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Biografía

Javier Aguirresarobe

Javier Aguirresarobe

Javier Aguirresarobe

Premios: 5 Goya (más 1 premios)

Goya
2005

Ganador de 1 premio

Goya
2004

Ganador de 1 premio

Goya
2002

Ganador de 1 premio

Goya
1997

Ganador de 1 premio

Goya
1996

Ganador de 1 premio

Ganador de 1 premio

  • Premio Especial del Jurado Bwana
Filmografía
Dora y la ciudad perdida

2019 | Dora and the Lost City of Gold

Simpática cinta familiar de aventuras, que se inspira en la famosa serie educativa infantil Dora exploradora. Produce Walden Media, especializada en cine con valores, y que respaldó tres películas basadas en Las crónicas de Narnia. Sigue a esta niña, que vive con sus padres arqueólogos en la jungla peruana. Cuando ya es una adolescente, consideran que es oportuno que vaya al instituto a la ciudad, mientras ellos siguen explorando tratando de dar con la mítica ciudad perdida de los incas Parapata. Allí Dora se reencuentra con su primo Diego, pero su naturalidad y franqueza chocan con la rutina y crueldad de unos chavales que van a su bola. De todos modos, por su condición de “outsiders” acaba formando una pandilla improbable con Diego, la estirada empollona Sammy y el friki Randy, sobre todo cuando son secuestrados por los villanos de turno, que quieren localizar a los padres de Dora, ya que creen que han encontrado finalmente Parapata y sus tesoros. Por suerte les rescata Alejandro, al parecer un viejo amigo de sus padres. La cinta viene a ser un cruce de En busca del arca perdida con Los Goonies, pero aderezado con muchos guiños a la serie didáctica donde aparecía Dora, lo que da pie a muchas bromas, con los personajes aportando datos y explicando conceptos, e incluso hablando a cámara. También, sin complejos, se da paso a personajes como el mono Botas y otros animales hechos con ordenador, y hasta hay un pasaje de dibujos animados. En el reparto están algunos de los actores latinos más populares del momento, Isabela Merced, Michael Peña, Eva Longoria y Eugenio Derbez, y en la versión original se usa con frecuencia el español, todo un reconocimiento a la contribución hispana a la cultura estadounidense. Dirige James Bobin, que antes firmó las cintas familiares Los Muppets y Alicia a través del espejo.

6/10
Operación Final

2018 | Operation Finale

Película basada en hechos reales, describe la localización y captura en Buenos Aires, Argentina, del criminal nazi Adolph Eichmann, conocido como "El Arquitecto del Holocausto", que se ocultaba con su familia bajo el nombre supuesto de Ricardo Klement. Con bastante fidelidad a lo ocurrido, describe la identificación casual de Eichmann cuando su hijo Klaus sale con una chica alemana judía, y el operativo montado por el Mossad, con un grupo de once hombres liderados por Peter Mankin, que perdió a su hermana en el holocausto. Chris Weitz (Un niño grande, La brújula dorada) se revela como director inesperado de este film dramático de corte histórico. La histora –que ya había sido llevada a la pantalla en La caza de Eichmann– atrapa, y Ben Kingsley y Oscar Isaac comparten un par de escenas eléctricas, en que se establece una inesperada conexión entre verdugo secuestrado y captor. Pero le falta algo de equilibrio, sobre todo por el contraste de las dos intensas escenas que comparten los protagonistas, en una de ellas hay un acercamiento, en la otra hay una cruedad que no se explica ni se logra entender. Del mismo modo, el dibujo del hijo de Eichmann, Klaus, resulta algo burdo, y la escena de una reunión nazi también se antoja algo caricaturesca.

5/10
La sonrisa etrusca

2018 | The Etruscan Smile

Thor: Ragnarok

2017 | Thor: Ragnarok

Tercera película de superhéroes Marvel con protagonismo principal para el personaje inspirado en los dioses de la mitología nórdica. Aquí, tras la muerte de su padre Odín, Thor debe impedir que ocurra el Ragnarok, una especie de terrible apocalipsis que destruiría la civilización asgariana; además, ha de enfrentarse con su malvada hermana primogénita Hela. Pero queda atrapado en un planeta donde debe combatir en un circo, a modo de gladiador. Y no puede ni imaginar el tremendo rival que le espera. El poco conocido Taika Waititi, guionista de la cinta de animación Disney Vaiana y director de la curiosa cinta familiar A la caza de los ñumanos, entrega un film entretenido, aunque desde luego no memorable, en que juega sobre todo con los cameos y la reunión de varios superhéroes –se autollaman en cierto momento “Los Vengativos”, a modo de broma sobre “Los Vengadores”–, ofrece peleas a granel con muchos y agotadores rayos, y añade elementos de humor, en ocasiones, justo es reconocerlo, muy divertidos. En el reparto Cate Blanchett está desaprovechada como villana, mientras que Jeff Goldblum se toma a broma su papel de organizador de combates, como reclama el guión, y supone un descubrimiento la “valkiria” Tessa Thompson, que destacó en Creed.

6/10
Lo que de verdad importa

2016 | The Healer

Alec es un poco bala perdida. Tiene una empresa llamada The Healer (“el curandero”), dedicada a arreglar objetos eléctricos. Pero tanto su vida laboral como su vida privada son un desastre desde que su hermano gemelo murió de cáncer. Acumula relaciones sexuales esporádicas e importantes deudas económicas que le pueden costar muy caro. Sin embargo, su situación cambiará radicalmente el día conoce a un tío suyo del cual desconocía su existencia. Éste le hace una generosa oferta: pagar todas sus deudas si se compromete a vivir un año en el pueblo de sus ancestros, una pequeña localidad cerca de Halifax, en Nueva Escocia. Paco Arango, fundador y responsable de la Fundación Aladina, dedicada al cuidado de niños con cáncer, sorprendió satisfactoriamente en 2011 con su película Maktub, una film muy personal que lograba una simbiosis perfecta entre drama y comedia y que narraba la penosa situación de un niño con cáncer y lo que eso generaba alrededor. Cinco años después Arango vuelve sobre el mismo tema en Lo que de verdad importa, un proyecto de mayor envergadura, rodado en inglés en localizaciones de Nueva Escocia y con un reparto enteramente internacional, en donde destaca la presencia del veterano Jonathan Pryce. La recaudación en España, Italia, México y Estados Unidos irá destinada íntegramente a ayudar a niños enfermos. De nuevo Arango vuelve a centrar su guión en el terremoto interior que provoca en los adultos el cáncer infantil, capaz paradójicamente de sacar lo mejor de las personas. Como siempre en su cine, Arango imprime a la historia un sano optimismo, una mirada alegre en medio del sufrimiento, con matices importantes que escapan a la visión materialista de la vida, de claro componente cristiano. Tal enfoque aporta una visión ponderada de la existencia terrena como algo provisional, abierta a otras realidades, que él expresa con situaciones milagrosas o inexplicables que hacen su entrada en el mundo. En este caso, el toque sobrenatural viene introducido con el mágico don de curar del protagonista, un talento ofrecido por Dios como una herramienta para ayudar a los demás, tal y como se dice en el film. Aunque se trata de un film correcto y muy positivo, puede pesar que la trama propiamente dicha resulta sensiblera, con escenas idílicas y diálogos perfectamente diseñados, mientras que las situaciones cómicas o dramáticas parecen poco realistas, como en esa escena en que todo el pueblo está reunido en la iglesia o las que hacen referencia al policía. Quizá el problema es que el planteamiento de fondo, la existencia de curanderos ancestrales, no acaba de funcionar del todo y necesita una atmósfera de cuento. Dicho lo cual se agradece que se use tal hecho como una metáfora de la vida real, en la cual los curanderos no serían más que esas personas que dedican su vida y sus recursos a mejorar la vida de los niños enfermos. A tal efecto, Arango dedica emotivamente su película a Paul Newman (1925-2008), que puso en funcionamiento una iniciativa de campamentos infantiles de la cual se benefician anualmente miles de niños con cáncer. A esa labor encomiable brinda los títulos de crédito.

5/10
La promesa

2016 | The Promise

1914, en los albores de la Gran Guerra. En Siroun, pequeño pueblo al sur de Turquía, Michael Boghosian, recibe de la familia de su prometida, la joven Maral, el dinero necesario para completar sus estudios de medicina en Constantinopla; a cambio jura que regresará para contraer matrimonio. Pero una vez instalado en la capital del imperio, en la casa de su acaudalado tío, se fija en Ana Kheserian, elegante armenia que sin embargo mantiene un idilio con el estadounidense Chris Meyers, reconocido periodista de Associated Press. Éste será el primero en denunciar en la prensa que el gobierno está ‘cambiando de localización’ a los armenios, lo que suena a excusa para aniquilarles. Terry George reconstruyó el terrible genocidio de los tutsis a manos de los hutus en la excelente Hotel Rwanda. Ahora se atreve con otro de proporciones aún mayores, ya que se estipula que millón y medio de armenios cayeron por orden del gobierno de Turquía, que en la actualidad sigue negando lo ocurrido. Se diría que el astuto cineasta ha recurrido al viejo patrón de Doctor Zhivago, que divulgaba para el gran público la Revolución Rusa, y el choque entre el idealismo inicial y la cruda realidad posterior, pero centrándose en una historia de amor que vendiera entradas. Con varios puntos en común con el legendario film de David Lean, la jugada puede ser tachada de comercial –se trata de la primera superproducción de Hollywood sobre el tema–, pero tendrá más influencia a la hora de dar a conocer la realidad que otras propuestas más minoritarias, como Una historia de locos, Ararat o El destino de Nunik. De ambientación impecable, rodada a buen ritmo, no trata de ocultar la realidad, abundan las secuencias duras, como la del tren donde se hacinan los prisioneros, o la mujer aniquilada porque ya no puede caminar. A diferencia de otras historias de amor en tiempos difíciles (de Lo que el viento se llevó a Titanic) tiene más interés el relato histórico que las peripecias de los personajes. Oscar Isaac y Charlotte Le Bon realizan un trabajo impecable, aunque se luce sobre todo Christian Bale, que se ha quedado el papel con más matices. El film está lleno de actores reconocidos en papeles secundarios, como Shohreh Aghdashloo, o los llamativamente episódicos James Cromwell y Jean Renó. Tampoco tienen mucha cancha los españoles Luis Callejo, Abel Folk y Alicia Borrachero.

