Tim Holt

Dan Milner, un hombre en apuros económicos por culpa de su dedicación al juego, recibe una extraña oferta: recibirá 50.000 dólares si se traslada durante unos días a Morros Lodge, una idílica isla de la California mexicana. Sólo por su permanencia en el lugar se le asegura el dinero. Pese a la misteriosa oferta, Milner acepta. De camino conoce a la bella Lenore Brent, por la que siente un instantáneo flechazo. Ya en la isla coincide de nuevo con Lenore y con el hombre al que ella desea conquistar, un actor millonario llamado Mark Cardigan. Pero los oscuros presagios se cumplen y Milner se da cuenta de que va a tener muy difícil salir de allí con vida. El film contiene algunos de los temas clásicos del género negro: el tipo normal en apuros, la chica bella y misteriosa, el gángster sanguinario, la violencia... aunque la localización en un hotel vacacional no es muy típica que digamos. Mitchum compone un personaje convincente, con su elegancia habitual pese a interpretar a un don nadie, y la Russell está tan bella y simpática como siempre. Incluso podemos disfrutar de dos canciones interpretadas por ella: "Five Little Miles From San Berdoo" y "You'll Know". John Farrow dirige correctamente, aunque puede achacársele haber incluido un desenlace innecesariamente extenso, que resta fuerza al clímax, aunque esto sea en favor de la lograda, graciosa y original composición de Vincent Price. El espigado actor interpreta a Cardigan, un colega de profesión que harto de encarnar en pantalla a héroes imaginarios está deseando serlo en la realidad. Algunos de sus monólogos son realmente divertidos.

John Huston (La jungla de asfalto, Cayo Largo, El hombre que pudo reinar...) es uno los más grandes directores de la historia del cine, y muchas de sus películas son consideradas hoy como auténticos clásicos. El tesoro de Sierra Madre es sin duda una de ellos. El azar reúne a tres hombres (Humphrey Bogart, Walter Huston y Tim Holt), que cansados de su escasa fortuna deciden marchar a las montañas mejicanas en busca de oro. La amistad y el compañerismo presiden la primera parte de esta aventura, pero una vez encontrado el preciado metal amarillo, la relación entre estos hombres sufrirá una transformación: a partir de ahora estará presidida por la codicia y la desconfianza, y el enfrentamiento será inevitable. En esta gran película de aventuras, John Huston se vuelve a revelar como un gran creador de tipos humanos. Los tres personajes principales están perfectamente desarrollados, destacando la interpretación de Humphrey Bogart, que se aleja aquí de los papeles de gángster que tanta fama le proporcionaron. El tesoro de Sierra Madre fue galardonada con dos oscasr que fueron a parar a la familia Huston. El padre se lo llevó en la categoría de mejor actor secundario, y el hijo al mejor guión.

La historia del enfrentamiento de los hermanos Earp y Doc Holliday con el clan de los Clanton, que culmina en el mítico enfrentamiento del O.K. Corral, ha sido revisitado con frecuencia a lo largo de la historia del cine. Son destacables las versiones de John Sturges (Duelo de titanes, 1957, y La hora de las pistolas, 1967), George P. Cosmatos (Tombstone. La leyenda de Wyatt Earp, 1993) y Lawrence Kasdan (Wyatt Earp, 1994), pero sin duda que la aproximación de John Ford es la más poética de cuantas se han hecho. Cuando Wyatt Earp llega con sus hermanos a Tombstone para vender su ganado, el desprecio con que les tratan los Clanton, que ofrecen una cantidad ridícula por sus reses, anuncia ya un enfrentamiento entre familias que irá ‘in crescendo’. Su presencia en la ciudad obliga a Wyatt a preguntarse acerca de la civilización, que pugna por imponerse en el salvaje oeste, tema predilecto de Ford, planteado con la posibilidad de convertirse en sheriff. A la hora de ir construyendo la rivalidad Earp-Clanton el cineasta no renuncia al humor, algo que se pone de manifiesto en el primer encuentro de Wyatt con Doc Hollyday, el médico tuberculoso del que acabará siendo buen amigo. Que Henry Fonda esté sobresaliente es lo que uno espera, pero el trabajo del habitual e injustamente denostado Victor Mature es sencillamente soberbio. Otro de los campos donde el proverbial sentido del humor de Ford se encuentra a sus anchas, en los celos amorosos de Chihuahua (Linda Darnell) hacia Clementine (Cathy Downs). Y también cabe destacar la escena en que Wyatt y Doc defienden a un actor shakespeariano, objeto de burlas de los Clanton.

