Christopher Meloni

Tras el asesinato de su esposa, Stanley queda devastado. Al ir invenstigando acerca de los hechos con la intención de encontrar a los culpables, descubre un turbio entramado de crimen organizado y corrupción policial. Decidirá entonces impartir justicia por su cuenta. Thriller de acción criminal de pocos vuelos, cuyo planteamiento inicial ha sido trasladado al cine en numerosas ocasiones, por lo que carece de cualquier originalidad. Ayuda al entretenimiento, eso sí, la intensidad impuesta por el director Chuck Russell y el eficaz trabajo de un iracundo John Travolta., que está muy bien acompañado por su colega de correrías, Christopher Meloni. Película entretenida pese a su limitado recorrido.

Un banco sufre un brutal atraco. Todas las evidencias parecen apuntar  a que los responsables son el director del banco y los clientes más acaudalados. Sin embargo, el FBI se adentra más en el caso y, al tiempo que otros atracos se suceden, los datos podrían señalar a una conspiración de mayores proporciones. Lo mejor de este thriller de acción, que incluye algunas secuencias de gran intensidad y violencia, es sin duda el reparto apañado, en donde destacan unos cuentos actores de conocida celebridad, encabezados por Bruce Willis y Adrian Grenier. La dirección, a ratos vibrante, corre a cargo del inspirador Steven C. Miller (Extraction), un cineasta de poco recorrido, entregado al género. El resultado es entretenido, pero no quedará en la memoria.

San Francisco 1976. Minnie Goetze tiene 15 años y vive con su madre, divorciada, y con una hermana pequeña. El despertar sexual de Minnie se ha convertido en un volcán en su vida, multitud de sentimientos y pensamientos se confunden en su cabeza. Por eso decide grabar en unas cintas un diario personal en donde saldrán a relucir sus frustraciones y deseos más íntimos, como la atracción sexual que siente por Monroe, el novio de su madre. Viendo The Diary of a Teenager Girl podría pensarse que la adolescencia es una verdadera tortura para cualquier chica adolescente, un lugar de inseguridades, deseos incontrolados, vicio sexual y desorientación vital llevados al extremo. Todo eso es lo que vive Minnie, la sufridora protagonista de esta historia para adultos ideada por la autora gráfica Phoebe Gloeckner. Minnie, que se siente como un patito feo, tiene un desproporcionado deseo de afecto, lo que unido a su exacerbada sensibilidad y a su estado hormonal le trae por la calle de la amargura. El joven novio de su madre será el recipiente en donde vaciar su corazón, su virginidad, su vida. Pero, claro, ese estado de cosas sólo trae más sufrimiento, más desesperación, el comienzo de un peligroso y turbio itinerario hacia un mundo muy oscuro. La película de Marielle Heller (Caminando entre las tumbas), actriz ocasional que aquí debuta como directora y guionista, es grosera visualmente y procaz verbalmente, pero honrada en cuanto que no oculta los derroteros infernales por los que discurrirá la existencia de la protagonista, cuando faltan asideros morales (la madre no es precisamente un dechado de virtudes) en los que basar la conducta. Son lógicas consecuencias de la vida disipada y tan cacareadamente feliz de la California de la revolución sexual y hippie de los años 70. Pero al referir ese estado no precisamente dichoso, Heller recurre explícita e insistentemente al anhelo de sexo, una obsesión cercana a la ninfomanía que en pantalla se hace monótona, tediosa. Distrae de ese uniformismo narrativo el universo creativo de Minnie, ese gusto por el dibujo y los cómics, que tiene bien resuelta su faceta visual gracias a los diferentes insertos animados, al singular y agresivo estilo Gloeckner, que definen correctamente la sensibilidad y la deteriorada imaginación de la joven. Con aires de tragicomedia y mucho estilo "indie", propio del universo gráfico original, el conjunto recuerda así a películas como American Splendor. Por lo demás, hay un estupendo trabajo de los actores, especialmente en el lado femenino, comenzando por la joven protagonista Bel Powley, y por Kristen Wiig en el papel de su madre.

