Antonio Pinto

Película basada en hechos reales, que supone el debut en la dirección de largometrajes del actor Chiwetel Ejiofor, quien también se reserva un papel, el de padre del protagonista. Sigue a William Kamkwamba, un espabilado adolescente que vive en Malaui, y que apasionado por la ciencia, está muy ilusionado por acudir al colegio, y ya piensa en el futuro en la universidad. Pero su vida no es sencilla. Su familia se dedica a la agricultura, y su padre, con poca formación y escasos recursos, piensa que el chico debe arrimar el hombre, sobre todo, trabajando la tierra. Una hambruna y la coyuntura internacional que sacude a los mercados tras los ataques terroristas del 11-S, pone a la familia en especiales aprietos, y no hay dinero para pagar los estudios de William. Éste, sin embargo, tiene una idea para poder regar las tierras de su padre y del resto de aldeanos, pero debe superar el obstáculo de la incredulidad del progenitor, que considera que sus ideas científicas son juegos de niño. Se nota que Ejiofor ha afrontado la película con gran ilusión, pues la trama que maneja, basada en el libro escrito por el propio William Kamkwamba en compañía de Bryan Mealer, presenta elementos muy atractivos. No es el más pequeño la descripción de la vida sencilla en África, donde el esfuerzo por cubrir las necesidades más elementales, como el alimento, el vestido o la educación, pone en valor las cosas que verdaderamente importan, frente a tanta frivolidad que consume tiempo y energias en Occidente, donde muchas vidas se muestran deprimentemente vacías. En tal sentido tiene fuerza dar el contexto histórico en que transcurre la acción, el ataque a las Torres Gemelas, sin aspavientos, incluso señalando cómo en otra parte del Globo, aquello resulta muy lejano, frente a otras noticias locales, como la celebración de un partido de fútbol. Y no obstante, esos sucesos distantes, tienen influencia, y mucha, en un mundo globalizado. Destaca el gran esfuerzo de producción, y hay escenas intensas, como la de la muchedumbre peleando por el escaso grano que el gobierno pone a la venta para su cultivo. Quizá Ejiofor ha querido abarcar muchas cosas, y algunas las sugiere de un modo leve, de modo que falta un poco de cohesión al conjunto. Tiene interés dibujar cómo la implantación de la democracia en los países africanos tiene sus dificultades, es otra cultura, un modo diferente de ver la vida. Y puede surgir la violencia para imponerse, más cuando está en juego mantenerse en el poder, o simplemente, la supervivencia, dar de comer a la propia familia. De todos modos, se apuntan situaciones que quedan algo deslavazadas, no se sabe muy bien adónde se quiere ir a parar con su presentación. Es el caso de la hermana mayor de William, que tiene un amor secreto, y va a tomar decisiones que comprometen su futuro. Y la relación paternofilial, que prometía ser jugosa, deja un sabor a decepción, es un tanto abrupto lo que vemos, tanto el rechazo inicial del padre a las ideas del hijo, como finalmente –y no creo que haga "spoiler" en una película cuyo título es el más "spoileador" del que este crítico tiene memoria–, su celebración. Por otro lado, da la impresión de que se quieren reivindicar de algún modo las costumbres ancestrales, con las vistosas danzas tribales con tipos con zancos y máscaras para pedir la lluvia, y fustigar algunos elementos foráneos, pero tal idea resulta confusa, pues al fin y al cabo es la ciencia llegada de fuera y contenida en los libros de texto, la que puede mejorar la explotación agrícola de la zona. El reparto, compuesto de desconocidos a excepción de Ejiofor, resulta adecuado, incluido el joven debutante Maxwell Simba como protagonista.

El británico Asif Kapadia ha demostrado una gran habilidad para el documental de tintes biográficos sobre personajes a los que pasa factura el paso de la fama, son especialmente notables Senna (2011), sobre el piloto brasiseño de Fórmula 1 Ayrton Senna, y Amy (2015), sobre la cantante pop británica Amy Whinehouse. Ahora le llega el turno al considerado por muchos como el mejor futbolista de todos los tiempos, el argentino Diego Armando Maradona. Con abundante material de archivo, gran parte de él inédito, Kapadia nos presenta los modestos orígenes de Maradona, en la paupérrima barriada de Lanús en Buenos Aires, donde crece con sus padres Diego y Tota, y sus cuatro hermanas. Su habilidad con el balón se manifiesta a edad muy temprana, y tras sus inicios en equipos argentinos, hasta llegar al Boca Juniors, pasará fugazmente al Barcelona, donde no logra descollar, entre otras cosas por una lesión, pero luego en el Nápoles logra colocar al equipo italiano en lo más alto, además de descollar con la selección nacional, por ejemplo en el mundial de México de 1986, donde su triunfo ante Gran Bretaña es visto como un desquite tras la humillación de la derrota de la Guerra de las Malvinas. El film juega un poco al desdoblamiento de la personalidad el pintar al futbolista, al estilo Dr. Jekyll y Mr. Hyde, puede ser Diego, el chico humilde que llega a lo más alto gracias a la genialidad que supera su pura condición física, no la mejor para este deporte, y Maradona, el tramposo, provocador, que se desliza por la pendiente de la droga, que sale con mujeres a espaldas de su novia y luego esposa Claudia y tiene una paternidad no reconocida, y que acaba ligado a las malas compañías de la Camorra. Por otro lado también se aborda el fanatismo, la conversión del fútbol en una especie de seudorreligión con las constantes menciones a Maradona como un dios o semidiós, lo que da pie además a reacciones viscerales, sobre todo cuando su papel se convierte en decisivo para la eliminación de Italia del Mundial de 1990; la reflexión sobre el ídolo caído en que se convierte Maradona da mucho que pensar. Kapadia tiene el mérito de ofrecer una imagen bastante completa del futbolista, incluyendo las aristas y defectos del protagonista, pero evitando arremeter contra él con desmesura e injustamente. La selección del abundante material existente sobre Maradona para componer el film, tiene mucho mérito, y es gráfico a la hora de abarcar su talento y su declive, además de que el cineasta ha contado con valiosas declaraciones del propio futbolista y personas de su entorno, que aportan luces sin iras ni rencores.

