Ray Liotta

Charlie, director teatral de prestigio en Nueva York, se casó con Nicole, actriz que triunfó con una película comercial de tres al cuarto, pero que se convirtió en la gran estrella de la compañía de su marido, con el que tuvo un hijo, Henry. Pero ella se traslada a Los Ángeles con el niño, para rodar el piloto de una serie, y aprovecha que Charlie acude de visita, para darle los papeles donde le pide el fin de su relación de forma tajante. Aunque en un principio, se supone que ella quiere resolver la ruptura cuanto antes, sin necesidad de pasar por los tribunales, Charlie descubrirá que tiene una abogada, Nora, capaz de cualquier táctica para favorecer a su cliente, lo que unido a algún malentendido desatará el infierno. Noah Baumbach se inspiró en el divorcio de sus padres, que le dejó traumado, para Una historia de Brooklyn, de 2005, el film que le colocó en el mapa de realizadores a tener en cuenta. Ahora que ha sufrido en sus propias carnes que Jennifer Jason Leigh le pidiera la ruptura matrimonial en 2010, el cineasta puede narrar de primera mano la otra cara de la moneda. Se puede deducir que el film está lleno de referencias personales, marca personal de este autor, que logra su film más sentido. Rehuye los excesos melodramáticos, es más, va involucrando al espectador en el conflicto poco a poco, con un tono en principio intrascendente, y numerosos golpes de humor –que recuerdan al cine de Woody Allen–, hasta que se desvelan poco a poco los resquemores entre los protagonistas y la situación se va volviendo cada vez más tensa. A Baumbach le encanta hablar de incomunicación, que aquí parece ser el principal desencadenante de la trama. Genial resulta la escena del juicio donde los dos personajes no se hablan, son los abogados quienes cuentan una historia exagerada que no tiene mucho que ver con la realidad. También recoge la drástica transformación de quienes se supone que se llevan bien, pero cuando se produce un conflicto son capaces de transformarse en monstruos, convirtiéndose en seres capaces de usar cualquier táctica rastrera a su favor. Queda como moraleja la constatación de que un divorcio nunca puede ser bueno, por muy buena voluntad que ambas partes le pongan, aunque como reflejo de la sociedad actual el film parece aceptarlo como inevitable, nadie parece plantearse la posibilidad de seguir juntos y tratar de resolver la situación. El neoyorquino deja siempre mucho espacio para los actores, por su puesta en escena teatral. De esta forma permite el lucimiento de los dos protagonistas, Scarlett Johansson y Adam Driver, pocas veces mejor aprovechados, ambos dejan boquiabiertos al respetable sobre todo en sus monólogos (el de ella cuando acude por primera vez a ver a Nora, el de él en un bar), y en una discusión entre los dos en la que sacan todos los rencores que tienen dentro. Están rodeados de una cohorte de secundarios de primera fila, entre los que destacan Laura Dern –que da lugar a los mejores momentos de risa como letrada al servicio de ella–, el veterano Alan Alda –jurista que aconseja al protagonista masculino– o Ray Liotta –abogado tiburón–.

Harlee Santos, teniente de la policía de Nueva York, forma parte de una unidad dirigida por el veterano Wozniak. Su eficacia resolviendo casos no impide que estén enredados en trapicheo,s que les permiten a ella y a sus compañeros ganarse un sobresueldo. Ella, que es madre soltera, y tiene una hija adolescente con gran talento musical, espera poder costearle una educación adecuada. Por otro lado, a un policía novato, recién llegado, empieza a introducirle en estas corruptelas, cuando manipula unas pruebas para que no le acusen de homicidio involuntario. De todos modos, todo el "tenderete" se le va a venir abajo cuando un oficial de asuntos internos pilla a Helen con las manos en la masa. El dilema es colaborar para evitar la condena, entregando a su superior, o apechugar con las consecuencias. Las cosas se complican desde el momento en que Wozniak detecta que existe un soplón en la unidad. Jennifer López, cantante de éxito indiscutible, vuelve a intentarlo como actriz, terreno que se le resiste más, aunque haya desarrollado una carrera bastante consistente. Ahora prueba con el popular terreno de las series televisivas, y al menos en el piloto se ponen unas basas lo bastante sólidas para mantener el interés. Además tiene junto a sí a un actor de carácter, como Ray Liotta, que encarna a su jefe, que la aprecia un montón, pero que es duro como una roca. El creador es Adi Hasak, que hasta ahora sólo había escrito guiones para el cine, como el del thriller 3 días para matar. Y entre los directores que dan empaque, destaca el veterano Barry Levinson. Con los mimbres de intriga policial y drama humano, la cosa promete, pero habrá que ver más episodios para un juicio definitivo.

Athena aspira a triunfar en el mundo de la danza, pero su padre la llama de vuelta a casa, para que le atienda, pues padece un cáncer. Buena hija, acude a cuidarle, pero cuando surge la oportunidad profesional de su vida, se debate en un mar de dudas. Un drama en toda regla, con Rose Leslie y Ray Liotta como hija y padre.

Lillian regresa a su pueblo natal en la tupida y boscosa zona del Pacífico Noroeste. Allí será acosada por un ex policía que ha llegado a convertirse en jefe del crimen. Pero Lillian contará con la ayuda de un ex maderero de la zona. Apañado thriller con argumento bastante poco original y una trama de lo más simplona, pero cuyo desarrollo se sigue con interés, pese a que tampoco los personajes tienen demasiado recorrido. Mucho tiene que ver la sólida y oscura dirección de Daniel Alfredson (La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina) y la presencia de un reparto estelar, encabezado por Anthony Hopkins y Julia Stiles.

Debut en la dirección de Cathy Scorsese, que prueba que el talento no está necesariamente en los genes, incluso cuando papá Martin Scorsese se presta a apoyar, incluso con una pequeña aparición. Cuenta una historia de jovenzuelos universitarios que se enfrentan a una misteriosa amenaza, que asoma por primera vez con la desintegración, tal cual de uno de ellos.

Hollywood. Stretch aspiraba a ser actor, pero se ha quedado en conductor de limusinas, apadrinado por otro profesional del sector, que acabó pegándose un tiro, y que de vez en cuando se le aparece en curiosas alucinaciones. No cree en el destino, sino en el estar ahí, las casualidades, lo que le permitió por ejemplo conocer a una espectacular mujer, y romper luego con increíble facilidad. Pero el caso es que la telefonista de la empresa está atenta para darle las carreras que mayores ganancias pueden reportarle, algo que se hace acuciante un día en que una deuda de juego, recomprada por los chinos, le obliga a saldarla en menos de 24 horas. Hacer una serie de servicios a un excéntrico millonario puede quizá darle los 6.000 dólares que necesita ya, sí o sí, pero ignora que el tipo está siendo investigado por el FBI. Disparatada y alocada cinta de acción con puntos de comedia surrealista, narrada por el protagonista con voz en off atravesada de ironía, confirma cierto deslizamiento hacia abajo de la carrera de un cineasta que prometía, Joe Carnahan, que aquí también firma el guión. El planteamiento sigue el esquema de títulos como Jo, ¡qué noche! de Martin Scorsese, en que al protagonista le ocurren todo tipo de cosas, a cada cual más disparatada. El resultado es irregular, pues junto a algún momento más o menos brillante, o al menos impactante, se imponen los pasajes tediosos que quieren sorprender o "epatar", que cada cual decida, pero que lastran el film con su pretendido toque "moderno".

