John Hawkes

Una deliciosa y fresca cinta de aventuras contemporáneas, claramente deudora de la narrativa de Mark Twain, es como si estuviéramos viviendo nuevas andanzas de Huckleberry Finn o Tom Sawyer, ya que los protagonistas viajan, navegan y se meten en líos perseguidos por delincuentes, mientras forjan su singular camaradería. Describe la amistad improbable entre Zak, inocente y bondadoso joven con síndrome de Down fugado de la residencia de ancianos estatal que le acogía, y Tyler, tipo asocial con problemas desde la muerte de su hermano. Contra pronóstico, éste ayudará al otro en su peculiar sueño de conocer a un luchador de wrestling al que admira, y que podría introducirle en tan singular disciplina. Aunque les pisan los talones una cuidadora del centro, la dulce Eleanor, y dos matones que quieren saldar cuentas con Tyler. Los debutantes Tyler Nilson y Michael Schwartz escriben y dirigen su film con buen pulso, con un desarrollo de la relación de los personajes protagonistas en línea con la oscarizada Rain Man. La idea, también con Eleanor, es subrayar la fuerza de los lazos que llevan a constituir una familia. Arriesgan y logran nota alta en el clímax de la pelea, arriesgadísimo, pues la línea entre lo sublime y lo ridículo, ya se sabe, puede ser muy tenue, y el caso es que funciona a la perfección. Zack Gottsagen, que es realmente Down, demuestra una enorme naturalidad, al estilo de Jesús Vidal en la celebrada Campeones. Y está muy bien arropado por todo el reparto, donde Shia LaBeouf y Dakota Johnson saben mostrar su lado más encantador.

Trece años después de la emisión del último capítulo de la serie Deadwood, que contó con tres temporadas, HBO recupera la historia. Durante estos años ha dado tiempo para que la serie original haya ido ganando en prestigio hasta ser considerada una de las mejores series pioneras, junto con otras que marcaron época, como Perdidos, The Wire o Los Soprano. La película presenta a los personajes respetando el paso de los años, al tiempo que el pueblo se prepara para fomar parte del estado de Dakota del Sur: Seth Bullock y Charlie Utter siguen asumiendo labores de sheriff y ayudante; Swearengen domina aún el pueblo desde su local (que ahora se llama "Gem", en homenaje a la prostituta que él mató); Trixie está embarazada y sigue viviendo con Sol Star; el doctor se desvive por los habitantes, en especial últimamente por Swearengen que está gravemente enfermo del hígado. En esta situación regresan al pueblo tres personajes clave: Calamity Jane, Alma Ellsworth, junto con su hija ya crecidita, y el violento Hearst, ahora convertido en senador y que llega con la pretensión de comprar nuevas tierras. No escapa a nadie que esta producción quiere ser un colofón al mundo mostrado en la serie, y lo consigue con eficacia. El conjunto se ve de todos modos como un largo episodio, que va yendo y viniendo de personaje en personaje, humanizándolos algo más y recuperando viejas cuestiones, aunque sin duda el tema central es el ajuste de cuentas con respecto a Hearst, quien nada más llegar será responsable de un asesinato. HBO levanta algo la mano en cuestiones de violencia y sexo, quizá para llegar a un público más amplio, mientras que la puesta en escena sigue siendo excelente.