Historia ambientada en dos tiempos, el Chile de Salvador Allende, antes de que éste sea derrocado, y la actualidad, cuando Gerardo es detenido tras una espectacular persecución automovilística a un pobre ratero, que acaba aplastado por el vehículo. La noticia llega a oídos de Inés y Justo, un matrimonio de la alta sociedad, que cuando eran jovencitos formaba parte de un grupo radical de ultraderecha que se oponía a la política de Allende. Aunque vistosa de producción, la película de Andrés Wood –conocido por títulos como Machuca– resulta un tanto irregular, son demasiado elementales los trazos con que se compone a Gerardo –Marcelo Alonso y Pedro Fontaine en las versiones adulta y joven–, prototipo de tonto útil y fácilmente manipulable, y a la parejita bien –Mercedes Morán y María Valverde, Felipe Armas y Gabriel Urzúa–, con sus aires de superioridad, donde ella se beneficia a los dos hombres y él usa a Gerardo, aunque no puede dejar de sentir celos. No deja de ser curioso ver un film en que la militancia política se invierte, quizá si los activistas que vemos fueran de izquierdas, el juicio al que se invita al espectador de los personajes sería menos severo que el que suscitan los “fachitas” ricos. En cualquier caso cuesta entender qué ideales mueven a los personajes, y el modo en que se deja utilizar Justo, como si fuera alguien de usar y tirar.

Un niño sufre un accidente doméstico y los servicios sociales cometen el error de creer que la causa son los maltrataos que el pequeño recibe en su casa, de modo que deciden retirar la custodia a la madre Sarah (Catalina Sandino Moreno), una mujer latina de extracción humilde. Ésta quedará desolada ante la situación pero luchará por retomar la vida con su hijo con la ayuda de Ally Fisher (Hayden Panettiere), una joven abogada de oficio. Intenso drama cuyo argumento no resulta a priori demasiado estimulante. Sin embargo, gracias a la atención que se presta a las vicisitudes de los diferentes personajes y a un reparto llamativamente competente –un estelar cuarteto femenino–, el director James Lapine, guionista de Into the Woods, logra sacar a flote la trama e insuflar genuinos sentimientos.

Robert, joven neocelandés, es un trotamundos sin remedio que abandonó la casa familiar para recorrer el mundo, para desdicha de su madre Barbara. Durante una estancia en Brasil se enamorará de Jeanne, una joven que puede hacer que el joven aventurero por fin eche raíces. Por su parte, también en Brasil vive Kat, una niña guapa y vivaracha, que sueña con ser bailarina y besar al chico que le gusta, y a quien su madre Heloísa cuida con inmenso cariño. La jovencita disfruta especialmente viajando en el barco de sus padres alrededor del mundo. Emotiva película brasileña que narra una historia verídica ambientada en dos continentes y que implica a varias personas de dos familias muy distintas, una ubicada en Nueva Zelanda y otra en Brasil. El director David Schurmann es hermano de la niña protagonista, Kat, y dedica el film a su madre Heloísa. La película, cuya producción se extendió durante cinco años, fue elegida para representar a Brasil en los Oscar. Con bastante fluidez el guión se desplaza de un escenario a otro para situar sus hilos narrativos, del pasado al presente, de Brasil a Nueva Zelanda, y presentar a los diferentes personajes. Por un lado, la intensa historia de amor entre Robert y Jeanne; por otra, la vida de la joven Kat y de sus padres. Aunque en algún momento haya que hacer algún esfuerzo mental para situarse, en general Schurmann se las arregla con suficiente soltura para que ambas tramas se entrelacen bien en el tiempo y en el espacio. Quizá este modo de contar resulte en ocasiones un tanto forzado (sobre todo en las escenas de la abuela neocelandesa) y hay algo en la producción que remite a culebrón televisivo, también por la dosis de emotividad que va incrementándose a cada minuto. En cualquier caso, es de elogiar la fluidez narrativa que logra el director. Pequeño secreto es una película que habla de cosas serias, del amor a la vida, de la maternidad y de las tragedias que pueden acontecernos, de la intolerancia y los prejuicios, del SIDA y de la muerte. Porque todos los personajes de este film sufren, aunque aletee en el conjunto un aire optimista. Destaca sin duda la escena en que Heloísa explica lo que para ella es el amor de una madre, toda una lección contra lo que muchas veces se llama igual pero no es más que egoísmo disfrazado. El reparto hace una labor excelente, sobre todo el cuarteto femenino compuesto por Maria Flor (Jeanne), Mariana V. Goulart (Kat), Júlia Lemmertz (Heloísa) y Fionnula Flanagan (Barbara).