Alentados por Dominic Badguy (Ricky Gervais), los Muppets emprenden una gira por varios países europeos, en donde darán a conocer su divertido show. Sin embargo, lo que Dominic desea es en realidad servirse de esa treta para realizar una serie de robos a gran escala en esas ciudades. Para ello idea un maquiavélico plan: sustituir a la rana Gustavo por el malvado Constantine, de casi idéntica apariencia, que acaba de escaparse de una cárcel siberiana. Los Muppets son una pandilla de marionetas animadas que han tenido un enorme éxito especialmente en la televisión, desde que fueran creados por Jim Henson allá por los finales de los años 60 del pasado siglo. Entre ellos los más conocidos son la rana Gustavo, la cerdita Peggy y el oso Fozzie, los cuales junto a otros muchos forman una especie de compañía dedicada al mundo del espectáculo, una especie de gran familia un tanto variada donde entre tiras y aflojas, amores y discusiones, finalmente acaba reinando la armonía y el amor. A lo largo de su trayectoria han participado en muchas producciones, a menudo interpretadas junto a actores de carne y hueso, casi siempre de género muy cómico, aunque a veces hayan tenido su punto de drama, como en Los teleñecos en Cuentos de Navidad. El Tour de los Muppets –que igual podría haberse titulado en “La gira de los teleñecos”, pues de ese modo fueron siempre conocidos en España estos personajes– es la secuela cinematográfica de Los Muppets, la más reciente versión para el cine de las aventuras de estos muñecos. Vuelve a estar detrás de las cámaras James Bobin y mantiene el nivel, si no supera a su predecesora. El propio Bobin ha ejercido como coguionista con Nicholas Stoller y ambos han pergeñado una trama de aventuras y acción criminal bastante animada, llena de momentos divertidos, con numerosas localizaciones reales en ciudades como Berlín, Madrid, Dublín o Londres y un toque un poco “vintage” que recuerda a la época de la guerra fría, con esas tronchantes escenas en el Gulag siberiano. Se usan asimismo los tópicos referentes a los distintos países, algunos un poco pasados de rosca (esos guardias civiles custodiando el Museo del Prado), aunque sirven para situar las diferentes idiosincrasias culturales sobre todo para los niños. La película es también un homenaje claro al mundo del Entertainment, de la época clásica de los musicales de Broadway o Hollywood, y en este sentido los números musicales están muy presentes y quizá sean lo mejor, empezando por ese prólogo de un clasicismo que se remonta hasta la época de Busby Berkeley hasta llegar a números más modestos pero muy efectivos como “I’m Number One” (interpretado por Ricky Gervais) o “The Big House”, con una graciosa Tina Fey (Noche loca). Por lo demás sorprende la enorme variedad de estrellas reales que aparecen en esta cinta, algunos con cameos que duran un suspiro (James McAvoy, Salma Hayek, Frank Langella, Hugh Bonneville, Zach Galifianakis, Christoph Waltz, Stanley Tucci, Chloe Moretz, Tom Hiddleston, Tony Bennett y hasta Lady Gaga, por citar uno pocos) y otros con más minutos y bastante desparpajo, como es el caso de los ya mencionados coprotagonistas Ricky Gervais y Tina Fey, pero también de Ty Burrell (Modern Family), Danny Trejo (Machete), Ray Liotta (Narc) o incluso Céline Dion, quien se marca una canción a dúo con la mismísima cerdita Peggy.

Matar al mensajero reconstruye la historia real del periodista Gary Webb, ganador de dos premios Pulitzer. Adapta su libro "Dark Alliance", y el estudio sobre su trabajo de Nick Schou "Kill the Messenger: How The CIA’s Crack-Cocaine Controversy Destroyed Journalist Gary Webb", de donde ha salido el título del film. Matar al mensajero presenta a Webb cuando tras un trágico suceso se ha mudado con su familia a California, donde trabaja en el San Jose Mercury News, un diario relativamente pequeño. Pero la novia de un traficante de cocaína le proporciona un documento que vincula a la CIA con el contrabando de cocaína. Sus investigaciones posteriores sacarán a la luz que la administración estadounidense al menos miró hacia otro lado cuando los rebeldes nicaragüenses de la Contra impulsados por la propia CIA introducían droga en territorio estadounidense para financiar sus actividades. En una línea que recuerda más a sus logrados episodios de Homeland que a sus cintas 'indies' L.I.E. y El fin de la inocencia, el valioso realizador Michael Cuesta recupera el tono y el espíritu de los films setenteros sobre la prensa de Alan J. Pakula El último testigo y Todos los hombres del presidente. Aporta además una sutil defensa del periodismo de investigación en un tiempo en el que la crisis de los medios parece haber acabado con él por completo. Cuesta consigue una enorme intensidad a pesar de que la historia transcurre por caminos conocidos, y aprovecha el talento de los destacados secundarios con los que cuenta, como Tim Blake Nelson (abogado de un capo del crack), Oliver Platt (el redactor jefe), Andy García (un pez gordo mafioso 'encarcelado'), Michael Sheen (ideal para componer a un político), Ray Liotta (un oscuro confidente) y la española Paz Vega (la stripper que desencadena la trama). Pero sobre todo se lucen Jeremy Renner, en uno de sus mejores trabajos en la piel del protagonista, y Rosemarie DeWitt (su esposa, Sue). Matar al mensajero se compone de momentos destacables, como la conversación del personaje central con su hijo. Reivindica el papel del llamado Cuarto Poder en la sociedad democrática, al tiempo que explora la dificultad para ceñirse a la responsabilidad profesional, y mantener los deberes familiares, cuando se sufren grandes presiones y una campaña de descrédito.

Casi diez años después de Sin City, los directores Frank Miller y Robert Rodríguez entregan la segunda parte de su película-cómic sobre la ciudad donde reina el pecado, la muerte, la violencia y el desenfreno. "En Sin City quien no se corrompe se pudre", dice un personaje. Aquí el guión, escrito y basado en el cómic de Miller, sigue tres historias interconectadas: la de un jugador de póker que se enfrenta al temible Senador Roark; la de la bella Ava Lord, que se propone seducir de nuevo a su ex novio Dwight; y la de la bailarina Nancy, deseosa de vengar la muerte de su adorado Hartigan. Lo más impactante del film sigue siendo la puesta en escena, verdaderamente original. El nocturno blanco y negro (muy blanco y muy negro) de las viñetas se rompe de vez en cuando con algún elemento de color que logra un efecto estupendo (los ojos verdes de Ava, las heridas faciales de Dwight, el pelo rubio de Marcie, los faros del coche, la explosión, los labios, etc.). La narración es atractiva, los efectos especiales eficaces (soberbio vuelve a ser el maquillaje) y la voz en off ofrece frases modélicas, muy de cine negro. Por supuesto, una de las señas de identidad del producto sigue siendo la gran presencia del sexo –aquí con muchas escenas exhibicionistas de Eva Green– y la violencia brutal, una constante durante todo el metraje. El resultado es inferior a la primera película pero su fuerza es también indudable. El nutrido reparto es asombrosamente espectacular.

Derrick (Michael Chiklis) se ve envuelto en un atraco en el que habrá rehenes. La situación se complica cuando aparece el FBI, la policía y la mafia. Thriller de acción que juega a varias con tensión a varias bandas. Pero el resultado es poca cosa y lo mejor acaba siendo el espléndido reparto de rostros conocidos.

Película inspirada por un personaje real, Richard Leonard Kulinski (1935-2006), conocido como "El polaco". Técnico en un laboratorio de películas pornográficas, psicológicamente perturbado, tiene a un hermano en la cárcel, y él mismo es un tipo violento, que mata sin piedad. Cualidades apreciadas por mafiosos y criminales que necesitan alguien que les haga los trabajos sucios, de modo que Roy DeMeo se convierte en su enlace para ejecutar los encargos de los Gambino. Kulinski operaba en New Jersey, y mientras realizaba sus actividades asesinas, fue capaz de casarse y formar una familia con dos hijas, con quienes llevaba una vida normal. Ariel Vromen trata de ahondar en la doble vida del protagonista, y la ceguera de una familia que no se enteraba de lo que hacía su esposo o padre, creyendo en cambio que llevaba a cabo una actividad inmobiliaria o financiera sobre la que preferían no saber más. Y lo hace manteniendo una distancia que puede producir rechazo en el espectador. Michael Shannon hace creíble al lacónico psicópata, que se gana a pulso el segundo apodo de "hombre de hielo", aunque tenga a veces arranques calientes de furibunda ira. Winona Ryder se las apaña a medias para componer a la mujer que no se entera, pero algunas reacciones no resultan muy creíbles.

Recién salido de la cárcel, Frankie se involucra en el golpe más desaconsejado de todos: asaltar una partida ilegal de póker, una acción que siempre tiene consecuencias para sus autores. Su mentor le anima asegurándole que tiene las espaldas cubiertas, pues todas las sospechas recaerán en Trattman, el organizador del juego, que ya robó en el pasado su propia partida. No cuentan con la llegada de Jackie Cogan, asesino profesional experto en poner las cosas en orden en este tipo de situaciones. El neozelandés Andrew Dominik entrega su tercer film, Mátalos suavemente, tras Chopper y El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, y de nuevo sorprende por su dominio narrativo, con escenas muy medias y buen perfilado de personajes masculinos, interpretados por un reparto maravilloso, encabezado por Brad Pitt, también productor. Dominik acude con inteligencia a actores asociados a historias gangsteriles, como Ray Liotta (Uno de los nuestros) y James Gandolfini (Los Soprano). Y a todos, incluido el cerebro gris Richard Jenkins, les regala escenas intensas, un regalo para cualquier intérprete. La idea de entregar la historia punteada por televisores donde Bush y Obama hablan de la crisis económica y los valores que han hecho grandes a los Estados Unidos resulta eficaz en su ironía, sirve para criticar la falta de principios e inmoralidad de los gángsteres del film, que también estaría presente en otros órdenes de la sociedad. Sí, el cinismo es una actitud muy presente en Mátalos suavemente, empezando por ese título que alude a lema de Cogan de matar al otro sin que se lo espera, para evitar su derrumbe, los lloriqueos que apelan a la compasión. Igualmente domina la violencia, hiperrealista y muy desagradable en algunos pasajes.