7/10
La hora decisiva

2016 | The Finest Hours

Emotiva película de aire épico, protagonizada por personas normales sometidas a una situación límite, que se basa en un caso real. El 18 de febrero de 1952, en Chatham, en la costa estadounidense de Nueva Inglaterra, se partieron por la mitad dos petroleros debido a una fuerte tormenta. El film se centra en la misión de rescate de uno de ellos, el Pendleton, donde gracias a la pericia de unos de sus hombres una de las mitades del gran barco encalla en un arrecife; una pequeña embarcación de la Guardia Costera, con cuatro tripulantes a bordo, en unas condiciones imposibles, intenta dar con su paradero. Craig Gillespie logró destacar como director en 2007 con una historia muy humana, pero con ciertos tintes de surrealismo, Lars y una chica de verdad. Después de entregar en 2014 un drama deportivo en el mundo del béisbol que partía de hechos auténticos, El chico del millón de dólares, de algún modo reincide con este tipo de historia, ambas muy humanas, aunque como puede imaginarse, pegadas a la realidad, aunque pueda ser extrema. El film responde a los cánones del cine catastrofista en lo que se refiere a espectacularidad, las escenas en el mar, luchando contra los elementos, de modo especial la salida de puerto de la pequeña embarcación superando un banco de arena, ponen al espectador con el corazón en un puño. A esto suma las historias humanas de personas sencillas, buenos tipos, capaces de un heroismo cotidiano en su vida profesional, y también de perder los papeles por el miedo. Es bonita la camaradería entre los hombre de mar, y no se hace sangre ante los errores productos de la prepotencia. La subtrama romántica resulta eficaz desde el arranque, con los mimbres justos entendemos lo que les toca pasar a Bernie Webber, guardia costera comandante de la embarcación, y su prometida Miriam, una mujer de carácter. Hay un gran acierto en el casting, con interpretaciones medidas de unos eficaces Chris Pine, Casey Affleck, Ben Foster, Eric Bana, Holliday Grainger, John Ortiz...

6/10
Pesadillas

2015 | Goosebumps

El adolescente Zach se muda con su madre, recientemente viuda, a Greendale, pequeño pueblo en el que ella ha encontrado trabajo como subdirectora del instituto. El chico queda fascinado con su joven vecina, Hannah, que sin embargo tiene como progenitor a un tipo hosco y poco amigable. Tras escuchar gritos en la casa de la muchacha, Zach se cuela en su interior para echarle un cable, acompañado de Champ, su nuevo amigo. Descubren un mueble lleno de libros manuscritos... Film familiar inspirado en la saga homónima de libros infantiles, iniciada en 1992 por el escritor estadounidense R.L. Stine. Los guionistas han estado hábiles al no versionar un libro completo, sino que han logrado introducir en la trama al propio autor, encarnado por Jack Black, y a los personajes de los libros más populares, en especial el muñeco de ventrílocuo Slappy, que aparece en varios de los que han tenido más éxito. Rob Letterman, que procede de la animación digital, ya dirigió a Jack Black en Los viajes de Gulliver, y ha demostrado cierta habilidad para componer entretenimientos familiares convencionales, ligeros, pero más o menos correctos. En Pesadillas roba elementos de Jumanji, y también de los filmes de los 80 producidos por Steven Spielberg, y si bien no llega ni de lejos al mismo nivel, le permiten atrapar lo suficiente al público. Tanto Black como los jóvenes protagonistas, o la siempre eficaz Amy Ryan, están en registros exagerados, pero a tono con la puesta en escena. El propio Stine se ha prestado a un pequeño cameo.

5/10
Poltergeist

2015 | Poltergeist

La familia Bowen acaba de mudarse de casa. Y aunque el padre, Eric, se encuentra en paro, todos están ilusionados con estrenar su nuevo hogar, una casa amplia, con varias alturas, muy luminosa, grandes habitaciones, en una zona residencial. Y sin embargo, una presencia siniestra se esconde ahí. Lo nota primero el pequeño Griffin, con el descubrimiento de una extraña colección de muñecos payasos, y luego está el encendido espontáneo de la televisión, extraños ruidos. Todas estas señales de que el lugar está encantado tienen que ver con que la casa se construyó encima de un antiguo cementerio, y los muertos no descansan en paz. Hasta el punto de que se llevan a la pequeña de la familia, Amy, con la esperanza de que les guíe hacia la luz. Remake de Poltergeist, el clásico producido por Steven Spielberg y dirigido por Tobe Hooper, en esta ocasión esos roles son asumidos por Sam Raimi y Gil Kenan, éste muy acertado en la animada Monster House –con la que Poltergeist tiene alguna clara conexión– y la fallida City of Ember, ambos títulos familiares. El que nos ocupa también lo sería en cierta medida por su tono amable, aunque por los abundantes sustos y temas paranormales no sea indicado para los espectadores más jóvenes y/o impresionables, que puede que no se atrevan a coger una taladradora en su vida. A diferencia de otras revisitaciones anodinas, la que nos ocupa está llena de energía y la disfrutarán sobre todo los que desconozcan el original, pues en tal sentido, la película no aporta muchísimas novedades, más allá de unos efectos visuales corregidos y aumentados. Quizá la principal sea mostrar de un modo gráfico, pero a la vez sugerido, el submundo de los muertos. Aunque también se podría mencionar la introducción argumental de un dron de juguete, los tiempos adelantan que es una barbaridad, piénsese que las televisiones son de plasma y existen los iPhone, incluso de color rosa para la adolescente hija mayor. Hay un gran acierto en el reparto, brillando especialmente los niños pequeños, grandes y encantadores Kyle Catlett y Kennedi Clements. También tiene su punto de gracia el "cazafantasmas" interpretado por Jared Harris, que aporta un contrapunto humorístico que se agradece.

6/10
Por la cara

2013 | Identity Thief

Sandy Patterson tiene una vida genial: un buen trabajo, dos hijas preciosas y una esposa que le quiere y que está esperando otro hijo. Pero debido a sus necesidades económicas decide abandonar su empleo para ocupar la vicepresidencia en una nueva empresa de reciente creación. Sin embargo, de un día para otro ve cómo todas sus expectativas se van al garete. La causa es una delincuente que ha usurpado su identidad y falsificado sus tarjetas, de modo que ha dilapidado todos sus ahorros. Para mayores problemas la policía de su ciudad, Denver, le explica que no puede hacer nada contra alguien que opera en Florida, así que la única solución de Sandy es encontrar a esa mujer y llevarla a Denver en el plazo de una semana. Sólo de esa manera podrá recuperar su vida. Banal entretenimiento cuya mejor baza es su fondo de buenos sentimientos bajo una cáscara gamberra y malhablada en la línea de las desinhibidas comedias estadounidenses del tercer milenio. La historia, elaborada por Craig Mazin (responsable de los guiones de Resacón 2, ¡ahora en Tailandia! y de varias secuelas de Scary Movie), sigue las pautas de este tipo de filmes en donde se deja de lado la verosimilitud para dar lugar a una descacharrante trama a razón de un gag por minuto. La novedad de Por la cara es que se trata de una “road movie” con bastantes elementos de acción, aunque sea tontorrona. Detrás de las cámaras se sitúa el director de Cómo acabar con tu jefe, Seth Gordon, quien ha contado con el mismo actor como protagonista, Jason Bateman, y que se muestra capaz mantener un ritmo más o menos llevadero a lo largo del metraje. Pese a que acumula situaciones escabrosas y conversaciones de camionero, en general el director evita pasarse de la raya en la escala de la grosería, y ofrece momentos más o menos divertidos, siempre apoyados en la actriz Melissa McCarthy, que ha alcanzado una enorme popularidad desde su papel de Megan en La boda de mi mejor amiga, por la que fue nominada al Oscar. Lo malo es que la actriz se ha encasillado así en un perpetuo papel de bruta alocada y grosera, sin muchas luces pero con buen corazón. Entre el reparto, donde se descuidan bastante los personajes secundarios, es de señalar la presencia de Amanda Peet, aunque lamentablemente no cuente con demasiados minutos en pantalla.

4/10
Blue Jasmine

2013 | Blue Jasmine

Historia contada en dos tiempos sobre dos hermanas, Jasmine y Ginger, con la misma familia de adopción y distintos padres biológicos. Sus vidas tomaron rumbos muy distintos, pues Jasmine se casó con Hal, un hombre de negocios de Wall Street que le trajo lujo y sofisticación, mientras que Ginger unió su vida con Augie, un “chapuzas” al que la otra considera un perdedor. La detención de Hal por delitos financieros da un vuelco a la vida de las dos hermanas, hasta el punto de que Ginger debe acoger a Jasmine en su sencillo hogar de San Francisco. La mejor película “seria” de Woody Allen desde que filmara Match Point, y del nivel de la también notabilísima Midnight in Paris. Esta vez el director y guionista vuelve con Blue Jasmine a Estados Unidos, con notable presencia de su amada Nueva York, a la que se suma la de San Francisco, ciudad donde se criaron las dos hermanas. Y aunque la filmografía de Allen siempre ha pintado a cierto tipo de personas contemporáneas que él conoce bien, enfrentados a las grandes cuestiones que se plantea siempre el ser humano, aquí, quizá por primera vez, aborda un tema de rabiosa actualidad, el de la actual crisis económica con las actitudes que han dado pie a tan dramática situación y sus consecuencias. La cinta pivota alrededor de ese colapso económico y vital, centrada sobre todo en Jasmine, con numerosos flash-backs que permiten comparar la época de estar en la cima del mundo, con la de la precariedad, sobre todo psicológica, que dificulta asumir las nuevas circunstancias para pasar página. En tal sentido Cate Blanchett hace un trabajo formidable, su personaje de rica venida menos que quiere mantener su estatus se prestaba a la caricatura o al histrionismo, y en sus manos se convierte en un ser humano al que podemos entender y compadecer. Por supuesto, como suele ocurrir en las películas de Woody Allen, todos los actores de Blue Jasmine lo hacen muy bien, incluida la estupenda Sally Hawkins como la otra hermana, pero lo de Blanchett es sencillamente increíble. Con su clásica actitud pesimista, Allen invita a reflexionar sobre las vidas huecas, construidas sobre una fantástica nada. Y donde el bienestar, la riqueza, las relaciones sociales, la pose, resultan tener bastante menos valor que el simple hecho de mantener los pies pegados al suelo, lo que ayuda a encajar las inevitables contrariedades que consigo lleva la existencia. ¿Es Ginger mejor que Jasmine? Desde luego no es perfecta, pero está armada de ciertos recursos morales para rectificar, algo que parece imposible en el caso de su “cristalizada” hermana, que nunca se ha ganado la vida, y que en más de un sentido se ha labrado su propia ruina, aceptando que la mentira presida su existencia. Blue Jasmine es una película muy bien armada, con espacio incluso para la sorpresa. Contiene algún momento humorístico –Jasmine trabajando en la recepción de un dentista–, pero domina un tono de amargura, pues pinta con acierto la degradación moral de una persona. Y nos hace preguntarnos, cómo hacía Mario Vargas Llosa en “Conversación en la catedral”: ¿en qué momento se jodió todo?