Un futuro no muy lejano. Al millonario Damian le dan pocos meses de vida. En un mundo de apariencias, el éxito le ha sonreido, pero al precio de convertirse en un cínico y de distanciarse de su hija, lo que no deja de dolerle, con la muerte ya próxima en el horizonte. Por ello, aunque suene a completa locura, pagará a una empresa tecnológica secreta para que le dé un cuerpo nuevo de joven macizo, una forma de prolongar su existencia. Pero junto a su nuevo aspecto, que le invita a un estilo de vida hedonista, asoman raros recuerdos, algo huele a chamusquina en su nueva identidad. Cinta de ciencia ficción estadounidense, escrita por los españoles David y Àlex Pastor, la dirige el indio Tarsem Singh, conocido por su fuerza visual, véase La celda o The Fall. El sueño de Alexandria. Juega con la idea del anhelo de inmortalidad que alberga todo ser humano, y que en tiempos descreídos algunos la fían al poder de la ciencia y al dinero, hasta cuenta con una corriente ideológica que la propugna, el llamado transhumanismo o posthumanismo. Aunque el film arranca bien, a partir de cierto momento la trama se atora, faltan líneas narrativas medianamente sugestivas y el conjunto se convierte en una rutinaria cinta de acción más, con supuestos giros inesperados que no lo son tanto. Aunque entretenido y con buenas ideas sobre lo que de verdad importa y que invitan al debate, resulta fallido. Se siente que no tenga más presencia Ben Kingsley, lo cierto es que con Ryan Reynolds se pierde en el cambio.

Exploración de la trayectoria de la malograda cantante británica Amy Winehouse (1983-2011), de las más dotadas de su generación, que no llegó a cumplir los 30 años, los excesos asociados a la fama acabaron pasándole factura con su prematura muerte. No es fácil dar con la respuesta a cómo pudo suceder, pero algo de eso se intenta en el film. El gran mérito de Asif Kapadia, director de otro valioso documental de corte biográfico, Senna, es ofrecer un retrato del artista, donde introduce material inédito de Amy Winehouse detrás de los escenarios con gran naturalidad, logrando que conozcamos a la persona y que apreciemos su talento musical, ha logrado que hablen prácticamente todos los que la conocieron, desde amigos de la infancia a gente del mundillo musical. Y al tiempo, describir el descenso a los infiernos de la protagonista, describiendo su entorno familiar y profesional: no hay ensañamiento ni se busca culpabilizar a nadie con nombre y apellidos, pero sin duda que al concluir el film el espectador saldrá con la idea de que muchos de los que trataron a Amy tienen una responsabilidad en los problemas de ella, ya sea por acción o por omisión. De modo que admiramos la personalidad de Amy Winehouse y su prodigiosa voz, la forma en que logra plasmar en sus canciones su estado anímico –"Rehab", "Back to Black"...–, la proximidad de su música con el jazz, la emoción de su dueto con el veterano y para ella ídolo Tony Bennett, "Body and Soul"... Y el conjunto conforma una especie de fábula moral sobre la vaciedad de la sociedad contemporánea, la búsqueda de la fama a toda costa, los excesos de los papparazzi que colman el morbo del público por conocer la vida privada de los famosos, la frivolidad con que programas de conocidas estrellas de la televisión abordan los problemas de adicción de los cantantes... Desfilan por el film problemas como la bulimia, el alcohol y las drogas, queda plasmada la inmadurez de quien se queda atrapada en la burbuja de la celebridad de la noche a la mañana, y se plantean paradojas como la de unos seres queridos que no se enteran de los problemas de Amy, y de personajes como un guardaespaldas a los que toca ejercer como una suerte de figura paterna. Queda bien reflejado el contraste entre el antes –una Amy llena de vida, ingeniosa...– y el después –alguien con frecuencia en estado cataléptico, con destellos de genio, pero frágil, muy frágil...–. Aunque algunas imágenes tengan calidad de vídeo doméstico, su valor de acercamiento íntimo a la cantante hace que el espectador olvide tal circunstancia, e incluso Kapadia logra tratarlas de un modo que desprenden una inefable belleza. Lo mismo ocurre con la sensación agobiante de los flashes de los fotógrafos acosadores. También resulta eficaz que los testimonios posteriores a la muerte de Amy se presenten sólo con audio sobre las imágenes que encajan con lo que se está diciendo.

Jim White, casado y con dos hijas, y profesor de educación física y entrenador del equipo de fútbol americano de un instituto, se queda sin trabajo, su difícil carácter con unos chicos que se esfuerzan poco le ha jugado una mala pasada. Corre el año 1987 y debe aceptar un nuevo puesto y mudarse con su familia a McFarland, un pueblecito de California habitado sobre todo por inmigrantes mexicanos que trabajan como jornaleros. Será también profesor de educación física, pero una serie de circunstancias le hacen reencontrarse consigo mismo dejando el fútbol y preparando a un grupo de 7 chicos para correr, pues tienen especiales condiciones físicas para las carreras campo a través. Después de Whale Rider y En tierra de hombres, la prometedora directora neozelandesa Niki Caro ha pasado más bien desapercibida. Sin embargo retorna con fuerza dirigiendo esta película basada en hechos reales, un drama deportivo que sabe introducir algo de originalidad a las convenciones de este subgénero tan querido en Estados Unidos. La gran novedad es dibujar la aportación que los inmigrantes hispanos traen a la cultura estadounidense, renovar en los whasp (White Anglo Saxon People, las personas blancas de origen anglosajón) la conciencia de que también ellos vinieron a América desde otros países, a cumplir su sueño americano. La idea está subrayada en el propio título del film, que recuerda que un pueblo donde se habla español, y habitado por personas procedentes de México, es, también, Estados Unidos; y en el uso de una canción al inicio que recuerda que países como Argentina, Uruguay, etcétera, son América, un modo sutil de recordar la cierta arrogancia que supone identificar América con Estados Unidos. El film, producido por Disney, dibuja bien el inicial choque cultural de la recién llegada familia White (ironías de la vida, su apellido se traduce como "Blanco") con los hispanos, para poco a poco encontrar en esa sociedad pobre de personas humildes donde no faltan los problemas, un cariño y darse a los demás que no cambiarían por nada del mundo, y que tiene una de sus cúspides en la fiesta de la quinceañera. La relación del entrenador, un eficaz Kevin Costner, con los chicos, actores desconocidos y casi todos debutantes, está bien trazada, y hay un buen ritmo y gusto en la composición de los planos, por ejemplo en las sesiones de entrenamiento en esos montículos formados por cáscara de almendra y cubiertos con plásticos. Con habilidad la trama incide de modo inteligente en cuestiones educativas de alto interés, como el trabajo en equipo, la unidad familiar, y el espíritu de sacrificio de unos padres, a veces analfabetos, por sacar adelante a sus hijos. El trabajo duro de jornaleros, que también implica a los chicos, es una de las muchas lecciones que el profesor Costner aprende mientras trata de preparar a los chicos para las competiciones deportivas.