Una historia impactante y devastadora, aunque también catártica, al estilo de Manchester frente al mar. Es una de esas películas de las que se agradece disponer sólo de la información justa acerca de su trama, antes de su visionado, para degustarla con la mayor intensidad posible. Mildred Hayes, una mujer de cierta edad, pasa a diario con su vehículo por una vieja carretera sin apenas tránsito automovilístico. Tres grandes vallas publicitarias destartaladas, donde nadie anuncia nada, a las afueras de Ebbing, Missuri, le sugieren una idea. Tras un acuerdo con la agencia que las gestiona, insertará en ellas tres incendiarias frases que van a revolucionar a la población, poniendo en jaque de modo especial a los agentes de la comisaría local, y en especial a su sheriff, Bill Willoughby, que padece una enfermedad terminal. El británico de origen irlandés Martin McDonagh da un paso hacia la madurez con Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri, tras su prometedor debut en el largo con Escondidos en brujas, y el cine dentro del cine que contenía Siete psicópatas, que eran una curiosa mezcla de thriller y comedia al estilo Quentin Tarantino, aunque con personalidad propia y una cierta reflexión sobre la condición humana. Aquí, de nuevo asumiendo los roles de director y guionista, mantiene su interés por indagar acerca de aquello que mueve a las personas; y aunque no renuncia en ocasiones al recurso del humor negro, lo hace con acentos más dramáticos y terribles. Porque aborda el modo en que las personas encajamos las tragedias, que más o menos grandes, no faltan en la vida de cada uno. En el caso que nos ocupa, un suceso familiar terrible ha convertido el alma de Mildred en un hervidero de odio y desconfianza, un veneno que afecta también a sus seres queridos, su hijo y su ex marido, que solía maltratarla. No falta además la enfermedad que aqueja al sheriff Bill, incomprensible humanamente, cuando la suya es una familia feliz, su esposa y sus hijitas le quieren mucho; o la rabia del racista y violento agente Jason Dixon, asfixiado por la sombra de su dominante madre anciana, a la que le toca cuidar. Hay una especie de agotamiento y desesperanza ante las decepciones que nos producen las personas, y aunque al fondo late la idea de que sólo el amor nos redime y nos da la paz, su interiorización, se nos viene a decir, supone un camino largo y tortuoso, que no siempre se llega a recorrer con acierto. Sorprende la solidez de la trama urdida por McDonagh, que huye en todo momento de lo previsible a la hora de mostrar cómo evolucionan los acontecimientos, hace gala de la rara virtud de respetar la inteligencia del espectador, no recurre a trucos malabares difíciles de aceptar, y las explosiones o cambios en el carácter de los personajes resultan razonables, aunque a veces sean tremendos. La línea argumental principal, que nunca se pierde, sirve además para presentar una amplísima galería de tipos humanos, muy bien descritos con unos pocos rasgos. Estamos ante una de esas películas que merecerían un premio al conjunto de su reparto, todos los actores, aun los que tienen papeles pequeños, están sobresalientes: Frances McDormand es la mujer que parece una roca, aunque está rota, con un carácter arisco que recuerda a su composición de la insoportable Olive Kitteridge; Woody Harrelson, un actor que mejora con el paso de los años, interpreta a un sheriff lleno de humanidad, capaz de tomar una decisión terrible; Sam Rockwell atrapa a la perfección a quien podía ser un buen detective, y está cayendo en el abismo; e igualmente bordan sus interpretaciones, aunque tengan poca presencia en pantalla, Peter Dinklage, John Hawkes, Lucas Hedges, Zeljko Ivanek, Abbie Cornish…

Mayo de 1996. Dos guías profesionales preparan sendas expediciones comerciales, en las que llevarán a la cima del Everest a adinerados individuos. Rob Hall, de Adventure Consultants, garantiza el éxito a cualquier tipo de cliente, independientemente de su experiencia, pues ha ejercido su labor durante años sin ninguna víctima mortal. Su rival, Scott Fisher, de Mountain Madness, sólo lleva consigo a gente preparada. Ambos grupos logran coronar su objetivo, pero entonces se desata una inesperada y violenta tormenta... El islandés Baltasar Kormákur, responsable de la excelente 101 Reikiavik, ha dirigido en Hollywood títulos como Contraband y 2 Guns. En Everest reconstruye trágicos sucesos reales, que pusieron en solfa el lucrativo negocio de los viajes de recreo al punto más elevado de la Tierra. El realizador logra sacarle mucho partido a un guión inteligente, escrito a cuatro manos por Simon Beaufoy, con experiencia en este tipo de historias por 127 horas, y nada menos que William Nicholson, autor de la obra original y el libreto de Tierras de penumbra. Son conscientes de que no deben apartarse del esquema del típico retrato de lucha del hombre contra la naturaleza, por lo que se limitan a dar pinceladas de los personajes. Pero logran darles cierta dimensión humana, y que se entiendan las dos maneras de entender su profesión de los protagonistas. También contribuye al dramatismo de Everest el reparto, que tiene en su cima a Jake Gyllenhaal (Fisher) y Jason Clarke (Hall), éste último el que logra la mayor emotividad, en sus conversaciones telefónicas con su esposa, encarnada por una breve pero eficaz Keira Knightley. También sorprende otro matrimonio de ficción, formado por Josh Brolin y Robin Wright. No desentonan grandes intérpretes como Emily Watson, Sam Worthington y John Hawkes. En suma, cuando llegan las deseadas y vistosas secuencias de escalada que el público ha ido a ver no se tiene la sensación de estar contemplando el típico blockbuster vacío. Estamos ante una de esas películas de las que se sale alabando la fotografía, gran labor de Salvatore Totino. Los planos aéreos ponen los pelos de punta por sí mismos, por lo que no necesitarían del 3D con el que se exhibe Everest.

Amy (Elle Fanning) cuenta su visión de la vida de su padre, el pianista de jazz Joe Albany (John Hawkes), durante los años sesenta y setenta. Un padre con un gran talento musical y una adicción a la heroína tan grande como este, deberá intentar controlar su vida y la de su hija. Preiss conoce a la perfección la música y el ambiente de los 70, pero no encaja de forma adecuada la dramatización de la historia que cuenta, de modo que resulta un poco floja en algunos momentos.

