Robert Fraisse

  Algo pasa con la carrera de Cameron Díaz, que anda desorientada, tras el fracaso comercial de algunas de sus películas, como The Green Hornet, y los malos resultados artísticos de El consejero, a pesar de que ahí tenía detrás al prestigioso Ridley Scott. La actriz suele decantarse por comedias muy ligeras, como Qué esperar cuando estás esperando, Bad Teacher, y ahora No hay dos sin tres. En esta ocasión, la actriz encarna a Carly Whiten, ilusionada por su reciente conquista de Mark, aparentemente el hombre ideal, al que está a punto de presentar a su padre. Pero descubre que está casado con Kate. Tras entablar una amistad que al menos les sirve para consolarse mutuamente, ambas mujeres planean vengarse por los pocos escrúpulos de Mark, pero se dan cuenta de que no son las únicas en discordia. No hay dos sin tres cuenta con un reparto atractivo, pues aparte de Díaz tiene como protagonistas a Leslie Mann, una actriz muy dotada para la comedia, esposa del especialista Judd Apatow, y con Nikolaj Coster-Waldau, en la cima de la popularidad por la serie Juego de tronos. El elenco está a las órdenes de un director tan solvente como Nick Cassavettes, responsable de films interesantes, como John Q o Alpha Dog. Por desgracia, el guión de la debutante en el largometraje Melissa Stack no acaba de funcionar, pues las acciones de los personajes no parecen naturales, tarda en arrancar y además abusa de la sal gruesa en un intento desesperado de hacer reír, que combina perlas como escenas escatológicas en el baño o diálogos en torno al vello púbico. Los protagonistas se esfuerzan por arrancar la carcajada hasta el punto de que llegan a parecer caricaturescos, especialmente Coster-Waldau en su surrealista secuencia final.  

Paolo, italiano que conduce un autobús turístico en París, propone matrimonio a Greta, azafata alemana. Pero se enamora de Cécile, azafata francesa que se detiene junto a su autobús en su bicicleta. Siguiendo un mal consejo de su amiguete Derek, tratará de mantener relaciones con las dos mujeres a la vez, lo que derivará en el caos. Amena cinta escrita y dirigida por Jeremy Leven, autor del libreto de El diario de Noa. Los actores realizan un buen trabajo.

La gastronomía ha dado mucho juego en el cine, con títulos como El festín de Babette, Comer, beber, amar, Deliciosa Martha o Ratatouille. Se suma El chef, comedia francesa de pocas pretensiones escrita y dirigida por el poco conocido Daniel Cohen, autor de dos largometrajes. A punto de ser padre, Jacky no consigue permanecer contratado como cocinero en ningún sitio por su desmedida afición a la alta cocina. Fiel seguidor del chef estrella Alexandre Vauclair, insiste en preparar platos sofisticados para clientes que buscan platos 'de batalla' y que no se toman demasiado bien sus exquisiteces. Acaba trabajando como pintor en una residencia de ancianos donde finalmente ayuda a preparar las comidas y se gana la admiración de los internos. Allí le descubre el propio Vauclair, que le ofrecerá hacer una prueba, necesitado urgentemente de un ayudante en un momento en el que se juega su negocio. El chef combina ingredientes de primera calidad, como una eficaz partitura de Nicola Piovani que suele sacar buenos resultados cuando compone para películas de encuentros culinarios (Cena de amigos), alimentos varios (Huevos de oro, Jamón, jamón) o donde tiene importancia algún restaurante (La vida es bella). El plato principal consiste en una correcta interpretación de Jean Reno, muy desaprovechado últimamente, que lleva como guarnición un esforzado trabajo de Michaël Youn, superior a su trabajo como protagonista en Iznogoud el infame. El conjunto está aderezado por una aparición del español Santiago Segura, como experto en cocina molecular, que tiene gracia. Totalmente predecible, algún fragmento disparado no acaba de funcionar, como aquél en el que los protagonistas se disfrazan de japoneses para espiar a la competencia. Sin embargo, El chef se gana al público por su tono amable, numerosos hallazgos hilarantes, y porque habla de la necesidad de afecto y de la importancia de cuidar las relaciones familiares como apoyo para triunfar profesionalmente y mantener la inspiración.