Luke es un experto motorista. Dejará su vida errante como empleado de un circo tras recibir la noticia de que tiene un hijo de un año. Para demostrar a la madre del crío –que mantiene una relación estable con otro hombre– que puede hacerse cargo de ellos, el desesperado Luke decide atracar bancos. Así se cruzará en su camino el policía novato Avery Cross, un hombre corriente que comprobará cómo su futuro da un vuelco debido a Luke y que verá que todo su mundo cambia alrededor cuando la corrupción policial le toque de lleno. Tras el drama Blue Valentine, el actor Ryan Gosling vuelve a confiar en la dirección de Derek Cianfrance para su siguiente película, Cruce de caminos (The Place Beyond the Pines), otro drama, aunque esta vez mejor armado, en donde el propio Cianfrance ejerce de coguionista junto a Ben Coccio y Darius Marder. La historia habla de dos hombres, situados a ambos lados de la ley, pero cuyas vidas, pecados y errores, tendrán claros paralelismos y acabarán por arrastrar a sus descendientes. Dentro de una historia dura, con terribles consecuencias, se esfuerzan los responsables por no demonizar a nadie. Un instante, una decisión, una casualidad…, pueden definir tu futuro. Nadie es totalmente responsable, nadie es malvado del todo, aunque sí que cada uno aportamos nuestro granito de libertad para decidir el siguiente paso. La estructura narrativa desconcierta un poco, pues hacia la mitad de la película ésta da un giro de 180 grados, como si empezara otra historia distinta. Cada mitad se centra en uno de los dos personajes, el delincuente Luke y el policía Avery, para después redondear el film con la inclusión de sendos vástagos. Las relaciones paternofiliales se revelan así esenciales y queda muy bien reflejada la necesidad de un modelo masculino adulto en quien apoyarse, un padre que ayude a configurar el propio carácter. Por otro lado, en la línea antimaniquea del f¡lm se muestran los comportamientos corruptos del poder, un entramado pegajoso del que resulta difícil salir, pues igual que nadie es un pecador absoluto, tampoco nadie es un santo. Son temas peliagudos, pero Cianfrance sale airoso, además de eludir el fatalismo que siempre planea sobre el horizonte. El drama funciona gracias a la concepción de unos personajes atractivos, reales, con personalidades bien trazadas y reacciones verosímiles, tanto de padres como de hijos. Sin duda alguna mucho tienen que ver las intensísimas interpretaciones, entre las cuales destaca la de Ryan Gosling, quien sabe como nadie encarnar a tipos lacónicos con una violencia latente a punto de explotar. También triunfa el más “humano” Bradley Cooper, que logra transmitir una gran vulnerabilidad detrás de esa fachada de hombre triunfador. Por su parte, los jóvenes Dane DeHaan y Emory Cohen están espléndidos.

Jocelyn huye con sus hijos de su violento marido. Contará con la ayuda de Jim, dedicado a resolver situaciones delicadas con personas en peligro. Discreto thriller que atrapa lo justo para mantener el interés. Se ayuda al menos en una correcta planificación y un ritmo adecuado, además de contar con intérpretes de renombre como Ray Liotta (Uno de los nuestros) o rostros conocidos como el de Alexandra Breckenridge (The Walking Dead).

Aunque ostente un "2", este film no puede considerarse como una secuela de Dueños de la calle, sino más bien como un film cortado por el mismo patrón, que sigue el día a día de los policías, enfrentados a la corrupción dentro del propio cuerpo, y al tráfico de drogas. El escenario original de Los Ángeles es sustituido aquí por Detroit, de ahí la coletilla "Motor City".En el reparto destaca un Ray Liotta en horas bajas. Da vida a Marty, un veterano detective de narcóticos, que tras una redada le quedó la secuela de una sensible cojera. Pasado el tiempo sus viejos compañeros empiezan a ser asesinados en extrañas circunstancias. Investiga el caso un policía novato, al que el otro ofrece su amistad y abre las puertas de su hogar, para que las familias de uno y otro compartan barbacoas.Aunque tiene un pase, se trata de un directo a DVD no demasiado ocurrente, donde acaban acumulándose elementos fatalistas demasiado inverosímiles, y con un final decididamente brusco. Destaca en el reparto el desconocido Shawn Hatosy.

Al investigar una serie de crímenes, el detective Jack Verdon se da cuenta con horror de que todas las víctimas se habían relacionado con él en diferentes momentos de su vida. Oscuro thriller que cuenta, como mejor baza, con un reparto de actores muy solventes, encabezados por el siempre enigmático Ray Liotta (Uno de los nuestros).

El director Shawn Levy continúa haciéndose un sitio entre los directores actuales de comedia más populares de la industria. Sus película Noche en el museo y su secuela figuran sin duda entre las más apañadas de su filmografía, una mezcla perfecta entre comedia loca, originalidad, efectos especiales y buenos sentimientos de toda la vida. Ahora sin embargo, da un giro demasiado marcado hacia otro tipo de comedia más gamberra (algunos dirán 'moderna'), basada demasiado a menudo en la picardía soez y los aspavientos tontunos, en este caso de la pareja formada por Steve Carell (Como la vida misma) y Tina Fey (Rockefeller Plaza), dos comediantes en alza. La historia presenta la vida ordenada y tópica de los Foster, un matrimonio acomodado que vive a las afueras de Nueva York. Phil y Claire tienen dos hijos y dos trabajos que les ocupan la mayor parte del tiempo. Salvo algunas cenas programadas para los viernes, sus vidas son de lo más aburrido y rutinario. Pero, tras la noticia de que un matrimonio amigo ha decidido divorciarse porque los cónyuges se llevaban tan bien como dos compañeros de piso, una noche que deciden hacer algo distinto: cenar en un restaurante chick de Manhattan. Y ante la perspectiva de tener que comer en la barra, ambos se hacen pasar por los Tripplehorn, otra pareja que había reservado mesa y que no han hecho acto de presencia. Lo malo es que a mitad de la cena unos desconocidos les abordarán y amenazarán con matarlos si no les dan cierto pendrive con información confidencial. Y ni que decir tiene que los Foster no tienen ni remota idea de a qué se refieren. Hay un fallo en el planteamiento del film, y es dejarlo todo al lucimiento de los actores, confiando que estén inspirados. Por momentos lo están, por supuesto -el graciosísimo jueguecito preferido de los Foster cuando salen a cenar, inventando las vidas de las personas; esa tronchante escena del regreso al restaurante, imitando a gente super “cool” o “in” o como se diga; los gags en torno al atractivo de Mark Wahlberg, etc.–, pero en general el guión de Josh Klausner es poco inspirado y demasiado tontorrón, con personajes de cuchufleta. Y aunque sin perder el tono de comedia intrascendente, cansa demasiado la insistencia en la grosería procaz y la guarrería, como en la interminable y aburrida escena del puticlub. Error más craso si cabe en una película presumiblemente amable y previsible y que se supone busca redescubrir el romanticismo de sus protagonistas.

Zac Efron se esfuerza por mantener la desmesurada popularidad que le dio la saga iniciada con High School Musical. En esta ocasión protagoniza un drama romántico –con elementos fantásticos– que le pone de nuevo a las órdenes de Burr Steers, con quien rodó 17 otra vez. Steers adapta la novela de Ben Sherwood, publicada en España como “La muerte y vida de Charlie St. Cloud”, que ha cosechado un gran éxito. El tal Charlie St. Cloud, personaje que interpreta Zac Efron, es un joven prometedor, a punto de ir a la universidad con una beca deportiva, por su enorme habilidad para la vela. Pero en un trágico accidente de coche muere Sam, su hermano pequeño, y Charlie, que conducía el vehículo, se siente tan afectado que acaba dejándolo todo para trabajar como cuidador en el cementerio donde éste ha sido enterrado. Descubre que puede ver el fantasma del niño fallecido, con el que se encuentra regularmente. St. Cloud parece haber renunciado a avanzar en la vida hasta que se siente atraído por Tess, antigua compañera del instituto y apasionada del mar. Se queda en un drama romántico destinado al público adolescente de bajo calado, con una puesta en escena muy convencional e interpretaciones irregulares. Destaca el pequeño papel de la veterana Kim Basinger, que encarna a la madre del protagonista, mientras que Zac Efron gustará a sus numerosos fans, pero lo cierto es que no parece que vaya a tener una gran proyección en el futuro, a diferencia de algún otro ídolo adolescente, como Robert Pattinson. Se intenta revestir la historia con algunas reflexiones sobre la aceptación de la muerte, la fe, la tenacidad, que a ratos tienen interés. Funciona mejor la subtrama del hermano muerto que la historia romántica, pues aunque al principio tiene su interés, acaba agotando por sus forzados giros, que le quitan cualquier atisbo de seriedad. El título en español parece poco acertado por su gran similitud con la reciente Siempre a tu lado (Hachiko).

