Monstruos, S.A., y coguionista en los Toy Story, Buscando a Nemo y WALL·E- y Bob Peterson -coguionista en Buscando a Nemo y Ratatouille-, se suma como creador de la trama un tercer nombre inesperado, el actor y director de películas con actores de carne y hueso Thomas McCarthy -Vías cruzadas, The Visitor-. El resultado es una historia entrañable, humana, que atrapa. Sorprende, de entrada, poder ser testigos de la primera historia de amor potente en una película de Pixar. De acuerdo que hemos visto amor entre los robots WALL·E y Eve, o con los autos de Cars, o entre el pinche y la chef de Ratatouille, pero nada es comparable a la narración del amor de Carl y Ellie desde su más tierna infancia, cuando ambos sienten la llamada a la aventura, guiados por su común admiración de Charles Muntz, un explorador profesional que se diría un cruce de Errol Flynn y Clark Gable; el modo en que se cuenta en apenas unos minutos, en algunos momentos sin palabras, lo que ha sido su vida en común, su pena por no poder tener hijos, su felicidad en situaciones corrientes, que tiene un eco en el prólogo al clímax de la película, resulta simplemente conmovedor, y apuntala la idea de que no hay nada como las aventuras de la vida cotidiana, la mayor parte de las veces más valiosas que aquellas que llamamos extraordinarias. Además está esa preciosa relación entre Carl y Russell, donde ambos se enriquecen, pues el primero encuentra al hijo que nunca tuvo, mientras que el otro ve rellenado el hueco de la ausencia del padre, divorciado y al que le falta tiempo para estar con él. Además de estar muy bien perfiladas las relaciones entre los personajes, estamos ante un film repleto de sentido del humor, con gags memorables, en que no se para de reír, por supuesto con los personajes humanos, pero también con la presencia de divertidos animales, el “gamusino” y un puñado de perros entre los que sobresale Dug. Y hay además acción trepidante, casi terror con el villano, y emoción sin límites, todo propiciado por la casa volante y un dirigible, que se diría entrañable homenaje al maestro de la animación nipona Hayao Miyazaki, claramente a títulos como El castillo en el cielo y El castillo ambulante. También el original diseño de los “cabezones” personajes recuerda a algunos de los creados por el director japonés. La combinación de elementos de géneros variados convierten al film en un candidato a gustar a toda clase de públicos: los niños, claro está, pero también los abuelitos, la gente joven amante de las emociones fuertes, el público femenino con su corazoncito... Algo parecido a lo que logró Titanic.

Walter es un profesor universitario de vida gris. Solitario, egoísta, no logra aprender a tocar el piano a pesar del esfuerzo que pone en la tarea. Su anquilosada existencia va a conocer un vuelco cuando el decano de su facultad prácticamente le obliga a acudir a Nueva York, a presentar un artículo que ha firmado con una compañera, de baja maternal. A pesar de las excusas que pone –en realidad él no ha aportado nada al “paper”–, no tiene más remedio que acudir. Y al entrar por la noche en el apartamento que tiene en “La Gran Manzana” se lleva una inesperada sorpresa. Una pareja de inmigrantes –él, Tarek, sirio, ella, Zaineb, senegalesa– vive allí; al parecer, un desaprensivo les alquiló el lugar sin contar con el dueño. Aclarada la embarazosa situación, Tarek y Zaineb empacan sus enseres con intención de buscar otro lugar donde quedarse. Walter romperá la “burbuja” que ha fabricado para sí, y les permitirá estar con él un par de días, hasta que encuentren alojamiento. Es el comienzo de una