Julián Villagrán

Antaño niño prodigio del piano, Sebas nunca pudo superar el miedo escénico, por lo que acabó dejando la música para unirse a la policía. Pese a su falta de actitudes para el cuerpo, su tía le enchufa en Cádiz, donde le destinan a la sección de archivos, pero acaba perfilándose como el candidato ideal para una arriesgada misión. Deberá infiltrarse en Los Lolos, una banda de flamenco-trap que triunfa entre la juventud de barrio, por lo que ha sido elegida por la hija de un traficante local para tocar en su boda. A Sebas le piden que se convierta en el nuevo teclista, para averiguar quién se esconde tras la identidad de El Fantasma, líder de la organización criminal, a quien nadie ha visto jamás. El especialista en comedietas Carlos Theron (Es por tu bien, Lo dejo cuando quiera), reincide en el género, aunque esta vez versiona Song ‘e Napule, un éxito italiano ni conocido ni estrenado en España. Manuel Burque –que se reserva un papel– coescribe el guión, que adapta muy bien el relato a la realidad española, con mucho humor sobre peculiaridades regionales, o la realidad de los poligoneros o canis típicos del país, inconfundibles por sus collares, gorras y pantalones de chándal. Este sector puede sentirse identificado con los Lolos y su entorno, retratados con humor y cierta humanidad. No tiene muchas pretensiones, y pierde fuelle cuando pasa de las risas a la acción, pero al menos cumple sus objetivos mejor que otros productos similares. La mayor parte del mérito recae en los actores, pues Julián López aprovecha muy bien un personaje que parece a medida de su cara de chiste, y le rodean compañeros de talento, algunos que resultan ideales para personajes barriobajeros, Natalia de Molina, y su hermano en la ficción, el poco conocido y experimentado Nene (El guardián invisible). Otros son capaces de desatar la risa sólo abriendo la boca, como Antonio Dechent y Paco Tous.

Una de esas películas sobre buena persona sobrepasada por las circunstancias, en la que acaba asomando su lado más oscuro. Al estilo de Un día de furia, seguimos a un urbanita, buen trabajador, comercial, con familia, sometido a una dura prueba, que le obliga a sacar de su interior el puro instinto de supervivencia y de preservación de su estatus. Germán trabaja en una compañía de seguros. Casado y con una hijita, es el típico buenazo que se pliega a lo que le piden. Pero con ocasión del cumpleaños de su pequeña, se encuentra entre dos fuegos. Por un lado, una importante reunión de trabajo con importantes clientes; y por el otro, su imprescindible presencia en la fiesta de la niña, con su fantástico regalo. Perderá el avión que debía llevarle a casa, así que toca viajar en coche de alquiler. Pero anochece, tiene sueño, y conduciendo por una carretera de poca circulación, en un abrir y cerrar de ojos algo ocurre. Puede que haya atropellado a Rosa, una jovencita que andaba de juerga por ahí, con una amiga, Silvia, y otros dos “maromos” que las han dejado tiradas en medio de la nada. Buena muestra de cine de género a cargo de Gonzalo Bendala, director y guionista, que apuntaba maneras en la parcialmente fallida Asesinos inocentes, que iba en la misma línea intrigante. Aquí mantiene el pulso, salvo en algún pasaje más exagerado, a la hora de mostrar los instintos más primitivos que pueden mover a personas supuestamente normales y civilizadas. Con el formato de “noche loca en que las cosas se complican”, y el efecto “bola de nieve”, Bendala logra crear una atmósfera desasosegante, y un equilibrio entre personajes y escenarios: Germán, Silvia, los amigos, la guardia civil, el servicio 112 de emergencias, la esposa, la niña, el vecino. No hay grandes lecciones moralizantes, si acaso cierto cinismo a la hora de señalar cómo, a la hora de defender lo que se considera más importante, se está dispuesto a pasar por alto cualquier referente ético. Julián Villagrán encarna bien el prototipo de persona que cumple las normas, pero que cuando éstas le fallan, se atiene a otras nuevas.

