Joey King

Entre amor al cine, cinefilia, afición al cine y mitomanía, existe un amplio rango de mayor o menor vinculación con el Séptimo Arte. Algunos espectadores buscan pasar el rato con las películas, otros incluso piensan que son una invitación a la reflexión, pero los que hay que las convierte en algo tan necesario para vivir como el aire que respiramos. A esta categoría pertenece Vikar, el protagonista de Zeroville, la nueva película de James Franco. El extremismo fílmico de Vikar se presenta ya desde los primeros compases de Zeroville, el personaje, con el pelo cortado al cero, tiene grabado en la nuca un tatuaje de sus admirados Montgomery Clift y Elizabeth Taylor, su película favorita es Un lugar en el sol, y él mismo en efecto también busca su sitio a la luz del astro que nos ilumina, y piensa que tal lugar sólo puede encontrarse en Hollywood. Arquitecto frustrado, le acompaña en su habitación de un hotel –una que antaño ocupó Monty– la maqueta de una iglesia por él diseñada tiempo atrás. Tal vez esa fe le decepcionó, no se nos aclara este punto, pero ahora vive para el cine, es capaz de citar con soltura nombres de directores y películas, aunque no había visto cine hasta tiempos muy recientes, y se abriendo paso en lo profesional, hasta el punto de ser requerido para montar una película de corte erótico, donde actúa la mujer a la que ha sublimado, Soledad, que le hace evocar a la Taylor. Franco ambienta la película a finales de los 60, la misma época en que Tarantino sitúa Érase una vez en... Hollywood, hasta se menciona el asesinato de Sharon Tate, aunque el tono es muy diferente. Resulta difícil hablar en este caso de nostalgia romántica, a pesar de los numerosos guiños cinéfilos, y predomina en cambio un tono entre alucinado y disparatado, en que se anticipa la llegada del nuevo Hollywood, con presencias juveniles de Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Steven Spielberg. Se pinta con cariño a algunos mentores de Vikar, y se fustiga a la figura del productor que no tiene en verdadera consideración a las personas ni a las películas que hacen. Estamos decididamente ante una propuesta bizarra, que seguramente tiene el tono que el director pretende, pero que resulta bastante banal y vacía, ya sea en la subtrama romántica, en la cuestión de Soledad y su hija, en la idea de que la única eternidad a la que podemos aspirar reside en los fotogramas de las películas.

En un pueblecito de Massachussetts, la adolescente Wren se reúne con sus amigas para ver pornografía a escondidas. Y se preguntan por qué los chicos que les acompañan habitualmente no les han hecho caso esa noche. Una de ellas conoce la respuesta: han quedado por su lado en secreto para invocar al Hombre Delgado, misterioso espectro, responsable del secuestro de varios niños. Tras una búsqueda en internet, descubren un vídeo con el que se atrae a este misterioso engendro. Deciden verlo, para sentirse superiores a los varones, pero días después, todas comienzan a sufrir pesadillas, y una de ellas, Katie, desaparece en el bosque durante un viaje escolar. Slender Man goza de gran popularidad entre los internautas. Un tal Victor Surge inventó la figura de un hombre alto, esbelto, sin rostro para un concurso online. Desde entonces ha aparecido en numerosos memes, pero también ha inspirado varios sucesos violentos, el peor de ellos tuvo lugar en 2014, cuando dos adolescentes apuñalaron a una amiga común, según declararon para impresionar al personaje de ficción. Sony ha sido lo suficientemente avispada como para hacerse con los derechos, de cara a convertirlo en objeto de un film de terror para adolescentes. Por desgracia, el realizador al frente del proyecto, Sylvain White (Ritmo salvaje), demuestra poco talento, sus escenas del villano persiguiendo a las protagonistas no tienen mucho suspense, y las alucinaciones de éstas no despiertan ningún interés, por lo que no logra remontar un guión tópico y desdibujado. Todo deriva en uno de los filmes de terror más aburridos de los últimos años. Sería injusto juzgar a las jóvenes actrices, y al español Javier Botet, que da vida a Slender Man, pues habrían merecido una producción de mayor interés.