singular relación, que permitirá conocer por qué Walter se ha convertido en el hombre que es, y la “medicina” que puede curarle de su triste estado. Extraordinaria película del actor reconvertido a director y guionista Thomas McCarthy, quien ya sorprendió gratísimamente con su debut tras la cámara en Vías cruzadas. Aquí sigue por los mismos raíles, nunca mejor dicho, forjados para ese film. En efecto, el cineasta demuestra un enorme talento para crear tipos humanos memorables, y las situaciones dramáticas a las que se enfrentan emocionan y resultan creíbles. McCarthy ha madurado aún más como cineasta, pues sabe dosificar la narración, no nos entrega todos los datos de sus personajes inmediatamente, sino que los da a conocer en el momento adecuado. No sólo es un estupendo director de actores, el cineasta se revela como magnífico constructor de escenas, todas muy bien resueltas, a la vez que se puede decir que nada sobra en el film, hasta detalles como el esfuerzo por tocar el piano se descubren que no son triviales, y dan pie a esa bonita imagen de los dedos que deben ser arqueados, dice la profesora, para permitir que los “trenes” pasen a través del improvisado “túnel”. Es sorprendente cómo se va desplegando la rica historia. Lo que parece simplemente un “viaje” de transformación del protagonista –genial Richard Jenkins, en el papel de su vida, por el que ha sido nominado al Oscar–, donde tiene peso principal la amistad, permite indagar en el drama de la inmigración, con las consideraciones sutiles de una sociedad, la estadounidense, que alimenta el miedo al recién llegado, a la vez que ignora casi todo lo que no tiene que ver con su país. E, inesperadamente, como extraída por arte de birlibirloque de su chistera de mago-cineasta, McCarthy nos entrega una historia de amor capaz de arrancar las lágrimas al espectador más frío, donde tiene enorme presencia la gran protagonista de Los limoneros, Hiam Abbass. Además McCarthy sabe sacar partido a los bongos que maneja Tarek, y que son como el detonante que lleva a Walter a abrirse definitivamente a los otros, sin tasa.

Finbar McBride, un hombre enano, serio y de pocas palabras, marcha a un pueblo rural de New Jersey para tomar posesión del que será su nuevo hogar, una vieja estación de tren abandonada, heredada de un amigo recién fallecido. Allí, Finbar pretende llevar una vida de ermitaño, dedicado casi exclusivamente a disfrutar de su pasión preferida: contemplar trenes. Pero Finbar, que elude constantemente la compañía de los demás, no pasa desapercibido para nadie, especialmente para Joe, un cubano que vende perritos calientes, y para Olivia, una mujer que lucha por superar una dolorosa pérdida familiar. El actor secundario Thomas McCarthy (Conspiración, Los padres de ella) debuta como director y guionista con esta maravillosa película, premiada en Sundance y San Sebastián, entre otros festivales. Con una puesta en escena sobria, muy pocas localizaciones y un magnífico sentido del ritmo narrativo y el uso del silencio, McCarthy ofrece un poderoso drama, teñido de comedia, sobre la soledad, la autocompasión, el egoísmo y la necesidad de todo ser humano de estrechar lazos con sus semejantes. Los itinerarios afectivos de los personajes –sobre todo el de Finbar– son ejemplares a la hora de mostrar el que ha de ser el verdadero núcleo de una existencia que merezca la pena ser vivida. El reducido reparto logra que los personajes, extraordinariamente sencillos y reales, conmuevan al espectador por su carga de autenticidad. Destaca Patricia Clarkson, quizá la actriz más convincente y conmovedora de la actualidad.

