Joseph Fiennes

Serie distópica un tanto plomiza, basada en un best-seller de Margaret Atwood. Imagina un futuro cercano involucionista, donde los excesos liberales y hedonistas de una sociedad democrática, la ley del péndulo, han sido sustituidos por otros excesos, los de un totalitarismo que utiliza un lenguaje seudorreligioso. Y donde, ante la caída de la natalidad por la infertiidad de muchas mujeres, las que pueden tener hijos viven sojuzgadas a modo de concubinas de los que ostentan el poder. Offred, una de las féminas prisioneras en tal estado de cosas, no quiere someterse, y tal vez encuentra aliadas en otras que se encuentran en una situación semejante. No deja de tener su punto de ironía que MGM y Hulu entreguen una historia de advertencia de estas características, en unos tiempos en que el tan cacareado peligro reaccionario no llega –se confunde, por supuesto, la reclamación de valores hondos con la asunción de posturas cavernícolas–, mientras la orquesta sigue tocando y la sociedad se va a pique, si se me permite la metáfora "titaniquesca". En cualquier caso, y más allá de valoraciones sociológicas, la serie creada por Bruce Miller –que ha estado detrás de Urgencias y las también distópicas y "cifradas" Los 4400 y Los 100–, al menos en sus primeros pasos, resulta cargante, con personajes de poco gancho –muy fríos y distantes se me antojan Elisabeth Moss y Joseph Fiennes–, y pasajes repulsivos, véase el intento de engendrar un hijo de la concubina, con concurso del varón y su esposa, ésta singular asistente de la "función". Está cuidada la dirección artística, en que las mujeres fértiles visten a modo de monjas caperucitas rojas, con hábito color escarlata.

A Clavius, un tribuno romano, le encomienda el procurador de Judea, Poncio Pilato, que se asegure de la muerte de un tal Jesús de Nazaret antes del sábado, una petición que le han hecho los miembros del sanedrín que pidieron su ejecución en la cruz. Y así, lo hace, además de sellar el sepulcro donde es depositado su cuerpo, y poner una guardia que evite cualquier pretensión posterior de sus discípulos de una resurrección que habría profetizado. Pero el caso es que el cuerpo desaparece, y aunque los soldados dicen que sus seguidores lo robaron, Clavius, que conduce la investigación por orden de Pilato, cada vez advierte más elementos que no cuadran, y que van a desafiar su personal visión del mundo. No es la primera vez que se urde una película sobre la resurrección de Jesús con el artificio de las indagaciones de un oficial romano, ahí están para demostrarlo Una historia que comenzó hace 2000 años, y su remake, En busca de la tumba de Cristo. La que nos ocupa cuenta con un guión escrito originalmente por Paul Aiello, al que habría dado su forma final el también director Kevin Reynolds, responsable de filmes con Kevin Costner como Waterworld, además de la miniserie del Oeste Hatfields & McCoys. Se nota que Reynolds tiene experiencia en escenas de acción, y que sabe concebir planos de amplio lienzo. Resulta meritorio el pasaje inicial en que los romanos se enfrentan a un grupo de sediciosos encabazados por Barrabás, que muestra de un modo convincente la respuesta militar para defenderse de un ataque a pedradas. En general hay una buena puesta de escena a la hora de mostrar brevemente la crucifixión, y un momento tan difícil de abordar como la ascensión, está resuelto con bastante decencia estática. El conjunto se puede decir que está logrado, estamos ante una buena película sobre la resurrección, que podría considerarse en tal sentido complementaria de la superior La Pasión de Cristo. Hay cierto clasicismo en la descripción del protagonista, el hombre que querría tener a algo a lo que aferrarse, y que acaba tocado por la gracia. Su trayectoria está bien descrita, empezando por su profesionalidad a la hora de seguir las órdenes de Pilatos, y siguiendo por su contacto con los que han conocido a Jesús. El modo en que se introduce al Señor resucitado es original y sirve para identificar a un personaje que hasta entonces resultaba intrigante. Además resulta atractiva la descripción del grupo de discípulos y el momento de trato más personal del protagonista con Jesús. Quizá lo más flojo es la poca presencia femenina en el film, María Magdalena se encuentra bastante desdibujada, aunque peor es lo de la Virgen, reducida a una mujer sufriente de modo algo histérico en la Pasión. Las interpretaciones sin ser memorables, resultan correctas, con Joseph Fiennes a la cabeza; Cliff Curtis como Jesús sigue la tradición iniciada por Mel Gibson de darle unos rasgos muy humanos, de gran simpatía, entregados con sobriedad y sin aspavientos.