8/10
Memorias de un zombie adolescente

2012 | Warm Bodies

El argumento de Memorias de un zombie adolescente viene a ser una versión libre de Romeo y Julieta. Así, R., un joven muerto viviente que se alimenta de cerebros humanos, participa en una escaramuza contra un grupo de supervivientes. Pero tras despedazar a un chico que va acompañado de su joven novia, Julie, se siente atraído por ella, y decide rescatarla de la voracidad de los otros muertos vivientes. Mientras R. y Julie tratan de sobrevivir, surgirá el amor entre ambos. El irregular Jonathan Levine (Seducción mortal) adapta la novela de Isaac Marion, que aparte de las referencias a William Shakespeare se sitúa muy en la línea de Crepúsculo, aunque cambiando los vampiros por muertos vivientes. La diferencia fundamental estriba en que Memorias de un zombie adolescente incorpora numerosos elementos humorísticos, casi todos bastante negros, pero efectivos. No faltan las buenas dosis de secuencias acarameladas que posiblemente sean la causa de que el film haya sido un tremendo éxito, en su estreno en Estados Unidos. El veterano John Malkovich, como padre de armas tomar de la protagonista, da un poco de lustre al reparto, encabezado por Nicholas Hoult (la Bestia en X-Men: Primera generación) y Teresa Palmer (El aprendiz de brujo), dos jóvenes valores un tanto insulsos. Los efectos digitales resultan un tanto rudimentarios.

4/10
Eternamente comprometidos

2012 | The Five-Year Engagement

Violet y Tom son tal para cual. Viven en San Francisco y se conocieron durante la fiesta de fin de año. El flechazo fue instantáneo. Se quieren de verdad y pocos meses después Tom le pide que se case con ella. Por supuesto, Violet acepta. No pueden ser más felices. Las familias y los amigos están encantados. Sin embargo, los planes de boda se trastocarán debido a que Violet consigue un ansiado puesto de trabajo en la Universidad de Michigan. No pasa nada: retrasarán la boda y Tom dejará su prestigioso puesto de chef en San Francisco y marchará con ella al frío Michigan. Y se casarán cuando puedan, cuando sus vidas se estabilicen... Pero ¿y si ese momento nunca acaba de llegar? El director Nicholas Stoller (Todo sobre mi desmadre) vuelve a formar equipo con Judd Apatow para ofrecer una comedia en su línea de “cine de autor”, el de la nueva y gruesa comedia norteamericana. Apatow cuenta además como protagonista con uno de sus actores fetiche, Jason Segel (Paso de ti), que también ejerce como productor ejecutivo y coguionista. Eternamente comprometidos tiene un planteamiento argumental más clásico de lo habitual en Apatow y la historia es en líneas generales un poco más amable que otras generadas por el escatológico productor. Esto no impide, claro, que ofrezca un sinnúmero de molestas zafiedades sin las cuales parece que su cine carecería de sentido, para bien o para mal. Pero, en fin, el talón de Aquiles de Eternamente comprometidos es el guión. Dista mucho de ser redondo; hay un claro estancamiento en el núcleo del conflicto (en parte porque resulta forzado) y el tramo final carece del encanto necesario para levantar el conjunto. Además, y esto es quizá lo más importante, falta chispa en la mayoría de los gags, chistes que presumiblemente tendrían que hacer despatarrarse al público y que no tienen el efecto deseado. Algunos arrancan la risa, claro, pero son más bien escasos. Lo mejor del film es el trabajo actoral, encabezado por una fascinante Emily Blunt, que demuestra una vez más su enorme talento. Segel está correcto, en su línea de lentorro y buena gente, mientras que los secundarios cumplen.

4/10
Una vida mejor (A Better Life)

2011 | A Better Life

Carlos en un inmigrante mexicano afincando en Los Ángeles como ilegal, trabaja en lo que puede para sacar adelante a su hijo adolescente Luis. La adquisición de una furgoneta gracias a la ayuda de una hermana podría ofrecerles un futuro mejor cara al trabajo, pero un tipo ingrato al que Carlos ofrece empleo va a robar el vehículo. Sentido drama sobre el problema de la inmigración, que muestra cómo el sueño americano puede mutar en pesadilla. La trama es sencilla, sin sensiblerías ni demagogias fáciles, con un robo que enseguida hace pensar en la obra maestra del neorrealismo italiano Ladrón de bicicletas. Con ese film comparte el tratamiento de la relación entre un padre y un hijo, aunque en el caso que nos ocupa se trata de un adolescente que corre el riesgo de acabar en el mundo pandillero; y también el dibujo de un personaje revestido de enorme dignidad, Carlos, que a pesar de las contrariedades continúa guiándose por unos sólidos principios, apuntalados por una sencilla fe católica, hay cosas que están bien y cosas que están mal, y la rabia y la injusticia no justifica caer en las segundas. Chris Weitz (Un niño grande, Luna nueva) es consciente de que maneja un guión de Eric Season bueno en su simplicidad, y mima su desarrollo bien apoyado en unos grandes actores, sobre todo el sobrio Demián Bichir, que fue nominado al Oscar por su interpretación.

6/10
Noche de miedo (Fright Night)

2011 | Fright Night

Charley y su madre separada tienen un nuevo vecino en el barrio residencial donde viven a las afueras de Las Vegas. El problema es que el macizo Jerry, que así se llama el vecino, es un vampiro, y aunque el friqui Ed advierte a su amigo Charley de su condición de chupasangres, éste, que quiere ser un tipo popular para que no le deje su novia May, no le hace ningún caso. Con terribles consecuencias que le obligarán a reaccionar. Puesta al día de  Noche de miedo, la peli de terror ochentera de Tom Holland, servida en 3D con fotografía del español Javier Aguirresarobe. La función corre a cargo de un director inesperado, Craig Gillespie, responsable de la sorprendente Lars y una chica de verdad, y de la serie televisiva United States of Tara. Como se ve, el argumento es lo de menos, de lo que se trata es de plegarse con buen ritmo a las convenciones de las películas de miedo para adolescentes, con sustos, ligoteos y sentido del humor, este segundo a ratos de tipo paródico: pues se retuercen los clichés y se hacen bromas con  Crepúsculo, hasta el punto de que el mismo actor Anton Yelchin luce un look que recuerda al vampiro guaperas Edward Cullen. No faltan las convenciones habituales para combatir a los vampiros, el recurso al gore y variados efectos especiales, junto a personajes alocados de distinto pelaje. Colin Farrell compone al maléfico vampiro con una perpetua pose de ser superior invencible. La película es lo que es, entretenimiento intrascendente para un público poco exigente, pero al menos no totalmente infumable. La idea es seguir la senda de títulos como Bienvenidos a Zombieland.

4/10
Eclipse

2010 | Eclipse

Adaptación de la novela homónima de Stephenie Meyer, tercera entrega de la saga vampírico-romántico iniciada con Crepúsculo, convertida por los adolescentes en uno de los mayores fenómenos de masas del siglo XXI. Summit Entertainment, productora de las películas, parece seguir la premisa de reclutar directores de prestigio para cada entrega, por lo que la primera la dirigió Catherine Hardwicke (Thirteen), la segunda Chris Weitz (Un niño grande) y en espera de que cierre la serie Bill Condon (Dreamgirls), en esta ocasión han recurrido a David Slade, responsable de la impactante Hard Candy, también protagonizada por una adolescente. En esta ocasión, Edward detecta gracias a su olfato que un vampiro desconocido ha estado en casa de Bella. Detrás de todo adivina a la vampiresa Victoria, cuyo amado murió a manos de Edward, y que ha organizado para vengarse a un ejército de neófitos, vampiros recién convertidos y por ello más salvajes que el resto. Jacob y el resto de lobos se ofrecen para aliarse con sus enemigos vampiros, con tal de proteger a Bella y frenar a Victoria y sus aliados, a punto de llegar. El principal problema de Eclipse es que no aporta nada a sus predecesoras. Los personajes no evolucionan lo más mínimo, ni ocurre nada decisivo, por lo que un espectador que pasara del film anterior al próximo no notaría nada. Slade aporta un poco de violencia –marca de la casa–, pues aunque está todo controlado, hay descabezamientos que sorprenden teniendo en cuenta que las predecesoras eran más comedidas. Y ha desaparecido la sutilidad con la que se transmitía el mensaje proautocontrol en las relaciones amorosas, a través de una lograda metáfora del vampirismo como representación de la sexualidad. En esta ocasión se explica claramente, por si alguien no lo había entendido. Fichar a actrices con posibilidades como Bryce Dallas Howard y Dakota Fanning resulta bastante absurdo, pues apenas aparecen en pantalla. Por lo demás, resulta un tanto repetitivo que Bella siga debatiéndose entre el vampiro y el hombre lobo, y que Taylor Lautner continúe descamisándose. Hasta parece que este tema se lo toman a broma, pues Edward Cullen llega a decir: “¿Este tío no tiene camisa?”. A veces se excede en diálogos edulcorados, y algún momento roza peligrosamente el ridículo, como la irrupción del hombre lobo en la tienda de campaña de Bella y Edward para ofrecerse a abrazarla a ella y darle calor en el lecho en esa gélida noche, ya que el vampiro está frío. Pero adapta con la suficiente fidelidad el libro, por lo que gustará a los fans, y además repite como director de fotografía el español Javier Aguirresarobe, que logra imágenes sugerentes, sobre todo de los bosques. Lo fundamental es que su reivindicación del romanticismo a la antigua aporta algo de fondo, y no viene mal que se transmita a la joven audiencia, dados los tiempos que corren. Aboga por el compromiso y el matrimonio con tanta frescura, que dará que pensar a la audiencia ‘teen’.