Ronnie es un vigilante de un centro comercial muy concurrido. La aparición de un exhibicionista pone en peligro la afluencia de clientela que a diario acude al lugar. El pobre Ronnie ve en este hecho la oportunidad que ha estado largamente esperando para convertirse en un héroe. Si consigue detener al exhibicionista, su estatus dentro del centro comercial cambiará. Pero las técnicas de Ronnie para detener al delincuente dejan mucho que desear. Seth Rogen vuelve con un nuevo título cómico en la línea de los trabajos que ha protagonizado hasta la fecha. Cabe decir que Cuerpos... de seguridad no alcanza el nivel de zafiedad de otras de sus películas como ¿Hacemos una porno?

Liam es tiroteado durante el atraco a un banco. Mientras está en el hospital jura vengarse de los ladrones. Él ya sabe lo que es convertirse en un héroe, así que no duda en ponerse manos a la obra para repetir la hazaña. El detective Subcott tendrá la misión de controlar a Liam en su particular cacería. Títulos menores como éste demuestran que sus protagonistas, Ray Liotta y Cuba Gooding Jr., no pasan por el mejor momento de su carrera. Liotta como el policía y Gooding Jr. como el sediento justiciero, se ponen a las órdenes del debutante Brian Smrz, quien tiene experiencia en el género de acción, pues ha sido el coordinador de especialistas en películas como La jungla 4.0, Taxi o Minority Report.

Drama escrito y dirigido por el sudafricano Wayne Kramer, en cuya breve filmografía destaca The Cooler. En esta ocasión entrecruza diversas historias, todas ellas relacionadas con la inmigración. Al parecer, había un personaje más, interpretado por Sean Penn, que sin embargo fue finalmente eliminado sin que se sepa muy bien por qué. Max Brogan (Harrison Ford) es un agente de inmigración que se encariña con los individuos a los que debe deportar. Una abogada (Ashley Judd) intenta evitar que deporten a una chica de 15 años musulmana que parece interesada en el terrorismo islámico, pero sin que haya pruebas que lo justifiquen. Un joven judío (Jim Sturgess) trata de conseguir trabajo. Un funcionario de inmigración (Ray Liotta) abusa de su posición para acostarse con una modelo australiana (Alice Eve) que necesita la tarjeta de residencia... El realizador y guionista tiene loables intenciones, y cuenta con un reparto desigual, pero que incluye a actores muy conocidos como Ford, Judd (últimamente de capa caída), Sturgess y Liotta. Tomando como punto de referencia la muy superior Crash, su objetivo consiste en mostrar la cruda realidad de las personas que tratan de lograr la nacionalidad estadounidense desde una perspectiva poliédrica. Intenta representar a todos los sectores implicados –policías de inmigración, inmigrantes que llevan tiempo en territorio estadounidense, abogados, funcionarios, etc.– y también están representadas todas las minorías: musulmanes, hispanos, asiáticos y judíos. Se supone que los personajes deben ser tridimensionales como en el film de Haggis, donde el mismo personaje puede comportarse en un momento dado de forma mezquina, pero después convertirse en un héroe. Por desgracia, los personajes de Kramer acaban siendo demasiado estereotipados, y algunos muy poco creíbles. Por ejemplo, está metida con calzador la historia de Ray Liotta, que tras colisionar casualmente con Alice Eve, le propone sexo como si tal cosa a cambio de la 'Green Card'. La reacción de ésta no se comprende muy bien, ya que a veces parece que ha accedido sin problemas y en otras secuencias está horripilada. Además, la relación se muestra con un exhibicionismo que parece fuera de lugar. La resolución de la historia de la joven estudiante musulmana resulta efectista y sensiblera. Y la secuencia teóricamente más emotiva, un atraco en un supermercado, está muy forzada y no resulta creíble. Otras no están mal llevadas. Destaca especialmente el relato del joven (Jim Sturgess) que finge ser un devoto judío para conseguir trabajo cuando no ha pasado en su vida por la sinagoga. Su cómico desenlace es lo más brillante del film.

El actor irlandés Stuart Townsend –despedido por Peter Jackson, que le había contratado para interpretar a Aragorn, en El señor de los anillos– debuta como director con esta cinta protagonizada por Charlize Theron, su novia. Protagonizada por personajes ficticios, tiene como fondo sucesos reales, las protestas que tuvieron lugar en Seattle en 1999, durante la reunión de la Organización Mundial de Comercio (O.M.C.). A esta ciudad del estado de Washington acudieron a manifestarse entre 50.000 y 100.000 personas, entre sindicalistas, anarquistas, ecologistas y militantes de organizaciones variopintas. Aunque su objetivo era en un principio protestar de forma pacífica, la escalada de violencia se fue intensificando, hasta que se generalizaron los enfrentamientos entre antidisturbios y manifestantes, la ciudad se convirtió en un caos, y se declaró el estado de emergencia. Townsend, que también ha escrito el guión, se ha propuesto ofrecer el punto de vista de todas las partes implicadas, los manifestantes, los agentes de policía, los delegados que acuden a la reunión y los ciudadanos de Seattle. Salvando las distancias, su modelo sería Bloody Sunday (Domingo sangriento), excepcional cinta de Paul Greengrass. Se puede decir que el film de Townsend tiene a su favor que las secuencias dramáticas –que se alternan con imágenes de los auténticos sucesos– resultan bastante convincentes. En esto tiene mucho que ver que Stuart Townsend sabe dirigir muy bien a los actores. Algunos realizan estupendos trabajos, como Ray Liotta (el alcalde) o Woody Harrelson (un agente de policía traumado por la pérdida de su hijo). No puede evitar Townsend que su visión de los sucesos parezca excesivamente incompleta. Sus manifestantes están motivados por nobles ideales que despiertan la simpatía del público, pero no es capaz de explicar por qué la O.M.C. es un obstáculo para que se cumplan esos objetivos. Resulta especialmente brillante un diálogo entre dos manifestantes, que llegan a la conclusión de que antes de sus protestas nadie sabía lo que era el FMI. “Ahora, tampoco lo saben”, dice uno de ellos, y el otro replica: “Pero por lo menos saben que es algo malo”. El film disimula muy poco –menos que otros títulos similares– hacia dónde se dirigen las simpatías de su director. Éste explica mejor las posturas de los manifestantes que la del alcalde, por ejemplo, desbordado por los acontecimientos. De la misma forma, sólo da voz a los delegados que disienten de la política de los países ricos. Y muestra con una gran crudeza secuencias de brutalidad policial.

A veces, en el cine, las chupinadas pueden triunfar si se sabe cómo acompañarlas. En el caso de esta película, no hay duda de que la elección de un reparto impresionante ha desnivelado la balanza y ha logrado que esta comedieta haya sido recibida muy bien por el público. La cosa va de cuatro amigos en torno a los cincuenta años, que ven cómo sus vidas son un completo rollo. No es que sea horrible en todos los casos, simplemente se están haciendo viejos y eso no lo llevan bien. Así que, cediendo a sus ansias de novedad y libertad, al deseo de huir de sus rutinarias vidas y al recuerdo de sus irresponsables años universitarios, deciden coger sus cuatro Harley Davison y hacer un viaje hasta la costa del Pacífico. Sin planes, sin horarios, sin móviles... La película es graciosa a ratos y, en honor a la verdad, los actores son tan buenos que consiguen sacar a flote –aunque a duras penas, es cierto– esta especie de parodia de la de los años 60, con chistes de todo tipo. El retrato de los protagonistas es bastante tópico: grupito de perdedores que decide hacer una escapada, pero se nota que hay química entre los actores. Y hay variados gags muy divertidos, como el que hace referencia al asqueroso trabajo de Bobby (Martin Lawrence) o casi todos en los que William H. Macy explota sus habilidades como completo patoso y mastuerzo (lo del chile y el baile es de mondarse). Por lo demás, destaca una graciosa y breve aparición del veterano Peter Fonda, en claro homenaje a Easy Rider, uno de sus títulos emblemáticos.