Suráfrica, 1968. James Gregory es un afrikáner que trabaja como funcionario de prisiones con el rango de sargento. El sueldo es mísero y a duras penas es suficiente para vivir él, su mujer Gloria y sus dos hijos. Por eso, la alegría es grande cuando James recibe el trabajo de Jefe de la Censura en la cárcel de Robben Island, un lugar muy especial porque allí se aloja el preso más eminente del país, Nelson Mandela. De hecho, el motivo de su traslado es que James conoce a la perfección el lenguaje autóctono, el xhosa, y ha sido el elegido para informar a los altos mandos de cualquier conversación relevante de Mandela y de sus compañeros. Pero James –un hombre de buen corazón, pero ante todo un funcionario que cumple con su trabajo– no sabía que la relación con Mandela iba a cambiar su vida totalmente. A lo largo de los 27 años de reclusión de Mandela, y en diferentes cárceles, Gregory será su carcelero. Sorprende ver al frente de esta película a un director como Bille August, un hombre de "cine europeo", que en sus comienzos ejerció de alumno aventajado del gran director sueco Ingmar Bergman. August dirigió películas memorables e intensas como Pelle el conquistador o Las mejores intenciones, pero luego ha realizado trabajos más comerciales y de menor calidad. Aquí cuenta con un excelente protagonista y con una historia real, muy humana y a la vez muy sencilla, que él traslada a imágenes de modo suave, y se diría que sin ninguna estridencia ni sello personal. La fuerza de la historia es la propia del guión, basado en las memorias de James Gregory, que falleció de cáncer en 2003. Joseph Fiennes compone un protagonista fantástico y vuelve a dar una lección de cómo mimetizarse con un personaje. El film muestra en realidad la paulatina transformación de un hombre, desde sus prejuicios raciales hasta el total convencimiento de que el Apartheid es una injusticia que clama al cielo. La influencia que ejerce Mandela sobre Gregory esta mostrada con realismo, sin grandes frases ampulosas, ni atracciones mágicas. Se diría que es la fuerza del día a día. Mandela es un hombre carismático, de pocas palabras, pero de una categoría humana impresionante, y Gregory así lo sabe reconocer. En este sentido, es posible que el film dibuje a un Nelson Mandela demasiado superior a los demás, algo así como un profeta o cosa parecida. De cualquier forma, es estimable cómo se habla de la unidad familiar sin edulcoramientos y de cómo la verdad sobre la igualdad de los seres humanos se abre paso también entre todos los miembros de la familia de Gregory, especialmente en su mujer, al principio de convicciones seriamente racistas. Pero del mismo modo, el film muestra cómo el bien tiene su precio: Gregory tuvo muchas dificultades por mostrarse "amigo" de los cafres –como los blancos denominaban a los negros–; la dureza de la escena del bar es manifiesta, así como la sensación de que su trabajo es también una prisión para él, que le exige delatar y le prohibe no hacerlo so pena de ser tachado de enemigo del gobierno. El film recuerda en alguna ocasión, a películas como La vida de los otros –igualmente un funcionario que acaba tomando partido por el hombre perseguido que a él le ha tocado espiar–, o La lista de Schindler, con esa especie de confesión que hace Gregory de una muerte que él podría haber evitado en el pasado.

Nueva comedia del francés Francis Veber, divertida y amable, aunque no alcanza la altura de su mejor trabajo, La cena de los idiotas a la que alude el título español, de un modo no muy sutil. El enredo se orquesta alrededor de la foto tomada por un ‘paparazzo’, en que el conocido empresario Levasseur está acompañado de su amante Elena, una despampanante modelo que está enamorada de él. Como Levasseur es un egoísta de tomo y lomo, que ignora el significado de la palabra compromiso –querría tener a Elena, pero sin afrontar un costoso divorcio–, urde un plan de ‘salvamento’. Decide pagar a François, un tipo que casualmente sale también en la foto, buena persona pero más feo que picio, y con un modesto trabajo de aparcacoches, para que simule ser el novio de Elena. Algo poco creíble, y a lo que François se presta por una sola razón: proporcionar ese dinero a Émilie, la chica de la que siempre ha estado enamorado, y que no le corresponde. La gracia del film, que da pie a un buen puñado de situaciones hilarantes, está en la nueva situación afrontada por François, bien encarnado por un divertido Gad Elmaleh, sostén principal de la historia. De ser alguien en quien nadie se fijaba, pasa a ser centro de la atención mediática, envidia de sus amigos, causa de los celos de Levasseur, y renovado interés de Émilie. Dentro del asumido tono frívolo de su historia, Veber se muestra elegante, y nos anima a ver con ojos diferentes: Elena es algo más que una mujer hermosa, y la belleza de François reside en su corazón de oro.

