Tomás del Estal

Con motivo de la boda de su hermana Ana, Laura regresa desde Argentina a su pueblo natal en una zona vinícola española, la acompañan sus dos hijos, el marido Alejandro se quedó allá por trabajo. Se produce el gozoso reencuentro con padres y hermanos, y con Paco, del que anduvo enamorada en su juventud, ahora casado con Bea. Y tras el enlace, al que asisten muchos invitados, sigue la animada fiesta. Pero de pronto... Desaparece Irene, la hija mayor de Laura. Mensajes en el móvil de Laura apuntan a un secuestro por dinero, con la amenaza de hacer daño a la adolescente si denuncian los hechos a la guardia civil. La vida con frecuencia nos somete a duras pruebas. La alegría pronto se troca en dolor y sufrimiento, y puede costar recuperar la confianza en las personas. El iraní Asghar Farhadi, director y guionista, demuestra su enorme talento para contar historias de alcance universal, no importa tanto que sitúe las historias en su país de origen (Nader y Simin, una separación, El viajante) o que estén “coloreadas” por el telón de fondo parcial o total de Occidente (El pasado y Francia, Todos lo saben y España y Argentina), lo decisivo es la hondura con que atrapa las interioridades del ser humano, lo mejor y lo peor: el amor, el sacrificio, los padecimientos, los rencores soterrados, la soberbia, la ambición, asoman en cada uno en mayor o menor medida, mientra se teje un elaborado cuadro de complejas relaciones, donde cuenta lo ocurrido y lo que se piensa que ha ocurrido, la suposición de intenciones en el otro, y los secretos del pasado que acaban saliendo a la luz. Cuenta con un magnífico reparto coral, donde ocupan lugar prominente Javier Bardem, Penélope Cruz y Ricardo Darín, convincentes al exhibir las fragilidades de sus personajes, pero donde también sobresalan Bárbara Lennie, Inma Cuesta, Elvira Mínguez, Eduard Fernández, Ramón Barea, por citar a unos pocos. Farhadi es un cineasta con mayúsculas. Sabe dar el salto mortal del costumbrismo festivo inicial, a la angustia de la tragedia y las dudas sobre qué ha ocurrido, y quién está detrás, un cambio de tono perfectamente ajustado. Y sí, hay un punto de intriga, pero puede permitirse el lujo de satisfacer la curiosidad sobre la identidad de los secuestradores sin jugar a sorprender, poniendo el acento en que lo importante, lo que le interesa, son las personas, sus heridas existenciales, las cicatrices indelebles. Da gusto ver una película donde no hay espacio para la frivolidad, en que se puede abordar temas como la familia, el aborto o la intervención de Dios en la vida de los hombres, sin caer en el cliché. Y en donde las imágenes pueden sustituir con éxito a las palabras, pero sin desdeñar el poder de éstas para expresar los sentimientos.

Jon Aristegui vive en París, trabaja como investigador de la industria farmacéutica. Se autoexilió allí por el clima asfixiante en su pueblo del País Vasco, pues la desaparición en misteriosas circunstancias de la que era su novia, Anne, enrareció aún más el ambiente, ya que al modo de Romeo y Julieta, ambos pertenecían a familias enfrentadas desde tiempos ancestrales. Ahora el inesperado suicidio del patriarca de los Aristegui propica el regreso de Jon tras años de ausencia. Para enfado de los hermanos, ha dejado la mayoría de las acciones del laboratorio familiar a Jon. Empezarán a pasar cosas raras, y es que todo apunta a que a espaldas de Jon, la familia ha llevado los negocios que a todos afectan de modo un poco heterodoxo. Decepcionante serie de Boomerang para Antena 3, que transmite la impresión de que lo único que se pretende es rellenar la parrilla con un género siempre agradecido, el del thriller, al que si se añaden los enfrentamientos de clanes, se lograr algo que da el pego. Pero se notan demasiado las precipitadas costuras de este producto creado por Josep Cister Rubio, Javier Holgado y Aitor Montánchez, con diálogos sositos y escenas de circunstancias, encuentros y reencuentros, qué tal estás, te tomas una copa, y tal y cual. Es una pena porque hay presupuesto, y la fotografía del País Vasco, montaña y mar, con tomas aéreas, es muy atractiva.