Ana Mari, instructora católica de la Sección Femenina de la Falange, aprovecha una oferta de empleo de Ava Gardner, que busca personal doméstico, para infiltrarse como criada en la lujosa residencia en La Moraleja de la estrella de Hollywood, de cara a averiguar si detrás de las locas fiestas que organiza se oculta alguna amenaza contra el gobierno o la moral. Por intervención de su superiora, el buscavidas Manolo se hace pasar por su marido, para trabajar como chófer, pero éste se mete en un lío cuando pide una desorbitada cantidad de dinero a un prestamista gitano para un negocio que sale mal. Tras el éxito de los groseros largometrajes Carmina o revienta, Carmina y Amén (ambos protagonizados por Carmina Barrios, su madre) y Kiki, el amor se hace, Paco León dirige los ocho capítulos de una serie televisiva para Movistar+, tras ejercer como actor en otra, La peste. Tenía posibilidades, pues los excesos cometidos en Madrid por Ava Gardner podían haber dado lugar a un interesante retrato costumbrista de la época, basándose en el contraste entre la España de entonces y la diva. De hecho, cuenta con una excelente fotografía en blanco y negro de Pau Esteve Birba  (Buried) que evoca muy bien esos años, y un diseño de producción bastante convincente. Con un reparto ajustado, impresiona sobre todo el trabajo de Inma Cuesta (Ana Mari), estupenda en un registro cómico, como una mujer que se ha quedado coja por la poliomielitis, pero no desentona el propio León, en la línea de los pícaros que interpretaba Tony Leblanc, y Anna Castillo, en un rol similar a los que siempre interpreta. Y tiene varios secundarios memorables, como la cantante Melody dando vida a Carmen Sevilla, o Mariola Fuentes, a quien le ha tocado Lola Flores. En la línea de los citados filmes de León, todo el humor apunta a los mismos lugares, pues explota sobre todo la provocación facilona, que recuerda al primer Almodóvar, pero sin gracia, en gags cutres sobre la sexualidad femenina, las pruebas de embarazo, consoladores de piedra y otras lindezas. Al retrato ridículo de personajes como la propia Ava Gardner (pintada como demasiado vulgar) o el general argentino Juan Domingo Perón y su esposa, Isabel, se suma la caricatura extrema del momento histórico, con falangistas y guardias civiles surrealistas, y una visión del franquismo plagada de tópicos. Estos defectos se juntan con tramas muy débiles, y un agotador bajón de ritmo tras los primeros capítulos. Oportunidad perdida.

Una formidable película, una obra de madurez. Una historia acerca de las segundas oportunidades y la posibilidad de reinventarse, que afecta sobre todo a dos personas. Lila Cassen fue una estrella de la canción, retirada prematuramente, y que cuando planeaba su regreso bajo los focos con una gira de conciertos, pierde la memoria, hecho que se oculta a la opinión pública. Violeta trabaja en un karaoke, y vive con hija única Marta, una joven ingrata y con muchas aristas. Fan incondicional y buena conocedora de la música de Lila, la situación de la cantante deviene en carambola que puede cambiar su vida, pues Blanca, su agente, le encomienda que le ayude a recordar sus canciones y su modo de cantar, a ser ella misma de nuevo. Probablemente estamos ante la mejor película de Carlos Vermut hasta la fecha, quien ya había demostrado antes que era alguien a seguir con Diamond Flash y Magical Girl. Ahora renuncia a titular su nuevo trabajo en inglés, y en cambio encuentra un buen leitmotiv en una conocida canción de Mocedades, que sirve como metáfora del film, “Quién te cantará” alude al juego en que se ven implicadas Lila y Violeta, con los reflejos, duplicidades y experiencias compartidas, lo que tienen en común será reconocido por el espectador a medida que avanza la narración. Vermut es un gran creador de atmósferas, que imprime cierto laconismo en los personajes, y nos envuelve en el misterio; con su particular tempo, o en el uso formidable de las canciones, aunque sea de otro modo, la película puede evocarnos a Krzysztof Kieslowski y títulos como La doble vida de Verónica. Hay sobriedad a la hora de mostrarnos los dramas y sus consecuencias, aunque a veces sean duras, el enfrentamiento entre Violeta y Marta resulta desgarrador. La película es fundamentalmente femenina, los escasos hombres apenas cuentan. Hace un gran trabajo Najwa Nimri, de quien era sabida su faceta de cantante, pero por sorprende aún más, quizá por desconocida, Eva Llorach, que aunque había trabajado ya con el director, aquí compone con un talento increíble a una madre con principios, sensible y sufriente.

Carmen y Carlos están casados, y tienen una hija adolescente. Ella es ama de casa de vida gris, sensible y con capacidad de aguante, que se conforma con lo que le ha tocado; él maneja una grúa en la construcción, y es tosco y desconsiderado, sólo vibra con las hazañas futbolísticas del Real Madrid, no parece capaz de cambiar. En el banquete de una boda a la que acuden invitados, algo extraño ocurre. Carlos acepta participar en una sesión de hipnosis que dirige Pepe, primo de Carmen, más que nada para burlarse de él. Inesperadamente, un espíritu que pululaba por ahí posee a Carlos, y de vez en cuando se manifiesta transformándole en alguien encantador. ¿Podrían quedarse las cosas tal y como están ahora? ¿O habría que recuperar la normalidad? Una propuesta demasiado audaz de Pablo Berger, un cineasta al que le gusta el riesgo, como ha demostrado con Torremolinos 73 (un matrimonio gris protagoniza cintas caseras eróticas para salir adelante) y Blancanieves (cinta muda en blanco y negro con enanitos toreros). Mezcla tonos y géneros, logrando algunos pasajes brillantes, que parecen arte de magia, pero falta equilibrio, y su discurso feminista, explícito en el tramo final, no resulta demasiado convincente. Berger, director y guionista, combina escenas de auténtica comedia, donde aporta mucho el especialista José Mota, con otras de gran tensión, la función hipnótica, acompañada de música de Mike Oldfield, acción surrealista, la grúa con un mono salido de no se sabe dónde, e incluso de algo parecido al terror, una casa desocupada donde ocurrió un terrible crimen. Y los actores, Maribel Verdú y Antonio de la Torre, además del mentado Mota, tienen el mérito de saltar de unas a otras sin despeinarse, aportando algo de credibilidad a lo que resulta increíble. Visualmente colorista en unos momentos, en penumbra otros, con fondo absolutamente blanco en un tramo final, los sucesivos vaivenes resultan excesivos y descolocan, porque muchas situaciones no tienen explicación ninguna, y ni siquiera se busca. El conjunto parece un atrevido número circense sin red, y aunque no haya aparatoso batacazo, sí deja un poso de irritante insatisfacción.