Escalofriante película basada en hechos reales, que como otros títulos coetáneos –Diario de un escándalo, Juegos secretos–, dibuja una sociedad occidental enferma, que debería empezar a afrontar de una vez los graves problemas que la amenazan. Nick Cassavetes, director y guionista, recrea tomándose ciertas libertades el caso de Jesse James Hollywood, que conmocionó en 1999 a la opinión pública estadounidense. El cuadro que entrega de los adolescentes californianos y sus familias no puede ser más desolador. La cosa arranca con el enfrentamiento violento entre los jóvenes Johnny Truelove y Jake Mazursky, por una deuda relacionada con el tráfico de marihuana. Decidido a cobrar su deuda “como sea”, Johnny no tiene ocurrencia mejor que secuestrar a Zack, el hermanastro adolescente de Jack, un quinceañero que se siente sobreprotegido por sus padres. Lo que podría ser una experiencia desagradable, para Zack se convierte en una inmersión en el mundo de los adultos (?), en el que siempre quiso ingresar. Pues los “amigos” de Johnny, especialmente Frankie, lejos de maltratarle, le tratan como a un “colega”, haciendo de él uno más en sus juergas y francachelas. Pero paralelamente, en el “mundo real”, las cosas se les están complicando. Los padres de Zack han denunciado la desaparición del chico, Jake amenaza a Johnny de muerte, un abogado afirma que se enfrenta a posibilidad de cadena perpetua… Y en el horizonte asoma la posibilidad de lo que podríamos denominar “solución final”. El mayor interés de la cinta es su condición de radiografía social sin moralina, de la que salen malparados jóvenes y adultos. Los primeros viven en un artificial “mundo infeliz”, donde los alicientes que les animan responden al nombre de alcohol, sexo, droga, ropa, videojuegos, música y poco más. Su completa inmadurez les incapacita para tomar cualquier tipo de decisiones, y cuando se mueven en “terreno peligroso”, la posibilidad de “meter la pata” más todavía, es casi del cien por cien. Caso llamativo es el de Elvis, objeto de burlas de la banda de Johnny, cuyo complejo de inferioridad le convierte en carne de cañón para ejecutar la acción que ningún otro osaría acometer. Y triste, muy triste, es el caso de Zack, la víctima, que se plantea su secuestro como una “gran aventura”, de un vértigo embriagador. En la parte de los progenitores, los tenemos de dos tipos: los que se mueven ya en el mundo de la delincuencia, y que más que otra cosa reprochan a sus retoños su increíble estupidez a la hora de resolver un “problema”; y los “normales” –es un decir–, sinceramente preocupados, pero sin recursos para ganarse la confianza de sus hijos. La película cuenta con un atinado reparto –destacan entre los jóvenes Anton Yelchin y Justin Timberlake, y Sharon Stone entre los adultos– y buen ritmo, donde los interrogatorios que salpican el metraje, y los rótulos que enumeran las personas que se cruzan con el secuestrado como “Testigo 1”, “Testigo 2”, etcétera, presagian un fatal desenlace. Eso sí, la enorme crudeza con que se describe el estilo de vida vacío de los personajes –experiencias sexuales, lenguaje soez, peleas, droga…– resulta excesiva.