Las aventuras detectivescas de Timmy DeSastre, un chaval de desbordante imaginación, a punto de terminar la enseñanza primaria, aunque con problemas en la escuela. Vive con su madre en Portland, y está convencido de que a su alrededor hay crímenes, corrupción y conspiraciones rusas que debe resolver, porque nadie a su alrededor parece darse cuenta. Y para conseguirlo contará con la ayuda de un curioso compañero que le acompaña a todas partes, nada menos que Total, un oso polar. Película familiar de Disney+, que adapta una bizarra novela juvenil de Stephan Pastis, coautor también del guion junto al director Tom McCarthy. Este ha descollado sobre todo con sus películas Vías cruzadas, The Visitor y Spotlight, aunque también ha probado las cintas familiares, con la irregular Con la magia en los zapatos, más afortunada ha sido su contribución a los libretos de las disneyanas Up y Christopher Robin. DeSastre & Total. Agencia de detectives nº 1 tiene un pase, con una trama un tanto surrealista, deudora de títulos de Wes Anderson –sobre todo de Moonrise Kingdom y Gran Hotel Budapest–. aunque más para todos los públicos, en que el espectador no estará seguro nunca si lo que ve responde a la imaginación del pequeño protagonista o no, a su forma de observar el mundo, donde intenta no instalarse en la mediocridad –normalidad lo llaman los conformistas– a la que trata de empujarle su entorno. Pese a algunas ideas interesantes, como la de invitar a la responsabilidad personal, domina el desconcierto de una narración descompensada. No se nos dan explicaciones de la ausencia del padre en la vida de Timmy, solo vemos a una madre preocupada, y a su simpático novio policía local. Y resulta difícil empatizar con el pequeño protagonista, que se supone que debe arrancarnos la sonrisa con sus consideraciones, con voz en off, o con lenguaje detectivesco, “afirmativo”, “negativo”, “se cometieron errores”, aunque Winslow Fegley no exhibe una mueca risueña –resulta difícil calificarla de sonrisa– hasta el minuto 80 de metraje. En fin, los admiradores de La princesa prometida tendrán la alegría de reconocer a Wallace Shawn, Vizzini en ese film, y aquí interpretando al profesor Crokus. Llama la atención lo bien integradas que están las imágenes del oso polar, lleva a aceptar como lo más normal del mundo su presencia en el film.

Intrigante serie "teen", que adapta un best-seller de 2009 escrito por Jay Asher. Sigue el esquema de un clásico como El crepúsculo de los dioses, o de la serie Mujeres desesperadas, de contar con un narrador fallecido en trágicas circunstancias. Aquí se trata de la joven estudiante de instituto Hannah Baker, quien antes de suicidarse grabó, en plan retro, unas cintas de cassette donde daba 13 razones para explicar su fatal decisión. Todas las personas que de algún modo la empujaron a quitarse la vida reciben un paquete con una copia de la grabación. Uno de ellos es el tímido adolescente Clay Jensen, secretamente enamorado de Hannah, que va escuchando angustiado esa voz grabada que se diría que viene de ultratumba. Esta producción de Netflix con Paramount está bien rodada, y su punto de intriga atrapa. Por supuesto, se le puede achacar una mirada bastante superficial a la adolescencia, aunque subrayándose la típica confusión de esa etapa, acrecentada en los tiempos que corren por los móviles e internet, y la omnipresencia del sexo y la ideología de género. Se señalan algunos problemas y dificultades de esta etapa, acrecentadas por el entorno de unos padres despreocupados y de las nuevas tecnologías –acoso escolar, relaciones íntimas precoces, habladurías imposibles de dementir, obsesión por el aspecto físico, friquismo...–, pero como atmósfera donde desarrollar un suspense, que en ocasiones tiene algo de artificial. Los actores son grandes desconocidos, quizá se trata de una de las ventajas de este tipo de series que se estrenan directamente y de golpe en plataformas digitales: que se puede arriesgar con rostros con los que el espectador no está familiarizado, la apuesta está en unas tramas con capacidad de suscitar interés, contar con un equipo competente de guionistas, y algún director de relumbrón. Aquí se ha contado tras la cámara nada menos que con Tom McCarthy, cuyo Spotlight ganó en 2016 el Oscar a la mejor película.