La polio que padeció en la infancia ha dejado en Mark O'Brien secuelas de por vida, la principal su postración en una camilla y su casi permanente conexión a un pulmón de acero en casa para poder respirar, aunque puede salir a la calle asistido por un respirador portátil. Con 38 años, sus padres ya fallecieron, pero con ayuda de un cuidador puede llevar una existencia medianamente normal, Mark es escritor y poeta, y no le faltan el optimismo, el buen humor y las ganas de vivir. No obstante se encuentra insatisfecho por no poder llevar una vida sexual por su discapacidad. Así que acude a una terapeuta, que le recomienda tener sesiones con una suplente sexual, que le guiará en un número limitado de encuentros en su búsqueda, siempre de modo profesional, aquello no será prostitución ni nada parecido. Como Mark es católico y tiene dudas sobre lo que va a hacer, acude al nuevo cura de su parroquia, que le escucha más como amigo que como pastor de su alma, pues admite desde el principio que no sabe cómo orientarle. Película basada en hechos reales, contados por el propio protagonista en un artículo periodístico. Ben Lewin, director y guionista, padeció la polio de niño, aunque su incapacidad es mucho más leve que la de Mark en Las sesiones. La historia responde a una mentalidad típica de una sociedad hipersexualizada, donde se considera que la vida sin sexo simplemente no es vida; de donde se sigue el corolario de que debe hacerse “lo que sea” para que alguien con los problemas de Mark pueda iniciarse sexualmente, el conformarse con lo que hay sería un desastre, pura frustración, aunque, paradojas, otras limitaciones, como la de no poder dar brincos y jugar al balompié, por decir un decir, no resultarían tan terribles. Lo cierto es que como narración Las sesiones presenta varios problemas. El principal es que faltan datos para entender por qué la cuestión sexual se revela tan crucial para Mark en esa etapa tardía de su vida, ya casi cuarentón, que coincide además casualmente con la aparición en su vida de un nuevo sacerdote; lo normal -más en una persona tan animosa- es que tal problema se hubiera planteado mucho antes. En cualquier caso la visión de una vida afectiva con una mujer que ofrece el film resulta estrecha de miras, más si pensamos que hablamos del “poeta” Mark, que al final busca cumplir las fantasías que se describen en un libro con la frialdad del manual de instrucciones para arrancar un ordenador; aunque añadir “romanticismo” parece poco probable, aunque sea uno de los pocos consejos sacerdotales recibidos, la palabra adecuada sería “compromiso”, imposible en el contexto que nos ocupa. Mientras que del cura se podría esperar una descripción más espiritual -vamos, que parezca lo que se supone que es-, un esfuerzo por aconsejar de verdad, y no simplemente escuchar, manifestar las propias dudas y acabar dando la opinión personal -“a mí me parece...”- basado en una elemental moral de situación; y no convertirlo simplemente en pieza de guión, el amigo que escucha y hace avanzar la historia. Por otro lado resultan tramposas las continuas bromas, juegos de palabras, incredulidad sobre lo que Mark se propone, etcétera, para hacer más simpático el sin duda penoso itinerario del protagonista; igual que la descripción de la profesión de Cheryl Cohen-Greene, aunque justo es reconocer que se apuntan los peligros que se ciernen sobre su vida familiar por lo que no deja de ser natural, la unión de sexualidad y afectividad, que apuntan al enamoramiento. Las sesiones puede ser molesta por su falta de pudor a la hora de mostrar y describir situaciones íntimas. Los actores resultan creíbles, John Hawkes en uno de esos papeles que a Hollywood le encanta premiar de discapacitado, y Helen Hunt, como la suplente sexual, personaje al que dota de ternura y “normalidad”. Menos convincente parece William H. Macy, para empezar por los pelos que luce, pero también por su interpretación de un sacerdote que aunque supuestamente buena persona, parece un poco lelo.