Gracias a Dios, es una constante en la historia humana que en los momentos más terribles surgen también increíbles actos de heroísmo. Y eso da esperanza. Esta película habla de que los grandes males dan lugar a grandes bienes, y lo hace con una historia real, terrible e intensa, sucedida recientemente en África durante el genocidio de Ruanda. Paul Rusesabagina es un ciudadano ruandés, de la etnia hutu, que regenta el Mille Collines, uno de los hoteles más prestigiosos de Kigali, perteneciente a la línea aérea belga Sabena. En medio de una situación social muy inestable, Paul, un tipo de buena posición social, inteligente y honesto, trabaja con empeño por mantener el orden y la calidad del servicio en su hotel, aunque ello le cueste algún pequeño soborno con las corruptas autoridades del país. Mientras tanto, la ONU se encuentra en Ruanda para mediar en el convenio de paz entre hutus y tutsis. Pero la paz nunca se hará realidad, ya que tras el asesinato del presidente estallará una tremenda guerra civil que dará lugar a uno de los peores genocidios del siglo XX. Muy pronto Paul se da cuenta del peligro que corre su propia familia, ya que su mujer es tutsi. Una noche dan comienzo los asesinatos indiscriminados por las calles; familiares y vecinos son masacrados por antiguos colegas; los tutsis caen a cientos por los machetes de los hutus. El odio es atroz e irracional. Paul conseguirá llegar hasta su hotel con su familia y allí sabrá que la ONU se desentiende del problema, mientras miles de tutsis buscan refugio en su hotel. La cercanía de los acontecimientos juega a favor en una historia de la que la mayoría de los espectadores hemos sido testigos. El director Terry George hace que sintamos la impotencia ante el genocidio y que nos impliquemos en los acontecimientos, gracias a un guión preciso, que no decae en ningún momento y que no duda en criticar duramente a las ambiguas y cobardes potencias occidentales. Resultan impagables para el resultado final, las interpretaciones de Don Cheadle y Sophie Okonedo (nominados al Oscar), que transmiten una angustia impresionante y dan lugar a momentos de un patetismo difícil de igualar. La película evita caer en exhibicionismos macabros; eso sí, la brillante y sobrecogedora escena de la carretera del río vale por sí sola para quitarle a uno el sueño durante una semana.

Las novelas de Nicholas Sparks, romántico a machamartillo, han sido adaptadas antes al cine en dos ocasiones. Mensaje en una botella, de Luis Mandoki, describe el hallazgo en el mar de una botella con un mensaje, que un viudo dirige a su mujer recién fallecida; y Un paseo para recordar, de Adam Shankman, se centra en el casto amor juvenil entre un joven algo gamberro y la hija de un pastor protestante, aquejada de una enfermedad. En los tres filmes domina el amor humano, entendido como fuerza poderosa capaz de superar los obstáculos que impiden su plena realización. Pero El diario de Noa, dirigida por Nick Cassavettes (mejor director que los otros dos citados), confunde el afecto del noviazgo con pasión y sentimientos intensos, que deben ser satisfechos en la cama. La trama arranca en una residencia de ancianos, donde una mujer aquejada del mal de Alzheimer recibe la visita de un hombre que le lee el diario de Noa, donde se consigna el apasionado amor juvenil de éste por Allie. Al estilo de Tomates verdes fritos, se alternan las vicisitudes de este amor desgraciado (diferente posición social de los jóvenes, oposición de los padres de ella, separación, guerra…), con escenas de los dos ancianos, en que se alimenta la expectación sobre cómo acabará todo. Cassavettes adopta un aire de folletín, con una sublimación del amor algo empalagosa. Eso sí, lo reviste de una bonita fotografía, una impecable ambientación, y unos buenos actores, tanto los veteranos (Garner, Rowlands) como los jóvenes (Gosling, McAdams).

Jenny, una joven estadounidense, se traslada a París, donde empieza a trabajar como dependienta de una joyería. En el establecimiento conoce a Jack, un compatriota expatriado que le propone hacerse cómplice de un atraco, en la tienda en la que ella trabaja. Resulta que Jack tiene novia, Sara, que les ayudará en el golpe. Eric Styles, director de una estupenda peli titulada Gente con clase, filma esta vez un thriller, un tanto tórrido. Melanie Griffith encabeza un reparto apañado.