Concienzuda reconstrucción de la investigación periodística llevada a cabo por el equipo Spotlight del Boston Globe y premiada con el Pulitzer, acerca de los casos de pederastia perpetrados por sacerdotes de la diócesis de Boston, y manejados torpemente por la jerarquía, que quiso evitar el escándalo promoviendo acuerdos extrajudiciales y conformándose con cambiar de destino pastoral a los implicados. El film maneja material muy sensible, tanto para las víctimas y sus allegados, como para los fieles católicos. Y su mérito es hacer honor al título, poner el foco de luz en un punto, la profesionalidad con que se llevó a cabo la investigación, siendo rigurosos en la exposición de los hechos sin pretender convertir en superhéroes a los protagonistas, ni arrastrar por el lodo a los culpables, lo sucedido resulta suficientemente elocuente. No hay espacio para recrearse en los detalles sórdidos de los abusos –se dan las pinceladas justas–, ni para los trazos toscos de los encubridores, una tentación en la que habría resultado muy fácil caer. Ni siquiera se cae en el manido recurso de incluir pasajes de ceremonias religiosas que subrayen la posible doble moral. En tal sentido Spotlight se encuadra en la tradición de títulos modélicos en el subgénero del drama periodístico como Todos los hombres del presidente. Presenta un guión sólido, obra del propio director, Tom McCarthy, y de Josh Singer, que abordó el tema del WikiLeaks en El quinto poder. McCarthy no fuerza las cosas. El trabajo de los periodistas consiste en entrevistar a personas, llegar a fuentes que confirmen los hechos, manejar la documentación, cotejar datos. Un montaje dinámico, e incluso las carreras de Mike Rezendes para llegar al juzgado, no son óbice para que la narración sea en general tranquila y clarificadora, se evita una trama embarullada y difícil de seguir. Y se señala el background de estos chicos de la prensa, la condición judía de Martin Baron, recién incorporado editor del Globe, que impulsa la investigación, o la de católicos no practicantes de los componentes del equipo Spotlight. Sin ocultar sus errores, incluida la posible culpa en no haber abierto antes los ojos a los crímenes de los que eran víctimas los más débiles, los niños. Somos testigos del desequilibro psíquico, mayor o menor, de éstas ya adultos, e incluso de uno de sus depredadores. O las actitudes bienintencionadas pero erradas de no armar escándalo de los que sabían y callaban. Una cuestión importante que aborda el film es la quiebra de confianza que sufre la Iglesia por el modo en que maneja el caso. En tal sentido está lleno de fuerza un pasaje protagonizado por Mark Ruffalo –Rezendes–, en que confiesa haber abandonado la práctica religiosa, como tantos, en la juventud, pero que siempre había albergado la idea de regresar algún día, y cómo los hechos investigados han roto tal añoranza. Es la misma pena del breve plano de la piadosa Nana leyendo el Globe. De algún modo se señala lo fácilmente que se pueden quebrar ciertos lazos de vinculación a la Iglesia si éstos se encuentran ya debilitados, cuando se produce el escándalo. Como cabe imaginar, el cardenal Bernard Law queda malparado por su actitud encubridora. Aunque lo más discutible del film es la inclusión en off –una voz telefónica– de las opiniones de un ex cura casado psiquiatra, A.W. Richard Sipe, que achaca al celibato sacerdotal los crímenes sexuales ocurridos, una relación causa-efecto que parece bastante insostenible, o como mínimo, simplista. Spotlight es de esas películas que merecería un premio a su reparto al completo, los actores tienen la suerte de que sus personajes están muy bien trazados en el guión con unos pocos rasgos, y ellos hacen el resto. Con carácter, pero no arrogantes, están estupendos Mark Ruffalo, Michael Keaton, Brian d'Arcy James, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery y Stanley Tucci, más otros secundarios desconocidos y harto eficaces.