Serie ambiciosa producida por Movistar+, que reseñamos tras el visionado de los dos primeros capítulos presentados en primicia en el Festival de San Sebastián. Transcurre en la Sevilla de finales del siglo XVI. Hay un esfuerzo importante de producción, dentro de lo que cabe, rodaje en las calles de la capital andaluza ante la catedral, vistosos planos del Guadalquivir con barcos y el “skyline” de la ciudad, barrios degradados con casas de adobe, fotografía en claroscuro muy cuidada. Y tiene detrás al director de La isla mínima y El hombre de las mil caras, Alberto Rodríguez. Pero todo esto no es suficiente. Decir que La peste es la peste sería una broma demasiado fácil, y quizá injusta, pero sí resulta obligado decir que la trama es tediosa, los personajes muy poco atractivos, y el cansino desarrollo no atrapa en ningún momento. La carta de la truculencia, individuos degradados, víctimas de la peste, autopsias muy gráficas, sórdido sexo, apenas sirve de excusa para lo más obvio. Falta una historia interesante, capaz de atrapar. Las andanzas de un tal Mateo, que sale de Sevilla para volver luego a ocuparse del hijo bastardo de un amigo, que es acusado de hereje, pero al que acude finalmente un obispo para que investigue un brutal crimen de tipo religioso, son confusas, y vienen entreveradas con la actitud insensata de unas autoridades que no quieren alertar sobre el riesgo de peste para que no deje de fluir el oro de América, y el trabajo de una pintora que firma con el nombre de su padre, son tiempos machistas, supersticiosos y brutales, donde nadie muestra un resquicio de bondad, hasta los niños son brutales. La España oscura, un ejercicio de autoflagelación que pienso que no va a lograr enganchar, al menos estas dos primeras entregas no lo consiguen.

A punto de cumplirse el 80 aniversario del bombardeo de Guernica (Gernika en euskera), durante la guerra civil española, llega esta película para recordar que aquella fue una de las primeras ocasiones en que se arrojaron bombas sobre la población civil. Aunque las víctimas no fueron numerosas –unas 160, lejos de las alcanzadas posteriormente en la Segunda Guerra Mundial, con los trágicos récords de Hiroshima y Nagasaki–, el ataque se convirtió en emblemático de cómo el horror bélico podía cebarse sobre los no combatientes, en acciones que no tenían interés táctico o estratégico, sino que se dirigían únicamente a minar la moral de enemigo. De hecho el film incide en que los bandos contendientes se convirtieron en poco menos que marionetas en manos de los totalitarismos –nazi y fascista de un lado, soviético del otro–, que ensayaron en España sus nuevas armas. Esto podía haber servido un poco para superar el habitual maniqueísmo del subgénero bélico de la guerra civil española, aunque no se acaba de lograr del todo este objetivo, la ideología sigue pesando lo suyo. Estamos ante un notable esfuerzo de producción, manejado por Koldo Serra con ciertos medios y rodado en inglés, sin duda con la sana intención de hablar de modo didáctico del bombardeo a un público internacional amplio. Pero desgraciadamente el film acaba convertido en un encadenado de clichés, por culpa de unas situaciones demasiado folletinescas y estereotipadas, por las que pululan unos personajes de cartón piedra. Todo transcurre alrededor de la oficina de prensa en Bilbao durante la guerra, donde ejerce Henry, un periodista que fue una especie de Hemingway en su día, pero que se ha convertido en un cínico que inventa sus crónicas; por ahí también anda una fotógrafa que se juega la vida cada vez que toma una instantánea. A la idealista Teresa le toca la ingrata tarea de manejar la censura informativa, aunque a la vez desea que el mundo conozca la verdad de la contienda. Un comisario político ruso la pretende románticamente, pero ella se verá atraído por Henry. Como cabe imaginar, la peripecia periodística y romántica es una excusa que debe llevarnos a las escenas del bombardeo, lo mejor del film. Pero entretanto hay momentos obvios de promoción turística, como el publirreportaje –no se nos ocurre una descripción mejor– de las escenas del País Vasco y la vida rural, con la excusa de que la oficina de prensa se lleva a los chicos de la prensa a hacer un tour: de modo que ven el árbol de Guernica, y puede disfrutar del aurresku.