Al Klein y Ash Martino regentan un concesionario de coches de segunda mano en California. Son grandes amigos y les va bien su pequeño negocio. Cuando Freddy, el hijo de Al –que vive con su madre Barbara, de la que Al se divorció muchos años antes–, decide que no quiere ir a la universidad, sino ponerse a trabajar, la noticia es recibida con cautela por sus padres. Ella piensa que es un grave error; él prefiere que el chico siga su propio camino. Sin embargo, las cosas se complican cuando Freddy pide a su padre trabajar con él y marcharse a vivir a su casa. Debut en la dirección de largometrajes del veterano Joel Surnow, con amplia experiencia como guionista en series de éxito como Corrupción en Miami, Falcon Crest o 24. Con escasos personajes, Surnow entrega una historia sencilla, llena de naturalidad y que rebosa de optimismo. Pese a la limitada factura visual –por momentos parece que estamos viendo un telefilm de sobremesa–, la falta de pretensiones acaba por hacer un favor al conjunto, que deja un buen sabor de boca. Se ve que Surnow tiene experiencia en la escritura, pues con pocos mimbres elabora un retrato excelente de los personajes, gente normal y corriente, pero buena de veras, en donde sobresalen sin duda los dos socios del concesionario, Al y Ash. Hay en la trama de Surnow una visión amable del cariño paternofilial y se transmite una actitud positiva a la hora afrontar las dificultades y golpes de la vida, a veces duros, como la ruptura matrimonial. También funciona el humor de Small Time, a menudo relacionado con la caradura de los dos vendedores de coches, socios pero también grandes amigos, totalmente compenetrados. Todo el reparto está bien, aunque el peso del relato lo lleve con entereza Christopher Meloni, un actor al que le falta quizá una pizca de carisma.

Casi diez años después de Sin City, los directores Frank Miller y Robert Rodríguez entregan la segunda parte de su película-cómic sobre la ciudad donde reina el pecado, la muerte, la violencia y el desenfreno. "En Sin City quien no se corrompe se pudre", dice un personaje. Aquí el guión, escrito y basado en el cómic de Miller, sigue tres historias interconectadas: la de un jugador de póker que se enfrenta al temible Senador Roark; la de la bella Ava Lord, que se propone seducir de nuevo a su ex novio Dwight; y la de la bailarina Nancy, deseosa de vengar la muerte de su adorado Hartigan. Lo más impactante del film sigue siendo la puesta en escena, verdaderamente original. El nocturno blanco y negro (muy blanco y muy negro) de las viñetas se rompe de vez en cuando con algún elemento de color que logra un efecto estupendo (los ojos verdes de Ava, las heridas faciales de Dwight, el pelo rubio de Marcie, los faros del coche, la explosión, los labios, etc.). La narración es atractiva, los efectos especiales eficaces (soberbio vuelve a ser el maquillaje) y la voz en off ofrece frases modélicas, muy de cine negro. Por supuesto, una de las señas de identidad del producto sigue siendo la gran presencia del sexo –aquí con muchas escenas exhibicionistas de Eva Green– y la violencia brutal, una constante durante todo el metraje. El resultado es inferior a la primera película pero su fuerza es también indudable. El nutrido reparto es asombrosamente espectacular.

Sookie y Lafayette luchan para salvar a Tara. Terry Bellefleur viaja en busca del espíritu que le persigue. Sam ejerce como rastreador de la policía, para encontrar a los autores de los disparos contra Luna. Supuso la despedida de Alan Ball como máximo responsable de la serie (si bien continúa como productor ejecutivo). Le sustituyó Mark Hudis.