Hércules es un héroe de la mitología griega, hijo del dios Zeus y de la mortal Alcmene. Dotado una fuerza descomunal, es conocido por llevar a cabo los llamados 12 trabajos, hazañas guerreras encargadas por los dioses y que le aportaron la gloria de convertirse en el héroe más famoso. Esta leyenda es, al menos, la que repite a los cuatro vientos su sobrino Iolao, quien acompañado de su forzudo tío y de sus compañeros Tideo, Autólico, Anfiarao y Atalanta forman en realidad un sexteto de mercenarios que ofrecen su talento bélico a cambio de oro. Con un encargo de este tipo llega precisamente Ergenia, hija del rey tracio Cotis, quien le pide ayuda para defender a su pueblo de las hordas del malvado Reso. Allá irán entonces Hércules y sus amigos. Por un precio, claro. El director Brett Ratner es un especialista en películas de acción, como ha demostrado en la saga de Hora punta o en X-Men 3: La decisión final. Aquí ofrece un espectáculo apabullante al estilo actual, entretenido aunque no sea nada del otro mundo, con encuentros violentos y efectos visuales que siguen la línea “guerrera” comenzada por 300, aunque sin tanto regodeo en la sangre, más cerca del cine de aventuras que del género bélico. Basado en el cómic de Steve Moore, el guión es obra de Ryan Condal y Evan Spiliotopoulos, y ofrece, más que una puesta al día de los mitos griegos, la historia de seis compañeros de armas que vivirán momentos de heroísmo, traición, sufrimiento, amor, justicia y acción a raudales. Los guionistas echan el resto además no tanto en la trama argumental, sino en el dibujo de los personajes, en las relaciones entre ellos y en especial en la identidad del héroe. Hay osadía en convertir el mito de Hércules en realidad y despojarlo de su leyenda. Meterlo en la piel de un mercenario, un cuentista que se aprovecha de su fama, tiene mucho de escepticismo, pero con algunas dosis de humor y su valentía en la lucha, Ratner consigue hacer creíble al hombre para poder transformarlo después en héroe. Funciona eficazmente en el papel el forzudo Dwayne Johnson, al que tampoco se le pide que maneje el método Stanislavski, sino que de un golpetazo con su mazo se lleve por delante a media docenas de guerreros. Sus amigos, encarnados por actores poco conocidos, con excepción de Rufus Sewell, cumplen y no son meros comparsas en sus hazañas, mientras que John Hurt compone un sólido rey. Ridícula resulta sin embargo la inclusión de Irina Shayk en un papel de modelo florero que dura diez o quince segundos en total. Por lo demás, se agradece que no haya demasiada exageración en los efectos especiales y que la fotografía no convierta la aventura en un cómic psicodélico. La sinfónica banda sonora corre a cargo del español Fernando Velázquez, quien se consolida como uno de los más importantes compositores españoles del momento. 

Iván Drago es un chaval que no está hecho para la acción. Aunque su padre le empuja a salir de su cuarto, a hacer deporte al aire libre, a él le gustan más los juegos de mesa, la tranquilidad de su habitación. Porque su imaginación es desbordante. Y gracias a ella resultará ganador de un concurso de invención de juegos entre más de 10.000 participantes. Recibirá por ello el sello de la Compañía de los Juegos Profundos y a partir de ese momento su vida será una continua aventura. Cuarta película como director del argentino Juan Pablo Buscarini (Pérez, el ratoncito de los sueños), especialista en cine para todos los públicos. En este film ofrece un derroche de imaginación y no cabe de duda de que el planteamiento de la historia –adaptación de una novela de Pablo De Santis– es a priori muy atractivo; sin embargo, a medida que se van sucediendo los minutos también la reiterada acumulación de elementos, de enigmática información, de personajes, de palabras y explicaciones, deviene en atolondramiento, de modo que al espectador se le hace difícil dilucidar el objetivo de esa montaña rusa de sucesos en que se convierte El inventor de juegos. Quizá ha faltado mesura en el guión. El film puede disfrutarse, por supuesto, como un rocambolesco conjunto de aventuras fantásticas según donde tenga lugar cada episodio –en el sórdido colegio, en la enigmática ciudad de Zyl, en los dominios feriales de Morodian–, pero esa limitada lectura iría claramente destinada a los más pequeños, mientras que para los adultos la abigarrada narración es fácil que derive en algo confuso y esquemático. Por eso, lo mejor del film es seguramente la cuidada ambientación de los escenarios, con unos decorados a la altura de una narración fantástica que traslada el mundo de los juegos infantiles a los objetos reales. La iluminación y los colores tienen así mucho protagonismo. En cuanto a las interpretaciones, el chaval debutante David Mazouz hace un brillante trabajo y se le puede augurar un buen futuro, pero también destacan las composiciones del manipulador Joseph Fiennes y del veterano Edward Asner.

Segunda temporada de American Horror Story, que parte de cero con nuevos personajes. Repiten algunos actores, como Jessica Lange, pero interpretan otros personajes. American Horror Story: Asylum comienza con una pareja de recién casados que acude en Luna de Miel terrorífica a Briarcliff, un manicomio abandonado donde en 1964 estuvo encerrado Kit Walker, acusado de ser "Cara Sangrienta", un asesino en serie. Ese mismo año entró en la institución contra su voluntad la periodista lesbiana Lana Winters, que sufrirá los malos tratos de la hermana Jude. Logra una atmósfera inquietante, y cuenta con actores de excepción. Pero como cabía esperar American Horror Story: Asylum abusa de los elementos efectistas y truculentos, que acaban haciendo poco creíble el relato.