Mientras Joe le echa en cara a un empleado las condiciones engañosas de la hipoteca de la casa donde vive con su hija y su nieta, unos atracadores irrumpen en la sucursal bancaria, desvalijando la caja. Poco después descubre que su antigua empresa le ha congelado el plan de pensiones, por los que propone a sus dos mejores amigos,Willie y Al, jubilados en su misma situación, un plan para dar un golpe, semejante al de los ladrones a los que ha visto actuar. Remake del film homónimo, al menos en lo que respecta al título original, Going in Style, de 1979, lograda comedia dramática al servicio de tres grandísimos veteranos de entonces, George Burns, Art Carney y Lee Strasberg. Aquí les sustituyen otros tantos actores maduros, que han logrado sortear el convertirse en viejas glorias desempleadas, pues pese a su avanzada edad Michael Caine (en la trilogía de Batman), Morgan Freeman (Ben-Hur) y Alan Arkin (Argo) ejercen habitualmente como secundarios de lujo. Juntos reúnen el talento suficiente como para levantar un guión convencional, pese a haber sido revisado por Theodore Melfi, autor de la memorable St. Vincent. Éste cuenta al menos con la suficiente dosis de crítica social, pues denuncia el trato injusto a la tercera edad, en el caso concreto de Estados Unidos, donde el que no tiene un plan privado de pensiones está perdido. También se pone en solfa la poca claridad hacia sus clientes de algunos bancos, que maquillan los datos a la hora de explicar un producto financiero a quienes lo desconocen por completo, o por su edad parecen fáciles de engañar. Resulta sencillo que el espectador se ponga en su contra, sintonizando con los ladrones, por lo que se pasa por alto que la realización de Zach Braff (Algo en común), no pase de correcta. Al excepcional trío de ases que encabeza el reparto le acompañan profesionales de categoría, como el cada vez más olvidado Matt Dillon, el siempre resultón Christopher Lloyd, doctor de Regreso al futuro, y hasta la legendaria Ann-Margret, en un papel breve, pero que permite recordar el buen hacer de la inolvidable hija de Bette Davis en Un gángster para un milagro.

Atormentada porque de pequeña su madre se suicidó, Clare Shannon tampoco lleva bien su falta de popularidad en el instituto; no ayuda que su padre, Jonathan, trabaje recolectando chatarra y basura. Éste regalará a la chica una vieja caja de música que ha encontrado entre los desperdicios de una vieja casa. Resulta que el artefacto concede siete deseos a su dueño, lo que Clare no aprovecha precisamente para pedir la paz mundial, sino para hacerse rica o conquistar al chico más guapo del instituto. Pero estas peticiones se pondrán en su contra. Tras triunfar con Annabelle, John R. Leonetti reincide en el terror con un producto claramente dirigido al público adolescente, que parece un refrito de otras dos muestras del género, Wishmaster y Destino final. De desarrollo algo tópico y predecible, algunos momentos causan hilaridad más que terror, no se sabe si por decisión del director. Peo si no se le piden peras al olmo, funciona. Tiene cierto fondo, sobre las consecuencias de la codicia, y los actores dan la talla, sobre todo la joven Joey King (Independence Day: Contraataque), que muestra algo de evolución de su personaje, así como Ryan Phillippe (el padre) y Sherilyn Fenn (la vecina), dos viejas promesas que han quedado para este tipo de subproductos. Al menos logra cierta tensión en un par de secuencias, cuando el personaje de Fenn mete la mano en un triturador de basuras, y un montaje paralelo entre el progenitor de la protagonista y la amiga de ésta atrapada en un ascensor.  