La vida de Max Simkin es una calamidad. Sin alicientes ni planes de futuro, se aburre soberanamente en su zapatería en el Lower East Side de Nueva York, heredada de padres a hijos desde hace generaciones. No tiene novia, ni amigos, ni vida social. Tan sólo se habla de cuando en cuando con el barbero del negocio colindante y por las noches con su anciana madre, con quien vive. Pero el hallazgo de una máquina de coser mágica puede dar un vuelco a su existencia. Y es que gracias a ella, al ponerse los zapatos de sus clientes, su apariencia física se transforma y se convierte en ellos. De la noche a la mañana, Max puede vivir cualquier vida... Thomas McCarthy es uno de esos actores que de cuando en cuando escribe y dirige películas. Tanta calidad tienen estas últimas que ha alcanzado un gran prestigio en ese campo creativo, prenda del cual son títulos excelentes como Vías cruzadas o The Visitor. Ahora, alejándose del tono más dramático de sus trabajos anteriores, por primera vez se adentra en el género de la comedia fantástica, con una fábula urbana, a veces tragicómica, escrita en colaboración con Paul Sado, donde se habla de la importancia de “ponerse en el lugar del otro” si uno quiere que su vida tenga sentido, y se tocan temas como la amistad, los padres y los hijos o la búsqueda de un sentido para vivir. La película es agradable pero no alcanza la calidad de los anteriores trabajos del cineasta. Indudablemente el conjunto bebe de dos fuentes: en primer lugar, el cine de Frank Capra, con esa alusión al ángel en el inicio del film, el optimismo de fondo y el desenlace sorpresivo, con sus referencias acerca de las fuerzas del bien y del mal que luchan en el mundo; y en segundo lugar, los relatos del Woody Allen más neoyorquino, judío y juguetón, con el tono ligero y saltarín de filmes fantasiosos como Alice o Midnight in Paris, y el sempiterno jazz sonando de fondo. Pero no todo funciona igualmente bien en Con la magia en los zapatos –empezando por el título… ¿Qué ridícula necesidad había para cambiar el original “El zapatero”?–, pues aunque la historia comienza con garra, va perdiendo fuelle y se dispersa demasiado deslizándose hacia tramas anecdóticas, narrativamente tramposillas y en general tontorronas, sin la suficiente intensidad. El impacto del film es por eso superficial, liviano, y a la postre deja un tanto indiferente. Falta la magia del título. Por lo demás, funcionan algunos gags especialmente graciosos (como el susto “mortal” en el coche), mientras que la elección de Adam Sandler para dar vida al protagonista es la mar de adecuada.

Mike Flaherty es abogado de una pequeña población, felizmente casado, con dos niñas. En sus ratos libres entrena al equipo de lucha libre de un instituto. Enredado en dificultades económicas con las que no quiere preocupar a su esposa, acepta ser el tutor legal de un cliente anciano con principio de demencia senil, lo que supone unos ingresos extra. Un día se presenta Kyle, el nieto adolescente del anciano, con dificultades en casa, su madre soltera está en un programa de desintoxicación. Los Flaherty acogen en su hogar al chico, mientras Mike descubre que tiene ahí un diamante en bruto, Kyle tiene talento más que sobrado para la lucha libre. El actor Thomas McCarthy prueba su enorme talento para el guión y la dirección de películas, demostrado anteriormente en Vías cruzadas y The Visitor. Deslumbra lo fácilmente que fluye la narración de esta película, que combina elementos de drama, comedia y cine deportivo, sin que se imponga claramente ninguno de estos géneros. El cineasta sabe plantear conflictos de entidad, todos resumibles en la importancia de superar egoísmos y prejuicios para ocuparse generosamente de los demás, con la idea clara de que, como culminaba la película Con faldas y a lo loco, “nadie es perfecto”, a lo que podríamos añadir, “en todos podemos encontrar rasgos positivos, aunque no falten las manías y defectos”. Y al tiempo, toda la narración esta sembrada de pequeños detalles que la dotan de una agradecible credibilidad, mientras la lucha libre sirve de metáfora acerca de las peleas cotidianas que corresponden a todas las personas. El film es modélico en la construcción de personajes, con unos actores perfectamente seleccionados y dirigidos. Parece claro que McCarthy vierte en la película su propia experiencia familiar en los miembros de la familia Flaherty –estupendos Paul Giamatti y Amy Ryan, más las niñas–, pero además compone con acierto a los amigos del protagonista –estupendos secundarios Jeffrey Tambor y Bobby Cannavale–, a la abogada –Margo Martindale– y a los componentes de la familia desestructurada –el abuelo Burt Young, la hija Melanie Lynksey, el nieto Alex Shaffer, que debuta como actor–.