El rey de Uther de Gran Bretaña se muere, y su ambiciosa hija Morgana sería la heredera natural. Pero Merlín, que está dotado de poderes mágicos, sabe que Uther tuvo un hijo con Igraine, al que ocultaron entre una familia de campesinos, y que responde al nombre de Arturo. De modo que se desatará una lucha por el trono, en la que Arturo contará con la ayuda de sus nobles caballeros. Aunque él no deja de sentirse atraído por Ginebra, que va a desposarse con uno de ellos. Se han puesto de moda las series televisivas de época, en que se desatan la ambición y la lujuria, lo que da pie a excesos eróticos y sanguinolentos, allí están para corroborarlo series como Los Borgia (serie), Los Tudor, Espartaco: sangre y arena y Juego de tronos. De este modo se ha entrado en un juego mimético donde brillan los valores de producción –fotografía, vestuario, etc–, pero donde el rigor histórico y los nobles ideales están con frecuencia ausentes. Camelot es una serie entretenida, pero que no hace ningún esfuerzo por meterse en la época en que transcurre la historia. Más bien hace una mezcla donde pueden convivir paganismo, elementos cristianos, magia y escepticismo, todo un confuso batiburrillo que nos conduce sin rumbo fijo. Como ocurría en Los Tudor –no en vano está presente el guionista Michael Hirst–, se trata de romper con la imagen que tenemos de Merlín –aquí no es el típico barbudo sino Joseph Fiennes liberado de cualquier rastro de pelo–, o de Arturo –un joven imberbe, Jamie Campbell Bower, que parece salido de un pase de modelos–.

Con un pasado trágico, Paul Thompson decide cumplir su sueño de toda la vida y atravesar el río Hudson entero. Junto con su compañero de viaje Jeff y Liz, Paul se embarca en una aventura emocional que pondrá a prueba los límites de la amistad y que explorar el derecho a decidir uno mismo su propia suerte. Una historia sobre la pérdida y el deseo que nos lleva a la reflexión.

Un día cualquiera, la población mundial pierde el conocimiento durante algo más de dos minutos. Durante ese tiempo, todos pueden ver lo que les estará ocurriendo seis meses después, el 29 de abril de 2010. Mark Benford, agente del FBI es el encargado de investigar lo ocurrido junto con su compañero Demetri Noh, y el resto de su equipo. La principal fuente de información de Benford es su propia visión del futuro, pues se vio a sí mismo mirando el tablón donde coloca los principales puntos de su investigación. El equipo de Benford también pone en marcha Moisaic Collective, una base de datos que recopila las visiones de diferentes usuarios. Brannon Braga, guionista de series como 24, y David S. Goyer, guionista de Blade, son los creadores de esta serie, basada en la novela homónima del canadiense Robert J. Sawyer, experto en ciencia ficción. Tras una temporada en dique seco –sus películas han pasado casi desapercibidas desde que estrenó El mercader de Venecia, en 2004–, Joseph Fiennes (el agente Benford) recuperó su tirón, debido a la excelente acogida que tuvieron los primeros episodios de la serie. Sin embargo, la cosa se fue desinflando y dejó de emitirse tras el capítulo 22.

Frank Perry lleva catorce años en prisión, le toca cumplir cadena perpetua. Nunca ha tenido intención de fugarse, pues nadie le espera fuera, sus cartas a la familia le son devueltas sistemáticamente sin ser abiertas, de algún modo ha perdido la esperanza, es un “muerto viviente”. Hasta que un día recibe unas líneas de su mujer que son toda una invitación a poner en práctica el plan de huida al que teóricamente siempre ha dado vueltas, pero que nunca ha tenido razones para llevar a la práctica. Ingenioso film carcelario del director de El origen del Planeta de los Simios, anterior a esa “monada” de película. Rupert Wyatt firma el guión con Daniel Hardy que sigue una estructura que podría creerse caprichosa -narra la vida en la cárcel previa a la fuga paralelamente a la huida, con continuos flashbacks-, pero que va cobrando sentido paulatinamente a medida que avanza el metraje, hasta alcanzarlo plenamente en el sorprendente desenlace. Historia de redención, con buenos personajes -qué gran reparto, empezando por Brian Cox-, emoción, inteligente uso del sonido, magnífica dirección artística, música fotografía... Poco más se puede pedir a una cinta que homenajea a títulos ya clásicos -Cadena perpetua, La gran evasión...-, pero con personalidad propia.