Adaptación de la novela homónima de Stephenie Meyer, escrita en 2008, justo después de concluir la saga de Crepúsculo, que había convertido a la autora en un fenómeno mundial. The Host (La huésped) se anunció como el principio de una trilogía –aunque hasta el momento no hayan aparecido las continuaciones literarias– y mantiene algunos elementos de la serie vampírica, pues por mucho que se vendiera como su primera novela adulta, también se dirige a adolescentes. De la misma forma, se inscribe en el género fantástico, aunque prima el romanticismo. La propia Meyer ejerce como productora del film, que ha dirigido Andrew Niccol, responsable de Gattaca, la película de ciencia ficción favorita de la autora. En The Host (La huésped), la Tierra ha sido colonizada por alienígenas cuyas almas se instalan en el cuerpo de los humanos. Quedan pocos que hayan conseguido escapar, como la jovencísima Melanie Stryder, capaz de cualquier sacrificio para proteger a su hermano, Jamie, y a Jareb, su novio. Cuando es capturada por el enemigo, le inoculan a una de las criaturas extraterrestres que toma el control de su cuerpo. Sin embargo, algo queda de la consciencia de la testaruda Melanie... The Host (La huésped) tenía una difícil adaptación al cine, pues gran parte de la trama se desarrolla en el interior de la mente de la protagonista, donde Melanie se enfrenta con la alienígena que la posee. Andrew Niccol resuelve la papeleta con una omnipresente voz en off, que al principio resulta un tanto chocante, pero que funciona gracias a la sugerente y aséptica ambientación creada por el realizador y a la excepcional interpretación de la joven Saoirse Ronan. Varias secuencias melosas dejan clara la mano de Meyer, así como el culebrón amoroso que se genera cuando las dos ocupantes del mismo cuerpo descubren que se han enamorado de chicos diferentes. Pero en general, Andrew Niccol, que ha escrito el guión adaptado, parece haber gozado de cierta libertad operativa, pues consigue ser fiel a su filmografía. Así, evita claramente la espectacularidad y las exhibiciones de efectos especiales que podrían distraer al público de la historia y de las reflexiones sobre la naturaleza imperfecta del ser humano, el pacifismo y la importancia de la espiritualidad en el amor (esto último muy en la línea de la historia de Bella y Edward). Sorprende lo poco que necesita el cineasta (algún coche raro, los ojos luminosos de los poseídos, etc.) para que el público acepte que está viendo ciencia ficción. The Host (La huésped) pivota en torno a los trabajos de la citada Saoirse Ronan, Diane Kruger (una creíble buscadora que persigue a los humanos que aún quedan) y el veterano William Hurt (el excéntrico tío de la protagonista). Los jovencísimos Max Irons y Jake Abel se esfuerzan pero acaban siendo un tanto insulsos.

El luchador de wrestling Dwayne Johnson se reconvirtió en estrella del cine de acción tras aparecer como secundario en El regreso de la momia. Se ha mantenido en el género, aunque ocasionalmente, ha interpretado también alguna comedia familiar como Papá por sorpresa o Rompedientes. En esta ocasión da un giro importante a su carrera, pues El mensajero (Snitch) viene a ser una especie de thriller, pero con muchos elementos dramáticos y un tono realista, que se basa en una historia real. En El mensajero (Snitch), Johnson interpreta a John Matthews, empresario de éxito del sector de la construcción, divorciado, que ha rehecho su vida con otra mujer. Pero el hijo que tuvo con su primera esposa, Jason, de 18 años, se mete en líos. La policía le detiene con un paquete de éxtasis. El chico se enfrenta a una condena de entre diez y treinta años, aunque la podría reducir si delata a otro narcotraficante. Como no conoce ninguno, el padre habla con la fiscal general para saber si aceptaría que fuera él quien cooperara para detener a algún narco. El mensajero (Snitch) supera la media de calidad de los subproductos que suele interpretar el actor protagonista, con personajes más tridimensionales, y un guión con algo de calado en torno al sacrificio, la unión familiar y a las relaciones paterno-filiales. También es justo reconocer que a pesar de sus limitaciones, y de su evidente falta de expresividad, Johnson se ha esforzado mucho por componer por una vez a un protagonista de carne y hueso, incapaz de las superhazañas que suele realizar en sus películas de siempre, pero que se ve obligado a superarse a sí mismo por su hijo. No realiza un trabajo memorable, pero tampoco desentona. Además, Dwayne Johnson está bien arropado por secundarios tan competentes como Susan Sarandon y Barry Pepper. El veterano especialista y coordinador de especialistas Ric Roman Waugh, reciclado en director con títulos como La sombra del crimen, le da un aire cercano al documental al film, y consigue crear tensión dramática.