Enero de 1865. Estados Unidos lleva cuatro años desangrándose en una terrible guerra civil después de que los estados del Sur proclamaran su secesión de la Unión. En ese tiempo el presidente Abraham Lincoln ha declarado la emancipación de los esclavos arrogándose poderes especiales en tiempos de guerra, y acaba de ser reelegido para ocupar de nuevo la Casa Blanca. La lucha fraticida podría estar llegando a su final, pues las autoridades del Sur desean negociar una paz honrosa; pero Lincoln tiene intención de lograr antes la votación en el Congreso de la décimotercera enmienda de la Constitución, que aboliría de una vez por todas la esclavitud; el desafío consiste no sólo en lograr los apoyos políticos necesarios –cuenta con los republicanos de su partido, pero debe ganar votos entre los demócratas–, sino en el dilema de posponer la polémica votación, para llegar a la paz cuanto antes, lo que dejaría sin resolver la cuestión esclavista. Formidable lección de historia a cargo de Steven Spielberg, que maneja en Lincoln un solidísimo guión de Tony Kushner, quien ya escribió para el director el libreto de Munich, y que aquí parte del libro de Doris Kearns Goodwin “Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln”. Sorprende la fuerza de una película muy discursiva, con numerosos personajes y abundante información histórica, sin apenas desahogos que amplíen el lienzo y que se considerarían muy razonables, ya sea a través de los campos de batalla, o de los discursos memorables de corte épico. A veces uno tiene la sensación de estar siendo testigo directo de la historia, pero una historia que es un drama muy íntimo y personal, sin concesiones a la lágrima fácil o la emoción impostada. Y sin embargo, oh, paradoja, hay espacio para la épica, pera la lágrima y para la emoción. Spielberg consigue que el ejercicio de la política parezca algo grande en Lincoln; no obvia que es necesario negociar, comprar voluntades, ejercer la persuasión de modo diferentes con personas diferentes. Aquello de que “la política es el arte de lo posible” se entiende en las concesiones que unos y otros deben hacer, la necesidad de tragarse el orgullo, pero también de intentar lo imposible para hacerlo posible. Y en medio de las decisiones de trascendencia histórica, donde están en juego los grandes conceptos, la igualdad entre los hombres que radica en su igual naturaleza otorgada por el Creador, blancos o negros, hombres o mujeres... se encuentra lo personal, la esposa amantísima pero con problemas mentales, el hijo que desea cumplir con su papel en la guerra y no limitarse a ser... el hijo de su padre. Probablemente nunca ha sido Spielberg mejor director de actores que en este film, donde nadie parece actuar, tan naturales son las interpretaciones de todo el reparto, empezando por ese prodigio de la naturaleza llamado Daniel Day-Lewis, transfigurado en Abraham Lincoln, con una modestia y humildad deslumbrantes. No hay villanos ni personajes caricaturescos, y están muy bien introducidos los personajes negros, su presencia no parece forzada. Resulta una maravilla la composición de los planos, la dirección artística, naturalista, se diría que se ha rodado con luz disponible, que nada está iluminado artificiosamente, en el Congreso, en la Casa Blanca, o en esos exteriores sucios, donde vemos la crudeza de la guerra, o el deambular de unos y otros. Películas como Lincoln, sencillamente, dignifican la profesión cinematográfica.

Martha vive en un precario equilibrio mental tras su experiencia comunitaria en una extraña secta. Con intención de volver a la normalidad acude a su hermana Lucy, de la que estaba distanciada, pero ella y su cuñado, que ignoran todo lo que ha pasado Martha, tienen dificultades para hacerse cargo de su estado y prestarle ayuda. Y es que en la cabeza de Martha realidad, ilusión y recuerdos no se diferencian demasiado.Martha Marcy May Marlene es la típica cinta que encaja en ese concepto amplio del cine "indie", no en balde acudió a Sundance donde Sean Durkin fue considerado mejor director, y en el reparto podemos distinguir a John Hawkes, que llamó la atención el año anterior con la también película independiente Winter's Bone.Aunque la cinta tiene interés, resulta a ratos un tanto abstrusa y ambigua, quizá con la intención de provocar en el espectador sentimientos de zozobra. En cualquier caso vale la pena destacar el sorprendente trabajo de la protagonista, Elizabeth Olsen.

Beth vuelve de un viaje de negocios en Hong Kong. Llega con tos y una buena jaqueca, que atribuye al jet lag. Pero enferma gravemente y muere, en apariencia de una meningitis. Ante el estupor de su marido Mitch, su hijo también fallece. No son casos únicos. Una epidemia de dimensión mundial empieza a hacer estragos por todas partes, lo que obliga a los científicos a competir en un carrera contra el reloj para dar con una vacuna que detenga un virus tan letal como lo fue en el pasado la gripe española. Y hay reacciones de todo tipo, desde el bloguero que denuncia un complot del gobierno y la industria farmacéutica, al abandono que padecen determinados países menos favorecidos, o a la tentación de alertar del peligro a los más allegados en vez de pensar en el bien común. Segunda colaboración del guionista Scott Z. Burns con Steven Soderbergh tras ¡El soplón!. La película, por su abundancia de personajes secundarios -¡qué gran reparto!-, de los que se muestran sus reacciones ante una situación extrema, se encuadra dentro del subgénero catastrofista, pero hay que reconocer que Soderbergh sabe inyectarle cualidades especiales. Juega mucho el director con un ritmo endiablado, donde partitura musical y sonidos múltiples extraños contribuyen a una atmósfera desasosegante e incómoda muy adecuada. Sin duda que el desarrollo de una carrera fílmica que se mueve entre lo más o menos experimental y lo comercial, le ha ayudado a lograr aquí el perfecto “mix” que configura un film diferente que atrapa. Acierta Soderbergh en no bombardearnos con una sobredosis de momentos límite. Sabe reflejar bien las reacciones globales, mostrar el despliegue mediático y preventivo, o los efectos del virus, pero con medida. Y se fija en la humanidad de los personajes, quizá incidiendo sobre todo en la debilidad, en cómo se sobrepone el instinto de supervivencia a otras actitudes más heroicas. Por supuesto, los científicos, cada uno a su modo, hace un gran trabajo, incluso con el riesgo de la propia vida, y hasta existe el siempre difícil camino de la rectificación, pero se echan en falta más reacciones generosas -apenas vislumbramos a una monjita asistiendo a un enfermo-, frente a la elemental de velar por los tuyos, o la decididamente egoísta de buscar sacar tajada de una situación de pánico.