Warner trató de recuperar la franquicia del primer superhéroe de la historia del cómic en 2006 con Superman Returns, de Bryan Singer, que ni convenció ni obtuvo la recaudación que se esperaba. Ahora, la productora le confía el carismático personaje al realizador Zack Snyder, que ha adaptado para la pantalla los comics 300 y Watchmen. Además, El hombre de acero cuenta con el respaldo como productor nada menos que de Christopher Nolan, que ha obtenido altas cotas de calidad con Batman, la otra gran creación de DC. Si Singer trató de crear lazos con los anteriores filmes del personaje, Snyder y Nolan van en la línea de romper por completo con todo lo anterior, en sintonía con El caballero oscuro. Así, la trama conserva elementos ya vistos pero es sustancialmente diferente. Aconsejado por su padre adoptivo en la Tierra, que teme el miedo de la población a lo que no entiende, Clark Kent ha decidido mantener sus poderes en secreto, en la medida de lo posible, aunque cuando tiene ocasión no puede evitar echar una mano a escondidas para salvar vidas, al tiempo que recorre el mundo en busca de pistas sobre sus orígenes. Por ejemplo, ayuda a la avispada periodista del Daily Planet Lois Lane, que inicia una investigación para determinar quién es su extraño salvador. Pero la llegada de la astronave alienígena del general Zod, al mando de un grupo de siniestros supervivientes del planeta Krypton, del que también procede Kent, pondrá a este en un dilema ético. Zod exige a los terrícolas que se entregue el superhombre que habita en secreto entre ellos, hijo de su antiguo enemigo, o de lo contrario destruirá el planeta. Varios son los aciertos de El hombre de acero, especialmente un guión tan sólido como este metal (discúlpese el chiste fácil), elaborado por David S. Goyer, colaborador habitual de Nolan en la saga del murciélago, que parte de un argumento desarrollado conjuntamente entre ambos. Desde luego existe una enorme habilidad a la hora de darle frescura a la historia, y de sortear tópicos del género superheroico y del personaje, como la capa oculta no se sabe muy bien cómo debajo de la camisa, la cabina para cambiarse, etc. Los cinéfilos más veteranos reconocerán que Goyer ha usado de forma muy inteligente un esquema típico del western, estilo ‘forajidos que llegan a un pueblo’ (Solo ante el peligro, Río Bravo), maniobra que da un aire muy clásico al relato a pesar de que aquí los enfrentamientos se resuelvan con secuencias de muchos efectos especiales. También funciona muy bien el tono, tremendamente trágico, al estilo de los filmes de Nolan, subrayado por la intensa banda sonora de Hans Zimmer. A diferencia de lo que ocurría en las otras adaptaciones de las peripecias de Supermán, aquí hay poco espacio para el humor, y cuando lo hay (por ejemplo, en la forma que elige el personaje para vengarse de un camionero sin escrúpulos, o en las inspiraciones celestiales de Jor-El a Lois Lane) se introduce de forma sutil para no estropear la enorme tensión dramática que han logrado las imágenes. Los tintes fantásticos de la historia no rompen el realismo, pues aquí no vale todo (no hay besos que hagan olvidar a la chica la identidad secreta del héroe, giros alrededor de la tierra que hacen que el tiempo vaya hacia atrás, ni otras licencias de fantasía ingenuas y poco creíbles de anteriores largometrajes). La historia de El hombre de acero, que reflexiona sobre temas como la moralidad y el sacrificio, acaba convirtiéndose en una interesante fábula sobre la capacidad del ser humano para alcanzar grandes logros, y superar sus limitaciones, si se siguen los modelos adecuados. Curiosamente, en esta versión cobran más importancia que nunca los paralelismos con el Evangelio presentes en mayor o menor medida en las anteriores cintas y en los comics originales creados por Jerry Siegel y Joe Shuster (curiosamente ambos eran judíos). Esta vez, se recalca que el protagonista ha sido enviado a la tierra por su padre ‘celestial’ con el objetivo de que sirva con sus actos como un modelo para los humanos, éste permanece 33 años–el dato se llega a repetir por si alguien no lo ha pillado– oculto –limitándose a realizar pequeños milagros– antes de salir a la luz pública, y para subrayar el carácter espiritual-religioso del relato, cuando se plantea ofrecer su vida para salvar a la humanidad, recurre a un sacerdote cristiano que le ofrece un inteligente consejo. El hombre de acero apuesta por el individuo corriente del mundo, o sea el que no es un superhombre. Así, adquieren más valor que en otros filmes de superhéroes las heroicidades humanas, y las hazañas ‘corrientes’ de un científico, un grupo de militares y la periodista Lois Lane resultan claves para resolver la situación, con el apoyo de su aliado sobrenatural. Un reparto de primera fila aprovecha que los personajes son de carne y hueso, todos ellos –tanto los protagonistas como los más episódicos– muy bien definidos. Destaca un esforzado Russell Crowe como el padre planetario de Supermán, Jor-El, con más papel que nunca, pues su espíritu está muy presente a lo largo del metraje, pero también realiza un trabajo igual de bueno Kevin Costner, como el padre terrícola, un hombre honesto que recomienda sensatez y discreción. Existen valiosos trabajos en roles secundarios de Diane Lane –la madre adoptiva–, Laurence Fishburne –como Perry White, el astuto editor jefe del periódico– y sobre todo de Michael Shannon, actorazo de títulos como Take Shelter, que defiende muy bien al villano de la función, obsesionado hasta la locura por salvar a su planeta. Los protagonistas también vuelan alto (nunca mejor dicho). Amy Adams compone sin duda a la mejor Lois Lane que se ha visto en una pantalla –y ha habido muchas–, una periodista comprometida en esclarecer la verdad que no duda en arriesgarse si hace falta. También Henry Cavill (que ha trabajado en títulos como la serie Los Tudor) supera a sus predecesores, pues compone un Supermán que sigue un enorme recorrido emocional, mucho menos plano que el bonachón ingenuo que encarnó el (justamente recordado y admirado, pero menos meritorio) Christopher Reeve, y que llega incluso a llorar, de forma creíble. Por supuesto, el público más ‘palomitero’ saldrá entusiasmado. El hombre de acero tiene un ritmo dinámico, rico en acción, con grandes dosis de espectacularidad en secuencias como las persecuciones en Krypton, el incendio en la plataforma petrolífera, el combate en Kansas y el brutal enfrentamiento final en Metrópolis, que se esfuerzan por lograr cierta originalidad.