Vacaciones en el infierno supone el debut como director de Adrian Grunberg, ayudante de dirección de reconocidos títulos, entre ellos Apocalypto. El director de aquél, Mel Gibson, ejerce como productor, coguionista y actor principal. En Vacaciones en el infierno, un delincuente estadounidense es detenido por unos policías mexicanos que se quedan con el dinero del botín, y le encierran en El Pueblito, una curiosa prisión. Allí, los presos están hacinados en condiciones infrahumanas aunque los que pueden pagar gozan de diversos privilegios, pueden vivir en casas con su familia, ir de tiendas (parece una auténtica ciudad) o incluso viven a todo lujo. En su lucha por la supervivencia, el gringo entablará amistad con un niño que permanece en El Pueblito junto a su madre, que cumple condena. Por desgracia, Javi, un jefe mafioso enfermo, planea que le trasplanten el hígado del chaval para seguir con vida. Se podría decir que Mel Gibson ha apadrinado a su amigo Grunberg, pero últimamente, el nombre de la estrella más que un respaldo viene a suponer un problema, por la animadversión que parece suscitar en la industria tras sus polémicas declaraciones antisemitas y ser juzgado por maltrato. Sólo el rechazo hacia Gibson explica que este film, tras una noche de estreno en que pudo ser visto en algún cine, haya ido a parar directamente al mercado de la televisión pay-per-view, en Estados Unidos. Pero hablando de lo estrictamente cinematográfico, estamos ante un film de lo más ameno, que podría haber funcionado comercialmente. En Vacaciones en el infierno, Mel Gibson vuelve a apostar por la mezcla de humor y acción, en la línea de su gran éxito Arma letal, y se llega incluso a bromear sobre el gran Clint Eastwood cuya voz en inglés imita el protagonista bastante bien. Falta algo de convicción en alguna secuencia de acción con granadas, y quizás la trama a veces se hace un tanto predecible. Pero a Gibson le viene que ni pintado su misterioso personaje sin nombre (muy en la línea de memorables westerns), que se toma la vida con sarcasmo, en plan personaje de novela de Elmore Leonard. Se nota el toque Icon, productora del actor, en la recreación casi documental de la prisión mexicana –inspirada en una que hubo en Tijuana, donde vivían familias completas– y en que incluye muchas secuencias en español para darle más realismo, hasta el punto de que Gibson llega a expresarse en la lengua de Cervantes. Entre los secundarios, destacan los siempre sorprendentes Daniel Giménez Cacho y Peter Stormare en registros de villano.

Formidable documental sobre el brasileño Ayrton Senna, legendario triple campeón de Fórmula 1. Fue premiado con toda justicia en el Festival de Sundance. La vida de Senna posee todos los elementos para construir una formidable película de ficción; por eso lo que ha hecho Asif Kapadia, con el apadrinamiento entre otros de Kevin Macdonald, es tan meritorio, pues con material documental de archivo –sólo algunas voces en off son actuales– ha compuesto un film apasionante, con “actores” y “conflictos” auténticos, resulta difícil pensar que el resultado fuera mejor con actores de verdad componiendo personajes. Senna funciona a todos los niveles. Transmite la emoción de la competición, de los vehículos y la velocidad, y contrasta acertadamente la limpieza de las primeras carreras del campeón en el mundo del kart, con la política que domina la Fórmula 1. Pinta bien al protagonista, sin mitificarlo, ofreciendo un retrato ajustado de una persona humilde, con dotes excepcionales para el automovilismo, muy unido a su familia, y una profunda fe. Su preocupación por aliviar la pobreza de los niños más desfavorecidos, y la asunción de representar las ilusiones de sus compatriotas brasileños, sorprenden y revelan una gran calidad humana. La rivalidad con quien fuera su compañero de escudería, el francés Alain Prost, también se recoge adecuadamente; este, por así decir, “villano” –como lo sería el presidente de la Federación Internacional de Automovilismo, otro francés–, te lo crees, y ves las diferencias entre los dos pilotos con imágenes y declaraciones, sin exagerarlas torcidamente mediante el amarillismo. Dos estilos de conducción y las personalidades de los pilotos –intuición y capacidad de riesgo frente a racionalismo puro y duro–, resultan tremendamente interesantes. Kapadia juega bien la carta de la sobriedad en los pasajes más emotivos de la cinta, y entrega un magnífico documento sobre el ser humano que fue un gran campeón y sus alrededores.