A Ree, una joven de 17 años, le toca ejercer de cabeza de familia en la zona rural de Ozark Mountain, cuida a sus dos hermanos pequeños y a su madre incapacitada. Su padre está metido en tejemanejes de drogas, y actualmente le busca la policía porque debe comparecer en breve ante un tribunal. Como él puso de garantía la casa familiar, corren peligro de ser embargados en caso de que no aparezca, vivo o muerto. Ree emprende la búsqueda del progenitor, lo que implica tratar con numerosos indeseables que no quieren hablar.Estupenda muestra de cine independiente estadounidense, premiada en Sundance, y que se diría 'prima hermana' de la reciente Frozen River. Adapta una novela de Daniel Woodrell, y como en el film citado, también tenemos a una mujer fuerte que lucha con todos los medios por los suyos, aunque en este caso con la característica de que se trata de una adolescente. De narración sobria, Debra Granik, con el sabio guión escrita por ella y Anne Rosellini, y una partitura musical intrigante y desasosegadora, sabe tomarse su tiempo en el despliegue de los diversos elementos, jugando con la ignorancia del espectador en lo referente a la catadura moral de los distintos personajes. Domina una tristeza resignada, que casa bien con los colores invernales de las imágenes de los bosques con sus árboles pelados, y de la que son sintomáticos los personajes de Lágrima, tío de Ree, Gail, su mejor amiga, y ciertas mujeres; incluso en la alegría despreocupada de los niños destaca de algún modo su inconsciencia. Y a medida que Ree se acerca más a descubrir el paradero de su padre, la narración crece en intensidad, hasta el magnífico clímax en el pantano, donde se desbordan las emociones y la joven Jennifer Lawrence da lo mejor de su estupenda interpretación.

Secuela de Donnie Darko, un título de culto entre los apasionados del cine independiente. Está protagonizada por Samantha Darko, hermana de Donnie, que tras cumplir 18 años decide viajar en coche a Hollywood con su mejor amiga, en busca de una exitosa carrera como actriz. Pero su vehículo sufre una grave avería en un pueblecito de Utah. Mientras esperan unos días a las reparaciones, un grupo de jóvenes no paran de molestarlas. Además, un meteorito cae en el lugar, y Samantha empieza a tener sueños apocalípticos que advierten de la inminente destrucción del universo. El realizador del film original, Richard Kelly, le pasa el testigo a Chris Fisher, forjado en series televisivas como Caso abierto. Aunque no tiene un reparto tan completo como su predecesora -que contaba con Jake Gyllenhaal, Maggie Gyllenhaal, Mary McDonnell, Drew Barrymore y Patrick Swayze, entre otros nombres ilustres- repite la joven Daveigh Chase, que era una niña cuando rodó la primera parte, en el papel de Samantha. Cuenta con la presencia de Elizabeth Berkley (Showgirls).

Década de los 60. Acaba de morir Bumpy Johnson, un gángster negro, muy respetado en el Harlem neoyorquino. De modo inesperado va a tomar las riendas de la sucesión Frank Lucas, el hombre que fue su chófer durante años, y que observando calladamente y encargándose de mucho trabajo sucio, ha aprendido el oficio. Lucas empezará a construir un auténtico imperio del narcotráfico, comprando heroína sin intermediarios en el sudeste asiático, y aprovechando los transportes militares estadounidenses, metidos de lleno en la guerra de Vietnam; hasta el punto de que se coloca en una posición de dominio frente a la tradicional mafia italiana. Entretanto Richie Roberts es un duro e íntegro policía, que trabaja en la calle y estudia derecho en clases nocturnas. Aunque su vida familiar presenta un cuadro desastroso, en lo que se refiere a su trabajo profesional es concienzudo, y sortea las muchas tentaciones para ceder a corruptos trapicheos policiales. Al incorporarse a la unidad antidroga, los caminos de los dos hombres acabarán, inevitablemente, cruzándose. Intenso film de Ridley Scott con guión de Steven Zaillian, dos pesos pesados del cine actual en sus respectivos campos de dirección y escritura de libretos. Quizá lo único que quepa decir en su contra es que todo suena a sabido. Basado en hechos reales, logra plasmar con buen tino la trayectora de ambos antagonistas, que aunque con códigos morales muy distintos, no son tan diferentes como podría creerse. Porque la idea, un poco al estilo de Heat, es trazar ciertos paralelismos entre policía y gángster, pues los dos manejan cierto código de conducta; y señalar en la aproximación de personajes que Richie no es perfecto –resulta demoledora la escena de la vista judicial en que la ex esposa le acusa de utilizar su ética profesional como coartada de su descuido del hogar–, mientras que la frialdad asesina de Frank –que mata sin piedad y no se cuestiona acerca de las vidas que destroza prestándose al tráfico de drogas– convive con el deseo de dar de comer a los de su clan y de cierto “orgullo negro”. Resulta fácil mencionar referencias cinematográficas en la composición de estos dos personajes. Richie recuerda a otro personaje real, Serpico, a la hora de moverse en un ambiente de corrupción en la policía, y es citada explícitamente French Connection (Contra el imperio de la droga); mientras que el comportamiento glacial de Frank, que intenta mantener unida a la familia, retrotrae al Michael Corleone de la saga de El padrino. Y aunque sin duda que dominan la función Russell Crowe y Denzel Washington, justo es señalar que hay múltiples personajes, matones, policías, familia, bien atrapados con los justos trazos del guión y por un estupendo reparto. Estamos ante una historia complicada de producción, tanto por la necesidad de recrear en el Nueva York actual el de finales de los 60, principios de los 70, como a la hora de ofrecer el marco del combate de boxeo de los pesos pesados, o mostrar la Tailandia de donde procede la heroína que da pie a “Blue Magic”, las codiciadas dosis de un material puro cien por cien. Una trama como la que se comenta es difícil que no sea sórdida y violenta. Hay momentos sencillamente brutales, aunque Scott juegue con el fuera de campo; y resultan desagradables, por degradantes, las escenas del lugar en que se prepara la droga, donde las mujeres son obligadas a trabajar desnudas para que no sustraigan parte de la mercancia. El director es bien conocido por la factura visual de sus trabajo, y aquí tiene unas cuantas buenas ideas. Los levísimos copos de nieve que flotan en el aire en muchas escenas refuerzan el tema de esa otra “nieve” llamada heroína; es bueno la secuencia del asalto, de suspense incrementado por el niño que juega con un balón; o ese juego con la puerta de la iglesia, casi al final, donde parece señalarse que el mafioso ha sido expulsado definitivamente de un paraíso al que no tenía derecho.