Han pasado dos décadas desde que la Tierra sobreviviera a aquella invasión alienígena, tras la que la conmemoración del 4 de julio se hizo extensiva como Día de la Independencia para todo el planeta Tierra. Los países aprendieron a superar sus diferencias y ahora viven en paz y armonía. Gracias a los restos de tecnología del enemigo que quedaron abandonados, la humanidad ha realizado grandes avances, sobre todo en cuanto a vehículos antigravitatorios y cazas de combate se refiere. Sin embargo, David Levinson, científico que dio con la solución a la amenaza, advierte de que el enemigo regresará un día. No es el único que piensa que esto puede ocurrir, pues el que fuera presidente entonces, Thomas J. Whitmore, está obsesionado con que el retorno se producirá. Lo que ha dejado claro a su círculo íntimo, que incluye a su hija, Patricia, y a Dylan, vástago del fallecido Steven Hiller, que ha seguido sus pasos como piloto del ejército. Sorprende que haya tardado veinte años en rodarse la secuela de un blockbuster que en su día recaudó más de 800 millones de dólares, sobre todo porque su máximo artífice, como director y guionista, Roland Emmerich, no ha buscado caminos nuevos precisamente; la mayor parte de lo que ha rodado desde entonces variaba muy poco, pues Godzilla, El día de mañana o 2012, sólo traían como novedad qué desastre reemplazaría a los extraterrestres a la hora de poner en peligro al mundo. Pero al final, el cineasta alemán ha cedido a las presiones de Fox, y retoma su mayor éxito. La falta de acuerdo con la principal estrella del original, Will Smith, no ha supuesto un gran quebradero de cabeza a la hora de componer el libreto. Su rol lo ocupa su vástago en la ficción, encarnado por el joven en alza Jessie Usher (Level Up), y con un par de llamativas fotos a gran tamaño que recuerdan al ‘difunto’, asunto zanjado. Por lo demás, repite el grueso del coral reparto, con Bill Pullman, Brent Spiner, Vivica A. Fox y Jeff Goldblum de nuevo en la piel de sus personajes, con el añadido de alguna joven promesa, Liam Hemsworth y Maika Monroe, y de alguna actriz prestigiosa, como la francesa Charlotte Gainsbourg. Aunque aquí hablar del reparto es lo de menos. No desentonan, pero tampoco tienen mucho tiempo para lucirse, ni sus personajes están demasiado desarrollados. Por ejemplo, se atisban posibilidades en la relación amor-odio Goldblum-Gainsbourg, pero queda reducida a pavesas. A un film de Emmerich se va a ver cómo explota el Puente de Londres, la Casa Blanca (de nuevo), etc., y eso sí que abunda. Se supone que en una secuela debe haber más explosiones que en el original, aquí resultaría imposible, en todo caso las mismas, así que como apunta el personaje de Goldblum… ¡las naves invasoras son más grandes! Quizás se echa de menos algo del humor voluntario (o involuntario) del original, pero nadie que pague una entrada se sentirá engañado. Emmerich sirve lo que se esperaba, entretenimiento ligero de verano para toda la familia. Tras dirigir la vilipendiada por la crítica Stonewall, en torno a una tragedia que incidió en el movimiento homosexual, el realizador proclamó a los cuatro vientos que en esta superproducción metería a una pareja gay. Sin embargo, todo se ha quedado en guiños, en la relación entre un soldado negro y un contable friki, que el grueso del público ni captará. 

Tras la cancelación de Scrubs, la serie que le ha hecho popular por su papel de médico soñador, Zach Braff afronta su segundo trabajo como realizador, guionista y protagonista, tras la sorprendente Algo en común, que hacía presagiar una carrera a tener muy en cuenta. En Ojalá estuviera aquí, encarna a Aidan Bloom, que a sus 35 años trata todavía de triunfar como actor sin demasiada suerte, por lo que depende del trabajo de su esposa para mantener a sus hijos, cuyos estudios están financiados por el abuelo. Cuando a éste le diagnostican un cáncer, y se ve obligado a dar clases a los chicos él mismo en su casa, Bloom se replanteará su vida. Comparte con su ópera prima el tema central, los puntos de inflexión en la vida, allí a los 20, ahora en los 30 y pico. Pero no logra la misma altura, pues mientras que la primera parecía tener como modelo el tono cómico-dramático de Woody Allen, en Ojalá estuviera aquí el referente parece ser el cine producido y dirigido por Judd Apatow, con sus defectos –chistes groseros o políticamente incorrectos, duración desmesurada–, pero también algunas virtudes, especialmente el hecho de que tiene cierto fondo, pues aporta pequeñas reflexiones sobre las relaciones familiares, y la necesidad de evolucionar y madurar. A Ojalá estuviera aquí se le puede aplicar fácilmente el adjetivo “autobiográfico”, pues a ratos Braff parece saber de lo que habla, e interpreta con solvencia al que podría ser su 'alter ego'. Además, demuestra cierto talento para la puesta en escena, así como para dirigir al reparto, con correctas interpretaciones de secundarios como Kate Hudson (la esposa), así como de los episódicos Ashley Greene (una apasionada de los comics y videojuegos), Jim Parsons (el Dr. Sheldon Cooper de The Big Bang Theory, que encarna a un aspirante a actor) y sobre todo del veterano Mandy Patinkin (el jefe de la CIA en Homeland), como progenitor enfermo del personaje central.