Abordar la figura de Martín Lutero es una tarea compleja. El reformador protestante tuvo una personalidad arrolladora, y su vida atravesó varias etapas, que la película, financiada por la iglesia luterana, se esfuerza en mostrar. El film es honrado al dibujar sus escrúpulos casi enfermizos, que le empujaron a hacerse fraile cuando un rayo casi le mata, o le hacían temblar cuando alzaba la hostia durante la consagración. Es bien conocido que algunos abusos eclesiásticos como los relativos a la venta de indulgencias, o ciertas costumbres licenciosas observadas durante su estancia en Roma, fueron denunciados con vehemencia por Lutero. En la narración se equilibra el sendero tomado por Lutero de ruptura con Roma, al mostrar los consejos de sus superiores de intentar la reforma desde dentro de la Iglesia. No obstante la trama, de carácter evidentemente hagiográfico, suaviza la desmesura grosera del reformador, y subraya en cambio su contribución a la popularización de las Sagradas Escrituras. Demasiado simplista resulta la visión del debate teológico suscitado, y el personaje de Carlos V no está a la altura de su homónimo histórico. Notable es el esfuerzo de ambientación de la época, y el equipo interpretativo encabezado por Joseph Fiennes, el hermano de Ralph.

Estamos en 1942, en el cruento marco de la batalla de Estalingrado. Los alemanes están a punto de conseguir la ciudad a orillas del Volga, lo que supondría la victoria definitiva en el frente del Este. Sin embargo, entre los aullidos de los obuses, va a surgir la figura de Vassili Zaitsev (Jude Law), un humilde pastor de los Urales que destacará por su increíble destreza para abatir a cuanto enemigo se le pone a tiro. El camarada Danilov (Joseph Fiennes), encargado de la propaganda y sabedor de lo importante que es tener a un héroe para levantar a las desmoralizadas tropas soviéticas, no dudará en encumbrarlo. Al mismo tiempo que surge la amistad entre ellos, también aparecen las diferencias por el amor de una joven soldado (Rachel Weisz). Del otro lado, el contraataque nazi se centrará ahora en acabar con el héroe ruso. El mayor Koenig (Ed Harris) asumirá la misión, un astuto y peligroso rival que se enfrentará a Vassili en un duelo de francotiradores de proporciones épicas. El director Jean Jacques Annaud relata con pericia una historia intimista dentro del fragor de la batalla, sin desaprovechar los elementos del género bélico, que nos hacen disfrutar de un grandioso espectáculo. Lo hace partiendo de un duelo como eje central, del enfrentamiento entre dos hombres en una guerra silenciosa que saca a la luz contrastes y extremos de aquello que representan sus respectivos bandos. Todo con un sabor agradabilísimo a western clásico. Con inteligencia y maniqueísmo asumido se pone la mira telescópica sobre lo bueno y lo malo, lo justificable y lo atroz. No hay equívocos a la hora de señalar lo absurdo de cualquier guerra o los espurios fines de cualquier signo de propaganda. Desde los polos contrarios de los francotiradores, Annaud tensa la acción dramática e introduce magistralmente, en el continuo acecho, en cada trampa, un suspense que lleva a contener el aire y, más tarde, a respirar a tumba abierta. La emoción impregna todo el film y de ella se revisten el acontecimiento histórico y las vidas entrecruzadas de sus personajes: “Hemos cogido un acontecimiento histórico e intentado comprender lo que ocurrió en el corazón de las personas que lo vivieron”, afirma el director francés. Un terreno propicio donde sacar a flote valores como la amistad y el amor, éste un poco con calzador. Luego está la fabulosa aportación técnica y artística, el equilibrio en el ritmo del film, los planos sobrecogedores y sugerentes (¡qué maravillosos ojos!) y un casting extraordinario en el que Jude Law está a la altura de las circunstancias y Ed Harris, impagable.

Estamos en pleno siglo XVIII, prolegómenos de la Revolución Francesa. François Vatel es el nombre del maestro de ceremonias del Príncipe de Condé, un noble francés que se encuentra arruinado y pretende conseguir el favor del rey. Para lograr sus propósitos, invita al monarca y a su séquito para disfrutar una temporada de fiestas en su castillo de Chantilly. Los fastos serán obra de Vatel. Pero con la llegada del rey, vendrá también una bella mujer, Anne de Montausier (Uma Thurman), que desatará pasiones y odios en la corte. Roland Joffé es un estilista de la imagen y lo demuestra en esta producción llena de colorido e intrigas palaciegas, un auténtico regalo para los sentidos basado en hechos reales. Gérard Depardieu encarna a la perfección a Vatel, un hombre leal a su señor, a su trabajo y a su honor; y Tim Roth, fiel a su imagen, se mete en la piel del libertino marqués de Lauzun. Una película de época de exquisito gusto, con música y coreografía del más alto nivel.