Michael Mann lleva al cine Corrupción en Miami, legendaria serie televisiva de los 80 en que ejerció de productor ejecutivo. El argumento es el típico de cualquier episodio de la serie que la memoria acierta a recordar. Sonny Crockett y Ricardo Tubbs, agentes de la brigada antivicio de Miami se enfrentan a una banda de narcotraficantes. Para obtener pruebas contra ellos, se hacen pasar por traficantes de armas. Una vez metido en el submundo del hampa, Sonny Crockett se enamora de Isabella, la novia de Montoya, uno de los malos (esto le suele suceder también a James Bond). El pobre Crockett se debate en un terrible dilema moral, pues si detiene a los narcos, no sabe si dejar escapar a su amada. Los del FBI se ponen nerviosos porque los de antivicio tardan demasiado, pero el duro Castillo, jefe de Crockett y Tubbs, da la cara por sus hombres. Por supuesto, Michael Mann vuelve a lucirse con el manejo de la cámara, sobre todo en los tiroteos. Pero éstos tardan en llegar, y todo es demasiado rutinario. Además, los protagonistas son esquemáticos, comparados con los personajes de otras películas de Mann, como los de El dilema, o sin ir más lejos, el asesino inquietante y el taxista bonachón de Collateral, su trabajo anterior. Don Johnson, que se hizo una gran estrella con su papel de Sonny Crockett, ha sido sustituido por un joven actor de moda, Collin Farrell, que empezó con buen pie, pero que tras criar buena fama, parece haberse echado a dormir. El siempre eficaz Jamie Foxx, que encarna a su compañero, Tubbs, tiene poco papel, así como Gong Li, musa del cine oriental. Y nuestra aportación nacional, Luis Tosar, ha aceptado un papel de cuatro escenas en las que tiene que poner cara de duro inexpresivo.

Tercera y última temporada de Deadwood, serie del oeste que se canceló un tanto inesperadamente. Como se sabe sigue la vida cotidiana en un pueblo perdido de Montana en 1877, un lugar fundado por buscadores de oro y en donde el crimen campa a sus anchas. La llegada del poderoso George Hearst, hombre sin escrúpulos decidido a dominar el pueblo, pondrá en vilo el liderazgo del mafioso Al Swearengen (Ian McShane), del sheriff Seth Bullock (Timothy Olyphant) y de los demás habitantes del lugar, que además se prepara para celebrar sus primeras de elecciones. Como es habitual en HBO, la serie incluye algunos momentos de violencia brutal y sexo explícito, muy acorde con el lugar sin ley que se describe, plagado de gentes rudas y sanguinarias. En esta temporada, además de la habitual presencia de Calamity Jane, hace su aparición otro célebre personaje real, Wyatt Earp.

Típica película de cine independiente americano, carne de cañón para ser premiada en Sundance, como así ocurrió. Dibuja personajes cotidianos y situaciones minimalistas: la joven artista que hace vídeos, el dependiente de una zapatería con dos hijos, las chicas descaradas... Pequeña película, que resuelve con sensibilidad algunas escenas, pero cuya obsesión con el sexo (el chateo por internet con guarrerías, el viejo verde y las putitas adolescentes) resulta cargante.