Recién terminada la Segunda Guerra Mundial, Jackie Robinson es un afroamericano que ha combatido con valor, y cuyas habilidades para el béisbol ha podido mostrar únicamente, y no sin dificultades, en la universidad, pues la liga profesional está dominada en exclusiva por los blancos. Hasta que Branch Rickey, en un audaz movimiento que despierta una encendida animadversión racista en determinados sectores de la opinión pública, requiere sus servicios para los Dodgers de Brooklyn. Robinson, que se hará famoso por llevar en su camiseta el número 42, hará historia como jugador, no sólo por sus asombrosas aptitudes, sino por ser el primero de muchos deportistas negros que van a descollar en el béisbol, y ello aguantando mil y una provocaciones. El guionista y director Brian Helgeland entrega una estupenda muestra del subgénero del drama deportivo, a partir de una historia real muy conocida en Estados Unidos, que aúna los aspectos del terreno de juego, servidos en emocionantes escena de los partidos, con la cuestión racial. En el valioso contenido antropológico de la trama, el film tiene más de un punto en común con The Blindside (Un sueño posible), que transcurre en el mundo del fútbol americano. Quien ha firmado libretos de corte heroico como los de Destino de caballero y Robin Hood, sabe insuflar aire épico a la gesta de Jackie Robinson, que también lo es del dueño de los Dodgers, Branch Rickey. A la hora de sobreponerse a las dificultades brilla la fe metodista compartida por ambos hombres, el apoyo de su esposa Rachel en el caso de Jackie, y la puesta en ejercicio de una serie de virtudes muy necesarias como son la paciencia y la no-respuesta a la provocación. En el aspecto actoral, a una pléyade de secundarios poco conocidos que funcionan a la perfección, y al protagonista Chadwick Boseman, hay que sumar el buen trabajo de Harrison Ford, en la mejor interpretación que ha brindado en años de penosa sequía, con papeles indignos de su carisma.