Tres hijas preparan por Navidad una reunión con sus padres separados. Ganas y desgana ante el compromiso familiar permiten explorar en el alma humana. Interesante film francés.

Una activista irlandesa reúne a un grupo de mercenarios, que deben preparar cuidadosamente un golpe. El propósito es hacerse con un maletín, de misterioso contenido. El film dibuja los caracteres de los distintos componentes del comando: gente dura, que hace pocas preguntas pero quiere estar segura de que no van a 'cagarla'. La palabra "Ronin" está relacionada con los antiguos samurais de Japón que no habían sido capaces de salvar la vida de sus señores, y eran condenados a errar como bandidos. Ahora los Ronin modernos son Robert DeNiro, estratega y ex agente de la CIA; Jean Reno, que coordina las acciones del grupo; Stellan Skarsgård, experto en equipos electrónicos, Skipp Sudduth, el conductor; y Sean Bean, especialista en armas. En su camino se cruza el irlandés Seamus (Jonathan Pryce), que también ambiciona hacerse con el maletín. O sea, un reparto de ensueño. El director John Frankenheimer filma un sólido film de acción a la vieja usanza. Ahora que los espías no tienen bloques soviético o americano a los que apuntarse, buscan otro tipo de trabajos. David Mamet (con el seudónimo de Richard Weisz) articula una trama interesante, que incluye magníficas persecuciones automovilísticas, o la emocionante secuencia en la pista de patinaje.

Heinrich Harrer es un escalador y alpinista decidido a subir el pico Nanga Parbat, situado en el Himalaya. Deja a su mujer embarazada, sin él saberlo, e inicia su aventura. En el camino le acompaña Peter (David Thewlis), y ambos son testigos del inicio de la Segunda Guerra Mundial. Los británicos les detienen y les hacen prisioneros en la India, pero logran escapar a través de las montañas y llegar al Tíbet. La película está basada en el libro autobiográfico del propio Heinrich Harrer, alpinista austriaco que llegó a conocer el Tíbet como la palma de su mano. El guaperas Brad Pitt interpreta al protagonista en esta aventura a través de hermosos paisajes orientales, y con los que el director se deleita. Pero se le acusa de olvidarse de los personajes y trazar una trama en ocasiones absurda y fuera de lugar, como cuando Pitt enseña a bailar a unos monjes tibetanos. La parte en que éste se hace íntimo del niño Dalai Lama es graciosilla a la par que incoherente, pues no es muy lógico que una personalidad para los budistas como el Dalai Lama se vaya codeando con cualquiera, por muy niño que sea éste. De todos modos, Jean-Jacques Annaud (Enemigo a las puertas, Dos hermanos) hace un esfuerzo por mostrar el cambio que sufre Harrer en el transcurro de su viaje fuera del hogar y cómo las experiencias vividas hacen mella en él espiritualmente. Destaca también una banda sonora preciosa a cargo del maestro John Williams.

El film presenta el interés de ser la primera historia de ficción rodada en el sistema Imax de tres dimensiones. Película de 70 milímetros, una pantalla de 21 por 29 metros, y unas gafas especiales ofrecen al espectador un efecto bastante impresionante, aunque todavía diste mucho de la deseada perfección. Para estrenarse en el relato de una historia con personajes se ha escogido un director conocido (Jean-Jacques Annaud, realizador de El oso y El nombre de la rosa) y rostros de actores relativamente populares. En cuanto al relato, es corto y sencillo: el de la historia de supervivencia de uno de los pilotos que transportaba correo en una precaria avioneta, a principios de siglo, el célebre escritor creador de 'El principito' Antoine de Saint-Exupéry. Su heroica lucha contra los elementos, tras estrellarse en una solitaria montaña nevada de los Andes, ofrece bellas imágenes, y dio alas, nunca mejor dicho, a la esperanza de que los formatos cinematográficos sigan perfeccionándose.