Las novelas más reconocidas del Nobel colombiano Gabriel García Márquez son, sobre todo, "Cien años de soledad", y también "Crónica de una muerte anunciada", por su importancia en la literatura hispanoamericana. Y sin embargo, "El amor en los tiempos del cólera" es su obra más emotiva. También es una novela más adaptable al cine que los dos títulos citados, por lo que había generado grandes expectativas esta versión del británico Mike Newell, director de Cuatro bodas y un funeral, que ha demostrado cierta pericia para llevar libros a la pantalla, con Un abril encantado, Donnie Brasco y Harry Potter y el cáliz de fuego. El cineasta tenía posibilidades de romper la paradoja de que a pesar de que García Márquez estudió cine y ha sido guionista, no ha tenido mucha suerte cuando se han pasado sus mejores trabajos al cine, pues se puede decir que como mucho se salva El coronel no tiene quien le escriba, de Arturo Ripstein. El guionista sudafricano Ronald Harwood (que también ha adaptado La escafandra y la mariposa) se ha esforzado por seguir linealmente la novela y condesar en dos horas y veinte un libro de 500 páginas. Como es bien sabido, el libro narra la historia de amor entre Florentino Ariza y Fermina Daza, a lo largo de unas seis décadas. Un jovencísimo Florentino, empleado del servicio de correos, descubre a Fermina cuando acude a su casa a entregarle un telegrama a su padre. Inspirado por el amor que siente hacia ella, le escribe unas cartas sinceras, extensas y apasionadas, que logra entregarle en la clandestinidad. Gracias a ellas, logra ganarse su corazón, pero el padre sueña con casar a Fermina con un joven de buena familia, y un empleado de correos le parece ‘poco’ para ella. Cuando se entera de la relación, decide llevarse lejos a su hija. Florentino mantendrá encendida la llama del amor con la ayuda del telégrafo. No es tan fiel sin embargo el film en cuanto al tono. García Márquez usa aposta en esta novela todos los recursos de los folletines decimonónicos, que funcionan con brillantez en clave de realismo mágico. Captar esa forma única del escritor de hacer pasar por ordinario lo extraordinario es bastante difícil para un director que no sea hispanoamericano, y Mike Newel se queda bastante lejos. De esta forma, lo que queda, a ratos parece un culebrón televisivo. Newell ha contado con un presupuesto que le permite una convincente recreación del final del siglo XIX y principios del XX. Cuenta con buenos técnicos, y sobre todo, con un prometedor reparto internacional, reunido por su colaboradora habitual, la veteranísima Susie Figgis, prima del director Mike Figgis. Quien haya leído la novela convendrá en que algunos de los intérpretes van al pelo con sus personajes. Destaca la colombiana Catalina Sandino Moreno, como Hildebranda, la prima de la protagonista; la brasileña Fernanda Montenegro, que encarna a la madre de Florentino Ariza; Liev Schreiber, director de la oficina de telégrafos; y la española Alicia Borrachero, en una breve intervención como la tía de Fermina. La primera actriz, la italiana Giovanna Mezzogiorno, realiza un correcto trabajo, con la dificultad añadida de que interpreta a su personaje a lo largo de los años, de adolescente a anciana, con ayuda de una buena labor del departamento de maquillaje. Por contra, desentona el actor Javier Bardem, en una interpretación forzada, que llega a resultar esperpéntica, y que supone el mayor lastre de la película. Su personaje debe parecer un romántico enamorado, algo estrafalario, pero como sobreactúa, parece una especie de ‘freak’. Mike Newell ha fracasado en este sentido en su faceta de director de actores, al dejar que su estrella se le descontrole por completo. Resultan especialmente llamativas las secuencias de Bardem con sus amantes, que siguen su línea histriónica, dando lugar a los peores momentos del film. Subyacen, al menos, algunos temas presentes en la novela original, sobre la evolución de los seres humanos a lo largo del tiempo, y que supone una exploración del amor en sus diferentes fases. Contrapone los encuentros promiscuos de Florentino con amantes que nunca jamás llegarán a hacerle feliz, con la vida plena que vive Fermina, casada con un hombre íntegro, con el que tiene hijos, y que a pesar de algún problema y una grave crisis matrimonial, le hace feliz. Y apuesta decididamente por el romanticismo, al mostrar a un personaje enamorado para siempre.

Rowena es una aguerrida periodista, que consigue un superreportaje que saca a la luz la hipocresía moral de un senador republicano, que mucho defender la familia y tal, pero en realidad lo que le va son los jovencitos becarios… Sin embargo, la chica se queda hecha trizas cuando los poderes fácticos le impiden su publicación. Tal berrinche pilla Rowena, que decide incluso dejar su periódico. Pero pronto tiene en qué ocuparse, porque una amiga de la infancia le asegura que tiene pruebas irrefutables de los insanos hábitos sexuales vía internet de Harrison Hill, un magnate de la publicidad. El caso es que la amiga es asesinada, y Rowena, secundada por su fiel ayudante Miles, va a investigar en serio el caso, empezando por conseguir trabajo en la compañía de Hill. Muchas películas actuales de los grandes estudios se ponen en marcha alrededor de lo que lo que los ejecutivos consideran un potente concepto. En el film que nos ocupa se trata de la idea de que “todos tenemos secretos que no nos atrevemos a compartir con nadie… a no ser que estemos amparados por el anonimato que ofrecen medios como internet”. Bueno, como concepto, la cosa quizá tenga su gracia; pero si alrededor de ello no hay un guión sólido y se orquesta sólo una trama simplona, sin pies ni cabeza, llena de trucos baratos, con una resolución tramposa… Todo en el film es tópico y previsible (¿dónde está la policía en esta película?, por citar sólo una rarísima ausencia en una historia como la que nos ocupa), excepto la pirueta final; y esto último, no por méritos del guión, sino por todo lo contrario: porque no se ha ofrecido ninguna pista al respecto. James Foley sigue demostrando que lo de Glengarry Glen Rose (Éxito a cualquier precio) fue una gran película por el “accidente” de David Mamet y un reparto excepcional. Halle Berry, que aparte de belleza tiene talento dramático, no sabe (o no quiere) aprovechar su Oscar por Monster’s Ball para hacer buenas películas, y se apunta a un film tonto, que explota sin rubor su ‘sex appeal’. Ella es el alma (?) del film, porque Bruce Willis es un mero comparsa, mientras que el personaje de Giovanni Ribisi están tan mal definido que uno llega a suponer inicialmente que es gay, extremo desmentido cuando detectamos su obsesión por Rowena.