Recreación de la historia real de Warren Jeffs, un líder mormón que durante un año estuvo en la lista de los 10 ahombres más buscados por el FBI. Jeffs estaba relacionado con matrimonios con niñas menores de edad. Se trata de un cuidado telefilm que ofrece luz sobre los hechos, cuyo guión está basado en el libro de Stephen Singular. A favor del resultado está un buen puñado de buenos actores, que hacen creíbles e intensos sus personajes, entre ellos Tony Goldwyn (Ghost) y Molly Parker (Wonderland).

La película que nos ocupa podría considerarse una precuela del clásico de Victor Fleming de 1939 El mago de Oz, al que rinde homenaje con numerosos guiños, pero sin renunciar a tener personalidad propia. Por supuesto, la base argumental la proporciona la obra de fantasía de L. Frank Baum, y hay conexión entre los personajes del mundo real y el fantástico, o imágenes que retrotraen al clásico. Como en el citado film, se arranca en blanco y negro con formato de pantalla 4:3 para mostrar Kansas en 1905, con el recinto ferial donde Oz ejerce de mago. Acostumbrado a ejercer de embaucador, ante el público y las jovencitas a las que encandila, tras una de sus fechorías de ligón empedernido consigue huir in extremis en globo. Pero atrapado por un tornado, acaba estrellado en un mundo fantástico en color y de pantalla ancha, lleno de criaturas fantásticas, y que curiosamente se llama Oz. Allí según la profecía se espera la llegada de un mago que les salvará de la tiranía de una bruja, aunque no está muy claro cuál es la malvada de tres hermanas que comparten el dominio de las artes mágicas. Sam Raimi, responsable de la trilogía original de Spider-Man, entrega nuevamente una parábola sobre la bondad y las ambiciones que albergan el corazón humano. No tiene la fuerza de su adaptación del superhéroe, falta un guión más sólido y sobre metraje. Pero el conjunto es visualmente deslumbrante. Cierto que hay momentos de verdadero empacho digital, pero a cambio hay pasajes brillantes, destaca todo lo relativo a la muñequita de porcelana, y el clímax de Oz embaucador resulta muy poderoso. Los actores son correctos, aunque a las brujas (Rachel Weisz, Michelle Williams, Mila Kunis) se les podía haber sacado más partido.

Producción fantaterrorífica basada en la historia real del matrimonio formado por Ed y Lorraine Warren. Ed Warren (fallecido en 2006) llegó a ser autorizado por el Vaticano para llevar a cabo exorcismos sin ser sacerdote a pesar de la peligrosidad del ritual. Su esposa, Lorraine (aún viva cuando se rodó el film) está dotada de poderes de clarividencia. Juntos investigaron una enorme cantidad de sucesos paranormales, entre ellos el que dio lugar al conocido film Terror en Amityville. Al principio se explica que los experimentados parapsicólogos, que se habían enfrentado a todos los peligros imaginables, y guardaban en su casa todo un archivo de objetos demoníacos, participaron en un caso tan terrorífico que se negaban a hablar de él. Expediente Warren (The Conjuring) reconstruye precisamente este suceso. La acción transcurre en los 70, cuando los Warren son abordados por Carolyn Perron, madre de familia que vive con su marido, Roger, y sus cinco hijas en una granja de Harrisville, donde una oscura presencia les tiene aterrorizados... Por supuesto, los investigadores aceptan echar una mano con sus dos colaboradores más estrechos... James Wan, conocido por dirigir la primera entrega de Saw, coloca como protagonistas a los expresivos Patrick Wilson y Vera Farmiga. Ambos realizan un gran trabajo, así como el resto del reparto, en el que destacan las jóvenes actrices y la veterana Lili Taylor (Rescate, Enemigos públicos) en el papel de madre. Como en Insidious (donde también contó con Wilson en el papel principal), Wan se aparta por completo de la violencia y el carácter de thriller extremo de la franquicia del psicótico Jigsaw, y acierta al buscar un tipo de terror más clásico, basado en la ambientación y una utilización inteligente del suspense. El cineasta nacido en Malasia parece haber desarrollado cierta maestría para el cine de terror con el paso del tiempo, y logra sacarle un enorme partido al elaborado guión de los hermanos gemelos Chad Hayes y Carey Hayes (La cosecha, La casa de cera). En concreto, Wan se luce en algunos momentos de gran tensión, sobre todo en una secuencia con una caja de música y una especie de juego del escondite, donde la que busca lleva los ojos vendados. El género está tan maltratado que pocas veces se ha conseguido en los últimos años atemorizar al espectador con tanta habilidad. Expediente Warren (The Conjuring) mantiene el ritmo hasta el final, y describe lo suficientemente bien a los personajes como para que el espectador esté con ellos en todo momento. Además, tiene cierto fondo positivo en torno a la familia como motor para hacer frente a las dificultades de la vida. Sorprende en cierto modo una especie de crítica final y un tanto forzada a la lentitud institucional del Vaticano, equivalente a la de la policía que llega siempre tarde en todas las películas.