Berlín, 1933. La joven Anna Muller estudia en clase del profesor Nichols. Nichols, de origen estadounidense, imparte sus lecciones en una escuela, situada frente a otra que pertenece a las juventudes hitlerianas. El apuesto Karl, estudiante de esta última escuela, quedará prendado de Anna. Pero le resulta difícil conciliar ese nueve sentimiento con las ideas nazis con que es bombardeado a diario, y el amor a la libertad de la joven. Cuando pasados los años Karl es teniente del ejército, Anna es detenida por la Gestapo, que la acusa de colaborar con el enemigo y desafección al régimen.Edward Dmytryk adapta una novela de Gregor Sierner que retrata la Alemania anterior a la guerra. Ofrece los puntos de vista de personajes muy contrapuestos. Aunque en algunos momentos siga sendas muy trilladas, resulta encomiable la realización de este film en plena Segunda Guerra Mundial. Y se pone el dedo en la dolorosa llaga de la educación mal orientada, que puede pervertir los ideales y convicciones de la juventud. El film contiene pasajes de gran intensidad dramática. Destaca la secuencia de Anna refugiada en una iglesia, donde le conmueven las palabras valientes del obispo, que no transige con las mentiras y engaños del nazismo; la denuncia de las prácticas de esterilización de mujeres consideradas enfermas y débiles –una práctica monstruosa, pero con distintos enfoques no ha desaparecido de las naciones que se llaman democráticas–; y el clímax de la retransmisión radiofónica del juicio de Anna y Karl.

Indianápolis, siglo XIX. Isabel Amberson, que pertenece una familia de la aristocracia, cancela su noviazgo con Eugene Morgan, inventor de origen humilde. Finalmente, Isabel se casa con Wilbur Minafer. El matrimonio tiene un hijo, que con el paso del tiempo crece y se enamora de Lucy, la hija de Eugene. Tras Ciudadano Kane, Orson Welles adaptó la novela de Booth Tarkington. RKO tenía miedo de que Welles rodara una película demasiado personal, lo que pudiera perjudicar a sus resultados en taquilla. Así que la productora arrebató el control creativo al cineasta, y ordenó un nuevo montaje, que mutiló seriamente el original. Aún así, el resultado es un excelente film sobre la decadencia de la aristocracia y el amor interracial.

Rae y Walter son dos jóvenes guapos y estupendos. Se conocen y se enamoran perdidamente, por lo que se ponen enseguida manos a la obra para organizar la boda. Todo está organizado para el gran día, pero Rae no acude a su cita. Un ex novio celoso se entera de su compromiso y le impide llegar al enlace. Compuesto y si novia, Walter sólo quiere pasar página cuanto antes. Así, cuando se encuentran años después, el ya se ha casado con otra mujer. Típica película que hace hincapié en las desafortunadas coincidencias. Parece que la pareja protagonista no puede estar junta pues nunca es el momento apropiado por distintos motivos. Algo que gustará mucho a las personas que disfruten del drama en toda regla con sus dosis de lágrimas.

Una de las primeras adaptaciones de la novela de Johann David Wyss, la más conocida de las cuales es seguramente la protagonizada por John Mills en 1960, titulada en español Los Robinsones de los Mares del Sur. Aquí, de un modo entrañable, divertido y para toda la familia, se recoge la consabida historia de los Robinson, que se convierten en náufragos y recalan en una isla inhóspita. Ahí, en ese pequeño trozo de mundo, deberán llevar los valores de su civilización. En este caso, el patriarca está interpretado por el gran Thomas Mitchell (¡Qué bello es vivir!). Supuso el debut de Orson Welles en el cine, si bien sólo hace labores de narrador en la versión original.