Cuatro jóvenes cruzan Estados Unidos en coche para llegar a una solitaria playa, donde los hermanos Brian y Danny pasaban sus años de juventud. El fin de este viaje es sobrevivir a una pandemia que está masacrando a la humanidad. Por ello, los jóvenes se han puesto una serie de reglas para evitar el contagio y así sobrevivir a esta enfermedad que parece destinada a acabar con los seres humanos. Los hermanos españoles Álex y David Pastor debutan en el largometraje con esta producción norteamericana que no es una película de terror al uso. En la primera secuencia la mezcla de chicos-chicas, un coche a máxima velocidad y alcohol, son una mezcla perfecta para pensar que estamos ante la típica película para adolescentes. Pero no es así, porque en cuanto se empieza a hablar de los infectados se comprueba que trata de ser una mezcla de este tipo de títulos con algo que podríamos llamar un terror más “serio” como fue el que mostró Danny Boyle en 28 días después. Obviamente, los hermanos Pastor no llegan a la altura de Boyle porque su film es muy sencillito, nada del otro mundo. El intento de darle entidad a la película está presente todo el tiempo y especialmente en el último diálogo que mantienen los dos hermanos. Este mini análisis de la naturaleza humana está bien, pero es insuficiente. Tampoco es finalmente una película de terror. Quien espere una concatenación de sustos y de situaciones angustiosas, más vale que vea otra cosa. Se trata pues, de una película entretenida, que se podrá disfrutar siempre que no se exija mucho de ella. Más vale pasar por alto los contenidos pseudofilosóficos que aderezan la cinta y quedarse con el simple entretenimiento que supone la historia apocalíptica. Siempre es un placer ver a Piper Perabo. Su compañera Emily Van Camp en cambio, tiene la mala suerte de encarnar el papel menos trabajado de la historia –no es que los demás lo estén mucho–, que resulta un “pegote”. Por su parte, el trekkie Chris Pine encarna al típico jovencito guapete, chulo hasta límites insospechados, gamberro, sabelotodo, etc. Un papel que está más visto que el tebeo.

Vaya por delante el dato de que el empalagoso novelista romántico Nicholas Sparks tiene una legión de fans, que lloran a moco tendido y se conmueven con sus obras, varias de ellas adaptadas al cine: Mensaje en una botella, Un paseo para recordar, El diario de Noa. Seguramente también disfrutarán de esta película, que describe cómo confluyen en imparable amor un hombre y una mujer en crisis. Ella es Adrienne (Diane Lane), madre de dos hijos –una adolescente y un crío–, separado de su esposo, que la engañaba con otra, aunque inesperadamente le ha pedido una segunda oportunidad, lo que le ha sumergido en un mar de dudas. Y él es Paul (Richard Gere), prestigioso cirujano, al que se le murió una paciente en una operación en principio sencillo, y no ha sabido dar la cara ante la familia, lo que hace además que su propio hijo se avergüence de él. El caso es que Adrienne acude a olvidar las penas al hotelito que regenta su mejor amiga, junto a un idílico paisaje, los bancos de arena de las playas de Carolina. Es temporada baja, y encima se acercan tormentas; pero resulta que Adrienne no va a estar sola, pues inesperadamente se presenta un huésped por delante, que por supuesto no es otro que Paul. Ellos son dos extraños, no se conocen y tal, pero congenian, se cuentan sus penas… y surgirá la chispa del enamoramiento. El desconocido George C. Wolfe dirige una cinta cuyas mejores bazas cara a la taquilla son la romanticona historia y la pareja protagonista. Aunque conviene destacar también el trabajo de un excelente secundario, Scott Glenn, que construye un personaje sobrio y eficaz, de viudo; a cambio, hay otro de vergüenza ajena, el de Viola Davis, confidente de Adrienne. A favor del film hay que decir que al menos la pareja de guionistas, Ann Peacock y John Romano, se han esforzado en construir la relación de Adrienne y Paul: no se lanza uno en brazos de la otra al minuto uno, y el mutuo apoyo que se dan tiene matices. Pero dicho esto, el film acumula demasiados elementos de culebrón y efectistas –la gran tormenta, los momentos de pasión, la labor humanitaria en Ecuador, el solapamiento de cartas amorosas, los caballitos trotando por la playa–, y tiene una visión bastante reduccionista del compromiso que supone formar una familia, o iniciar una relación amorosa.