John Cale desea fervientemente servir en la seguridad de la Casa Blanca, protegiendo al presidente. Veterano de Afganistán, separado y con una hijita, Emily, con estudios justitos, el chico se esfuerza, pero su solicitud va a ser rechazada, porque le entrevista una antigua novia. Lejos de deprimirse, trata de mantener el ánimo alto y aprovechar la ocasión para ver con Emily la Casa Blanca en la clásica visita turística. Con tan mala pata que la cosa coincide con el más terrible ataque terrorista que imaginarse pueda, donde el objetivo primero es el presidente, pieza de algo que podría suponer el principio del apocalipsis. Así que puede que no sea tan mala pata, pues Cale podría marcar la diferencia y dar una vuelta a la situación... con ayuda de su niña y del comandante en jefe, claro está. Después de su aventura shakespereana Anonymous, el director alemán más estadounidense, Roland Emmerich, vuelve adonde solía, hasta el punto de que bien podríamos subtitular este film “Independence Day 2”. En Asalto al poder ofrece un tebeo de grandes proporciones adrenalíticas, con abundantes explosiones, dosis de patriotismo, alabanzas a los presidentes pacifistas, y críticas a la industria armamentística, ellos serían los más interesados en alimentar las guerras para forrarse a su costa. A condición de no tomarse la cosa demasiado en serio, el espectador tiene en Asalto al poder una cinta entretenida, con el chico humilde que logra realizar su sueño (no creemos que sea un “spoiler” señalar que el mundo estará a salvo gracias al cachas Channing Tatum) y gana tantos ante una cría que había decidido no llamarle “papá” nunca más (no, no pensamos desvelar si cambia de idea, eso desde luego sería un “spoiler”). Emmerich maneja un guión de James Vanderbilt que, asumidos los pasajes más o menos sonrojantes, resulta medianamente coherente a la hora de introducir escenas asombrosas, como la persecución de limusinas presidenciales en los jardines de la Casa Blanca. El reparto de Asalto al poder es solvente, sobre todo James Woods, aunque el suyo y el resto de los personajes resultan bastante estereotipados, por ejemplo, con Jamie Foxx jugando a ser un clon de Obama, con gafas de pasta, para disimular un poco, o Maggie Gyllenhaal dando instrucciones con sus auriculares.