Granjero, como todo el mundo le conoce, es un humilde campesino que vive de la tierra junto a su mujer Solana y su hijo Zeph. Cuando el ejército de krugs, liderados por el malvado Galian, asesina a parte de su familia y secuestra a su esposa, Granjero decidirá acabar con ellos y luchar al lado del ejército real. Los krugs no son humanos, son bestias que están manipuladas por Galian, un poderoso mago que pretende hacerse con el reino, no sin antes acabar con el estúpido y ambicioso sobrino del rey, y ganarse la confianza de Muriella, hija del mago real Merick. El alemán Uwe Boll (House of the Dead) deja a un lado el género de terror para rodar esta cinta épica, mezcla de aventuras con tintes fantásticos que se basa en el videojuego Dungeon Siege. La historia seduce nada más empezar el metraje, gracias a la acción, prácticamente presente a lo largo de toda la película, y que hará las delicias de los incondicionales. El protagonista Jason Statham (Transporter), da muestras, nuevamente, de que es un actor de acción que no desaprovecha la oportunidad de regalar numeritos acrobáticos, a pesar de que su personaje no es de guerrero, sino el de un simple campesino. Pero con carácter, eso sí. Su rostro no cambia ni cuando le dice ‘te quiero’ a su mujer, encarnada por una bella Claire Forlani (¿Conoces a Joe Black?). Las luchas con espadas y flechas, o cuerpo a cuerpo entre humanos y krugs son lo más llamativo del film, escenas que recuerdan bastante a la saga de El Señor de los Anillos, al igual que la aparición de personajes secundarios que se alían con los buenos, o la introducción de elementos mágico-fantásticos. En cuanto a roles, el villano aparece interpretado por un Ray Liotta (Uno de los nuestros) algo contenido, y para hacer del rey, Boll ha confiado en Burt Reynolds (Los caraduras), que no exprime su personaje tanto como debiera. Destacan en roles secundarios, Ron Perlman (Hellboy), Leelee Sobieski (Juana de Arco), Matthew Lillard (Alguien como tú), en un papel nada agradecido, y John Rhys-Davies, el célebre enano Gimli de la trilogía de J.R.R. Tolkien. Por otro lado, durante la trama hay momentos para mostrar unos personajes movidos por el honor, el orgullo y el amor por la familia y la búsqueda de sus raíces, que representan la parte más emotiva y sirven para dar un respiro entre tanta batalla. No obstante, y a pesar de empezar la película con buen ritmo, éste flojea en cierta manera, hacia la segunda mitad, y precipita en un final algo predecible.

Emotiva película que narra la relación entre un pintor que se enfrenta a la muerte y un adolescente que quiere aprenderlo todo del arista. A pesar de la diferencia de edad, la afición que comparten por la pintura será la puerta que abra el camino hacia una relación donde maestro y alumno acabarán aprendiendo el uno del otro. Esta película retrata un tipo de relación maestro-pupilo ligeramente distinta de la que se pueden ver en títulos como Karate Kid. Sin embargo, el cine ha echado mano en contadas ocasiones también de este tipo de relaciones, donde el talento del veterano y la ilusión del novel, acaba dando paso a una estrecha relación que va más allá del simple aprendizaje de una lección.

Simpático film familiar de guerra de sexos y desencuentros amorosos. Walter Pearce es un pobre tipo que ha engañado a su mujer y por ese motivo se encuentra de buenas a primeras de patitas en la calle. Decide entonces mudarse a un barrio distinto, donde casualmente vive una joven estrella del fútbol americano del instituto, un tal Skular Eckerman. Resulta que este joven es un estratega de primera y puede ayudar a Walter a recuperar a su esposa. Aunque no suele prodigarse demasiado por el género de la comedia, Ray Liotta (Uno de los nuestros) logra un convincente trabajo.

Buddy ‘Ases’ Israel, un cantante de medio pelo, ha logrado crearse un nombre en el mundo del espectáculo gracias al respaldo de la mafia. Tan creído se lo tiene el tipo, que piensa que él mismo puede comportarse con modos gangsteriles, liderando una banda, y llevando sus propios y sucios negocios. Pero no piensan lo mismo los que le apoyaron en otro tiempo, que creen que ha llegado la hora de quitarle de en medio. Entretanto la policía le tiene pillado, y lo retienen ‘hiperprotegido’ en un hotel, mientras negocian un acuerdo a cambio del cual él testificará contra importantes mafiosos. Este cúmulo de circunstancias justifica que el hotel esté a punto de convertirse en un sanguinario ‘camarote de los hermanos Marx’, donde distintos grupos de asesinos y cobradores de apuestas, cada uno por su cuenta, comparten el mismo objetivo: llegar hasta la lujosa suite de Buddy para matarlo, o lo que sea… Hace cuatro años Joe Carnahan llamó la atención con Narc, un duro y realista film sobre el tráfico de drogas. Aquí, inicialmente, parece optar también por un estilo visual pegado al mundo real. Pero la impresión dura poco, pues este vertiginoso film, pródigo en acción y violencia, enseguida sigue sendas ‘tarantinescas’, con personajes como las dos negras asesinas a sueldo, bromas como la fugaz presencia de Ben Affleck, y ensaladas de tiros cercanas al spaghetti-western, singularmente la que acontece en torno a un ascensor. Así, todo deviene en puro juego con apañado reparto, muy movidito, de lealtades y deslealtades, con alguna que otra increíble (?) sorpresa. O sea, tenemos un aplicado ejercicio, de cineasta que sabe rodar, pero que no tiene qué rodar, o al menos ese ‘qué’ es bien poca cosa.

Interesante producción de Danny DeVito de aires trágicos, ambientada en el mundo del juego, cuyo mayor gancho es sin duda el espectacular reparto, plagado de rostros conocidos. La película sigue a varios personajes. Carolyn Carver (Kim Basinger) es una escritora con una seria adicción al juego, que lógicamente acaba conduciéndola hacia el desastre. La ruptura con su familia, amigos y demás gente querida es algo que parece inevitable. Lo único que Carolyn podrá hacer en su lamentable situación será pedir ayuda, pero ¿a quién? y ¿a qué precio? Quizá podría echar una mano Walter, un mago con mucha labia. Por otro lado Clyde está entrampado en el mundo de las apuestas, por lo que pide a su hermano, prometedor base de baloncesto, que los resultados de los partidos de su equipo se acomoden a las necesidades que le imponen unos matones. Mark Rydell, el director de En el estanque dorado, logra un film interesante, que habla de sueños y ambiciones, y de los riesgos y precios que pagamos por hacerlos realidad. Con buena mano artesana dibuja los conflictos de los numerosos personajes, y sus diferentes destinos. Tal vez quiere abarcar demasiado, pues hay espacio para un toque cínico, pero también para el amor, el sacrificio y el arreglo de las desavenencias conyugales.

En un corto lapso de tiempo el director Guy Ritchie (Snatch. Cerdos y diamantes) olvida sus malas experiencias con fallidas comedias románticas estilo Barridos por la marea y firma dos thrillers con su sello más personal: éste y RocknRolla, de calidad superior. Aquí cuenta la historia del Sr. Green, un buscavidas con malas pulgas que por culpa de un mafioso llamado Mach pasa siete años entre rejas. Tras la forzada reclusión, el tipo sale de la cárcel dispuesto a cantarle las cuarenta a su “carcelero” y lograr así la venganza deseada. Pero las cosas se complican con guerras de bandas, alijos de drogas, asesinos a sueldo y la entrada de dos peculiares usureros que obligan al Sr. Green a trabajar para ellos. El cine de Guy Ritchie se caracteriza por el exceso técnico y las enrevesadas tramas criminales, y aquí hay un poco de todo eso: continuos juegos visuales y cromáticos, guión gangsteril muy sinuoso, violencia paródica y extrema, variedad de hilos narrativos, etc. Como siempre, la puesta en escena es vibrante, lo cual hace que el conjunto resulte entretenido, pero aquí la faceta formal deriva muy peligrosamente hacia los encuadres psicodélicos y demasiado cargantes, y hasta se permite "copiar" a Quentin Tarantino en algunas escenas animadas al estilo Kill Bill Volumen 1. Aunque la historia es simple, la trama es algo confusa y a menudo discursiva, debido al equivocado interés de Ritchie por decir "cosas serias", con sentencias de tipo pseudofilosófico e insertos de citas de libros antiguos, etc. Es una lástima, porque lo único que se consigue con la verborrea interior del protagonista es frenar una y otra vez el ritmo propio del film. En el aspecto artístico destaca el papel de Mark Strong como asesino, caracterizado de forma tan letal como humorística. Y también está logrado el trabajo de Ray Liotta, que encarna a un mafioso iracundo y patético.

Ray Liotta recupera su faceta más dura para encarnar al policía Ford Cole, que acaba implicado en un atraco promovido por un importante miembro del crimen organizado. La situación escapa al control de Cole, por lo que decide comenzar una investigación por su cuenta para esclarecer los hechos. Entre los secundarios destaca la presencia de Chiwetel Ejiofor, un actor que con posterioridad demostró su talento en títulos como Cinturón rojo.

Un peligroso psicópata es juzgado y condenado a muerte. En el último momento, unos agentes del gobierno impiden que sea ejecutado, para probar con él una droga que supuestamente rehabilita a los asesinos. Pero él se escapa del laboratorio y acude a vengarse del tipo por culpa del cual le detuvieron. Ray Liotta interpreta al asesino protagonista de este thriller con toques de ciencia ficción, de prometedor punto de partida que recuerda a La naranja mecánica, de Kubrick.

Steven Schats lleva mucho tiempo intentando triunfar en el mundo del cine, aunque por el momento sólo ha entregado un trabajo taquillero. Años después de presentar su proyecto para un largo a todas las productoras posibles, se pone en contacto con él Joe Devine, aparentemente un productor interesado. Schats ignora que Devine es en realidad un agente del FBI que necesita fingir un falso rodaje, para atrapar a unos mafiosos que organizan el transporte de material para los rodajes. Aunque el argumento de esta comedia parece bastante disparado, resulta que se inspira en una historia real. El cineasta Jeff Nathanson leyó en un periódico las peripecias de Gary Levy y Dan Lewk, dos tipos engañados por el FBI, y usó la historia como base para este film, que cuenta con muchos actores de renombre.