Walter es un profesor universitario de vida gris. Solitario, egoísta, no logra aprender a tocar el piano a pesar del esfuerzo que pone en la tarea. Su anquilosada existencia va a conocer un vuelco cuando el decano de su facultad prácticamente le obliga a acudir a Nueva York, a presentar un artículo que ha firmado con una compañera, de baja maternal. A pesar de las excusas que pone –en realidad él no ha aportado nada al “paper”–, no tiene más remedio que acudir. Y al entrar por la noche en el apartamento que tiene en “La Gran Manzana” se lleva una inesperada sorpresa. Una pareja de inmigrantes –él, Tarek, sirio, ella, Zaineb, senegalesa– vive allí; al parecer, un desaprensivo les alquiló el lugar sin contar con el dueño. Aclarada la embarazosa situación, Tarek y Zaineb empacan sus enseres con intención de buscar otro lugar donde quedarse. Walter romperá la “burbuja” que ha fabricado para sí, y les permitirá estar con él un par de días, hasta que encuentren alojamiento. Es el comienzo de una singular relación, que permitirá conocer por qué Walter se ha convertido en el hombre que es, y la “medicina” que puede curarle de su triste estado. Extraordinaria película del actor reconvertido a director y guionista Thomas McCarthy, quien ya sorprendió gratísimamente con su debut tras la cámara en Vías cruzadas. Aquí sigue por los mismos raíles, nunca mejor dicho, forjados para ese film. En efecto, el cineasta demuestra un enorme talento para crear tipos humanos memorables, y las situaciones dramáticas a las que se enfrentan emocionan y resultan creíbles. McCarthy ha madurado aún más como cineasta, pues sabe dosificar la narración, no nos entrega todos los datos de sus personajes inmediatamente, sino que los da a conocer en el momento adecuado. No sólo es un estupendo director de actores, el cineasta se revela como magnífico constructor de escenas, todas muy bien resueltas, a la vez que se puede decir que nada sobra en el film, hasta detalles como el esfuerzo por tocar el piano se descubren que no son triviales, y dan pie a esa bonita imagen de los dedos que deben ser arqueados, dice la profesora, para permitir que los “trenes” pasen a través del improvisado “túnel”. Es sorprendente cómo se va desplegando la rica historia. Lo que parece simplemente un “viaje” de transformación del protagonista –genial Richard Jenkins, en el papel de su vida, por el que ha sido nominado al Oscar–, donde tiene peso principal la amistad, permite indagar en el drama de la inmigración, con las consideraciones sutiles de una sociedad, la estadounidense, que alimenta el miedo al recién llegado, a la vez que ignora casi todo lo que no tiene que ver con su país. E, inesperadamente, como extraída por arte de birlibirloque de su chistera de mago-cineasta, McCarthy nos entrega una historia de amor capaz de arrancar las lágrimas al espectador más frío, donde tiene enorme presencia la gran protagonista de Los limoneros, Hiam Abbass. Además McCarthy sabe sacar partido a los bongos que maneja Tarek, y que son como el detonante que lleva a Walter a abrirse definitivamente a los otros, sin tasa.