Irónica comedia que cuenta cómo ha de ser un desconocido quien entre en nuestras vidas para arreglarlas. Esto es lo que hace una joven de origen humilde llamada Mary, que, por avatares del destino, se instala en la mansión de un millonario y que, gracias a su optimismo sobre la vida, acaba fortaleciendo los nexos de la familia, dando a todos ellos un nuevo rumbos en sus apáticas vidas. Comedia social con un toque de elegancia, que deja bien sentadas las bases sobre los distintos comportamientos entre los de clase baja (representados en los personajes del chófer y la propia Mary) y clase alta (los hijos y esposa del millonario). Todo el peso lo lleva una espléndida Ginger Rogers, que ya había colaborado con el director en Damas del teatro (1937) y que volvería a hacerlo en Camino de rosas (1940).

En La diligencia, un forajido llamado Ringo Kid comparte viaje en diligencia con otros variopintos compañeros: Dallas, una prostituta a la que han echado del pueblo; Hatfield, un jugador; Boone, un médico borrachín; Peacock, un viajante de whisky; Gatewood, un banquero; la señora Mallory, que está embarazada; el sheriff Curly y conductor Buck. El trayecto va desde Tonto hasta Lordsburg, a través del desierto de Arizona, con la constante amenaza de los indios, ya que el indio Gerónimo ha huido de la reserva y se alzado en armas. Las relaciones entre los viajeros son tensas. De repente, cerca de su destino, los apaches les atacan en medio de una llanura. Una de las grandes obras maestras de John Ford, considerado como el mejor realizador de la época dorada de Hollywood. El papel de Ringo Kid fue clave en la carrera de John Wayne, que se convirtió en la estrella por excelencia del género. La diligencia consiguió dos Oscar en 1939, relativos a la mejor música original y al mejor actor secundario, Thomas Mitchell. Todavía hoy resulta antológica la escena del ataque de los apaches, de una planificación y ritmo impresionantes.

Western sin muchos alicientes producido por Hal B. Wallis y cuya acción se traslada a California, donde se reproduce la lucha entre los mineros buscadores de oro y los rancheros que tienen allí sus tierras, en especial la familia Ferris que ve como una de sus hijas se enamora de uno de los mineros. Fue filmada en Technicolor, pero la respuesta en taquilla fue mediocre.  Lo mejor es su competente reparto, encabezado por George Brent, Claude Rains y Olivia de Havilland, ésta última a punto de emprender la aventura de su vida al ser cedida por la Warner a David O. Selznick para su participación en la película más deseada por todos los actores de Hollywood: Lo que el viento se llevó (1939).

Melodrama que adapta la novela "Summer Lighting", de Allene Corliss, y cuya trama comienza en la ciudad de Vermont en 1927. Allí, el joven estudiante Ives Towner se enamora de Julie, una muchacha que ambiciona mucho más para su futuro. De ahí que contraiga matrimonio con un escritor con quien se marcha a vivir a París. Diez años después, cuando su marido fallece en un accidente, Julie vuelve a Vermont e intenta recuperar el amor de Ives. Película sin muchos alicientes que, a pesar de contar con una buena pareja protagonista –Joan Bennett y Henry Fonda– pasó bastante desapercibida. Tuvo varios cambios en su guión y problemas para ser terminada utilizándose nada menos que tres directores: Joshua Logan, Arthur Ripley y un no acreditado George Cukor.

Hay cariños que matan. Una buena madre se desvive de tal modo por su hija que sólo consigue avergonzarla y humillarla. Las relaciones entre las dos se irán haciendo cada vez más tirantes. Memorable y enternecedor melodrama, que cuenta con una de las mejores interpretaciones de una Barbara Stanwyck desmedida cuando debe y, en determinados momentos, sobria, provocando la máxima emoción en ambos casos. Para llorar desde el principio hasta el final.