Morgan Freeman, que ha ejercido varias veces como productor ejecutivo, y llegó a dirigir una película (Bopha!), es el máximo impulsor, a través de su pequeña productora, de este film de bajo presupuesto. Según los títulos de crédito, Freeman se interpreta a sí mismo. Aunque no le llaman por su nombre, su personaje es una gran estrella de Hollywood, que se ha cansado de protagonizar thrillers comerciales, así que ha aceptado interpretar al encargado de un supermercado en una producción independiente. Para preparar el personaje, acude a un supermercado de un suburbio de Los Ángeles, similar al de la película. Allí le dejan literalmente abandonado, pues el encargado que le iba a atender no está, ni viene nadie a recogerle. La única que habla inglés y que parece dispuesta a echarle una mano es Scarlet, la cajera que parece sostener el negocio, y que le llevará a su casa, a pesar de que antes tiene que acudir a una entrevista de trabajo. Es la primera vez que el director Brad Silverling (Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket, El compromiso, Casper) se pone al frente de un proyecto independiente. Y sin embargo, obtiene de los actores, muchos no profesionales, esa espontaneidad de las películas americanas rodadas al margen de Hollywood. Casi todas las secuencias parecen improvisadas y el argumento es sencillo, un simple encuentro entre dos personajes variopintos, que acaban aportándose el uno al otro más de lo que esperaban. Reivindica el valor de la autoconfianza, y algunas secuencias son divertidas, sobre todo aquellas en que Freeman se toma con humor a sí mismo.

Colección de siete notables cortometrajes en torno a la infancia, varios de ellos dirigidos por cineastas de prestigio mundial. Se trata de un proyecto humanitario y artístico promovido por la organización UNICEF, con la idea de que las ganancias económicas sean destinadas a entidades dedicadas a la protección de los niños. No es difícil colegir que todos estos cortometrajes se centran en las experiencias tremendamente duras que han de vivir muchos menores en los diversos países del planeta. Así, las historias están ambientadas en África, los Balcanes, Estados Unidos, China, Brasil e Italia, y todas tienen como protagonistas a niños con edades comprendidas entre los diez y quince años. Algunas de ellas son más intensas y dramáticas que otras, pero todas ofrecen una reflexión honda y ponen en la picota la indefensión de los niños y las injusticias que muchos de ellos tienen que vivir. Entre las historias más duras están “Tanza”, sobre un niño de la guerra en un país africano, dirigido por Mehdi Charef, y “Los niños de Jesús de América”, durísimo corto, al más puro estilo Spike Lee, acerca de la marginación que sufre una niña de Brooklyn, inteligente y alegre, que descubre la terrible enfermedad que ha heredado de sus padres drogadictos. Son pesarosos también los cortometrajes “Ciro”, del italiano Stefano Venaruso, sobre un chaval que malvive robando en Nápoles ante la absoluta despreocupación de sus padres, o el extraño y onírico “Jonathan”, dirigido por Ridley Scott y su hija Jordan Scott, sobre un fotógrafo de guerra que, incapaz de superar su atroz experiencia, se refugia en una idílica y fantasiosa infancia el día en que tiene que volver a realizar su trabajo. Mucho más divertido se muestra Emir Kusturica, cuyo “Blue Gypsy” destaca por su imaginería tragicómica. El director serbio ofrece de nuevo el jolgorio gitanesco tan recogido ya en sus largometrajes, esta vez a través de la dura experiencia del simpático Uros, un chaval internado en un reformatorio. Pero sin duda las mejores historias son las que vienen de Brasil y de China. La directora Kátia Lund –colaboradora de Fernando Meirelles en la magistral Ciudad de Dios– enternece con la preciosa historia de "Bilu y João", dos simpáticos hermanos que luchan por sobrevivir en una favela de Sao Paulo. Su alegría, su bondad y su destreza para descubrir cualquier oportunidad de ganar unas perrillas es sencillamente encantadora y llena de esperanza. Por su parte, en "Song Song y la pequeña Cat" el hongkonés John Woo ofrece una emotiva historia sobre dos niñas chinas muy diferentes, una rica y triste, y otra paupérrima y bondadosa hasta el extremo. Es llamativo cómo Woo, un cineasta célebre por sus películas de acción, logra conmover con su sensible y poética mirada a la infancia.

Andrew Niccol es un cineasta con guiones interesantes y tramas de entidad. Él dio los argumentos de El show de Truman a Peter Weir (la invasión televisiva de la intimidad), y de La terminal a Steven Spielberg (un hombre sin patria internado en un aeropuerto). Como director abordó la manipulación genética y la fecundación artificial (Gattaca) y la creación de una actriz digital de cine (S1m0ne). En El señor de la guerra el tema es muy serio, y lamentablemente a Niccol le va un poco grande. El film sigue la pista a Yuri Orlov, un traficante de armas de origen ucraniano, al que no le importa el uso que los demás hagan del material que maneja. Él sólo quiere enriquecerse, conseguir a la mujer que desea, y disfrutar del lujo como pueda. A la vez tiene un estilo de vida aventurero, todo un subidón de adrenalina. E intenta conciliar todo con una vida familiar imposible, pues se basa en la mentira y la falta de confianza. Varias cosas pesan en la película. La omnipresente voz en off de Nicolas Cage es una de ellas. Tampoco ayuda el personaje de Ethan Hawke, un agente del FBI monolítico, o la esposa, Bridget Moynahan, cuya actitud de ‘ojos cerrados’ resulta poco creíble. De todos modos una idea atractiva, de rabiosa actualidad, un ritmo trepidante y un buen acabado visual, ayudan a hacer llevadero el visionado de la cinta. Domina en el planteamiento un modo cínico y al tiempo simple de ver las cosas, pero no se esquivan ciertas consideraciones morales. Las cosas son como son, pero ‘vender el alma’ pasa factura, viene a decir Niccol.