4/10
The City of Your Final Destination

2009 | The City of Your Final Destination

The Road (La carretera)

2009 | The Road

Cine de altura, inolvidable, brutal. Por su sencilla historia, por su hondura antropológica, por su impactante puesta en escena. Ha tenido suerte el escritor Cormac McCarthy en las dos últimas adaptaciones de sus libros. Si el chasco fue monumental en 2000 cuando Billy Bob Thornton rodó la discreta Todos los caballos bellos a partir de una novela extraordinaria, hay que reconocer la gran maestría con que los hermanos Coen filmaron No es país para viejos y también ahora la impresionante simbiosis conceptual que ha logrado el director John Hillcoat al convertir en imágenes la novela The Road, ganadora del Premio Pulitzer en 2007. Un gran cataclismo ha asolado el planeta. Un padre y su hijo arrastran sus enseres en un carrito de la compra a través de un paisaje siniestro, desértico, oscuro, muerto, plagado de piedras y de troncos desnudos de árboles podridos, un lugar inhóspito que suponemos que un día fue un bosque lleno de colorido, donde miles de animales vivían en libertad y llenaban el aire con sus trinos y sus variados sonidos. Antes era un lugar normal, como tantos otros. Ahora no queda nada. Padre e hijo arrastran sus cuerpos, envueltos prácticamente en harapos. Viajan hacia el sur, hacia donde se supone que está el mar. En su camino sobreviven sin comida, ingiriendo de cuando en cuando algún insecto insignificante que aún existe, un trozo de miga de pan que han recolectado en unas ruinas... Por el camino, lleno de casas y ciudades deshabitadas, hay muchos peligros. El mayor de todos está en el acecho de “malos”, hombres que se han convertido en caníbales, pero también es inmisericorde el frío húmedo que cala hasta los huesos, el hambre insoportable, la enfermedad, la tentación del suicidio. También hay algunos encuentros con vagabundos. Y entretanto el padre lucha por no desmoronarse e insufla esperanza a su hijo, aunque también guarda en su poder una pistola con dos balas. Quién sabe si tendrá que utilizarla. Un relato sencillo. Un viaje. Una odisea con destino incierto. Una increíble fábula sobre la dignidad humana. Sobre la lucha entre el bien y el mal en el mundo y en el corazón del hombre. Eso es The Road. Eso es también la vida, podría decirse. Y, aún así, quizá alguien opine que el guión es pobre, que en la trama apenas suceden cosas y que el periplo interminable de los protagonistas suena a repetitivo, a poco inspirado. Es posible. Sí. Pero también es cierto que el sentido del film es tan poderoso y está tan perfectamente resuelto en pantalla que convierte en mínimos detalles esas posibles deficiencias. Sólo el planteamiento le deja al espectador anonadado, sobrecogido. Es la supervivencia en medio del horror. El impacto es mayor gracias al trabajo estelar de Viggo Mortensen, escalofriante, que está muy bien secundado por el pequeño Kodi Smit-McPhee y por un elenco de grandes actores –Charlize Theron, Robert Duvall, Guy Pearce– que apenas cuentan con unos breves minutos en pantalla. Asombroso resulta el paisaje infernal que John Hillcoat ofrece en el film. Los que han visto su película La propuesta ya saben el talento que tiene este director para colocar la agresividad del ambiente en primer plano, y al igual que en ese film, en The Road también la música atmosférica de Nick Cave y Warren Ellis parece salir de la tierra, de su transpiración. Pero aquí es especialmente terrorífico el mundo que describen las imágenes, un universo irrespirable que parece sacado del apocalipsis, donde no hay luz que pueda irradiar esperanza. Con esa fotografía gris, del color de la ceniza y de la muerte, el maestro español Javier Aguirresarobe logra que el corazón del espectador quede inmerso en el horror. Es el color de la desesperación, del miedo, de la tristeza. Y sin embargo, sin embargo... Y sin embargo, ¡oh paradoja del arte y de la belleza!, hay pocas historias tan optimistas como la concebida por Cormac McCarthy y ofrecida por Hillcoat con absoluta fidelidad al original. La película rebosa amor. El amor de un padre por un hijo, el amor de un hijo por un padre. El amor al bien y a la conciencia moral –ese eterno “fuego” que llevan en sus corazones– y a la postre el amor hacia el ser humano, la inmortal esperanza de que donde hay un hombre no está todo perdido. “Si fuera Dios habría creado este mismo mundo, no uno diferente”, dice el padre en un momento trágico del film. Al final, el verdadero amor puede con todo.

8/10
Luna nueva

2009 | The Twilight Saga: New Moon

El fenómeno "Crepúsculo" es sólo ya equiparable al de las grandes sagas como las iniciadas por Harry Potter y la piedra filosofal, El señor de los anillos: La comunidad del anillo o Las crónicas de Narnia: el león, la bruja y el armario. El mundo creado por escritora Stephenie Meyer ha llegado hasta el último lugar del planeta y el amor de la humana Bella Swan por el vampiro Edward Cullen ha llegado muy hondo tanto a lectores como espectadores. Esta segunda entrega retoma la historia justo en donde la dejó Crepúsculo. Edward Cullen y Bella Swan están profundamente enamorados. Saben que su situación es muy difícil, pues pertencen a mundos distintos. Bella sigue queriendo convertirse en vampiro y pide una y otra vez que la conviertan en chupasangres; Edward no lo quiere y se resiste a cumplir esa voluntad de su amada. Sin embargo, hay también serios inconvenientes para conservarla ‘pura’, los cuales quedan al descubierto cuando un simple corte provoca que un vampiro amigo esté a punto de devorarla. Edward se da cuenta de que no puede proteger a Bella ni de su propia familia, y decide desaparecer, abandonar a su amada por su propio bien. La joven quedará entonces desolada, enterrada en vida, y tardará un tiempo en recobrarse mínimamante, todo gracias a la ayuda de su amigo de la infancia Jacob Black. Las cosas se complicarán cuando la relación entre ambos vaya tomando carices más profundos y Jacob muestre que no sólo hay vampiros ocultos entre los humanos. No se nota nada que esta segunda parte esté dirigida por Chris Weitz (Un niño grande, La brújula dorada) en lugar de Catherine Hardwicke (Thirteen, Los amos de Dogtown). Se diría que el director ha decidido emular completamente a su colega, pues tanto el trabajo de los actores, como la puesta en escena y la fotografía del español Javier Aguirresarobe son herederas de la película inicial, lo cual es seguramente un acierto. Hay quizá un mayor empeño en el tratamiento de la imagen, con muchas tomas ralentizadas bajo la notable y etérea partitura de Alexandre Desplat, de modo que el conjunto adquiere un cierto aire fantasmal. Otra diferencia es que en este film el terror y la acción tienen muy poca presencia: el romanticismo lo invade todo. Por otra parte, la historia juega con los mismos parámetros del amor juvenil y apasionado, y con ese singular enfoque de la autora de los libros, Stephenie Meyer, de salvaguardar la pureza de Bella de la mordedura vampírica, estableciendo un claro paralelismo vampirismo-sexualidad. Pero también hay en este film otros temas interesantes, como la referencia explícita a la inmortal tragedia ‘Romeo y Julieta’ de William Shakespeare. La trama coge elementos del bardo inglés que funcionan en pantalla y que hacen referencia a la imposibilidad de que uno de los enamorados viva sin el otro. De todas formas, la línea central del guión gira claramente alrededor de la rivalidad entre Edward y Jacob, pues ambos reclaman el corazón de Bella y se convierten en enemigos. Un tema, pues, tan viejo como el hombre. Los actores cumplen como corresponde, aunque destaca sin duda Kristen Stewart.

5/10
Vicky Cristina Barcelona

2008 | Vicky Cristina Barcelona

Dos íntimas amigas estadounidenses, Vicky y Cristina, viajan en verano a Barcelona. Aunque se aprecian sinceramente, no pueden ser más distintas. La primera es cerebral, tiene su vida muy ordenada, se piensa mucho las cosas antes de actuar; su prometido le aguarda en Nueva York, y está haciendo entretanto un máster en identidad catalana. Su amiga, en cambio, no tiene muy claro lo que desea en la vida; le gusta el cine y ha rodado un corto, pero no sabe si ésa será su futura dedicación profesional; es impulsiva, le gusta vivir la vida intensamente, se deja llevar. Una noche conocen a Juan Antonio, un pintor español, que les hace una insólita propuesta: viajar a Oviedo en su avioneta, y compartir habitación y cama los tres. Vicky y Cristina se quedan alucinadas, aunque previamente habían sabido de la agitada trayectoria vital de Juan Antonio, separado de su esposa, quien le agredió en el pasado. El caso es que el pintor hispano y sus planes resultan excitantes, y de momento aceptan acompañarle a Oviedo. Aquello resulta ser una inmersión muy especial en la cultura española. Primera película de Woody Allen coproducida por España, a través de Mediapro, y con los dos actores hispanos más internacionales del momento, Javier Bardem y Penélope Cruz, que están estupendos, especialmente el primero. Pues el actor compone a un personaje rebosante de sensibilidad, en lo que al aprecio de la belleza se refiere, lo que le aleja de otras interpretaciones de tipos decididamente brutales; también es encomiable el trabajo de “Pe”, aunque su composición esté más cercana a los personajes femeninos latinos de carácter, al estilo de los de Sophia Loren o Gina Lollobrigida, algo previsibles. También está muy bien, como suele, Scarlett Johansson, aunque quizá la gran sorpresa interpretativa del film de Allen sea la desconocida Rebecca Hall, vista fugazmente en El truco final, y que está sobresaliente como la amiga cerebral, un papel muy medido. El cineasta neoyorquino explora sus temas habituales, entre los que sobresale la eterna búsqueda del amor. Los personajes anhelan la felicidad, un amor que les llene... Y lo encuentran... por un tiempo, pero se hagan las combinaciones que se hagan, parece decir el pesimista Allen, es imposible encontrar la dicha completa. En tal sentido juega el director a varias bandas: el matrimonio convencional y programado, el de los artistas bohemios, el arriesgado... e incluso las “nuevas formas de familia” (qué disparatada e inadecuada expresión, perdón por usarla), manifestadas en un segundo “trío”, el compuesto por el pintor, su esposa, y una de las turistas, donde habría espacio para la variante lésbica. “No sé lo que quiero, pero no es esto”, llega a decir uno de los personajes teóricamente más desinhibidos... Mientras que la joven convencional, cuando parece decidida a “quemar las naves” de su convencionalismo, va a tener dificultades por donde no se lo esperaba... Azar, libertad, insatisfacción... Todo anda flotando por ahí, dejando mal sabor de boca. Resulta curioso, pero Woody Allen no parece confiar en el compromiso, ni en lo que es la lucha día a día por alimentar el amor, tales posturas no asoman en su film, como tampoco lo que sería, de verdad, formar una familia, engendrar hijos y cuidarlos... Uno de los aspectos más interesantes del film es observar la mirada a España de un extranjero como es Woody Allen. En la mirada subyugada por la belleza de las dos turistas hay algo del propio Allen, así como su guía podría representar a los amigos españoles del cineasta, que le han descubierto el país. Así se entiende la inclusión de una iglesia románica y su Cristo, la guitarra española, y por supuesto Gaudí. Por supuesto Allen no sería Allen si renunciara a su singular sentido del humor. Y aunque este film tiene su punto patético, porque está hablando de la infelicidad (mucho más que de la felicidad, una utopía desde su punto de vista), hay algunas buenas ideas, con su punto socarrón, que en parte se diría dirigidas al público hispano, al que se diría ha “pillado”, al menos en parte. Así se entiende que cuando Vicky explica sus estudios de identidad catalana a un maduro matrimonio americano, él pregunte “Y eso, ¿para qué sirve?”; tampoco parece casual la inclusión de la rotulación en español de los precios de una frutería catalana. Se diría que alguien le ha dicho, “a ver si haces un bonito 'spot' promocional de Barcelona”, y Allen asume el reto, pero apostando por su amado Gaudí, arrimando el ascua a la sardina de su gusto personal. Y nos queda la duda de si la boda en el ayuntamiento de Barcelona respondía al “caprichito” de algún concejal que quería salir en la peli; en cualquier caso, Allen salva la situación con dignidad.