Entre 1982 y 1990 Viktor Burakov (Stephen Rea), médico forense ruso, investiga una serie de muertes de jóvenes de ambos sexos, que parecen coincidir en el autor. Para descubrir al asesino deberá enfrentarse a las dificultades que le pone un burócrata comité de hombres del partido comunista, que no está dispuesto a admitir que en su país pueda estar actuando un ‘serial killer’; eso sólo puede darse en el decadente mundo occidental. A pesar de los obstáculos y gracias a su tenacidad, el forense se ganará el respeto de sus subalternos, y hasta el del FBI, además del apoyo del coronel Fetisov (Donald Sutherland), un hombre que ha aprendido a conducirse por los tortuosos senderos de la política comunista. Basado en un hecho real, Chris Gerolmo, el guionista de Arde Mississippi, escribe y dirige una película inquietante. A pesar de rodar para la televisión por cable, lo cual se traduce en algunos momentos de planificación bastante convencional, ha habido un notable esfuerzo de producción. Además, casi siempre, una historia interesante y una dirección aceptable suelen dar una buena película. Aquí tenemos una trama policíaca de interés, en la que se muestra con detalle la investigación que lleva a resolver un caso; en ella no se obvian los aspectos escabrosos del caso, que se narran con alguna crudeza, sobre todo en la confesión del asesino. Pero son los personajes, de carne y hueso, los que logran atrapar al espectador; es notable el dibujo que se hace de la relación entre médico y militar –espléndidos Rea y Sutherland–, con algunos momentos muy emotivos. Max von Sidow encarna en una breve aparición al psiquiatra, y Jeffrey Demunn a un patético asesino.

Vano intento por parte de Alain Delon y Jacques Deray de reeditar éxitos del pasado en el terreno del cine policíaco como Borsalino (1970) o Flic Story (1975). Para ello se adaptó una novela de Gilles Perrault convertida en guión por los propios Delon y Deray, en un argumento que se fundamenta en un asesinato donde nada es lo que parece. La película no fue bien recibida por los espectadores, que demostraron la decadencia en taquilla de Alain Delon; mientras que la crítica tampoco fue muy magnánima ante una obra acusada de manida y algo pretenciosa, al estar repleta de trucos de guión y confusos flashbacks. En realidad lo único destacable es la presencia de Manuel Blanc, que construye un personaje de la nada.

Adaptación de la novela de Marguerite Duras. Indochina, años 20. Una joven francesa y un diplomático nativo se enamoran y comienzan una relación de amor y sexo desenfrenado, que Annaud filma con explicitud.

Una hermosa mujer vuelve locos a dos policías que investigan un caso de cheques robados. Comedieta previsible de Patrice Leconte que no terminó de convencer a la crítica.   

Un médico es abandonado por su mujer después de cinco años de convivencia. Así, él se ve obligado a volver a vivir solo, esta vez en una residencia para solteros. Como padece insomnio, trabaja en el turno de noche. Un día conoce a una mujer que está en una situación similar a la suya.

Lady Chatterley está casada con un hombre que sufre un terrible accidente. Como consecuencia, queda inmovilizado de cintura para abajo. Su marido alienta a Lady Chatterley para que mantenga relaciones sexuales con un rudo individuo. Adaptación de la novela de D.H. Lawrence, considerada un clásico del género erótico.

Pierre, dueño de un circo, se presenta a un concurso para ganar un fin de semana con la mujer que él elija. Al resultar premiado, la mujer intenta que se enamore de ella igual que ella se enamora perdidamente de él.

Emmanuelle regresa desde Tailandia a Hong Kong en donde se reencuentra con su marido. Allí ambos vivirán todo tipo de triángulos amoroso-sexuales, con el consentimiento de la pareja. Secuela de la exitosa cinta erótica Emmanuelle, rodada un año antes. Cuenta igualmente con el protagonismo de Sylvia Kristel y prácticamente sólo ofrece una colección de secuencias de sexo bastante explícitas.

Por amor a su amante René (Udo Kier), la bella fotógrafa O (Corinne Cléry) se somete a las lecciones sobre todo tipo de prácticas sexuales masoquistas en el castillo de Roissy. Más tarde vivirá una malsana relación de dominación y sumisión con el hermanastro de René, Sir Stephen (Anthony Steel). Adaptación muy explícita de la célebre novela erótica de Dominique Aury.