Nuevas andanzas de los agentes del Ministerio del Tiempo, que realizan misiones en el pasado para evitar que cambie la historia, a las órdenes de Salvador Martí. Javier Olivares sigue desarrollando la serie que creó junto a su fallecido hermano Pablo, que combina elementos didácticos con el entretenimiento puro y duro, una fórmula que funciona bien, aunque a veces las bromas pueden ser algo reiterativas. Tras los acontecimientos de la primera temporada, Julián Martínez, médico del Samur contemporáneo, ha sido retirado del trabajo de campo, y pasa consulta en la enfermería del Ministerio, lo que sirve para que tome decisiones inesperadas. Entretanto, a la universitaria del XIX Amelia Folch y al soldado de los tercios de Flandes Alonso de Entrerríos se les encomienda una misión junto al Cid Campeador, deben averiguar si el auténtico ha sido sustuido por un impostor. Además, Irene Larra recupera su puesto en el Ministerio, aunque deberá ganarse de nuevo la confianza de unos subalternos no satisfechos de sus manejos. Con más medios, y una dirección agil de Marc Vigil, la serie sigue destacando por su frescura, por ejemplo la idea de que unos cineastas puedan documentarse sobre una película histórica viajando al pasado y tomando imágenes con que arranca el primer episodio, tiene su gracia. Además se incorpora Hugo Silva en un papel de policía de 1981 apodado "Pacino" por su parecido con Al Pacino, y que se incorpora a la patrulla de Amelia y Alonso.

Ópera prima como realizador y coguionista de Pol Rodríguez, hasta el presente ayudante de dirección en numerosos títulos, algunos relevantes, como Pan negro. Tomás, un anciano, desea enterrar a su esposa en Quatretondeta, una pequeña localidad, cumpliendo el deseo de la fallecida. Pero en la funeraria no se lo permiten, pues ha reclamado el cadáver una supuesta hija de la mujer, cuya existencia desconoce el propio viudo, así que éste opta por robar el coche fúnebre con el cadáver en su interior… El cineasta, de origen alicantino, toma como modelos los filmes más esperpénticos del valenciano más relevante del cine, Luis García Berlanga. Pero si en las obras del maestro los personajes, por muy exagerados que se presentaran, resultaban fácilmente reconocibles, aquí muchos de ellos (el ayudante del enterrador que se niega a hablar, etc.) parecen “marcianos”, y el humor de tintes negros que aquél explotó en obras maestras como El verdugo, aquí no tiene la más mínima gracia. El film acaba resultando aburrido, sobre todo en un punto en el que se empeña en realizar la promoción turística de las fiestas de Moros y Cristianos, en secuencias que no aportan nada al conjunto. Se desaprovecha así un esquema –el encuentro entre el anciano romántico y la joven desarraigada– que podría haber dado juego. No logran remontar el film los esforzados actores, por mucho que el veterano José Sacristán imponga ternura a su personaje, que Laia Marull también rebose humanidad, y que Julián Villagrán, el funerario, tenga cierta gracia. Sobresale en todo caso un inmenso Sergi López, como el brutote criador de pollos Genovés, el mejor hallazgo de la cinta.

Tras la muerte repentina de su marido, Eva teme la soledad. Tiene una hija con la que no congenia y su único consuelo es el cariño de su mejor amiga, Maddie, que recientemente ha sido engañada por su esposo. Ambas se hacen compañía, se ríen y le quitan hierro a los problemas. Cuando por un error Eva recibe 5 millones de dólares del seguro de vida de su marido, ambas deciden hacerse juntas un viajecito de placer para gastar dinero y pasarlo “como reinas”. El destino elegido será España, más exactamente Gran Canaria. Pero un trabajador de la compañía de seguros irá en su búsqueda para enmendar el error. Comedia ligerita e intrascendente, cuya anodina dirección por parte de Andy Tennant (Exposados) deja al descubierto el único punto fuerte: disfrutar del trabajo de dos leyendas de la interpretación, la octogenaria Shirley MacLaine y la septuagenaria Jessica Lange, aquí convertidas en colegas y cómplices de aventuras. Se lo pasan bien y son divertidas, la verdad, aunque sus peripecias sean de lo más inverosímiles y tontorronas. El planteamiento de Como reinas es, como puede apreciarse, bastante simplón, una versión más del tópico último viaje–desfase–diversión antes de que la vida se esfume. Lo malo es que el desarrollo tampoco es que resulte demasiado original y eso que el guión introduce un significativo giro de la trama (que de todas maneras se ve venir de lejos). Funciona el inicio, con la reunión en casa tras el funeral, algunos gags aislados, y la subtrama del detective de la aseguradora que va en busca de las protagonistas. Por lo demás, sorprende la presencia de Demi Moore en un papel secundario de hija superficial e infeliz, claramente desaprovechada, mientras que tiene gracia la aparición de algunos actores españoles, como Julián Villagrán o Santiago Segura, este último en un papelito caricaturesco de mafioso de tres al cuarto.