Suráfrica, 1968. James Gregory es un afrikáner que trabaja como funcionario de prisiones con el rango de sargento. El sueldo es mísero y a duras penas es suficiente para vivir él, su mujer Gloria y sus dos hijos. Por eso, la alegría es grande cuando James recibe el trabajo de Jefe de la Censura en la cárcel de Robben Island, un lugar muy especial porque allí se aloja el preso más eminente del país, Nelson Mandela. De hecho, el motivo de su traslado es que James conoce a la perfección el lenguaje autóctono, el xhosa, y ha sido el elegido para informar a los altos mandos de cualquier conversación relevante de Mandela y de sus compañeros. Pero James –un hombre de buen corazón, pero ante todo un funcionario que cumple con su trabajo– no sabía que la relación con Mandela iba a cambiar su vida totalmente. A lo largo de los 27 años de reclusión de Mandela, y en diferentes cárceles, Gregory será su carcelero. Sorprende ver al frente de esta película a un director como Bille August, un hombre de "cine europeo", que en sus comienzos ejerció de alumno aventajado del gran director sueco Ingmar Bergman. August dirigió películas memorables e intensas como Pelle el conquistador o Las mejores intenciones, pero luego ha realizado trabajos más comerciales y de menor calidad. Aquí cuenta con un excelente protagonista y con una historia real, muy humana y a la vez muy sencilla, que él traslada a imágenes de modo suave, y se diría que sin ninguna estridencia ni sello personal. La fuerza de la historia es la propia del guión, basado en las memorias de James Gregory, que falleció de cáncer en 2003. Joseph Fiennes compone un protagonista fantástico y vuelve a dar una lección de cómo mimetizarse con un personaje. El film muestra en realidad la paulatina transformación de un hombre, desde sus prejuicios raciales hasta el total convencimiento de que el Apartheid es una injusticia que clama al cielo. La influencia que ejerce Mandela sobre Gregory esta mostrada con realismo, sin grandes frases ampulosas, ni atracciones mágicas. Se diría que es la fuerza del día a día. Mandela es un hombre carismático, de pocas palabras, pero de una categoría humana impresionante, y Gregory así lo sabe reconocer. En este sentido, es posible que el film dibuje a un Nelson Mandela demasiado superior a los demás, algo así como un profeta o cosa parecida. De cualquier forma, es estimable cómo se habla de la unidad familiar sin edulcoramientos y de cómo la verdad sobre la igualdad de los seres humanos se abre paso también entre todos los miembros de la familia de Gregory, especialmente en su mujer, al principio de convicciones seriamente racistas. Pero del mismo modo, el film muestra cómo el bien tiene su precio: Gregory tuvo muchas dificultades por mostrarse "amigo" de los cafres –como los blancos denominaban a los negros–; la dureza de la escena del bar es manifiesta, así como la sensación de que su trabajo es también una prisión para él, que le exige delatar y le prohibe no hacerlo so pena de ser tachado de enemigo del gobierno. El film recuerda en alguna ocasión, a películas como La vida de los otros –igualmente un funcionario que acaba tomando partido por el hombre perseguido que a él le ha tocado espiar–, o La lista de Schindler, con esa especie de confesión que hace Gregory de una muerte que él podría haber evitado en el pasado.

Los llamados Darwin Awards nacen de aquellas situaciones graciosas, esperpénticas o absurdas que dan lugar a los accidentes más rocambolescos. Está claro que la realidad supera muchas veces a la ficción, y a veces se producen cosas tan extrañas que uno ni se las cree, como por ejemplo que un tipo muera al caer al vacío después de lanzarse contra el ventanal de su oficina por probar la resitencia del cristal, o que otro salga volando con un coche tras ponerle como motor el reactor de un avión. Los Darwin Awards son para esas personas, y el nombre de los galardones proviene de la propia selección natural que tiene lugar con la muerte de esos idiotas… Pues bien, gran aficionado a estudiar los Darwin Awards es el protagonista de esta historia, un policía llamado Burrows que tiene un increíble talento para analizar las escenas de un crimen, de tal modo que es capaz de imaginar lo que realmente ocurrió con sólo observar un par de detalles y por eso puede prever en cierta manera situaciones similares. Sin embargo, en su último caso él asesino escapó por su culpa y el perdió su trabajo. Su siguiente empleo en una compañía de seguros le lleva a investigar los accidentes más alucinantes y ridículos, y con él viajará una escéptica detective de la compañía. El director Finn Taylor (Soñando con peces) parte, como se ve, de una idea bastante graciosa, y que da de largo para ofrecer al espectador numerosas escenas de absolutos tontainas haciendo alarde de ideas increíblemente estúpidas, que suelen acabar con accidentes de aúpa. Taylor rueda con ritmo, con película granulosa y con cámara en mano, lo que da un aire muy independiente al film, pero al margen de los originales y divertidos gags –con torpezas y casualidades que recuerdan de alguna manera a las muertes de Destino final–, la película no aporta gran cosa. El aire gracioso de la trama y la atmósfera episódica de chiste rebajan también ciertas groserías y el vocabulario soez. Llama la atención el variadísimo elenco de grandes actores que llena el film, la mayoría de los cuales tan sólo está unos segundos en pantalla. Y Joseph Fiennes demuestra que es un actor fabuloso y convence de veras con su personaje de calimero y antihéroe, con algunas escenas –la de la ducha es delirante– muy logradas, mientras que Winona Ryder es felizmente recuperada para el cine con un simpático papel.