Seth Bullock encuentra dificultades para imponer la ley, tras haber sido nombrado sheriff de Deadwood. Su esposa llegará al pueblo, junto con su hijo. Mientras, la enfermedad se cierne sobre Al Swearengen, que necesitará la inspiración del médico... Interesante serie que recupera elementos del western clásicos y personajes tan legendarios como Calamity Jane. Destaca la dureza con que se retratan las condiciones de vida de los pioneros, en un lugar donde la ley del más fuerte y los intereses personales parecen ser lo único que importan.

Personajes de muy distinto pelaje buscan fortuna en el salvaje Oeste. Y acuden al poblado de Deadwood, en Dakota del sur, donde la ley no existe, abundan los buscadores de oro, y los saloones que ofrecen alcohol, juego y prostitutas. Destaca Seth Bullock, un ex marshall, y gente mítica como Wild Bill Hickock y Calamity Jane. La serie de David Milch, cuyo primer episodio dirige Walter Hill, apuesta por el realismo sucio, con un Oeste corrupto y un trasunto de 'padrino', que no duda en eliminar a los que estorban.

Las películas con asesino psicópata suelto han proliferado tanto, que la prevención hacia cualquier film en esta línea surge como natural mecanismo de defensa en el espectador avezado. Pero Identidad de James Mangold es un film inteligente, donde el esfuerzo por tener al público con el corazón en un puño no está reñido con una historia coherente, y con sorpresas. No en vano Mangold exhibe una trayectoria fílmica razonable, donde ha abordado la descripción de tipos desequilibrados (Heavy, Inocencia interrumpida), el cine policíaco (Copland), e incluso el romántico (Kate & Leopold). Cuenta Mangold con un guión excelente de Michael Cooney, bien trabado, gracias al cual sirve unos primeros cuarenta minutos de película perfectos. En ellos muestra cómo un grupo de personajes variopintos termina pasando la noche en un solitario motel, en medio de ninguna parte, aislados por una tromba de agua. Con preciso mecanismo de relojería somos testigos de la avería que sufre un coche con un matrimonio y un niño a bordo; de aquí se encadena de modo vertiginoso, brioso montaje, a un atropello, en el que se ve involucrado el automóvil de una actriz venida a menos; y vamos sumando personajes, una prostituta de lujo, una pareja recién casada en Las Vegas, un policía que traslada a un peligroso preso, y el tipo que regenta el citado motel. La citación, al mismo tiempo, de un juez, que debe revisar una sentencia de muerte por la aparición de nuevas pruebas, configura un cóctel extraño, donde el espectador anda desorientado, hasta que todo termina encajando. Quizá James Mangold cae –o se acerca–, en la truculencia, pero a cambio sabe transmitir el desasosiego de unos personajes en permanente crisis de identidad, que no saben quiénes son ni lo que quieren. Lo hace sobre todo a partir del personaje del chófer, magnífico John Cusack, pero también con el resto del atinado reparto. El director engaña al espectador con coincidencias sospechosas, hasta un final que quizá sulfure a más de uno, pero al que resulta imposible negarle su consistencia: y es que el guión tiene atados, y bien atados, sus cabos, lo que no es corriente en los perezosos tiempos que corren.

II Guerra Mundial. Sin saber cómo, un piloto salva la vida en un ataque aéreo. Acabada la contienda, ocurren extraños fenómenos relacionados con extraterrestres, al tiempo que el ejército estadounidense hace investigaciones secreta en vísperas de la guerra fría. Entretenida miniserie de ciencia ficción producida por Steven Spielberg. Fue la que dio a conocer a la pequeña actriz Dakota Fanning. Con un diseño de produccióny efectos especiales muy mimados (alienígenas y naves), los 10 episodios tienes directores de prestigio, muy bregados en televisión, como Tobe Hooper (Poltergeist) y Breck Eisner (Sahara).

El género deportivo tiene un inconveniente: las películas suelen ser muy similares. Normalmente, el equipo de fútbol, hockey, atletismo o petanca olímpica de turno comienza siendo desastroso y es el que menos posibilidades tiene de alcanzar el éxito. A través de la autosuperación de los protagonistas, se consigue alcanzar la gran final, donde se juegan el todo por el todo. Aún así, continúan apareciendo grandes películas que dan otra vuelta de tuerca a este esquema, como Un domingo cualquiera o Titanes. Hicieron historia. Si aquellas hablaban de la corrupción y el racismo, en esta ocasión se utiliza el género para hablarnos de los estratos más marginales de la sociedad. Keanu Reeves, no ha descansado mucho entre los rodajes de Matrix y su continuación, pues ha tenido tiempo para protagonizar Noviembre dulce, Premonición, Juego asesino y la también deportiva Equipo a la fuerza. Aquí se convierte en Conor, auténtico arquetipo de perdedor, dedicado a las apuestas y reventa de entradas, que debe dinero a sujetos peligrosos. Su amigo de la infancia Jimmy, que trabaja en un bufete de abogados, le promete un dinerillo a cambio de un favor: entrenar al equipo de béisbol que la empresa de Jimmy patrocina, formado por chavales del barrio menos recomendable de Chicago. Aunque no le dan demasiado bien a la bola, jugar se convertirá para los niños y el entrenador en la forma de escapar al fracaso al que, presuntamente, están destinados. Además, Conor tendrá tiempo de enamorarse de la maestra de los chavales. Del reparto destaca Diane Lane (La tormenta perfecta), pero atención a la expresividad de los niños, todos ellos debutantes: fueron elegidos entre auténticos chicos deportistas de Chicago. Esto otorga verosimilitud a la trama, que está basada en una experiencia real, la de Daniel Coyle que describió los hechos en su novela autobiográfica.