Original serie televisiva española sobre viajes en el tiempo, que tiene detrás a los creadores de Isabel, Javier y Pablo Olivares, no en balde ofrecen un simpático guiño asegurando que el ministerio del tiempo surgió durante su reinado. La trama parte de la idea de que en España, desde esa época, existe un ministerio que custodia diversas puertas que dan acceso a diversos momentos históricos; su misión es que la historia no cambie, pues si alguien la alterara, las consecuencias resultan imprevisibles. Para tal tarea cuenta con funcionarios de todos los tiempos, pero últimamente han creado un equipo de 3 miembros recién reclutados: Alonso de Entrerríos, soldado de los tercios de Flandes, que aporta la valentía física y el sentido del honor; Amelia Folcho, de finales del siglo XIX, y la primera mujer que estudia en las aulas de la Universidad de Barcelona; y Julián, enfermero del servicio de urgencias de Madrid en la actualidad, que perdió a su mujer en un accidente, con coraje algo alocado porque no tiene nada que perder. El primer caso en que deben trabajar implica a dos subalternos de Napoleón, que han venido al Madrid actual con idea de saber que pasó con las invasiones europeas de su jefe, y cambiar el pasado. Realmente, tras el visionado del primer episodio, hay que concluir que El ministerio del tiempo lo tiene todo para triunfar. Pues aúna diversos géneros con feliz fortuna, las aventuras, el fantástico, la intriga, el histórico e incluso la comedia, las bromas con las anacronismos, incluidos chistes sobre Alatriste, tienen su gracia. Los tres actores principales, Rodolfo Sancho, Aura Garrido y Nacho Fresneda, están muy en su papel, y los secundarios que dan vida a sus superiores, por ejemplo Cayetana Guillén Cuervo, dan el tipo. El arranque es bueno, y la clave es que se ofrezcan argumentos que permitan que la cosa crezca, junto a los casos que es de imaginar irán variando de capítulo en capítulo, de intentos de cambiar la historia.

Sólida primera película de Nely Reguera, formada en la Escac (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña), y coautora también del guión. Ofrece una atinada radiografía de la sociedad española actual a través de la mirada de su protagonista, María, y sus alrededores, familia, amigas, novio, jefe. Ella, soltera y ya con una edad en que se le puede pasar el arroz, trabaja en una pequeña editorial y viene cuidando desde hace años de su padre, viudo, que recibe quimioterapia por un cáncer, que parece está remitiendo. Una reunión familiar a la que acuden sus dos hermanos (uno casado, que espera un niño, el otro con pareja, que vive en Londres) es la ocasión de un anuncio inesperado: el padre da la noticia de que se va a casar con Cachita, su enfermera. Esta noticia junto a los preparativos de la boda, el deseo de afianzar su relación con Dani, separado y con tres niñas, y la aspiración de publicar su primera novela, ponen a María en ebullición, se convierte en un manojo de nervios. María (y los demás) transmite autenticidad, las situaciones pintadas son reconocibles y creíbles, y Reguera sabe combinar el dramatismo con los momentos de humor, dando al conjunto un aire tragicómico que funciona muy bien. Ello para pintar "El desconcierto" a que alude el título de una novela que toca a María presentar, se trata justamente de la situación vital en que ella se encuentra. Tiene la directora además la suerte de contar con una gran actriz, Barbara Lennie, capaz de asumir el papel de columna vertebral de la narración, a veces con planos sostenidos muy meritorios, donde ella está sola y logra comunicar múltiples y contradictorias emociones, como ocurre en el desenlace. El resto de personajes son secundarios, lo que no significa figuras desdibujadas o vacías de contenido, cada uno tiene sus rasgos y sirven para encarnar actitudes muy familiares, tipo "no sé por qué te pones así", "¿quieres que te ayude?" (y por supuesto no mover un dedo), "a ver si te mueres" (aunque luego te arrepientes de semejante pensamiento), "era una broma" (no lo era), "ah, ¿pero no lo sabías?" (ya sabías que no lo sabía), etcétera.

¿Es el destino de un español y una colombiana, que atraviesan cada uno su particular crisis conyugal, encontrar el amor el uno en la otra y viceversa? Es lo que plantea Ciudad Delirio, a propósito del médico de empresa Javier, que acude a un congreso en Cali, Colombia, y pasa una mágica y musical noche de ensueño con Angie, madre de una niñita, que dirige una escuela de salsa, y sueña con formar parte con sus alumnos del espectáculo conocido como Delirio. Y es que ambos congenian a la perfección. Pero él vuelve a Madrid, España, aunque la distancia con su esposa se agranda y él decide tomarse unas vacaciones regresando a Cali, donde se empapa de la música y la vida más humana que allí se respira. Chus Gutiérrez entrega una película agradable de ver, sin duda simplista y con poco fuelle, pero de buen rollito, que podría compararse, salvando todas las distancias que se quieran, a esas cintas juveniles de bailoteo tipo Step Up, aunque aquí los protagonistas sean más maduritos. Se agradece el tono amable, y el esfuerzo para ofrecer algo apto para todos los públicos. Hay una crítica a la deshumanización de las grandes urbes, donde Madrid no queda demasiado bien parada, el estrés de allí tiene su contrapunto en Cali, ciudad más entrañable –personajes como el padre de Angie, y pasajes como la boda, dan ese tono–, aunque no falten tampoco los problemas, como la tentación de la delincuencia. Los actores están correctos, aunque hay personajes desdibujados como el de Ingrid Rubio, que podía haber dado más de sí.