Adaptación fílmica de las memorias de Augusten Burroughs, nacido en una familia desestructurada, y cuya educación acabó en manos de un excéntrico psiquiatra. Lo que vemos en la película es una experiencia horrible, que no desearíamos a nuestro peor enemigo. Augusten debe primero pasar su infancia con una madre desequilibrada, con ínfulas de artista poetisa, y con un padre incapaz de manejar la situación, que se quita de en medio. Más tarde, ya adolescente, se irá a vivir por una serie de avatares con su psiquiatra, que se diría más loco que la mayoría de sus pacientes, por sus pretensiones de genio y su desconexión de la realidad; lo que le obliga a convivir también con la rarita familia del doctor Finch, que incluye anciana y rara esposa, hija de rasgos puritanos, otra hija de sexualidad desinhibida… Y más al fondo, un primo homosexual, con el que tendrá una relación. Dirige y firma el guión el poco conocido Ryan Murphy, uno de los responsables de la serie televisiva Nip/Tuck. El tipo se pliega a la narración de esta ‘horribilis’ etapa vital del protagonista donde no existe una educación digna de ese nombre; cuesta adivinar a quién puede interesar conocer lo que se cuenta. El film tiene un buen reparto, la narración es correcta, se plasma la atmósfera opresiva de la que el protagonista, al ser menor de edad, tiene difícil escapatoria… Pero no deja de ser la colección de recortes del título de un tipo y su familia ‘tronada’, que encadena excentricidades que lo máximo que pueden provocar es perplejidad. Quizá sea encomiable la falta de rencor en Augusten, la capacidad de aprovechar los momentos humorísticos de esa etapa para no deprimirse, pero eso no justifica la existencia del film.

Islas Filipinas, 1945. El sexto batallón de los rangers americanos, bajo el mando del teniente coronel Henry Mucci, va a acometer una misión de rescate casi imposible. Se trata de adentrarse treinta millas en territorio enemigo japonés, para liberar a 500 prisioneros de guerra, confinados en el campo Cabanatuan, supervivientes de la trágica marcha de la muerte que siguió a la batalla de Bataan. Film basado en hechos reales acontecidos durante la II Guerra Mundial, se estructura alrededor de tres subtramas que tienen como epicentro los preparativos del rescate, la vida en el campo de prisioneros y el movimiento de resistencia filipino. Se carga la mano en el comportamiento inhumano de los soldados japoneses, y se subraya la colaboración de los filipinos con los aliados. El reparto es notable, pero falta una profundización razonable en los personajes, que ayude a entender su heroísmo. Dirige un inesperado John Dahl, que dio nuevos bríos al cine negro con La última seducción y Red Rock West. Destaca la fotografía de tonos desaturados que la acercan al blanco y negro.

1870. Jamie Dodd, joven médico escocés, y Elena van den Ende, una prestigiosa exploradora, regresan a su ciudad, Edimburgo, tras una expedición en África Ecuatorial. Durante el viaje han capturado a dos pigmeos, raza que consideran el eslabón perdido entre el hombre y sus antepasados prehistóricos. La comunidad científica, con los amigos de Dodd a la cabeza, decreta que ambos pigmeos sean estudiados como animales, pero Jamie va siendo consciente poco a poco de que son seres racionales como cualquier otro, e intentará impedir esta violación de su dignidad humana. El francés Régis Wargnier, Oscar a la mejor película extranjera por Indochina, afronta su primer rodaje en inglés. El film, para el que ha contado con dos competentes protagonistas, Joseph Fiennes (Shakespeare enamorado) y Kristin Scott Thomas (Caprichos del destino) inauguró el Festival de Berlín en 2005. El cineasta, coautor del guión, ha realizado una extensa documentación sobre la Inglaterra victoriana, el nacimiento de la antropología y la desconocida cultura de los pigmeos. La cuidada ambientación es lo más sobresaliente de este drama, que retrotrae al espectador a la época colonial, para analizar asuntos tan actuales como la tolerancia racial y el entendimiento entre culturas heterogéneas. Además, arroja una interesante mirada crítica al positivismo que había surgido en ese momento histórico con las teorías de Comte y J.Stuart Mill, y sobre todo de Darwin. De todas maneras, resulta complicado  trasladarse a esa mentalidad, ya que hoy en día muchas de las cuestiones que plantea el film resultan demasiado ridículas. Aunque algo monolítico y soso, el film contiene algunas escenas especialmente significativas, como cuando Dodd siente lo que es estar cautivo, o la pantomima que realizan en el zoológico. Sin embargo, da la sensación de que Wargnier no ha sabido cómo concluir su historia y, en todo caso, el guión hace aguas a la hora de dibujar el carácter de algunos personajes, especialmente ambiguos, como el de la aventurera Elena y el del amigo Fraser.