6/10
Arráncame la vida

2008 | Arráncame la vida

Adaptación cinematográfica de la novela homónima de la mexicana Ángeles Mastretta, con la que obtuvo un notable éxito. Sigue los pasos de Catalina, una joven de Puebla, de familia humilde y buen corazón, que a la tierna edad de 16 años queda encandilada de un hombre mucho más mayor, el general Andrés Ascencio. Éste le hace la corte sin ningún miramiento, y le introduce en los sentimientos del amor y los placeres del sexo. Catalina acaba casándose con él. Se trasladarán a la capital y Andrés irá ascendiendo en el gobierno, hasta llegar a optar a la presidencia del país. Sin embargo, Catalina irá poco a poco comprendiendo con qué tipo de hombre se ha casado, un cacique ambicioso y machista, capaz de cualquier crimen con tal de escalar en la pirámide del poder. Y Catalina no tardará en enamorarse de otro hombre, un joven compositor de talento, muy idealista, llamado Luis Vives. La película es un desenfrenado cóctel de amor, sexo, ingenuidad, machismo y política, ambientado en una época turbulenta de México, durante la primera parte del siglo XX. Y precisamente, quizá lo más destacado del film es la cuidada ambientación que ofrece el director y guionista Roberto Sneider, que nos introduce con naturalidad y un elegante uso de la cámara en ese momento histórico. Sin embargo, la simpleza de la trama y el aire excesivamente melodramático remiten negativamente al subgénero del 'culebrón'. A eso ayuda sin lugar a dudas la tópica galería de personajes ideados por Mastretta, comenzando por Andrés (Daniel Giménez Cacho), cuyo machismo es tan burdo que resulta incluso humorístico. Para él todas las mujeres –y no sólo su esposa– son únicamente seres de uso sexual, algo así como una pertenencia suya, sin inteligencia, de la que él dispone a su gusto. Y en lo que respecta a la política, si alguien no le adula y ayuda en su ambición de poder, para él pasa a ser un 'pendejo' que simplemente hay que eliminar. Por su parte, Catalina (encarnada por una muy convincente Ana Claudia Talancón), es una mujer bien retratada, con carisma, pero muy hija de su tiempo, incapaz de evitar ser ninguneada por los caprichos de los hombres, y que ha de sufrir mucho hasta lograr atisbar una independencia interior parecida a la libertad del feminismo. Cierra el círculo, Luis (José María de Tavira), un guapo artista de 'manual', el perfecto hombre de corazón que despertará a la protagonista de su triste monotonía. El film fue elegido por México para competir en los Oscar.

4/10
La carta esférica

2007 | La carta esférica

Las novelas de Arturo Pérez-Reverte son todo un filón para el cine español, desde la más que entretenida El maestro de esgrima hasta el super "hit" Alatriste, pasando por Territorio comanche o la "polanskiana" La novena puerta, todas han encontrado una respuesta de público más o menos aceptable. Y estaba claro que "La carta esférica", novela publicada en 2000, estaba igualmente llamada a convertirse tarde o temprano en película. La trama se centra en la búsqueda de un barco hundido en las cercanías de la costa de Cartagena. En la empresa se ve involucrado un ex marinero llamado Ismael Coy (claro homenaje al protagonista de “Moby Dick”), quien por casualidad conoce a una mujer llamada Tánger Soto en una subasta de objetos marítimos. Totalmente subyugado por la belleza de Tánger, Coy decide implicarse en el proyecto de encontrar el “Dei Gloria”, un barco jesuita que naufragó siglos atrás. Tánger tiene la herramienta necesaria –el Atlas Marítimo de Urrutia recién conseguido– y también ha encontrado al hombre que sabe interpretar las coordenadas del valioso documento. Sin embargo, otros competidores peligrosos, como el italiano Nino Palermo o el argentino Horacio Kiskoros, intentarán impedir que Tánger y Coy encuentren el navío. Es probable que sobre el papel y gracias a la pluma de Pérez-Reverte la voluminosa novela funcione medianamente, pero en pantalla no pasa de ser un folletín frío y sin alma, y demasiado inverosímil por lo simple y lo soso de la trama. Sin duda, Uribe –también guionista– ha simplificado hasta los huesos el argumento original, porque la investigación propiamente dicha –lo que se supone ha de ser el cuerpo de la historia, centro del misterio y del peligro– queda aquí reducida prácticamente a una "gymkhana" de niños de campamento. Es una pena, porque películas como La búsqueda han demostrado que la aventura de encontrar tesoros pretéritos en la época actual puede funcionar a las mil maravillas, aunque, eso sí, para ello hacen falta un decidido esfuerzo de producción y una puesta en escena mucho más rica y atractiva. Por lo demás, el aire legendario y épico que se le quiere dar al film, con referencias confesas a célebres nombres del mar, como Conrad, Stevenson o Melville, o con ese arranque a lo Master and Commander. Al otro lado del mundo, con la brillante partitura de Bingen Mendizábal, acaba por diluirse completamente en la vulgaridad y el aburrimiento. Al final, en La carta esférica lo que se cuenta es menos romántico que una merluza. Resulta igualmente fallido en su concepción el personaje de Palermo –un claro trasunto del Malatesta de Alatriste–, pues tras una presentación más que digna, su presencia termina por convertirse en mera anécdota. Al final sólo nos queda una bellísima mujer, que con sus cantos de sirena –y una fisonomía al más puro estilo idem– esclaviza al marinero de turno cuándo y cómo se le antoja. Se salvan las composiciones de la pareja protagonista, sobre todo el trabajo de un esforzado Carmelo Gómez.

3/10
Los fantasmas de Goya

2006 | Goya's Ghosts

Singular parábola de denuncia de los excesos en que puede incurrir el ser humano, incluso en el nombre de los ideales más sagrados, ya sea Dios, o la libertad, igualdad, fraternidad. La experiencia personal de los estados totalitarios ha marcado profundamente al checo Milos Forman, como prueban algunos títulos de su filmografía, Alguien voló sobre el nido del cuco y El escándalo de Larry Flynt mayormente. Aquí insiste en la condena de la tortura física y psicológica, y de la limitación de pensamiento y libre expresión. Le sirve para ello de excusa la España de Goya, con dos momentos bien delimitados, la caída de Carlos IV, y la invasión napoleónica a la que seguirá la restauración borbónica, en los que el pintor aragonés es observador privilegiado de la realidad del cambio de siglo. El film, financiado con capital español en su totalidad y con muy buenos técnicos hispanos en su equipo, tiene un empaque notable, como de título que desearía concurrir en los Oscar. La puesta en escena es excelente, y también el trabajo de los actores, o la visión de la creación pictórica de Goya (estupendo Stellan Skarsgård), y su presentación como alguien que vive en su nube artística, pero con capacidad de tomar el pulso a su época, aunque sea a palos. Hay que reconocer además, a Forman y a su coguionista Jean-Claude Carrière cierta apertura de mente, atrapada en el personaje de Javier Bardem, primero inquisidor implacable inconsecuente con sus ideas (la violación de una prisionera), luego adalid implacable de la revolución, que trataría de ser el reflejo de dos extremos. Pero el film tiene una pega, importante: la desgracia que acontece a la Inés compuesta por Natalie Portman, todo un lastre. Se diría que la sombra de la imprecisión histórica, que ya le afectó en Amadeus, persigue a Forman. Resulta poco verosímil, cercano a lo risible, que alguien pueda dar con sus huesos en la cárcel por el simple hecho de no ingerir carne de cerdo una noche en una posada; más en una época, casi principios del siglo XIX, en que la Inquisición ya no era lo que había sido; tampoco se entiende que la violación de fray Lorenzo carezca de los elementos traumáticos normales en un caso de esas características.