Isaki Lacuesta, un director con vitola de autor, ha demostrado ya su oficio cambiando de género y estilo con gran facilidad, pero esto tiene sus riesgos, este film trae a la memoria el nombre de Juanma Bajo Ulloa, cuya carrera entró en declive, paradójicamente, con su película más alocada y comercial, Airbag. Murieron por encima de sus posibilidades aborda de modo transgresor y salvaje los efectos de la crisis económica y de valores en una serie de tipos, que han acabado asesinando a personas cercanas en un momento de profundo hartazgo. Recluidos en un centro psiquiátrico, deciden fugarse para secuestrar al director del Banco Central, que tiene una guarida secreta para sus juergas en el mar, debajo de lo que parece una simple chalupa. Lacuesta reúne un reparto coral de actores muy conocidos, sin querer hacer un recuento exhaustivo desfilan por ahí Raúl Arévalo, Luis Tosar, Carmen Machi, José Coronado, Imanol Arias, Ariadna Gil, Emma Suárez... Y orquesta un montón de situaciones surrealistas, delirantes, brutales, y hasta tarantinescas, que no falte “de ná”, incluido el gore. Pretende ser divertido mostrando una sociedad egoísta, compuesta por individuos tarados, que han creado un monstruo de muchas cabezas que difícilmente puede ser sanado, si cortas una saldrán cuatro nuevas. En realidad, resulta irritante y cansino, e incluso se diría que algunos de los intérpretes no acaban de encontrarse demasiado cómodos enredados en el disparate en que consiste el film.

Uno de los 4 cortos que forman parte del proyecto Cinergía de Gas Natural Fenosa, se encuadra en el género de terror con final sorprendente, al estilo de las historias de Cuentos asombrosos y Alfred Hitchcock presenta, o mirando al suelo patrio, La cabina y La Gioconda está triste. Sigue los esfuerzos durante una noche de una restauradora de cuadros, para quitar la pintura que recubre un cuadro del demonio. Paco Plaza firma el guión y dirige con dos actores que encajan, Maribel Verdú como la dama en apuros, y Julián Villagrán aportando el toque humorístico.

Comedia negra y disparatada, con acción criminal de por medio y desmadre festivo, elementos que la conectan con la exitosa Resacón en Las Vegas, con algunas claves de las comedias de perdedores de los hermanos Coen y con la violencia paródica de Quentin Tarantino. También se podría mencionar como referente El guateque de Blake Edwards, pero sin esa elegancia y medida. Lo curioso del cóctel es que su elaboración es española, lo sirve Santi Amodeo, cuyo debut en el largo, El factor Pilgrim (2000), supuso la carta de presentación de un cineasta no convencional. ¿Quién mató a Bambi? es una historia gamberra, que funciona por acumulación de elementos que complican la vida de personas más o menos corrientes inmersos en situaciones extremas. El mérito de Amodeo es poner un poco de “orden”, por así decir, ante tanta circunstancia inverosímil. Por un lado tenemos a David y su amigo Mudo, que por razones absolutamente increíbles cargan con su jefe inconsciente en el maletero del coche, con los elementos añadidos de que su hija es la novia de David, y que su esposa ha organizado una fastuosa fiesta de cumpleaños. Por otro lado Edu y Gigi, que regentan una pizzería, han decidido secuestrar al jefe de David, pero se confunden y se llevan con la cabeza encapuchada al padre de Edu, un pobre conserje. No es más que el arranque de una ceremonia de confusiones. El film funciona en su propósito de ofrecer una comedia española “diferente”, más cercana a los modelos americanos, aunque con la idiosincrasia española, véase la inclusión del fútbol y jugador de pedigrí como estrella invitada, nada menos que Andrés Iniesta. Para entendernos, no estamos ante un “Torrente” –aunque algunas zafiedades van en esa dirección–, la cinta puede entenderse con más facilidad en el mercado internacional. No obstante, a la película le falta equilibrio y los personajes resultan muy esquemáticos, no resulta fácil identicarse con ellos, a pesar del inteligente reparto.

Ray es un delincuente de tres al cuarto que tras robar un coche con su novia Dani acaba en la cárcel. Allí entra en relación con Manrique, un tipo con negocios de contrabando de coches. Cuando ambos están fuera se harán socios. Pero Ray se meterá en serios problemas cuando contrae una deuda de juego con Mikima, una sanguinario asesino mafioso. Típica comedia criminal a la española, repletita de chistes, tacos, obscenidades y vericuetos intrincados de guión, con situaciones tan cinematográficas como robos con butrón, timbas de cartas y, por supuesto, acción. Funciona más o menos la intriga de la trama y dirige con ritmo Carlos Therón (Fuga de cerebros 2), quien antes ya había contado la misma historia en un cortometraje, y protagoniza un correcto Julián Villagrán (Grupo 7).