Para poder casarse, el joven Bassanio necesita dinero. Lo consigue gracias a su amigo Antonio, que pide un préstamo al usurero judío Shylock. Como éste no le guarda mucha simpatía, accede a darle la cantidad solicitada, pero con la condición de que si se demora en el pago, deberá darle una libra de carne de su propio cuerpo, del lugar que él señale. A pesar de esta condición demencial y abusiva Antonio acepta, pues es sobradamente solvente. No cuenta con el naufragio de uno de sus barcos. Aunque existen muchas versiones televisivas de la inmortal obra de Shakespeare sobre la codicia, y en la escena ha sido requeterrepresentada, faltaba una película de altura basada en "El mercader de Venecia". Dados además los tiempos políticamente correctos que corren, filmar una historia cuyo villano protagonista es un judío sin corazón, supone el riesgo de dar pábulo a la acusación de antisemita. Pues bien, el británico Michael Radford –1984, El cartero (y Pablo Neruda)– viene a llenar con brillantez la mencionada laguna. Eso sí, se cura en salud suavizando la terquedad de Shilock a la hora de mostrar su rechazo a la boda de su única hija con un cristiano, o al insistir en cobrar los intereses de la singular deuda. Estas opciones funcionan bien, y a nuestro entender sobraba ese prólogo vergonzante que trata de explicar por qué el malo de la peli es judío, echando gran parte de la culpa a la Iglesia católica. Además del formidable esfuerzo por recrear la Venecia del siglo XVI, el film es lo que es gracias al magnífico texto del bardo inglés, a una dirección que no trata de llamar demasiado la atención, y al trabajo de un fantástico reparto, donde los rostros más populares corresponden a ‘los chicos’, o sea, Al Pacino, Jeremy Irons y Joseph Fiennes.

Abordar la figura de Martín Lutero es una tarea compleja. El reformador protestante tuvo una personalidad arrolladora, y su vida atravesó varias etapas, que la película, financiada por la iglesia luterana, se esfuerza en mostrar. El film es honrado al dibujar sus escrúpulos casi enfermizos, que le empujaron a hacerse fraile cuando un rayo casi le mata, o le hacían temblar cuando alzaba la hostia durante la consagración. Es bien conocido que algunos abusos eclesiásticos como los relativos a la venta de indulgencias, o ciertas costumbres licenciosas observadas durante su estancia en Roma, fueron denunciados con vehemencia por Lutero. En la narración se equilibra el sendero tomado por Lutero de ruptura con Roma, al mostrar los consejos de sus superiores de intentar la reforma desde dentro de la Iglesia. No obstante la trama, de carácter evidentemente hagiográfico, suaviza la desmesura grosera del reformador, y subraya en cambio su contribución a la popularización de las Sagradas Escrituras. Demasiado simplista resulta la visión del debate teológico suscitado, y el personaje de Carlos V no está a la altura de su homónimo histórico. Notable es el esfuerzo de ambientación de la época, y el equipo interpretativo encabezado por Joseph Fiennes, el hermano de Ralph.

Relato de la tórrida relación entre una joven desorientada, que convive con un hombre, y un célebre alpinista. De un casual roce de manos en la calle se pasa, casi sin solución de continuidad, a un gimnástico revolcón en una casa solitaria. Como si quisiera dar rienda suelta a la libertad encontrada a la hora de rodar en Estados Unidos, el cineasta chino Chen Kaige ofrece abundantes escenas de sexo; y se permite dar un salto mortal de géneros al pasar del drama al thriller, creando intriga con el pasado misterioso del montañero y sus secretos inconfesos. El director opta por ofrecer el punto de vista de la joven protagonista, a la que da vida Heather Graham. Por primera vez, Kaige rodó fuera de su país, en la ciudad de Londres, de la que dice: “Aquí nadie se siente extranjero, pero todos parecen muy ocupados, como si tuvieran una presión invisible encima de ellos.”

Leo, el chico del título, ha sido apartado de sus amigos por su madre alcohólica, pues les considera una mala influencia. Para aliviar su soledad mantiene correspondencia con Stephen, condenado a 15 años de prisión. Entre ambos surge una estrecha unión, lo que empuja al convicto a enfrentarse a sus crímenes del pasado.Este film de gran reparto y alta intensidad dramática maneja una estructura ciertamente original, pues combina la salida de prisión de Stephen, con los recuerdos de la singular relación que mantuvo por carta con Leo.