6/10
Obaba

2005 | Obaba

Desde su debut en Tasio (1984), el navarro Monxto Armendáriz se ha situado como uno de los guionistas-directores más destacados de nuestro país. En su filmografía brillan especialmente Historias del Kronen (1995) y Secretos del corazón (1997), sólidos dramas en los que Armendáriz lograba transmitir íntimos sentimientos personales en medio de una ambientación costumbrista muy lograda. Y en Obaba, misterio, sentimiento y costumbrismo, quizá las tres características más comunes de su cine, no sólo vuelven a estar presentes sino que se convierten en el verdadero motor de la película. Lourdes es una joven de veinticinco años que, cámara en mano, se dirige al pueblo de Obaba con la intención de realizar un reportaje para la universidad. Allí, en medio de las montañas, irá descubriendo diferentes episodios en la vida de sus habitantes, mezcla de leyendas y sucesos reales, que ejercen sobre su imaginación una atractivo insuperable, casi mágico. De ese modo, conocerá de primera mano las misteriosas historias de la maestra que esperaba cartas amor que jamás llegaban, del niño enamorado de una chica alemana, del hombre trastornado que habla solo, del lugareño cuyo cerebro fue horadado por un lagarto… La película adapta algunas de las narraciones recogidas en Obabakoak, la obra más famosa del escritor vasco Bernardo Atxaga. Es más que elogiable el esfuerzo de Armendáriz por intentar trasladar a la pantalla, con fluidez y elegancia, el aire entre misterioso y mágico del texto original. Pero también es cierto que el espectador comprueba la dificultad de la empresa al certificar que el digno resultado final no esconde del todo algunas caídas de ritmo y de tensión narrativa. Lo mejor, junto con las caracterizaciones de Pilar López de Ayala y Eduard Fernández, son la realista puesta en escena y la cuidadísima ambientación rural, la cual se ve claramente favorecida por la sobresaliente fotografía del experto Javier Aguirresarobe.

5/10
Hormigas en la boca

2005 | Hormigas en la boca

1958. Martín acaba de salir de la cárcel tras permanecer ocho años encerrado por robo. Julia, su compañera sentimental e ideológica de entonces, logró escapar con el botín, y ahora Martín quiere encontrarla. Así que viajará a Cuba e investigará su paradero. Sin embargo, lo que va a encontrar en La Habana no serán buenas noticias y quizá conseguir el dinero y recuperar el amor de Julia sea mucho más difícil de lo que parece. Mariano Barroso se apoya casi exclusivamente en el buen hacer de Eduard Fernández para llevar a puerto este thriller dramático, algo carente de alma, que juega bien la baza ambiental de la Cuba precastrista.

5/10
El puente de San Luis Rey

2004 | The Bridge Of San Luis Rey

Adaptación de la célebre novela de Thornton Wilder, escrita en 1927. En el Perú del siglo XVII, el puente del título se rompe y cinco personas que se encontraban en él caen al abismo. Detrás del argumento se plantea la pregunta de si fue el azar, la providencia o la actuación de las personas quien provocó el desastre. La película indaga acerca de por qué esas personas concretas se encontraban en el puente, a través de la crónica de sus vidas. Sobresale la ambientación y el magnífico reparto internacional, con mención especial para la española Pilar López de Ayala.

4/10
Mar adentro

2004 | Mar adentro

La historia real del tetrapléjico gallego Ramón Sampedro, que conmocionó en su día a la opinión pública. Alejandro Amenábar cambia radicalmente de género (su fama hasta la fecha se ha cimentado en el thriller), para contar una historia de tintes dramáticos, sobre un hombre que considera indigno seguir viviendo con su incapacitación, y que desea ser asistido en su suicidio sin cortapisas legales. Amenábar es un cineasta inteligente, que sabe dirigir a un grupo de actores muy bien escogidos. Resulta difícil destacar a un intérprete sobre el resto, tan bien están Javier Bardem, Belén Rueda, Lola Dueñas y compañía, aunque está claro que el primero se lleva la palma. A la hora de contar su historia, el director trata de ser razonablemente equilibrado al presentar personajes que no desean la muerte de Sampedro (su familia, principalmente, además de una mujer que le ve en televisión) y otros que sí quieren ‘ayudarle’, por ‘compasión’ (los abogados de una asociación pro eutanasia). Aunque tal equilibrio se va al traste al presentar de modo grotesco y sin matices al personaje de un sacerdote también tetrapléjico. El film se esfuerza por ser luminoso, un teórico canto a la vida. Esto se hace trenzando con tino las relaciones entre los personajes. Pero al final no deja de tomar partido por la muerte, presentando como legítima la opción de acabar con la propia vida. E invita a una comparación odiosa entre la decisión del protagonista y la del personaje de Belén Rueda, condenada a vivir en un limbo donde es incapaz de reconocer a las personas queridas.

6/10
Mala leche

2003 | Mauvais esprit

Un frustrado estudiante se reencarna en el cuerpo del bebé del tipo que le atropelló, un hombre al que odiaba. Thierry Lhermitte, (La cena de los idiotas) y la española Leonor Watling, se esfuerzan infructuosamente por salvar esta comedieta francesa, que recuerda a Mira quién habla, pero con un tono grosero.

2/10
Soldados de Salamina

2003 | Soldados de Salamina

Postrimerías de la guerra civil española. El bando republicano huye a la desbandada. Un grupo de milicianos conduce por un bosque a 50 prisioneros del otro bando; se dispone a fusilarlos. En la confusión de la refriega, salva la vida el escritor falangista Rafael Sánchez-Mazas. Oculto entre la maleza, un miliciano le descubre. Pero, inexplicablemente, no dispara: respeta su vida. Medio siglo después una joven escritora en crisis investiga la historia. Un artículo en un diario puede que le lleve a la novela de su vida… y a descubrir unas cuantas verdades sobre sí misma. Impecable adaptación de David Trueba de la novela de Javier Cercas. El director y guionista logra una buena conjunción entre los hechos actuales y los del pasado, e inserta bien los testimonios de protagonistas auténticos de lo que se cuenta. Un gran acierto de Trueba es mirar hacia atrás sin ira, sin revanchismos. Puede considerarse algo caprichosa la decisión de convertir al protagonista masculino de la novela en una mujer, pero resulta innegable que Ariadna Gil asume su papel con brillantez.

6/10
Hable con ella

2002 | Hable con ella

"Cafe Müller", espectáculo de Pina Bausch. Dos tipos se emocionan viendo a dos mujeres moverse como sonámbulas en el escenario. Es la apertura, resumen plástico del film. Benigno es enfermero, y cuida con esmero a Alicia, que se encuentra en coma (¿en el país de las maravillas?). A su clínica llega Lidia (mujer torero, por supuesto) tras una grave cogida; le acompaña su amante Marco, autor de libros de viajes. Benigno y Marco son muy distintos; pero se hacen amigos e intercambian confidencias sobre sus cuitas amorosas. Pedro Almodóvar ya ha probado de sobras su oficio narrativo. Aquí acude a una estructura más compleja, con saltos temporales y pequeños “descansos” o cambios de aire –los espectáculos de Bausch, las corridas, la película muda, la canción de Caetano Veloso, la aparición “estelar” de Chus Lampreave…– que en manos de otro chirriarían hasta decir basta. Así el manchego compone un folletín. De sentimientos exacerbados y heridas sangrantes. Sin entrar a cuestiones de fondo –a la violación, sin ir más lejos, se le resta importancia–, mostrando el puro deambular de los personajes. Ése es Almodóvar, guste o no. Se toma o se deja. La historia acumula elementos melodramáticos, muchos tomados de las páginas de sucesos del periódico. Y se salpica con el humor que tanto agrada a su parroquia.

6/10
Deseo (2002)

2002 | Deseo

España, 1945. Elvira malvive con su madre enferma y con su hermana menor. Su padre murió en la Guerra Civil y su marido está en la cárcel. Son una familia de ideas comunistas, en el punto de mira del régimen franquista. Elvira es una buena chica que espera el regreso de su marido, pero cuando entra a trabajar como sirvienta en casa de un joven argentino de origen alemán, ambos se enamorarán perdidamente. Lo que no sabe es que ese argentino, Pablo, es un espía al servicio de los nazis. El español Gerardo Vera (Segunda piel) dirige a un plantel de actores argentinos –Leonardo Sbaraglia, Ernesto Alterio, Cecilia Roth–, junto a la madrileña Leonor Watling en este film cuyo argumento –entre la pasión amorosa y la política– resulta bastante simplista, en su pintura de una España en connivencia con los nazis. Los actores se esfuerzan, pero la cosa no da para mucho.

4/10
Los otros

2001 | Los otros

Un apartado caserón victoriano en la isla de Jersey. Es el año 1945, y la Segunda Guerra Mundial acaba de concluir. Grace vive con sus dos hijos en forzada reclusión. El marido fue a combatir, y no ha vuelto. Los chicos sufren una rara enfermedad: no puede exponerse a la luz del día, y deben vivir en perpetua penumbra. Su madre, sobreprotectora, pone todos los medios para que estén a gusto. Abre y cierra puertas para evitar los rayos de luz fatal. Y los educa lo mejor que puede, dentro de unos estrictos principios religiosos, a veces poco meditados. La llegada de tres nuevos sirvientes va a alterar la vida de tan peculiar familia. ¿Están tramando algo? ¿Tienen algo que ver con los extraños ruidos que se oyen en la casa, producidos por “los otros”? Inquietante y terrorífico film de Alejandro Amenábar, que sabe asustar sin acudir a las sanguinolencias al uso. El joven director (y guionista, y autor de la banda sonora) demuestra una vez más ser un maestro en la creación de atmósferas. Sabe agarrar al espectador y encerrarlo con Nicole Kidman y sus retoños en el siniestro caserón donde transcurre la película, para erizarnos el cabello a su antojo. Amenábar reconoce que de niño le gustaba imaginar historias de casas encantadas y extraños fantasmas. Y que las pelis de miedo como La semilla del diablo, Alien, el octavo pasajero, La noche del cazador, Seven y El silencio de los corderos le chiflan. Así las cosas, se ha despachado a gusto en este film. Quizá otra referencia inevitable es Alfred Hitchcock, el mago del suspense. Hasta el hecho de convertir a Nicole Kidman en una mujer rubia asustada, un poco a lo Grace Kelly, nos remite a las célebres rubias que poblaron las películas del mago del suspense.   Los otros es la película española que más éxito ha tenido en Estados Unidos hasta la fecha. Su recaudación en ese país ha rozado los 100 millones de dólares, y logró mantenerse con gran mérito entre las diez más vistas durante varias semanas. Lo suyo no fue el clásico arrase el primer fin de semana, para luego caer en picado, cuando se corre la voz de que el film no es bueno. Todo lo contrario: mantuvo una recaudación constante durante varias semanas, señal inequívoca de que funcionó bien el “boca-a-oreja” de que se trataba una estupenda película. Amenábar volvió a repetir el éxito de los Goya que ya tuvo con Tesis: ocho premios, incluidos el de mejor película, director y guión.