Tras una noche de jarana, Julio y Julia se despiertan en el apartamento madrileño de ella, no se acuerdan del uno del otro, tan bebidos debían andar en la gran juerga. Constatan preocupados que los teléfonos, la tele, internet, no funcionan, y que desde la ventana se vislumbra una gigantesca nave extraterrestre. Las autoridades recomiendan que no se salga a la calle, de modo que ambos se quedan en el piso; enfrente tienen a un lunático vecino cotilla, Ángel, y pronto se suma otro con pinta de zumbado, Carlos, el novio de toda la vida de Julia. Nacho Vigalondo, guionista y director -y por suerte, aquí no actor-, acreditó en Los cronocrímenes talento y originalidad para desarrollar una historia con pocos medios. Aquí se confirma esa capacidad, pues saca enorme partido al punto de partida, y a la ceremonia de fingimiento sobre la posibilidad de que haya un infiltrado extraterrestre, impulsada por la atracción, los celos y la paranoia. La combinación de fantástico y comedia funciona en Extraterrestre, hay momentos muy divertidos -Vigalondo toma la vena de su amigo y coproductor Borja Cobeaga-, y algún giro ingenioso, aunque tal vez la trama se estira en exceso. También sobran un par de detalles de estúpido exhibicionismo, tal vez aprendido por Vigalondo en su etapa de guionista del reality "Gran Hermano".

Alberto Rodríguez anda de cabeza con el número 7. El director de 7 vírgenes entrega ahora Grupo 7, inspirada en hechos reales, que comparte con el otro film su estilo naturalista y su interés en describir a los habitantes del sur de España. Sigue los pasos de un comando policial en Sevilla, que mientras se prepara la Exposición Universal de Sevilla no duda en utilizar métodos poco ortodoxos para limpiar las calles de traficantes, sobornando a confidentes, utilizando violencia de más, etc. Lo componen varios policías. Rafael ha quedado marcado por la pérdida de su hermano, y aunque tiene accesos de brutalidad en el fondo es un tipo con buen corazón. Ángel es un joven felizmente casado que aspira a seguir el reglamento y ascender en el escalafón. Por último, Miguel y Mateo son eficaces profesionales, duros pero de carácter bromista. Grupo 7 Arranca con fuerza, pues Rodríguez filma con contundencia y dinamismo, con un estilo fresco, y además, se luce con la descripción del ambiente y con la espontaneidad de los actores, que parecen auténticos personajes marginales de la calle. Parece haber tenido en mente el estilo del cine quinqui de la época, de José Antonio de la Loma y seguidores, aunque opta por contar la historia desde el lado de la policía. Además, describe muy bien a los personajes y aprovecha que cuenta sobre todo con dos grandes actores, Mario Casas (Ángel) y Antonio de la Torre (Rafael), que les dan la suficiente tridimensionalidad. Sin embargo, y aunque está sobre la media del cine español, acaba desinflándose un tanto, pues es incapaz de aportar algo de gracia a los tópicos del subgénero 'poli duro' al estilo de Harry el sucio, como el jefe que les regaña todo el rato mientras trata de encubrirles. Y también porque aunque han tratado de buscar conflictos de interés, éstos tampoco acaban de atrapar al espectador. En definitiva, habría sido mejor si el guión –que firman el propio Rodríguez y Rafael Cobos– hubiera tenido un poco más de garra.

Ulises Gaytán de Arzuaga es un joven médico que ha estudiado en EE.UU. Tras concluir un máster que ha realizado allí, regresa a España, para dirigir la clínica de su familia. Pero resulta que su padre se ha fugado con una paciente, llevándose una gran suma de dinero.Miguel Ángel Muñoz (Un paso adelante) protagoniza esta telecomedia española de temática médica. El título hace referencia al síndrome que sufren los emigrantes cuando se afincan en un nuevo lugar.

Con esta adaptación de la novela ‘El trompetista del Utopía’, de Fernando Aramburu, el debutante director y guionista Félix Viscarret triunfó en el Festival de Málaga, donde acaparó los premios relativos a mejor película, director, actor y guión novel. Sigue el periplo de Benito Lacunza, el típico vividor de treinta y muchos años, que tiene una existencia desastrosa, y que trata de sobrevivir como trompetista de jazz. A la muerte de su padre, regresa por unos días a su pueblo natal en Navarra, donde se reencuentra con su hermano, Lalo, apodado ‘el Hierros’, porque se dedica a construir estrambóticas esculturas metálicas. Lalo está a punto de casarse con Nines, una madre soltera sin muchos horizontes vitales. Ciertamente, no se puede decir que el punto de partida sea muy original, pero Viscarret imprime frescura, gracias a su tono desenfadado, a una factura técnica impecable y a un competente reparto del que cabe resaltar la espontaneidad de Alberto San Juan. El actor sabe sacar jugo a un personaje que, fiel a la tradición de la picaresca española, a pesar de ser un impresentable, cae simpático.  El film incluye pinceladas de costumbrismo rural, y logra momentos emotivos, sobre todo en las secuencias que muestran al protagonista con Ainara, una niña introvertida, hija de la citada Nines. Con ella establece una relación casi paternofilial, que le hace evolucionar en cierta medida. A ratos le falta fuerza, desentona algún detalle soez, y el giro final no acaba de resultar convincente, pero esta comedia dramática producida por Fernando Trueba se sitúa sobre la media de un cine español que se resiste a dar alegrías.