Estamos en 1942, en el cruento marco de la batalla de Estalingrado. Los alemanes están a punto de conseguir la ciudad a orillas del Volga, lo que supondría la victoria definitiva en el frente del Este. Sin embargo, entre los aullidos de los obuses, va a surgir la figura de Vassili Zaitsev (Jude Law), un humilde pastor de los Urales que destacará por su increíble destreza para abatir a cuanto enemigo se le pone a tiro. El camarada Danilov (Joseph Fiennes), encargado de la propaganda y sabedor de lo importante que es tener a un héroe para levantar a las desmoralizadas tropas soviéticas, no dudará en encumbrarlo. Al mismo tiempo que surge la amistad entre ellos, también aparecen las diferencias por el amor de una joven soldado (Rachel Weisz). Del otro lado, el contraataque nazi se centrará ahora en acabar con el héroe ruso. El mayor Koenig (Ed Harris) asumirá la misión, un astuto y peligroso rival que se enfrentará a Vassili en un duelo de francotiradores de proporciones épicas. El director Jean Jacques Annaud relata con pericia una historia intimista dentro del fragor de la batalla, sin desaprovechar los elementos del género bélico, que nos hacen disfrutar de un grandioso espectáculo. Lo hace partiendo de un duelo como eje central, del enfrentamiento entre dos hombres en una guerra silenciosa que saca a la luz contrastes y extremos de aquello que representan sus respectivos bandos. Todo con un sabor agradabilísimo a western clásico. Con inteligencia y maniqueísmo asumido se pone la mira telescópica sobre lo bueno y lo malo, lo justificable y lo atroz. No hay equívocos a la hora de señalar lo absurdo de cualquier guerra o los espurios fines de cualquier signo de propaganda. Desde los polos contrarios de los francotiradores, Annaud tensa la acción dramática e introduce magistralmente, en el continuo acecho, en cada trampa, un suspense que lleva a contener el aire y, más tarde, a respirar a tumba abierta. La emoción impregna todo el film y de ella se revisten el acontecimiento histórico y las vidas entrecruzadas de sus personajes: “Hemos cogido un acontecimiento histórico e intentado comprender lo que ocurrió en el corazón de las personas que lo vivieron”, afirma el director francés. Un terreno propicio donde sacar a flote valores como la amistad y el amor, éste un poco con calzador. Luego está la fabulosa aportación técnica y artística, el equilibrio en el ritmo del film, los planos sobrecogedores y sugerentes (¡qué maravillosos ojos!) y un casting extraordinario en el que Jude Law está a la altura de las circunstancias y Ed Harris, impagable.

Dos hermanos, enamorados de la misma mujer, en el lejano Oeste. Elijah se lleva “la gata” al agua, y Luke se convierte en mercenario en Macedonia, en Europa. Habrá reencuentro entre hermanos, y esta vez se disputarán con uñas y dientes un filón de oro. El director macedonio Milcho Manchevski sorprendió a propios y extraños gracias al magnífico film Antes de la lluvia, ganador del León de Oro en Venecia. Ahora vuelve a arriesgarse con un western muy, muy personal. La cosa no le sale tan redonda, pero pasa el corte.

La vida familiar de Pete es un completo desastre: se lleva mal con su mujer, no puede tener hijos. Por si fuera poco su empresa está a punto de hundirse. Y para colmo de complicaciones, se le ocurre liarse con su secretaria. Para salir del paso, trata de llegar a un acuerdo con un mafioso ruso. Pero... Thriller con un par de sorpresas, tiene actores destacables como Joseph Fiennes, o a Rhys Ifans, descubierto en Notting Hill.

El “chico de las toallas” de una playa. La esposa de un hombre adinerado. Tórrida aventura amorosa. ¿Fin de las vacaciones y del romance? No parece, a juzgar por los recuerdos del enamorado que, 14 años después y con media cara deforme, viaja en avión dispuesto a reencontrar al matrimonio que marcó su vida. El atormentado calvinista Paul Schrader halló un socio ideal para sus andanzas fílmicas en el heterodoxo católico Martin Scorsese, para quien escribió Taxi Driver, Toro salvaje, La última tentación de Cristo y Al límite. En su irregular carrera como director ha dado títulos interesantes como Posibilidad de escape y Aflicción. Aquí infla una historia de adulterio y venganza con los remordimientos de la mujer infiel, católica, y con grandilocuentes declaraciones sobre el amor puro. Lo mejor del film es el cuidado tratamiento fotográfico de presente y pasado.