Cal Weaver lleva casado muchos años, tiene hijos y un buen trabajo. Una noche recibe como un mazazo la noticia de que su mujer ha tenido una aventura y desea separarse. Cal no se lo puede creer, pero decide sobre la marcha abandonar el hogar familiar. Tras varias noches deprimido en la barra de un bar, conocerá a un joven, Jacob, experto ligón y mujeriego. Jacob le propondrá hacer de Cal un nuevo hombre, de modo que todas las mujeres caigan a sus pies. Una muestra más de ese cine de Hollywood que con un envoltorio ‘moderno’ y atrevido quiere en realidad contar lo que han hecho una y otra vez los grandes clásicos del cine: la validez del amor verdadero, del amor para toda la vida, y la idea de que nunca hay que rendirse cuando se ama de veras. A este respecto la pareja de directores formada por Glenn Ficarra y John Requa asciende un peldaño tras su debut en Phillip Morris ¡te quiero! No abandonan el tono ligero y la visión de una sociedad frivola, obsesionada con el sexo, pero visualmente la película es contenida y a la postre el guión de Dan Fogelman (guionista de Cars y Enredados) viene a afirmar con rotundidad que la sexualidad desemboca en el vacío si no va acompañada de la entrega personal y que la familia es el mejor sitio para crecer y ser felices. Hay cierto desorden a la hora de narrar e intercalar temporalmente algunas subtramas, y también sobra algún efectismo técnico innecesario. El reparto es probablemente la baza que hace funcionar el conjunto, con un protagonista, Steve Carell, que resulta cercano y convincente, y un Ryan Gosling que borda su exagerado y esquemático personaje. En el plano femenino también las cosas funcionan, con unas espléndidas Julianne Moore y Emma Stone. Y aunque se eche mano de algunos clichés hipertrillados y previsibles (el discursito final de graduación, y tal), también hay escenas muy bien resueltas, como el encuentro entre Jacob y Hannah en su piso o la catastrófica reunión en el jardín de los Weaver.

Michael, un curtido sargento de los marines, ha escogido para retirarse el mismo día en que está prevista una inofensiva lluvia de meteoritos. En realidad no es tan inofensiva, pues se trata de una invasión alienígena en toda regla de la Tierra, según una estrategia arrolladora que supone la ocupación de 20 ciudades clave. Una de ellas es Los Ángeles, donde se librará una batalla decisiva. Por supuesto que el hombre a punto de convertirse en ex marine no dejará a su país y a su planeta en la estacada. La película no engaña, da lo que promete, en la línea de Independence Day, pero sin el aire de comedia que recorría a veces, tontamente, el film de Roland Emmerich. Casi dos horas de acción trepidante, que recoge el heroico enfrentamiento de los marines a un enemigo que parece invencible, siguiendo su famoso lema de "semper fi", "siempre fieles". Sin duda que el montaje de las escenas con llamativos efectos visuales y sonoros, que maneja Jonathan Liebesman (La matanza de Texas: el origen), es vistoso y dinámico, pero tampoco ofrece nada nuevo. De modo que queda la trama humana, también bastante previsible. Realmente sólo hay un personaje medianamente dibujado, Michael, al que encarna un entonado Aaron Eckhart. Todo gira en torno a él, por el aura que le rodea de haber dejado morir a sus hombres en otras batallas, lo que hace que sea mal mirado, hasta que todos se dan cuenta de la pasta que está hecho, la pasta de los héroes. El resto de los personajes, militares y civiles, muy esquemáticos, o son dependientes de Michael, o están desaprovechados como el de la técnico militar a la que encarna Michelle Rodríguez.

Ramona Quimby es la segunda de tres hermanas. Admira mucho a su hermana mayor Beezus, guapa y popular entre sus amigos, y aspira a tener pronto una habitación para ella sola. Cuando su padre se queda sin trabajo, piensa que podría echar una mano económica en casa, vendiendo limonada, o presentándose para un casting de un spot publicitario. Se planteará huir de casa cuando sus planes no salen como había previsto. Adaptación de los populares libros infantiles sobre Ramona, escritos por Beverly Cleary. Con producción de Walden Media –los mismos responsables del paso al cine de “Las crónicas de Narnia”–, se trata de una amable comedia familiar, no demasiado original, pero que rebosa simpatía con sus gags humorísticos y sus pequeños dramas. Joey King interpreta a la joven protagonista, y está acompañada por la “disneyana” Selena Gomez. La película se esfuerza en ofrecer el punto de vista de la pequeña, de gran imaginación.

Un predicador se traslada con su mujer y su hija a una pequeña localidad cerca de Texas. Allí pretende construir una Iglesia. Sin embargo, un odioso pistolero, mano derecha del magnate del lugar, le pondrá todo tipo de trabas. Interesante telefilm, sencillo pero eficaz, protagonizado por Kevin Sorbo, que alcanzó la celebridad como protagonista de la serie Hércules. Estamos ante un western de estilo clásico, que mezcla acción y drama, correctamente dirigido.