Las películas con asesino psicópata suelto han proliferado tanto, que la prevención hacia cualquier film en esta línea surge como natural mecanismo de defensa en el espectador avezado. Pero Identidad de James Mangold es un film inteligente, donde el esfuerzo por tener al público con el corazón en un puño no está reñido con una historia coherente, y con sorpresas. No en vano Mangold exhibe una trayectoria fílmica razonable, donde ha abordado la descripción de tipos desequilibrados (Heavy, Inocencia interrumpida), el cine policíaco (Copland), e incluso el romántico (Kate & Leopold). Cuenta Mangold con un guión excelente de Michael Cooney, bien trabado, gracias al cual sirve unos primeros cuarenta minutos de película perfectos. En ellos muestra cómo un grupo de personajes variopintos termina pasando la noche en un solitario motel, en medio de ninguna parte, aislados por una tromba de agua. Con preciso mecanismo de relojería somos testigos de la avería que sufre un coche con un matrimonio y un niño a bordo; de aquí se encadena de modo vertiginoso, brioso montaje, a un atropello, en el que se ve involucrado el automóvil de una actriz venida a menos; y vamos sumando personajes, una prostituta de lujo, una pareja recién casada en Las Vegas, un policía que traslada a un peligroso preso, y el tipo que regenta el citado motel. La citación, al mismo tiempo, de un juez, que debe revisar una sentencia de muerte por la aparición de nuevas pruebas, configura un cóctel extraño, donde el espectador anda desorientado, hasta que todo termina encajando. Quizá James Mangold cae –o se acerca–, en la truculencia, pero a cambio sabe transmitir el desasosiego de unos personajes en permanente crisis de identidad, que no saben quiénes son ni lo que quieren. Lo hace sobre todo a partir del personaje del chófer, magnífico John Cusack, pero también con el resto del atinado reparto. El director engaña al espectador con coincidencias sospechosas, hasta un final que quizá sulfure a más de uno, pero al que resulta imposible negarle su consistencia: y es que el guión tiene atados, y bien atados, sus cabos, lo que no es corriente en los perezosos tiempos que corren.

Mientras intenta atrapar a un peligroso pirómano culpable de una cadena de incendios, un veterano bombero se convierte en el principal sospechoso de haberlos causado. Ray Liotta (Hannibal) y John Leguizamo (Moulin Rouge) protagonizan este thriller basado en hechos reales, que se suma al género bomberil del que Llamaradas y 15 minutos son buenos representantes.

Nick es un poli especializado en misiones de topo en el mundo del narcotráfico. Pero una de sus operaciones sale mal, hasta el punto de que una bala perdida alcanza a una mujer embarazada. Resultado: le suspenden del servicio, mientras estudian su caso. Lo que despierta sentimientos encontrados: por un lado, teniendo él mismo familia, le viene bien un respiro; pero por otra parte, no puede evitar que su cabeza se vaya habitualmente al mundo de pesadilla donde tantas veces se ha desenvuelto. En éstas, le piden su colaboración en un caso de homicidio de un policía. Le toca trabajar con Henry, detective cuyos métodos se revelan poco ortodoxos. El film escrito y dirigido por Joe Carnahan se basa en el caso real del asesinato de un policía de Dallas en 1976, abordado en el documental The Thin Blue Line. Tanto fascinó la historia a Carnahan que primero filmó un corto titulado Gun Point. Pero, dice, “la historia se me quedó en la mente”. El resultado fue el largo que nos ocupa, rodado con un estilo seco y realista. El film contó con el asesoramiento de Todd Merritt, policía neoyorquino que ha realizado tareas similares a las del protagonista. Comenta Merritt que “la mayoría de los policías secretos sufren paranoia porque, a pesar de que están trabajando para los buenos, lo hacen desde la otra acera, la de los malos, y temen que en cualquier momento serán descubiertos. Esto tiene un efecto sobre la vida familiar.”

Un padre de familia. Trabajador honrado donde los haya. Cuando su pequeño sufre un desvanecimiento, lo lleva corriendo al hospital. Está tranquilo, pues su seguro debería cubrir cualquier eventualidad. Debería. Porque los burócratas del centro médico se agarran a la cláusula de turno, para decir que el urgente trasplante de corazón que necesita su hijo, debe pagarlo de su bolsillo. John hace lo posible para reunir el dinero, pero cuando la cosa se pone cuesta arriba, adopta una dramática decisión: ocupa un ala del hospital, toma a varias personas como rehenes, y exige la inmediata intervención médica que necesita su hijo. Nick Cassavetes (Volver a vivir, Atrapada entre dos hombres), acostumbrado al drama y a la composición de personajes, insufla cierta credibilidad a lo que podía ser un puro producto de acción, mamporros y lágrimas. Y describe y critica, sin pelos en la lengua, un sistema de seguros médicos en Estados Unidos que muchas veces da lugar a palmarias injusticias (vamos, para que luego nos quejemos de la Seguridad Social…); aunque quizá se la va la mano un tanto a la hora de plantear la dramática decisión de John Q, con el circo policial y mediático que se organiza en torno al hospital. De todos modos tiene la suerte de contar con el recién oscarizado Denzel Washington, que encarna a la perfección al hombre corriente desbordado por los acontecimientos injustos.

Suspense y drama psicológico. Nueva vuelta de tuerca al estrecho vínculo que une a la agente del FBI Clarice Starling con el psicópata asesino Hannibal Lecter, que se mueve entre la feroz repulsa y la atracción magnética. Los corderos vuelven a chillar. Diez años después de los hechos narrados en El silencio de los corderos, Clarice es una agente al fin experimentada, que luchar por salvar vidas de gente inocente todos los días. En una operación en la que se ve envuelta, el resultado a primera vista es desastroso. Ella ha actuado con sensatez, pero sus jefes la tratan injustamente. Herida moralmente, acepta trabajar en el caso que podría congraciarle son sus superiores. Se trata de la búsqueda de Hannibal el caníbal, huido de la justicia, y sobre el que hay nuevas pistas aportadas por una antigua víctima del doctor: un multimillonario paralítico y de rostro deforme, que pretende una venganza a la altura de su ominoso oponente. Ha habido un consenso casi general en señalar que la novela de Thomas Harris en que se basa el film tenía más de un problema. Los productores Dino y Martha De Laurentiis así lo han entendido al confiar el guión a dos “pesos pesados”: David Mamet y Steven Zaillian. Ambos han tenido la virtud de conservar los mimbres de la historia –al fin y al cabo, su labor era adaptar–, pero realizando una ejemplar labor de poda en muchísimo elemento superfluo, y desechando el cochambroso final. El propuesto es ejemplar: no sólo porque guarda una imprescindible coherencia con la personalidad de los personajes, sino por conservar idéntica situación a la planteada en el libro y conseguir elevar el clímax, casi inesperadamente, a una altura insospechada. ¿Qué decir del reparto? Pues que está muy bien, aunque a Anthony Hopkins y Julianne Moore les faltan más momentos para dar lo mejor de sí mismos. Apenas comparten escena juntos, y el espeluznante juego del “quid pro quo”, que a tan intensos momentos daba pie en El silencio de los corderos, está ausente en el nuevo film; un "leiv motiv" que sustituye al de los corderos que no dejan de chillar, las palomas de vuelo alto y vuelo bajo, trata de cimentar su nueva relación; pero se revela más oscuro y traído por los pelos. Si dirigimos la atención a los nuevos personajes, podemos aplaudir a un sobrio Giancarlo Giannini al que ciega la ambición, a un irreconocible y vengativo Gary Oldman, e incluso al fugaz carterista Enrico Lo Verso.