La policía sigue la pista a una banda de atracadores, de la que tienen noticia de que se ha podido quedar sin su experto en cajas fuertes, motivo por el cual deben permanecer en máxima alerta acerca de a quién podrían fichar. Y en efecto, el meticuloso y solitario Víctor, que suele trabajar por libre, es requerido por unos mafiosos de la Europa del Este, para ejecutar un golpe en la cámara acorazada de un banco. Pero antes le someten a diversas pruebas, para asegurar su lealtad. El thriller español confirma su excelente estado de salud en este film, segundo largometraje de Iñaki Dorronsoro, director y guionista, rodado una década después de su prometedor debut La distancia. El cineasta demuestra que se desenvuelve a la perfección en ambas facetas. En lo referente al libreto, logra romper el saque al espectador en unas cuantas ocasiones, que no es cuestión aquí de destripar. Simplemente apuntaré los giros sorprendentes, que dirigen la trama de pronto por caminos imprevistos, con el consiguiente abandono de los que habíamos imaginado. Se diría que Dorronsoro tiene una deuda con el polar francés, a veces hace pensar en Jean-Pierre Melville, y claro, en tal caso, el lacónico Alain Hernández sería su Alain Delon. Porque crea personajes, Víctor nos interesa, también sus razones misteriosas, que le llevan incluso a rechazar a la hermosa chica que le envían para pasar la noche; a ella le da vida con convicción Alba Galocha, una actriz con clara proyección. Y lo mismo el soplón Rápido, muy bien interpretado por Javier Gutiérrez, que tiene momentos memorables, compartidos con Hernández, gracias a los vínculos que les han llevado a colaborar. También Luis Tosar sabe componer al policía huyendo de estereotipos. Las relaciones entre unos y otros personajes, que en algunos casos se desvelan en su integridad avanzado el metraje, están bien tejidas, tienen sentido, y justifican posteriores acciones y decisiones. Las películas de robos suelen destacar por el modo en que se resuelven fílmicamente los pasajes de dichos robos. Y aquí también Dorronsoro demuestra talento, tanto en los preparativos, como en los pasajes en la entidad bancaria y en la cámara acorazada, de gran tensión, con elementos que dejan paso al componente humano, y con sorpresas. El final, modélico, permite diversas lecturas.

Serie ambiciosa producida por Movistar+, que reseñamos tras el visionado de los dos primeros capítulos presentados en primicia en el Festival de San Sebastián. Transcurre en la Sevilla de finales del siglo XVI. Hay un esfuerzo importante de producción, dentro de lo que cabe, rodaje en las calles de la capital andaluza ante la catedral, vistosos planos del Guadalquivir con barcos y el “skyline” de la ciudad, barrios degradados con casas de adobe, fotografía en claroscuro muy cuidada. Y tiene detrás al director de La isla mínima y El hombre de las mil caras, Alberto Rodríguez. Pero todo esto no es suficiente. Decir que La peste es la peste sería una broma demasiado fácil, y quizá injusta, pero sí resulta obligado decir que la trama es tediosa, los personajes muy poco atractivos, y el cansino desarrollo no atrapa en ningún momento. La carta de la truculencia, individuos degradados, víctimas de la peste, autopsias muy gráficas, sórdido sexo, apenas sirve de excusa para lo más obvio. Falta una historia interesante, capaz de atrapar. Las andanzas de un tal Mateo, que sale de Sevilla para volver luego a ocuparse del hijo bastardo de un amigo, que es acusado de hereje, pero al que acude finalmente un obispo para que investigue un brutal crimen de tipo religioso, son confusas, y vienen entreveradas con la actitud insensata de unas autoridades que no quieren alertar sobre el riesgo de peste para que no deje de fluir el oro de América, y el trabajo de una pintora que firma con el nombre de su padre, son tiempos machistas, supersticiosos y brutales, donde nadie muestra un resquicio de bondad, hasta los niños son brutales. La España oscura, un ejercicio de autoflagelación que pienso que no va a lograr enganchar, al menos estas dos primeras entregas no lo consiguen.

Todo un tratado fílmico sobre la impostura, a partir del caso real en España en 1995 de la fuga del director de la Guardia Civil, Luis Roldán, que habría hecho un uso delictivo de los fondos reservados para operaciones especiales, con la sustracción de cientos de millones de pesetas. En un momento en que ha dimitido y corre serio peligro de acabar en prisión, Roldán acude a los servicios de un personaje singular y multifacético, Francisco Paesa, experto por así decir en operaciones especiales: al objetivo de que le ayude a huir fuera del país en compañía de su esposa Nieves se suma el del manejo de esos dineros. En manos de un cineasta convencional, El hombre de las mil caras sería una crónica acartonada de unos sucesos que el espectador puede tener más o menos frescos en su memoria, reflejo de la corrupción que acampó en unos determinados años de gobierno socialista. Pero Alberto Rodríguez, con la colaboración de su coguionista habitual Rafael Cobos, logra imprimir a la narración inspirada por la investigación del periodista Manuel Cerdán un aire de misterio difícilmente respirable, de personajes pícaros atrapados en la teleraña de mentiras y engaños que ellos mismos han tejido. Y ahí hay quien puede llegar al límite de lo soportable, mientras que también cabe aguantar, quizá porque falta el asidero elemental de la unión afectiva y efectiva con las personas, una confianza y un amor que permitan un cambio de vida. Los responsables de La isla mínima vertebran la narración con la voz en off de Jesús Camoes, el piloto que trabaja para Paesa, y lo más parecido a un amigo que éste tiene. Y describen con estudiada objetividad, sin ajustes políticos pero tampoco pretendiendo excusar a nadie, las actuaciones de unos y otros, timos, estafas y simulaciones que a veces presentan tintes surrealistas, prueba de lo complicadas que podemos llegar a ser las personas, sobre todo si no conseguimos mostrarnos tal y como somos, nadie es perfecto. Además se mueven con soltura por los múltiples escenarios de un paisaje internacional, cuyos hilos maneja Paesa, y hacen un hábil uso del sonido y la partitura musical. Es conocido sobradamente el buen hacer de actores como Eduard Fernández, José Coronado y Marta Etura, aquí hay que señalar quizá el esfuerzo del no tan conocido Carlos Santos dando vida a Roldán.