Samuel, un veinteañero inmaduro, ha vivido siempre sobreprotegido por Concha, su madre. Pero ahora le ha llegado el momento de dejar su pueblo natal para probar fortuna en Madrid. Allí vive Eva, su novia, que le acoge en su piso. Poco después de conseguir trabajo como fotógrafo en una revista de actualidad, Samuel recibe la noticia inesperada e que Eva se ha quedado embarazada. Esta novedad, sumada a las dificultades de la vida en pareja, trae consigo que a Samuel le entren las dudas. ¿Será lo suficientemente responsable para ser padre? Mientras se plantea incluso abandonar a Eva, pasa noches de juerga con sus compañeros. Mientras toma unas copas con el redactor de deportes, se reencuentra con Nieves, una amiga de la infancia. Autor de La buena vida y Obra maestra, el guionista y director David Trueba probó fortuna en el drama por una vez con Soldados de Salamina, paradójicamente su mejor trabajo hasta la fecha. Ahora vuelve a su género habitual, la comedia, combinando secuencias hilarantes y alocadas, con otras más reflexivas, con fondo dramático. El film está lleno de elementos autobiográficos, sobre todo cuando Trueba critica con saña el mundillo de los medios de comunicación, en los que trabajó antes de hacerse cineasta. Algunos secundarios son memorables, como el crítico de cine ciego, bordado por el actor Juan Echanove, que da a entender cierto resentimiento del director con estos profesionales. Aunque todos son personajes cínicos, bastante desencantados, Trueba sabe sacarles el lado humano. Destaca la interpretación de Pilar López de Ayala, que siempre muestra un altísimo nivel en todos sus trabajos. Obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cine de Málaga.

Samuel, un chico de 18 años, padece una grave enfermedad neurológica. En ocasiones pierde el sentido de la vista o del oído, otras veces pierde la capacidad de caminar... Por eso, su familia le protege hasta el exceso. Mientras trata de iniciar una vida normal en Madrid, conoce a Consuelo, una chica que conseguirá que Samuel se abra al mundo exterior. Santi Amodeo se quita parcialmente la espinilla de Astronautas, su anterior trabajo. El joven cineasta recupera en algunos momentos la frescura de El factor Pilgrim, su primer largo, que dirigió conjuntamente con Alberto Rodríguez. Su apología de las personas diferentes es interesante por momentos. Pero Amodeo es incapaz de sacarle punta a la estrechez de miras de sus protagonistas, obsesionados con el sexo, con pocas perspectivas vitales.

Film que sigue la estela marcada por Barrio. El joven Tano disfruta de un permiso de fin de semana en el reformatorio para asistir a la boda de su hermano José, personaje triste y mediocre, apenas sin alma, que se aboca rutinariamente a un matrimonio sin amor. Aunque Tano se ha prometido no meterse en líos, su reencuentro con Richi, un amigo del barrio, le involucra en diversas peripecias: robos, gamberradas, etc. También se reencuentra con su novia, con su abuela… Todo es leve y relativamente previsible en este film sobre el peso de las circunstancias en un adolescente que no es mal tipo, pero que se deja llevar. Aunque los cauces por donde va a discurrir la narración se ven venir a distancia, hay momentos graciosos, buen sentido del humor, que contrasta bien con el deseado y marcado patetismo. Juan José Ballesta hace un buen trabajo, aunque el peligro del encasillamiento le acecha, y el premio a mejor actor en el Festival de San Sebastián puede ser excesivo. El título, referencia supersticiosa al rezo a unas estampitas de la Virgen, poco tiene que ver con la historia. Si acaso es una vaga alusión al azar que preside la vida del protagonista.

Fred, un anciano incapaz de superar la pérdida de su esposa, se muda a un nuevo bloque de apartamentos para tratar de olvidar. Allí, acaba enamorándose de su vecina, Elsa, octogenaria con vitalidad de veintañera, que sueña con emular la escena de La dolce vita en la que Anita Ekberg se baña en la Fontana di Trevi. Para los familiares de ambos, el idilio es una locura. Se supera a sí mismo Marcos Carnavale, nacido en Córdoba (Argentina) y autor de Almejas y mejillones. Su película es una apuesta sincera por el romanticismo a cualquier edad. Sus dos protagonistas, el español Manuel Aleixandre y la uruguaya China Zorrilla están cerca de los noventa, pero sus interpretaciones son toda una demostración de aquello de que “la veteranía es un grado”. El metraje se alarga, resulta un tanto sensiblera y algunas subtramas, como la de los problemas de Manuel Aleixandre con su hija, no acaban de funcionar. Pero incluye logrados golpes de humor y está llena de momentos emotivos, como el homenaje a Fellini.

Beatriz, una joven psiquiatra, comienza a trabajar en un moderno y pulcro sanatorio mental, donde los pacientes son tratados con los más avanzados métodos de hipnosis. El caso de una niña, en estado de shock desde que la hallaron junto a su madre muerta, llama enseguida su atención. Y cuando logra un importante paso en la comunicación de la pequeña con el exterior, ésta aparece muerta. Sucesos extraños se suceden, como las inquietantes advertencias de un supuesto paciente, que dice ser un policía encerrado contra su voluntad en el manicomio. Vistoso film lindante entre el thriller y el terror, del debutante David Carreras. Se nota que estamos ante un director primerizo, y se habría agradecido una mejor definición de personajes y una mayor claridad expositiva. Pero al menos Carreras logra crear una atmósfera inquietante, y nos depara unos cuantos sustos de primera división.