Max y Page. Madre e hija. Unas cazafortunas que utilizan armas de seducción para forrarse a costa del prójimo incauto. La idea es sencilla: una se liga al tonto de turno y le conduce hasta el matrimonio; luego la otra le seduce, la mujer le pilla en situación comprometida, divorcio al canto y pensión de por vida. Con este método han ido acumulando un pequeño capital. Pero Page está comenzando a hartarse de un modo de vida que no es vida. Además está Jack, un jovenzuelo que comienza a llamar su atención. La madre no está dispuesta a aceptar que su polluelo desea volar fuera del nido paterno. De modo que urdirá una triquiñuela para hacerla volver al redil. Además, juntas tramarán un golpe que esperan sea definitivo. La víctima potencial es Tensy, el magnate de la industria del tabaco, un tipo con mucha, mucha pasta, pero que no captaría la atención ni de una vaca en celo. Las seductoras es una divertida comedia que crea situaciones de enredo en torno a las debilidades de todo hijo de vecino. Aunque David Mirkin, cuando se pone serio, le saca punta de “mensaje” al film y asegura que trata “en gran medida, sobre la necesidad de renunciar a tener todo bajo control y aceptar la incertidumbre de la vida”, ahí es nada. El director, que ha participado en la célebre serie de animación Los Simpson, dice haber tenido como referencia del film los clásicos Las tres noches de Eva y Luna de papel. Aunque un título más cercano al film es Un par de seductores, con Steve Martin y Michael Caine. Sí es cierto que la peli muestra lo difícil que es construir toda una vida sobre la mentira y el engaño. Como explica Hewitt, “la mayor parte del tiempo, estas dos artistas del timo se ganan la vida haciéndose pasar por otras personas. Y creo que no tienen tan claro quiénes son en realidad, porque siempre se ocultan tras la fachada que les permite conseguir lo que necesitan. Para mí, Page es una persona que no se conoce bien a sí misma, y se ve forzada a conocerse a causa de Jack. Y él descubre a la verdadera Page antes que ella, lo que resulta muy frustrante para Page. Y ella tiene que llegar a conocerse a sí misma, al tiempo que intenta ser una profesional, y demostrar a su madre que ya es bastante mayor para ir solita por ahí, cuando realmente no tiene ni idea”.

Poder. Dinero. Sexo. Tres imanes poderosos, que muchos creen indispensables para vivir una vida que merezca la pena. Es lo que piensa George Jung (Johnny Depp), que desea romper con la vida conformista heredada de sus padres. Casi por casualidad se mete en el negocio de la coca. Empieza en plan chapucilla, pero el chico tiene talento y establece contactos con los carteles de Colombia. Y empieza a ganar pasta. No falta nada de lo que el dinero puede comprar. ¿Pero es bastante? Ascenso y caída de un personaje auténtico, que en los 70 creó una red para la introducción de polvo blanco en Estados Unidos. El film tiene la virtud de meternos en harina (un polvo blanco muy distinto a la coca), de modo que entendemos lo que empuja a Jung a su pozo sin fondo. Sin moralina barata, Blow comparte con Traffic el logro de inducir a la reflexión. El guión de David McKenna y Nick Cassavetes (éste ha heredado las dotes de pintor de lo cotidiano de su padre John) es inteligente. También resulta acertado el internacional reparto. Entre los españoles destaca Jordi Mollà, con un personaje bombón, el amigo en la cárcel de George. Más decepcionante resulta Penélope Cruz, cuyos papeles en Hollywood, al menos al principio, no están a la altura de su supuesto talento.

Jack abre los ojos y se encuentra que está perdido en el desierto de México sin saber cómo ha llegado hasta ahí, sin recordar su nombre ni quién es. Cuando puede llegar al pueblo más cercano, intentará averiguar las causas de su paradero y su identidad, pero a medida que va descubriendo la verdad, comprueba que esta no es muy agradable. Coproducción canadiense, británica y mexicana del norteamericano Harley Cokeliss. Un Ray Liotta amnésico va recordando su pasado oscuro en este drama de acción repleto de giros en la trama, donde el protagonista sale acompañado de Gloria Reuben, actriz que ha asentado su carrera en la televisión, como en la serie Urgencias. 'Pilgrim' e 'Inferno' fueron los dos títulos con los que se comercializó esta cinta en Estados Unidos.

Maddy es una señora mayor que inicia una peculiar relación de amistad con el jovencito James, quien intenta superar la muerte de su madre. Sin quererlo, Maddy se convertirá en la persona que lo ayude a asimilar tan trágica noticia. Película dirigida por Peter O'Fallon, cuya carrera se ha desarrollado principalmente en televisión donde ha trabajado en distintas series como Prison Break, House y Entre fantasmas.

El “chico de las toallas” de una playa. La esposa de un hombre adinerado. Tórrida aventura amorosa. ¿Fin de las vacaciones y del romance? No parece, a juzgar por los recuerdos del enamorado que, 14 años después y con media cara deforme, viaja en avión dispuesto a reencontrar al matrimonio que marcó su vida. El atormentado calvinista Paul Schrader halló un socio ideal para sus andanzas fílmicas en el heterodoxo católico Martin Scorsese, para quien escribió Taxi Driver, Toro salvaje, La última tentación de Cristo y Al límite. En su irregular carrera como director ha dado títulos interesantes como Posibilidad de escape y Aflicción. Aquí infla una historia de adulterio y venganza con los remordimientos de la mujer infiel, católica, y con grandilocuentes declaraciones sobre el amor puro. Lo mejor del film es el cuidado tratamiento fotográfico de presente y pasado.

Gonzo siempre se ha preguntado sobre sus orígenes. ¿Quién es? ¿De dónde viene? ¿A dónde va? ¿Es un pavo, un pollo o qué? Con ayuda de su amigo Rizzo, está a punto de descubrir que sus parientes perdidos son seres alienígenas de otro planeta. Cuando Gonzo anuncia en el popular programa televisivo de Peggy Ovnimanía que él es la prueba viviente de que no estamos solos en el universo, se convierte en blanco de un paranoico agente del gobierno. Nueva y divertidísima aventura de los Teleñecos, donde el simpático Gonzo es protagonista absoluto. Eso sí, bien acompañado de Gonzo, la rata Rizzo, la cerdita Peggy, la rana Gustavo, Bobo el oso, el oso Fozzie, Animal, Dr. Teeth... La inspiración del disparatado argumento proviene de la hermosa balada de Paul Williams "I'm Going Back There Someday". Los graciosos personajes creados por el mítico Jim Henson (Cristal oscuro) continúan vivos gracias a su hijo Brian, en el momento en que la Jim Henson's Creature Shop cumple 20 años. Entre los manipuladores de los muñecos destaca Frank Oz, popular por manejar a Yoda en la saga de La guerra de las galaxias.

Un Frank Sinatra (el célebre cantante y actor) envejecido, se dispone a dar un concierto. Entonces rememora los viejos tiempos, los de “El club de las ratas”. Y vemos alrededor de “La Voz” a Dean Martin, Sammy Davis Jr., Joey Bishop y Peter Lawford, unos tipos que hicieron historia en el mundo del espectáculo. Entre Las Vegas y Hollywood vislumbramos un universo de glamour, en el que con el show musical se entrecruzan la política (Sinatra trató de hacer llegar su influencia hasta la mismísima Casa Blanca) y los bajos fondos (mafia incluida). Este film rodado para la televisión ofrece buena música, y un reparto conjuntado donde Ray Liotta es Sinatra y Joe Mantegna Martin. Una época irrepetible es mirada por la cámara de Rob Cohen (Pánico en el túnel) con un adecuado tamiz nostálgico.

¡Qué difícil es ser honrado y policía! Eso parece querer decirnos este film, muy en la tradición del cine negro, que sigue la pista a un grupo de policías. Dan la impresión de estar muy unidos, en franca camaradería; pero cada cual a su manera, esconde trapos sucios, tratos con auténticos gángsters, infidelidades con la mujer del amigo... Danny Cannon, el director de Juez Dredd, acierta con el reparto. Ray Liotta es el actor perfecto para encarnar la ambigüedad: querría hacer lo correcto; pero a veces no sabe cómo, tal es la telaraña de corrupción y mentiras en la que se mueve habitualmente.

El día de Nochebuena un avión Boeing 747 se prepara para el despegue con sólo cinco pasajeros a bordo, a los que se unen, a última hora, un curioso grupo, dos peligrosos delincuentes y cuatro policías encargados de su vigilancia. Ya en el aire, el avión se ve envuelto en una violenta tormenta, momento que aprovechan los criminales para hacerse con el control de la nave. Aunque el tema no es novedoso, el director Robert Butler ofrece un entretenido thriller, dando buen uso a las constantes del subgénero "secuestro de avión", angustia, vaivenes, peligros de colisión, imposibilidad de escapar, etc. Protagonizan el eficaz y desquiciado Ray Liotta (Uno de los nuestros) y una guapa Lauren Holly (Beautiful Girls), que aquí lo pasa realmente mal. Aunque el resultado no es nada del otro mundo, desde luego la tensión, acción y suspense están garantizados.

Murray (Michael Rapaport) es un policía de Nueva York que tiene un altercado con unos individuos que van conduciendo en el coche que va delante de él. En unos instantes, el coche de ellos, que está atravesando un puente, choca brutalmente y los ocupantes mueren. Al lugar, acuden en seguida, las autoridades policiales y el sheriff Heflin (Sylvester Stallone), que llevará el caso. El suceso empieza a convertirse en una bola de nieve donde Murray no sabe si saldrá bien parado. Entretenido thriller policíaco que, a pesar de no ser la octava maravilla del mundo, alcanza un nivel bastante por encima de la media. Cuenta con un conjunto de buenos actores, donde destaca Harvey Keitel, Ray Liotta, un fugaz Robert De Niro y un orondo Sylvester Stallone, en uno de sus papeles más convincentes. James Mangold (Inocencia interrumpida, En la cuerda floja) dirige la cinta, donde hace una crítica de la corrupción policial.