7/10
Obra maestra

2000 | Obra maestra

Benito es un cinéfilo empedernido, que sueña con rodar su opera prima. Cuenta para ello con Carlos, carnicero a quien también le encantaría triunfar en la pantalla. Benito tiene una cámara de super-8, y con eso y un par de decorados cree que podría hacer una "obra maestra". A condición de convencer a una estrella como Amanda, para que participe en el film. Como ella no está muy dispuesta, la secuestran. Sólo la liberarán una vez concluido el rodaje. Comedia negra en torno a la cinefilia, firmada por David Trueba (La buena vida). La peli empieza con una estupenda y divertida escena de musical, protagonizada por Pablo Carbonell (el de 'Caiga quien caiga'). Luego la historia se hace más previsible, con Santiago Segura en plan "desmadre total".

4/10
El milagro de P. Tinto

1998 | El milagro de P. Tinto

P. Tinto ha querido tener muchos hijos desde que era niño. Se casó para ello con el amor de su infancia: Olivia, una ciega. Los niños no han venido, porque tienen una idea equivocada de lo que llaman hacer el “tralarí, tralarí”. Así que adoptan a unos marcianos, y luego a un tipo que lleva siempre a cuestas una bombona de butano. Tras sus celebrados cortos Aquel ritmillo y El sedcleto de la tlompeta, Javier Fesser debuta en el largo con una historia de tintes surrealistas. El despliegue visual es apabullante: las referencias van desde el expresionismo alemán hasta los dibujos animados de Correcaminos, pasando por el cine de los franceses Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet y del británico Terry Gilliam, el E.T de Spielberg, las historietas de Tintín… Quizá el guión de los hermanos Fesser, Javier y Guillermo, podía ser más consistente, y evitar así la sensación de asistir a un chorro de gags. Algunos son sin duda muy ocurrentes. Los Fesser se mueven en el filo de la navaja, procurando no traspasar las fronteras del buen gusto.

4/10
La niña de tus ojos

1998 | La niña de tus ojos

Estamos en plena Guerra Civil Española. Como una forma más de estrechar lazos entre la España de Franco y la Alemania de Hitler, un equipo de cine español es invitado a los célebres estudios de la UFA en Berlín para rodar la versión alemana e hispana de un film folclórico que se titulará La niña de tus ojos. Fernando Trueba, tras sus éxitos con Belle epoque y Two Much, aborda un film que combina la comedia y drama. Con abundantes situaciones humorísticas, sigue las aventuras amorosas de los distintos componentes del grupo: el director, Blas Fontiveros (Antonio Resines), casado, mantiene un romance con su actriz principal, la encantadora Macarena Granada (una Penélope Cruz que se llevó un Goya). Julián Torralba (Jorge Sanz) es el prototipo de machito ibérico (se lía con la esposa del embajador español), que madurará cuando, al ser confundido con un gitano, sepa cómo se las gastan los nazis. Y así, cada personaje (los divertidos Jesús Bonilla, Neus Asensi, Santiago Segura, Loles León, Rosa Maria Sardá...) tiene su historia: y es que La niña de tus ojos es una película intensamente coral. Trueba caricaturiza al ministro de la propaganda nazi Joseph Goebbels (un tipo mujeriego, que pretende acostarse con Macarena), con la referencia de ese maravilloso film de Ernst Lubitsch titulado Ser o no ser. El gag del baile de Goebbels y Macarena, junto al intérprete (Miroslav Táborský, ganador del Goya al actor revelación), es, quizá, el más divertido de la película. El film triunfó la noche de entrega de los Goya, al llevarse 7 estatuillas. Curiosamente, ganó el más importante (el de mejor película), pero no los de director y guión, que los recogió un sorprendido Fernando León de Aranoa, por Barrio. El director y guionista Gonzalo Suárez, encantado con La niña de tus ojos, dijo sobre Fernando Trueba que es "un director en estado de gracia".

5/10
Secretos del corazón

1997 | Secretos del corazón

Javi (Andoni Erburu), un niño de nueve años, pasa las vacaciones de Semana Santa en su pueblo, en la montaña. Allí, Javi se siente atraído por el secreto que oculta una habitación de la casa, que siempre permanece cerrada, donde encontraron muerto a su padre. Su hermano le dice que en esa habitación se puede escuchar la voz de su progenitor. Intrigado por este suceso enigmático, Javi seguirá investigando. En su empeño por descubrir la verdad, conocerá cómo funciona el mundo de los adultos, donde la mentira y la verdad se mezclan con las pasiones y el amor. Una de las mejores películas españolas de 1996, nominada al Oscar como mejor película extranjera. Montxo Armendáriz es uno de los directores más serios y sobrios de nuestro cine. Narra una historia intimista y sosegada, a través de los ojos de un niño, que poco a poco irá desentramando los secretos de la existencia.

7/10
99.9

1997 | 99.9

Lara trabaja en un programa de radio sobre fenómenos paranormales. Su dial radiofónico es el 99.9, pero no tiene demasiada audiencia. Cuando el padre de su hijo fallece, Lara marchará a un pequeño pueblo de la montaña, Jimena de la Sierra, en donde murió el hombre. Allí todo será muy inquietante. El director Agustí Villaronga (Pan Negro) ofrece un film muy de su estilo, de atmósfera oscura, tenebrosa, y desarrollo triste, agobiante, que llega a hacerse largo y pesado. Cuenta al menos con un reparto adecuado para tal estilo, con el protagonismo de María Barranco (Mujeres al borde de un ataque de nervios).

4/10
Tierra (1996)

1996 | Tierra

Ángel (Carmelo Gómez) tiene un desdoblamiento de la personalidad, producido por la angustia que le produce la vida y el saber que, tarde o temprano, tiene que morir. Es un hombre curioso y atractivo, con una poderosa imaginación. Se dedica a exterminar plagas, y con ese fin llega a unas colinas donde la tierra es roja, y la cochinilla produce en el vino un sabor a tierra. Allí, el otro yo de Ángel se enamora de Ángela (Emma Suárez), una mujer casada, sencilla y muy tímida. Pero el verdadero Ángel se siente atraído por Mari (Silke), una exuberante joven de 19 años que está enamorada por primera vez. El conflicto se produce de esta manera entre el amor y el sexo, y entre la locura y la cordura. Se trata de una inquietante película de uno de los mejores directores del cine español. Desde que debutó con Vacas (1992), Julio Medem se ha convertido en uno de los artífices de la renovación del cine español. Aquí muestra su visión particular de la vida y de la condición humana, con un seductor tono lírico. Carmelo Gómez, interpretando un papel que rechazó Antonio Banderas, está soberbio. Emma Suárez y Silke se complementan a la perfección con sus antagónicos personajes.

5/10
Tu nombre envenena mis sueños

1996 | Tu nombre envenena mis sueños

Un detective se reencuentra con un conocido en el día del entierro de un ingeniero. Ambos esperan reecontrase con la bella hija del fallecido, pues ella puede tener la clave de un misterioso asesinato que tuvo lugar en 1942. Mezcla de cine negro y thriller de amores complicados, con referencias a la atmósfera de la guerra civil española, es lo que ofrece Tu nombre envenena mis sueños, film dirigido por la prestigiosa Pilar Miró (Teresa de Jesús) a partir de la novela homónima de Joaquín Leguina. El reparto principal es notable.

4/10
Bwana

1996 | Bwana

Antonio (Andrés Pajares) es taxista. Su mujer está interpretada por María Barranco. Ambos, junto a sus dos hijos, realizan una excursión dominical a una playa solitaria, donde piensan pasar un agradable día. Allí conocen de forma repentina a Ombasi, un joven africano que acaba de llegar a España pensando que iba a encontrar el paraíso. La familia de Antonio le acepta enseguida y se proponen echarle una mano. Pasan la noche alrededor de una hoguera, cerca de un extraño chiringuito. Durante ese tiempo, conocen a un curioso grupo de contrabandistas de tabaco, a una pareja de nazis, a un cabeza rapada español la mar de violento, y a dos africanos que acaban de llegar a la playa en una patera. Una oportuna película de Imanol Uribe, uno de los realizadores españoles que inspiran más confianza. Tiene una importante carga social, que no resulta pedante en ningún momento, porque se ampara en la comedia. Un alegato en contra del racismo que late en la sociedad española y en cualquier sociedad civilizada. La película ganó la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Cuenta con las brillantes interpretaciones de Pajares y Barranco.

5/10
El perro del hortelano

1995 | El perro del hortelano

Brillantísima adaptación de la obra teatral de Lope de Vega, que conserva sus diálogos en verso. La puesta en escena de Pilar Miró (Beltenebros) de esta comedia amorosa de enredo es muy ágil, las interpretaciones son excelentes, y los decorados y el vestuario se han cuidado al máximo. Este film en la línea de Mucho ruido y pocas nueces de Kenneth Branagh ganó siete Premios Goya.

6/10
Antártida

1995 | Antártida

María (Ariadna Gil) es una heroinómana, frustrada cantante de rock, que acaba de perder a su novio por una sobredosis. Es una chica desesperada, sin ninguna ilusión, incapaz de superar su adicción, sólo con ganas de acabar de una vez por todas con su existencia. Un día conoce a Rafa (Carlos Fuentes), un animoso joven, ratero de poca monta, que casualmente ha robado una importante cantidad de droga. A Rafa le gusta María y a la vez siente lástima por ella. A María, Rafa le es indispensable porque le suministra droga, mientras tratan de vender el alijo. Lo que no saben es que los verdaderos dueños del material son unos poderosos delincuentes sin escrúpulos, que tratan de ajustarles las cuentas. Un emocionante 'road movie', inusual en el cine español, con un ritmo trepidante. El guión es del novelista Francisco Casavella, autor entre otras de la excepcional novela "Un enano español se suicida en Las Vegas". Cuenta con todos los ingredientes del género, además de que sus personajes protagonistas, sobre todo en el lado positivo de Rafa, rezuman buenos sentimientos. Ariadna Gil, como yonqui que ha tocado fondo, está cautivadora. Carlos Fuentes, en su primer papel para el cine, tiene un desparpajo elogiable.