El equipo periodístico del programa televisivo de Miami “Una hora con la verdad” –el célebre reportero Manolo Bonilla, el cámara Iván y la productora Marisa– se encuentra en una miserable barriada llamada Babahoyo, en Ecuador. El motivo es que están haciendo un reportaje acerca de las actividades de un sanguinario asesino en serie que está aterrorizando al pueblo. El macabro hallazgo de una fosa con los cuerpos violados y torturados de varios niños ha dejado al pueblo en estado de shock. En ese ambiente, Vinicio –un vendedor de biblias del pueblo– atropella accidentalmente a un niño y los habitantes se ensañan con él. El equipo de periodistas filma el linchamiento, pero antes de que lo quemen vivo, Manolo logra salvar al desgraciado, aunque las autoridades lo meten en la cárcel. Dispuesto a hacer un reportaje sobre su vida, Manolo conversa con Vinicio, y éste le dice que tiene información sobre el asesino de niños. Interesante segundo film del ecuatoriano Sebastián Cordero (Ratas, ratones, rateros), avalado por una peculiar pareja de productores, los mexicanos Alfonso Cuarón y Guillermo del Toro. El guión, sobrio y directo, habla de la relación entre la noticia y la verdad, y de la siempre formulada cuestión acerca de los límites entre el trabajo periodístico, siempre ávido del éxito y de la actualidad, y el deber de servir al bien y a la justicia. Cordero no da razones acerca de lo correcto o no de la decisión de sus personajes, pero sin ápice de frivolidad muestra con acierto lo que hay: que la propias acciones tienen consecuencias muchas veces no deseables. Se puede escapar de ellas, amparándose en la ética del trabajo, o quizá  aislándose con drogas, pero no se pueden ocultar. El film retrata también la desproporcionada influencia de los medios de comunicación, llamados tan justamente el cuarto poder, y cómo resulta enormemente fácil manipular a la voluble población. Cordero filma con inusitada intensidad –la secuencia inicial del linchamiento es tremenda, de una brutal cercanía–, reforzada por la profusión de primeros planos, de modo que la sensación de barro, tierra y suciedad es constante y embadurna todo la película. Las localizaciones en el pueblo son muy realistas, y están muy bien recogidas por la notable fotografía de Enrique Chediak. Y entre el reparto, todo él muy convincente, con John Leguizamo y la española Leonor Watling a la cabeza, hay que hacer una mención especial a la soberbia interpretación de Damián Alcázar, quien compone un Vinicio muy verosímil, tan lleno de aristas como de naturalidad.

Durísimo film brasileño sobre la vida en Cidade de Deus, uno de los suburbios más deprimidos de Río de Janeiro. Fernando Meirelles parte de una novela de Paulo Lins, que incorpora elementos de su experiencia personal, cuando vivía entre favelas miserables. Con múltiples personajes, casi todos negros y mulatos, muchos niños y adolescentes, la mayoría de menos de 20 años, el hilo conductor es el personaje de Buscapé. A través de su mirada en tres tiempos –finales de los 60, los 70, principio de los 80– asistimos a la degradación por el narcotráfico de una barriada ya de por sí miserable. Meirelles rueda sin concesiones. Ni un miligramo de sentimentalismo, nada que tranquilice la conciencia de un público ya de por sí aletargado ante las tragedias del mundo. Domina un estudiado aire documental. De la época, narrada con clasicismo, en que Buscapé es un crío y aún se atisban en él y sus compañeros vestigios de inocencia, se pasa a los años, contados con cámara nerviosa, en que se convierte en adolescente, cuando la droga campa a sus anchas y la violencia alcanza extremos inauditos. En la película caben todos los excesos: el uso de armas a temprana edad, la promiscuidad sexual, las lealtades mal entendidas, la venganza… Y ahí pugnan por salir algunos rasgos de humanidad. Pero faltan las oportunidades de alfabetización o aprendizaje de un oficio, capaces de salvar a los que podríamos denominar “niños del infierno”. Sólo Buscapé parece tener a su alcance una tabla de salvación, gracias a su afición a la fotografía. La intención de Meirelles, que el espectador mire directamente al horror, está lograda. Aunque sea a veces a costa de herir, su mazazo no deja indiferente.

Por favor. Que nadie se asuste. Que nadie diga: "Ni borracho me pongo a ver una película brasileña". Éste es un film maravilloso. Su Oso de Oro en Berlín y sus 2 candidaturas al Oscar son más que justos. Estamos en la Estación Central de ferrocarriles de Río de Janeiro. Dora se gana allí la vida escribiendo cartas que le dictan personas analfabetas. Un trágico accidente y una serie de circunstancias le obligan a hacerse cargo de Josué, un niño que busca a su padre. Drama social de primera calidad. Fernanda Montenegro (actriz premiada en Berlín y candidata al Oscar) compone un formidable personaje: ella es una mujer que, pese a ayudar a la gente con sus cartas, se ha endurecido, olvidando que detrás de la miseria hay individuos que sufren. Y el niño le ayuda a recapacitar, a confiar en la fe, el amor y la solidaridad. Walter Salles, el director, cree que es una película de búsqueda: "Un niño que busca a su padre, una mujer que busca su corazón y una nación que busca sus raíces"; y continúa: "Dora representa un orden que, para mí, es necesario cambiar. El niño representa la posibilidad del cambio. Cuando muere su madre, recusa su destino de "niño de la calle" y reescribe su propia historia a través de la búsqueda de su padre".