Los responsables de la serie histórica española Isabel adaptan las novelas policíacas del murciano Jerónimo Tristante. La trama transcurre en el Madrid de finales del siglo XIX, y arranca con un golfillo que tiene todas las papeletas para acabar convirtiéndose en un criminal, pero un policía advierte sus cualidades humanas, y no sólo le endereza ejerciendo de tutor, sino que el chico, Víctor Ros, acaba convirtiéndose en sagaz policía. Y así investigará, en “El misterio de la casa Aranda”, un intento criminal en una supuesta casa maldita, mientras su superior anda sumergido en la resolución de una trama de asesinatos de prostitutas al estilo de Jack el Destripador. A los casos a resolver se suma cierto toque de fino humor, y una construcción de personajes arquetípica pero eficaz. Hay un esfuerzo en la reconstrucción de la época, aunque los efectos de algunos planos, como el de la Plaza Mayor, cantan un poco. No falta algún pasaje sórdido, pero la impresión es que se procura una contención para llegar a un público amplio, con historias detectivescas que recuerdan a Sherlock Holmes y compañía. Los actores están correctos, a quien da gusto ver es a Tito Valverde como el veterano policía mentor de Víctor Ros. Entre los directores hay nombres de postín como el de Gracia Querejeta.

Una joven llamada Teresa está pasando por malos momentos en su vida, pues ha perdido a su madre hace poco y sufre ataques de ansiedad. Además es objeto de "bullying" por parte de algunos alumnos de su colegio, aunque el trato con sus profesoras es estupendo. Una tarde después de clase es acosada por tres alumnos que la encierran en un desván. Allí, sola y sin cobertura en el móvil, se decide a leer el "Libro de la vida" de Santa Teresa de Jesús, que le dejado una de las profesoras. El madrileño Jorge Dorado, director de Mindscape y de algunos episodios de El ministerio del tiempo se pone detrás de las cámaras para entregar este telefilm, una peculiar visión de una etapa de la vida de Santa Teresa de Jesús a través de la mirada de una jovencita actual, con algunos momentos emotivos y un retrato muy cercano, natural y atractivo de la santa protagonista. Producido con ocasión del 5º centenario del nacimiento de Santa Teresa, la historia se centra en las vicisitudes que vivió la santa con respecto a las acusaciones por parte de la Inquisición y la trama llega hasta la fundación de su primer convento de Carmelitas Descalzas, San José. Aunque la visión general es bastante complaciente respecto a los tópicos oscurantistas medievales, lo que resta hondura a la historia, de fondo el guión ofrece ideas contundentes, pues incide sobre todo en el carácter "indomable" de Santa Teresa, que le llevó a superar las dificultades que surgían debido a su sexo. Hay una cierta reivindicación, por tanto, de la figura de la santa de Ávila como una de las primeras feministas de la historia, en una época en que el mundo estaba dominado por hombres y las mujeres tenían escasa voz para tomar decisiones. Teresa cuenta con algunos rostros conocidos y un esforzado trabajo actoral, muy especialmente de una fantástica Marian Álvarez (La herida) en el papel de la santa.

Lo mejor que se puede decir de esta película es que se ha hecho. La contratación de mercenarios por parte de altos cargos del gobierno socialista de Felipe González para contrarrestar desde la ilegalidad el terrorismo de ETA, con el agravante de que el asesinato y secuestro de personas inocentes se convirtió en ‘daño colateral’ de tal estrategia, era algo que merecía la pena ser llevado al cine. Dicho esto, hay que decir que GAL dista mucho, demasiado, de ser una película perfecta. Hay momentos risibles, en que los actores parecen dejados a su aire, a ver qué tal. Y se me ocurren muchas preguntas, para las que no encuentro respuesta. ¿Por qué cambiar los nombres de personas tan conocidas del público como Amedo, Domínguez, Marey, los periodistas? ¿Es necesario plantear esa burda historia de amor silencioso entre los periodistas? ¿Cabe en la cabeza de alguien que en Todos los hombres del presidente Alan J. Pakula y William Goldman conviertieran a Carl Bernstein y Bob Woodward en Carla y Bobby, para pergeñar un bonito romance? Por no hablar de un final por derribo, porque toca acabar y poner el letrero ‘Fin’. Y a pesar de todo, el film se mira con simpatía, por el coraje con que ha sido efectuado; y hay desde luego pasajes de gran intensidad, que contagian en parte la pasión por la investigación.