La madre de Ty muere, circunstancia que éste aprovecha para mudarse a la costa, donde la fallecida creció, con idea de encontrar cierta paz espiritual. Y en efecto consigue trabajo, amigos, se enamora de una chica... Lo malo es cuando se presenta el resto de su familia sin avisar; porque son unos maleantes a los que busca la policía, y que hasta abusan de la amada del protagonista. Decir que esta peli es una serie B es decir poco. Es una serie Z supertópica, con el único interés de ver a Michael Vartan (conocido por la serie Alias) en un papel protagonista. Hay también algunos rostros conocidos en pequeños papeles.

Gloucester es el puerto pesquero más antiguo de EE.UU. Pero en 1991 la población de peces de los Grandes Bancos estaba en franco declive, debido en parte a la pesca de arrastre industrial. Pero algunos pescadores se resistían a dejar su noble oficio, y se adentraban mar adentro en el Atlántico. Lo que no saben el capitán Billy Tyne y sus hombres del Andrea Gail es que está a punto de desencadenarse la llamada “tormenta perfecta”, en la que un huracán está a punto de colisionar con dos frentes increíbles. George Clooney, el protagonista, estuvo tres semanas saliendo en barco para acostumbrarse a su manejo: “Por suerte, no destruí el muelle, que es algo que se pide encarecidamente a cualquier capitán que no haga. Practicamos algo de pesca de altura y pasamos algunas noches en el mar, lo que me dio la oportunidad de apreciar el modo en que se ganan la vida los pescadores.”

Secuela de la película de terror Sé lo que hicisteis el último verano. El asesino del gancho está de vuelta. Así que Jennifer Love Hewitt vuelve a pegar gritos en una "paradisíaca" isla, donde pasa unos días con varios amigos tras "acertar" la respuesta de un concurso.

La hijita del cónsul chino en Estados Unidos es secuestrada por unos desaprensivos. Desean así vengarse del duro golpe que el cónsul propinó al narcotráfico cuando vivía en Hong Kong, tiempo atrás. El FBI se ocupa del caso, pero el cónsul manda llamar a Lee, su mejor amigo (Jackie Chan, nuestro héroe), para que eche una mano. Como los detectives americanos creen que va a ser un estorbo, deciden ponerle como "niñera" a James Carter (Chris Tucker, nuestro otro héroe), un policía un poco pelmazo, que siempre se mete en líos. Lee y Carter acaban conformando una pareja explosiva. El film ha sido un exitazo de recaudación en todo el mundo. El buen humor y una trama movida se entienden en todas partes. Sobre los populares actores, el director, Brett Ratner, afirma que "Chris Tucker es un maestro del diálogo cómico mientras que Jackie Chan es un maestro de la comedia física. Son un matrimonio perfecto". No le falta razón.

Steh (George Clooney) y Richard (Quentin Tarantino) son dos atracadores de bancos perseguidos por la justicia. Con el FBI a sus espaldas toman como rehenes a la familia Fuller (Harvey Keitel y Juliette Lewis). Con ellos atraviesan la frontera mejicana; una vez en Méjico deciden pasar la noche en un local de carretera. Los acontecimientos toman un brusco giro, cuando al llegar la medianoche los demás clientes del garito se transformen en unos espeluznantes "zombies" ávidos de sangre humana. Robert Rodriguez dirige este film, que mezcla bruscamente ingredientes de distintos géneros cinematográficos: thiller, cine de terror..., todo ello aderezado de la peculiar estética de Tarantino (Pulp Fiction), tan proclive a mezclar la violencia más salvaje con un ácido humor tirando a cutre.

Johnny Wolfe (Charlie Schlatter), un joven roquero frustrado sabe que sólo hay una persona capaz de devolverle la ilusión y las ganas de vivir, Elvis Presely(David Keith). Ayudado por los componentes de su banda y por su amiga Rossi, decide secuestrar a la estrella más famosa del mundo. Para asombro de sus raptores, Elvis, se deja secuestrar y decide quedarse unos días. A partir de este momento, Johnny y su familia se verán envueltos en una serie de aventuras que harán cambiar sus vidas y la de su ciudad. Tras su opera prima, Aventuras en la gran ciudad, Chris Columbus volvía a sentarse por segunda vez en la silla de director, antes de que llegase uno de sus grandes éxitos, Solo en casa. Floja comedia para lo que nos tiene acostumbrados.