Hay películas que te pillan por sorpresa. Su visión constituye un inesperado placer. Más en verano, cuando las carteleras españolas suelen ocuparlas subproductos varios de muy escaso interés. Las distribuidoras suelen aprovechar la canícula para dar salida a títulos que 'deben' estrenar, aunque su confianza en ellos sea nula; deben confiar en que algún despistado se cuele en la sala, aunque sólo sea en busca del alivio del aire acondicionado. Por ello algo se revolvía en mi interior cuando me disponía a ver una película que la publicidad presentaba como "la comedia inglesa más romántica y divertida". Presentimiento completamente errado. Martha conoce... es una estupenda comedia, con 'más chicha' de lo que cabría esperar. Destaca en primer término la estructura narrativa del film, deudora del Pulp Fiction de Quentin Tarantino. Nick presenta de un modo desordenado las piezas de un puzzle; se consigue así el efecto de intrigar al espectador y captar su interés; el reto, de sobras superado, es lograr que esas piezas acaben conformando una historia sólida. Así que la visita de Laurence (Joseph Fiennes) a un psiquiatra sirve de excusa para que comience a contarle el caso que le inquieta. El nervioso personaje explica cómo su larga amistad con Frank (Tom Hollander) y Daniel (Rufus Sewell) se halla en serio peligro. Los tres amigos han conocido casualmente, y por caminos diferentes, a la misma mujer, Martha (Monica Potter); y los tres se han enamorado. Los diferentes encontronazos con Martha no siguen un orden cronológico; lo que sirve para salpicar el relato, aquí y allá, de eficaces sorpresas. Se podría reprochar cierto artificio en este caprichoso orden narrativo (se trata de justificar, en la medida en que Laurence cuenta lo que le ha pasado centrándose en sus amigos –primero en Frank, luego en Daniel­– y en último lugar en él); pero sea como fuere tal decisión presta una gran agilidad al relato. Sirve, en primer lugar, para dar a conocer a fondo a los personajes. Mientras Martha es la constante chica dulce y desconcertada en país extraño (Inglaterra), donde desea dar un nuevo rumbo a su vida, los tres amigos son las variables que introducen novedades en su vida. Frank es el dinero, el lujo, la fama y el poder; Daniel es el derrotismo, la envidia y la visión cínica; mientras que Laurence se presenta como el amor inexplicable unido a la inseguridad para pasar a la acción. Estamos ante una comedia. Muy divertida. Con buenos golpes de humor, que saben arrancar la risa. Y con un excelente reparto. El cine británico está recuperando posiciones en este difícil género, y en muy pocos años ha dado títulos tan estimables como Full Monty, Tocando el viento, Como pez en el agua y Notting Hill. Pero el que nos ocupa no se queda, sólo, en el muy legítimo deseo de hacer pasar un buen rato. Es una manifestación de una cierta nostalgia: nostalgia del amor verdadero. Un amor, que aunque pueda presentarse "por azar", exige actuar: hay que reconocerlo cuando pasa cerca, tomar riesgos, darse del todo. No es mal programa para los cínicos tiempos que corren.

El joven autor William Shakespeare está preparando una obra de teatro que piensa titular "Romeo y Ethel, la hija del pirata". Pero no se encuentra demasiado inspirado. Hasta que se presenta a los ensayos un joven que dice llamarse Thomas Kent, y que resulta ser una mujer disfrazada (Viola), cuya mayor ilusión en la vida es actuar en la escena. Descubierta su identidad femenina, Shakespeare se enamora sin remedio de la chica. De tal modo que se convierte en su musa para una obra que será, finalmente, Romeo y Julieta. El guión de Marc Norman y Tom Stoppard es superoriginal. Ambos inventan una conjunción de posibles sucesos que podrían haberle ocurrido al genial autor inglés, hasta inspirarle de modo decisivo en la obra. Así conjugan humor, ingenio (es un buen entretenimiento para el espectador descubrir qué sucesos de los narrados recoge luego Shakespeare en la historia de los Capuleto y los Montesco) y romance amoroso. John Madden, el director, ha querido acabar con la idea de que la obra de Shakespeare es para gente sesuda: "He devuelto a Shakespeare a su sitio, junto a la gente". No es de extrañar que el film arrasara en la ceremonia de los Oscar de 1999. Se llevó 7 estatuillas, entre ellas las de mejor película (desbancando a la favorita Salvar al soldado Ryan), guión original y actriz principal, una estupenda Gwyneth Paltrow. La actriz confiesa que "crecí mirando y escuchando las obras de Shakespeare. Creo que si eres una actriz es imposible no estar perdidamente enamorada de él".

El film del director indio Shekhar Kapur especula con la vida sentimental de Elizabeth, dándole un "toque oriental". Fue conocida como "la reina virgen" y, desde luego, nunca se casó. Pero antes de tomar tal decisión, para dedicarse a gobernar, ¿tuvo alguna aventura sentimental? Lapur y su guionista, Michael Hirst, piensan que sí; y además, bastante tórrida. La historia, en este punto, parece darles la razón. La reconstrucción ambiental de la película es de primera clase. Pero, en la precisión histórica, el film se toma algunas libertades. No sólo en la vida amorosa de la reina, sino en las diversas intrigas políticas, y en las diferencias entre anglicanos y católicos. Para imprimir un aire de conspiración al film, Kapur ha convertido a la cámara en el "principal conspirador": "se mueve como una serpiente, siempre lista para atacar". El éxito del film en Estados Unidos ha sorprendido a sus productores británicos. No sólo ha valido un Globo de Oro a su actriz principal, Cate Blanchett, sino que la película ha obtenido 7 candidaturas a los Oscar, incluida la de mejor película.

Una joven americana decide pasar el verano en la Toscana tras la muerte de su madre. Allí intentará encontrar a su padre, de quien desconoce su identidad, a la vez que trata de recuperar una relación que comenzó unos años atrás con su vecino Nicolo. El realizador Bernardo Bertolucci es el responsable de la perfección técnica de esta película, con una bella fotografía y una excelente banda sonora. Por lo demás, hay visión muy erotizada de la vida, aunque no esconde las consecuencias infelices de ese mundo 'alegre', heredero del rechazo moral y del 'hippismo' de los años 70. La joven Liv Tyler, que saltó a la fama con este film, consigue una sorprendente interpretación.