Finbar McBride, un hombre enano, serio y de pocas palabras, marcha a un pueblo rural de New Jersey para tomar posesión del que será su nuevo hogar, una vieja estación de tren abandonada, heredada de un amigo recién fallecido. Allí, Finbar pretende llevar una vida de ermitaño, dedicado casi exclusivamente a disfrutar de su pasión preferida: contemplar trenes. Pero Finbar, que elude constantemente la compañía de los demás, no pasa desapercibido para nadie, especialmente para Joe, un cubano que vende perritos calientes, y para Olivia, una mujer que lucha por superar una dolorosa pérdida familiar. El actor secundario Thomas McCarthy (Conspiración, Los padres de ella) debuta como director y guionista con esta maravillosa película, premiada en Sundance y San Sebastián, entre otros festivales. Con una puesta en escena sobria, muy pocas localizaciones y un magnífico sentido del ritmo narrativo y el uso del silencio, McCarthy ofrece un poderoso drama, teñido de comedia, sobre la soledad, la autocompasión, el egoísmo y la necesidad de todo ser humano de estrechar lazos con sus semejantes. Los itinerarios afectivos de los personajes –sobre todo el de Finbar– son ejemplares a la hora de mostrar el que ha de ser el verdadero núcleo de una existencia que merezca la pena ser vivida. El reducido reparto logra que los personajes, extraordinariamente sencillos y reales, conmuevan al espectador por su carga de autenticidad. Destaca Patricia Clarkson, quizá la actriz más convincente y conmovedora de la actualidad.

Biografía del controvertido Roger Ailes, estratega de Nixon y Reagan, y presidente de Fox News, que poco antes de su muerte fue demandado judicialmente por Gretchen Carlson, una de las presentadoras estrella de la cadena, por acoso sexual. Comienza mostrando su fallecimiento, en 2017, por hematoma subdural, para después viajar al momento en el que el magnate Rupert Murdoch le recluta para lanzar una cadena informativa por cable. Tom McCarthy, que ya retrató los medios de comunicación en Spotlight, ha concebido junto al guionista y productor Alex Metcalf, artífice de Heridas abiertas, una miniserie para Showtime que adapta el libro del periodista Gabriel Sherman. Este profesional siguió tan de cerca al personaje que aparece, encarnado por Frank Kranz. Los guiones parecen haberse inspirado en el excelente trabajo del gurú Aaron Sorkin para Steve Jobs, donde no se recogía todo el periplo del fundador de Apple, sino tres momentos significativos. De forma similar, cada uno de los siete capítulos reconstruye uno de los años más importantes para el protagonista, comenzando en 1995, en los albores de Fox News. Se nota el posicionamiento ideológico de sus creadores, tendentes a la izquierda, pues se ofrece la sensación de que sólo las compañías conservadoras manipulan sus informativos, pretenden influir en las elecciones, etc. Y se demoniza a Ailes pero se deja fuera de las críticas a la familia Murdoch. Pese a todo, esta producción se distingue por una puesta en escena impecable, se reconstruyen con esmero los hechos, y se genera la suficiente intriga como para que acaben pegados a la pantalla incluso los menos interesados por los entresijos de las cadenas estadounidenses. Se hace hincapié en su faceta de depredador sexual, en ese sentido brillan secuencias como la entrevista a una aspirante a presentadora. Pero también se abordan otros asuntos, como sus decisiones para explotar el morbo durante los atentados del 11-S, o su animadversión hacia Barack Obama. Pese a que se le pinta como un tipo despiadado, egoísta y misógino, al menos se concede a Roger Ailes una enorme astucia para los negocios, decidió dirigir con gran acierto su cadena al público conservador que sentía que los demás medios estaban muy sesgados a favor del Partido Demócrata, y no informarles sino "hacerles sentir informados" (llega a asegurar en un episodio que crea las noticias). Muy caracterizado, Russell Crowe realiza un gran trabajo, se diría que el mejor desde los tiempos de American Gangster o Cinderella Man, componiendo a un titiritero que utiliza a los demás a su antojo, pero al que le sobra carisma. En el extenso e impagable reparto destaca Naomi Watts como la citada Carlson.