5/10
Fiesta (1995)

1995 | Fiesta

1936. Rafael, hijo de un alto oficial del ejército de Francisco Franco, se alista para participar en la Guerra Civil que asola españa. Acaba sirviendo con el coronel Masagual, que no oculta su relación homosexual con Casado, su ayudante de campo. Drama de poca entidad, basado en un texto de José Luis de Vilallonga. Se salva la interpretación del veterano Jean-Louis Trintignant como el oficial Masagual.

5/10
Días contados

1994 | Días contados

Una drogadicta se enamora de un hombre muy atractivo que resulta ser un terrorista de ETA, que ya no cree en la causa. Sus intentos para abandonar la banda de asesinos son infructuosos. Ocho premios Goya, en las máximas categorías obtuvo este exitoso y durísimo filme de Imanol Uribe, así como tres de los máximos premios del Festival de Cine de San Sebastián, en el año 1994, entre ellos la Concha de Oro a la mejor película. Se trata de la adaptación libre de la novela homónima de Juan Madrid. Es una película dura, sórdida, pero muy bien interpretada.

5/10
Una chica entre un millón

1994 | Una chica entre un millón

Miguel, un empresario que maneja millones gracias a su empresa discográfica, es asaltado en la calle por unos maleantes y salvado por una joven llamada Lola. Desde entonces, una vez repuesto, Miguel no cejará de buscar a Lola, a pesar de que ya tiene compromiso de boda con otra mujer. La tal Lola se mueve en ambientes turbios y tiene un novio peligroso. Drama subido de tono, que cuenta con buenos actores, pero con un guión que apenas tiene interés.

3/10
La madre muerta

1993 | La madre muerta

Ismael es un ladrón que asesina a una mujer que ha sido testigo de su acto, pero lo hace delante de su hija, que tras el suceso queda muda y trastornada, con lo que es llevada a un centro psicológico. Años más tarde, Ismael ve a la chica y teme que la reconozca, por lo que se obsesionará con quitarla del medio sea como sea. Con la ayuda de Maite, una perturbada asesina con la que vive, ismael iniciará una serie de crímenes por todo el sanatorio. Se le acusa a Juanma Bajo Ulloa de copiar aquí estilos de otros directores cinematográficos, con lo que envuelve la película de un ritmo y unos encuadres correctos, pero pobres en contenido y falta de fondo en la historia. La película, con gran carga de violencia la protagoniza Karra Elejalde (Los sin nombre, Airbag). A pesar de todo, el film recibió un Goya en 1993 por los efectos especiales y una medalla del CEC a la mejor música.

4/10
La línea del horizonte

1993 | O Fio do Horizonte

Spino es un forense cincuentón que descubre horrorizado como el joven cadáver que tiene ante sus ojos es él mismo. En ese momento, se da cuenta de que la línea del tiempo juega completamente a su antojo y él no puede hacer nada por remediarlo, pues se encuentra perdido en una realidad que se escapa a la razón. El portugués Fernando Lopes, a pesar de tener buenos títulos en su filmografía como Bellarmino, rueda aquí una película oscura y lenta, con una simbología que no se acaba de entender y que para el espectador puede resultar aburrida por momentos.

4/10
¡Dispara!

1993 | ¡Dispara!

Marcos, que prepara un reportaje para el suplemento dominical de un diario, queda prendado de Ana, caballista en un circo en Madrid. Tras una noche de pasión, sueñan con una posible vida juntos, pero la cruda realidad de una violación complica las cosas. Carlos Saura adapta un relato del italiano Giorgio Scerbanenco, en un título decididamente menor, con elementos de thriller y el típico componente de venganza ante el comportamiento injusto. Antonio Banderas es el periodista inquieto y Francesca Neri la mujer ultrajada.

5/10
El sol del membrillo

1992 | El sol del membrillo

Antonio López es un artista que pinta el cuadro de un árbol, en concreto, un membrillero que él mismo plantó hace años. Con paciencia va dibujando los trazos del árbol, pero las semanas y las estaciones pasan y hacen que vaya cambiando la apariencia del árbol. Víctor Erice (El espíritu de la colmena) realiza un lento documental –sólo apto para cinéfilos– que parece un poema; poema que habla del paso del tiempo, de aquello que es pasajero y no se detiene, a pesar del ansia del artista por captar y detener para siempre un sólo instante. Utiliza para ello el símbolo del árbol que crece, madura, y da frutos. Cine exigente y metáfora preciosa, con una fotografía excelente de Javier Aguirresarobe (El bosque animado, Mar adentro).

6/10
Beltenebros

1991 | Beltenebros

El capitán Darman, un exiliado vinculado al partido comunista, es enviado a Madrid para eliminar al responsable de la muerte de varios militantes. Allí se enfrentará a los recuerdos de una misión similar ejecutada 16 años atrás; y conocerá a Rebeca, estrella de un night club, que le acompañará en su misión. Cine negro a la española, hecho sobre la base de una novela de Antonio Muñoz Molina. Con dos actores de renombre internacional y una magnífica recreación de ambientes, Pilar Miró pone en escena un film con unos cuantos momentos memorables. No está a la altura de El perro del hortelano, pero es más que digna.

4/10
El paso suspendido de la cigüeña

1991 | To Meteoro vima tou pelargou

Alexandros es un periodista que viaja hasta el norte Grecia, a una fría localidad-albergue, para cubrir una noticia. En este lugar se encuentran cientos de refugiados polacos, albaneses, turcos.. que esperan un permiso para poder trasladarse. Entre el gentío, Alexandros cree avistar a un político desaparecido hace tiempo. El griego Theo Angelopoulos (Eleni) fue nominado en Cannes por esta cinta, considerada una de las mejores películas de su filmografía. El gélido ambiente que embarga la película contribuye a ese aislamiento que los propios personajes viven, incapaces de comunicarse y vivir plenamente. Notable y aclamada realización con un tratamiento de los planos que fueron hechos pensando hasta en el último detalle. A pesar de que se haga lenta por momentos, destaca el trabajo en general y la interpretación de Marcello Mastroianni y Jeanne Moreau.

6/10
La forja de un rebelde

1990 | La forja de un rebelde | Serie TV

Sigue los pasos de Arturo, desde que es un niño que vive con su madre, una viuda que trabaja como lavandera, en un humilde barrio madrileño. Pretende estudiar una ingeniería, pero la muerte de su tío –que le iba a financiar la carrera– frustra sus esperanzas. Mario Camus adapta la trilogía de novelas autobiográficas de Arturo Barea, con grandes trabajos de los actores.

5/10
Donde termina el corazón

1989 | Donde termina el corazón

Ameno documental que recorre el territorio africano. Muestra localizaciones muy diferentes, desde los suburbios de Nairobi hasta el bosque de Ituri, donde viven los pigmeos.

4/10
El bosque animado

1987 | El bosque animado

Delicada, entrañable y divertida adaptación del clásico literario de Wenceslao Fernández Flórez, sobre los habitantes de la mágica Fraga de Cecebre. Destaca el trabajo coral del magnífico reparto.

6/10
27 horas

1986 | 27 horas

La muerte de Mikel

1984 | La muerte de Mikel

Imanol Uribe es sin duda uno de los directores más célebres de la cinematografía española. En esta película explora un peligroso territorio, muy marginal y arriesgado, con pulso y sabiduría. La película trata sobre la vida trágica de Mikel (Imanol Arias), un joven vasco, farmaceútico y militante político de izquierdas. Su vida, aparentemente normal, da un giro radical y definitivo el día en que descubre sus tendencias homosexuales. Este hecho determinará entonces cada uno de sus actos y tras una serie de episodios le conducirá definitivamente a un solitario final. Es ésta una película dura, bien rodada e interpretada. Para interesados en temas espinosos.

4/10
El pico 2

1984 | El pico 2

Paco, hijo de un comandante de la Guardia Civil, se ha visto envuelto en Bilbao en el asesinato de una pareja de traficantes de heroína. A pesar de los esfuerzos de su padre por apartarlo de la droga y ocultar las pruebas del crimen, el joven será detenido y llevado a prisión, donde experimentará en carne propia los rigores del sistema penitenciario, y volverá a caer en la droga. Cuando recobra la libertad, gracias a las maniobras e influencias de su padre, Paco se verá incapaz de reinsertarse en la vida “normal”, y preferirá asociarse con un compañero que ha conocido en la cárcel, y dedicarse a la delincuencia.

3/10
El jardín secreto (1984)

1984 | El jardín secreto

Lucía perdió a su marido en un accidente, o quizá a un novio o a un antiguo amor. Lo raro es que recibe unas extrañas cartas anónimas que la obligan a hacer una serie de cosas extrañas bajo amenazas. Ese hombre podría entonces estar vivo... Esas "cosas" que se le ordenan tienen relación con prácticas sexuales sadomasoquistas, en las cuales Lucía tiene que tomarse fotografías, desnudarse ante otros, grabarse cintas de audio, etc. Aburrida película española que explora territorios morbosos pero con un guión desastroso, sin un ápice de interés. El título, El jardín secreto, hace referencia a ese mundo oculto y prohibido en donde cada uno hace realidad sus perversiones. Protagoniza Assumpta Serna, que está rodeada de secundarios de prestigio. La factura visual es pobre, de tan penumbrosa, pese a ser obra de Javier Aguirresarobe.

2/10
Que nos quiten lo bailao

1983 | Que nos quiten lo bailao

Delirante comedia dirigida por Carles Mira (Karnabal), quien ofrece una historia cómica en la línea de todo su cine, donde lo de menos es lo que se cuenta y lo de más el tono iconoclasta y cutre con que lo hace, con momentos llenos de surrealismo, como las canciones, y gags ordinarios e incluso irreverentes. La trama narra la difícil convivencia entre moros y cristianos en una pequeña localidad valenciana en el siglo XVI.

3/10
La fuga de Segovia

1981 | La fuga de Segovia

Basada en hechos reales, la película narra la fuga de 29 presos de la cácel de Segovia el 5 de abril de 1976, 24 de cuales eran terroristas de ETA. Lograron la hazaña a través de un túnel que conectaba con un colector de aguas fecales. El reputado Imanol Uribe –que ha tratado de ETA en otras estimables películas como Días contados– recrea con oficio esta historia a partir del libro escrito años después por Ángel Amigo, uno de los fugados de ETA que más tarde se reinsertó en la sociedad civil. Destaca la presencia de actores como Xabier Elorriaga o Álex Angulo.

5/10

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