Un médico forense llamado David trabaja para la policía de Seattle y vive atormentado por el asesinato de su esposa, y por no haber dado con el criminal. Cuando conoce a la científica Martha, esta le enseña su nuevo experimento, que consiste en un antídoto por el cual una persona puede vivir los recuerdos de otra. John Dahl (Rounders) dirige a Ray Liotta y Linda Fiorentino en este apabullante thriller con tintes fantásticos que mantiene la intriga hasta el final.

Unos aldeanos vietnamitas protegen a un grupo de soldados amaricanos. Como castigo, el "vietcong" asesina a un elefante, todo un símbolo de los lugareños. Para agradecer la ayuda prestada, los estanounidenses deciden regalarles un nuevo paquidermo, pero transportar al animal por la jungla se convertirá en un quebradero de cabeza para el veterano capitán al mando de la misión. Hilarante comedia que, a pesar de lo insólito de su argumento, está basada en un hecho real acaecido durante la guerra del Vietnam.

Estamos en el año 2022. El capitán John Robbins es conducido a Absolom, una isla selvática donde los presos más conflictivos son abandonados a su suerte. En Absolom, Robbins habrá de enfrentarse a los más diversos peligros, entre ellos sus propios compañeros de cautiverio, que se rigen por las normas más primitivas y salvajes. Robbins pronto sólo tendrá un objetivo en su mente: Escapar de Absolom a cualquier precio. Ray Liotta (Uno de los nuestros) encabeza el reparto de esta claustrofóbica película dirigida por Martin Campbell. La mezcla de la pura acción con el subgénero da perfectos resultados.

Jessie Nelson escribe, dirige y produce Corina, Corina, una película basada en sus recuerdos de infancia. Narra las vicisitudes de Molly (Tina Majorino), una niña que acaba de perder a su madre, y que desde entonces es incapaz de articular una palabra. Su padre (Ray Liotta), que trabaja en el mundo de la publicidad, no es capaz de consolarla, entre otras cosas porque no cree en Dios ni en una vida después de la muerte. La llegada de Corina (Whoopi Goldberg), una niñera negra, cambiará ese hogar aparentemente destrozado. Nelson narra con corrección, y hasta con cierta habilidad, una historia de amor interracial, que ha de abrirse paso entre los obstáculos que los amigos de uno y otro ponen a una posible unión. En el fondo los dos son muy parecidos: les gusta la misma música, la poesía, comparten la torpeza manual, son viudos... Incluso Corina es licenciada universitaria, sólo que el color de su piel no le ha facilitado demasiado las cosas. Además, el cariño que pone en cuidar a Molly, es más de madre que de simple niñera. La mirada nostálgica a la infancia es evidente en el personaje de Molly. La inocencia de esa época vital es conservada por Corina, que enseña a la niña trucos en que es fundamental creer en la magia. También le enseña a tener fe, algo que el personaje encarnado por Ray Liotta necesita desesperadamente. Aunque el film es, sobre todo, un drama, en los momentos de humor Whoopi Goldberg demuestra sus dotes como actriz cómica.

Peter Morgan es un médico que está haciendo las prácticas en un hospital de veteranos de Vietnam con la intención de sacarse el título cuanto antes y montar su propia consulta. En el centro, Morgan se dará cuenta de que los intereses administrativos del lugar prevalecen antes que la propia salud de los pacientes y la falta de camas es uno de los mayores problemas. Richard Sturgess es uno de los doctores que toma decisiones deliberadamente y está dispuesto a operar y salvar vidas aunque sea a escondidas de las autoridades gubernamentales. Correcta crítica al sistema burocrático social, (en este caso de Estados Unidos), que está dispuesto a hacer prevalecer los intereses políticos por encima de los derechos humanos. La película se deja llevar, en ocasiones, por los valores patrióticos y de hermandad, sobre todo por los personajes ex combatientes de la guerra que llevan en la sangre la valentía y el honor de su país. Con un reparto lleno de rostros conocidos como Liotta, Sutherland, Whitaker, Thompson, Baker, etc..., la historia se hace amena gracias a los toques de humor que salpican la trama.

Karen (Madeleine Stowe) y Michael (Kurt Russell) forman un matrimonio que lleva en común una vida enormemente feliz. Sin embargo, un día sufren un intento de asalto en su propia casa que les deja conmocionados. Acude en su ayuda un oficial de la policía, Pete Davis (Ray Liotta), que en un principio parece una persona encantadora que se muestra muy preocupado por ellos. Comienza a obsesionarse por su seguridad y les proporciona ideas para que no vuelva a sucederles nada tan terrible. Sin embargo, en poco tiempo, Pete Davis comienza a comportarse de forma muy extraña e incluso pretende seducir a Karen, que se muestra confusa. El matrimonio, descubrirá poco a poco que, tras la apariencia sensible del agente se encuentra un psicópata maniático y atormentado, pero muy inteligente que trama un siniestro plan. Durante los años 90 se puso de moda todo un subgénero dentro del thriller que consistía en mostrar el terror de personas muy cotidianas, como la niñera (La mano que mece la cuna), la compañera de piso (Mujer blanca soltera busca) y, en esta ocasión el policía de proximidad. Este último está muy bien interpretado por el polivalente Ray Liotta (Uno de los nuestros, Algo salvaje), capaz de ofrecer las dos caras del mismo personaje. Por su parte, Madeleine Stowe (El último mohicano) y Kurt Russell (Llamaradas) interpretan con convicción al indefenso matrimonio protagonista.

Implacable cuadro del tortuoso e inmoral mundo de la mafia, pasado por el tamiz cínico de Ray Liotta, un inolvidable narrador. “Que yo recuerde, siempre quise ser un gángster”. Ésta es la frase evocadora con que arranca la crónica de Henry Hill, que expone con voz en off su fascinación por el mundo gangsteril, desde su adolescencia, en que es un espectador pasivo, hasta que se involucra en dudosas actividades. Martin Scorsese nunca logró dibujar mejor el mundo de la mafia, aprovechando el toque cínico del protagonista, que no duda en venderse para asegurar su supervivencia. El film se basa en el libro de Nicholas Pileggi, que él mismo convirtió en guión, y que cuenta el caso real de Henry Hill (quien, por cierto, acompaña a Scorsese en el audiocomentario del DVD). Joe Pesci se llevó un Oscar por su personaje de sádico asesino, que marcó su carrera posterior. El virtuosismo de Scorsese puede verse en el largo travelling del restaurante.

Al igual que en su anterior comedia, Ellas los prefieren jóvenes, el director Phil Alden Robinson regresa sobre el tema de la inocencia perdida y la búsqueda de la felicidad a través de lo imposible. Está basada en el libro “Shoeless Joe”, de W.P. Kinsella, donde un granjero de Iowa hace crecer en sus tierras un campo de béisbol para que vengan a jugar ocho jugadores fallecidos, que en 1919 fueron objeto de un gran escándalo al perder sus partidos intencionadamente (y cuya trama había dado lugar en 1988 al filme Eight Men Out, de John Sayles). Una comedia repleta de fantasía, imaginación y buenos sentimientos que hizo que la Academia la recompensase con nominaciones como mejor película, director y banda sonora para James Horner.

Gino es un joven que se está sacando la carrera de medicina, mientras su hermano, Nicky, un ser bueno e inocente que sufre un pequeño retraso mental trabaja como basurero para pagarle los estudios a Gino. Ambos mantienen buena relación y Gino siempre protege a su hermano de todos los que le insultan o maltratan. Los dos sienten una mutua necesidad, pero el conflicto surgirá cuando Gino decida marcharse para seguir estudiando fuera. Tierno y conmovedor drama sobre dos hermanos muy distintos pero con un fuerte vínculo entre ambos. Un secreto oculto se irá desvelando a lo largo de la historia y marcará la relación entre los personajes. Protagonizan Ray Liotta (Identidad) y Tom Hulce (Amadeus), por cuya interpretación fue nominado a un Globo de Oro.

Una chica “terremoto” revoluciona la rutinaria vida de un hombre de negocios. Este film puso en el candelero a Jonathan Demme (el de El silencio de los corderos) y a la posteriormente señora Banderas, Melanie. El director demostró su talento para la comedia con este homenaje a La fiera de mi niña. Acompañan a Melanie Griffith, Jeff Daniels y Ray Liotta.

Jerilee es una joven que sueña con ser escritora. Una serie de circunstancias le llevan a casarse con un prestigioso guionista. Todo marcha bien hasta que entre ellos surge un problema relacionado con una acusación de plagio. Película donde el componente sexual desempeña un papel fundamental. La relación entre Jerilee y el guionista es de esas excesivas y pasionales. Un tipo de relación donde Jerilee parece moverse como pez en el agua.