Harold y Kumar vuelven a vivir una disparatada y surrealista aventura. En esta ocasión se disponen a viajar a Ámsterdam pero en el avión sufren un ligero contratiempo: los confunden con terroristas. Como consecuencia inmediata los llevan directos a Guantánamo. Tras fugarse de la cárcel, viajarán por Estados Unidos para probar su inocencia. Sorprendentemente, Dos colgaos muy fumaos tuvo el suficiente éxito como para hacer una segunda parte. Todos aquellos que encontraron la primera peli graciosa, estarán en su salsa. El resto... Para los no iniciados en el típico humor absurdo norteamericano para adolescentes, esta película será un tostón de marca mayor. Está plagada de chistes –por llamarlos de alguna manera- simples, simples, muy simples; como las pelis de este gremio, todas las bromas se basan en el sexo y en escatologías de lo más explícitas. El gran problema de Dos colgaos muy fumaos es que no están ni colgaos ni fumaos. Claro que hacen locuras y fuman porros, pero la base de su problema es que son tontos a la par que insoportables, por lo que se hacen bastante dfíciles de aguantar. Es de esperar que el público fiel a la saga disfrutará con escenas como la de la fiesta en casa del amigo millonario o la surrealista con el Ku Klux Klan. Lo que imagino que no les hará tanta gracia, será la moralina final de la peli. La cinta critica la situación en Estados Unidos después de los atentados del 11-S. De hecho, si ellos son insoportables, el agente del gobierno responsable de terrorismo es lo más insufrible del mundo, pues tiene todos los defectos que se puedan imaginar. En fin, que a una peli que pretende criticar la exagerada situación que se vive en Estados Unidos con respecto al terrorismo con un tono completamente bobo, no le pega nada un mensaje final del presi Bush -también fumado, por supuesto- diciendo que aunque todo sea un asco, hay que amar al país con independencia del gobierno que haya.

Dos colegas intentan llegar hasta la hamburguesería, pero andan un poco “colocados”, así que por el camino son detenidos y se encuentran con un monstruo. Oye, tronco, si te moló No es otra estúpida película americana o American Pie sal por patas a dónde te alquilan los deuvedeses que vas a flipar en colores con esta peli tan guay. Cuidado con los obstáculos del camino. Abstenerse todos aquellos a los que no les guste el humor extremadamente absurdo que Danny Leiner mostró en Colega, ¿dónde está mi coche?, su anterior trabajo, porque pueden pensar que esta comedieta es un poco infumable.

Stabler y Benson investigan una agresión sexual parecida a otra de dos meses antes. También investigarán el asesinato de un estudiante de psiquiatría.

Una joven ha dejado ya plantados a tres novios ante el altar. El curioso hecho ha servido de tema a un prestigioso columnista del diario USA Today para un artículo. Pero algunas falsedades vertidas en el mismo provocan que sea puesto de patitas en la calle. Ahora se dirige al pueblo donde vive la peculiar novia, dispuesto a comprobar que la esencia de lo que escribió es cierto. Una nueva boda puesta en marcha por la insegura jovencita puede ser el test decisivo. El argumento es disparatado, permite un buen arranque. Pese a todo, Garry Marshall prefiere evitar riesgos en las posibilidades argumentales. Así que para hacer una buena comedia ha acudido a recursos de probada eficacia –la presencia de dos actores con tirón, secuencias románticas, muchas canciones evocadoras…– para asegurarse el agrado del gran público. En cualquier caso, el film que firma Garry Marshall es amable y huye de las estridencias. Se apoya sobre todo en la componente amorosa, a la que aportan su indudable química Julia Roberts y Richard Gere. Siendo así, y como debe hacer cualquier film que se precie de romántico, trata de ser una apuesta por ese amor duradero que todos anhelamos, “a pesar de las dificultades, que vendrán seguro”. La película procura jugar además con el contraste entre los dos protagonistas: él es un cínico de vuelta de todo; y ella, una enamoradiza, a la que falta confianza en sí misma. Conviene destacar, además, el excelente plantel de actores secundarios. Hector Elizondo y Rita Wilson (esposa, por cierto, de Tom Hanks, en la vida real) están muy bien, pero vale la pena resaltar el trabajo de esa magnífica actriz de comedia llamada Joan Cusack (Two Much, Nueve meses).

Elliot Stabler y Olivia Benson dirigen un departamento policial de élite. Su objetivo consiste en resolver los casos más espinosos que tiene entre manos la policía de Nueva York. Para ello, colaboran estrechamente con Alexandra Cabot, la fiscal del distrito. La veterana serie Ley y orden, ha generado dos secuelas, Acción criminal, y ésta, Unidad de Víctimas Especiales, que tuvo un gran éxito en todo el mundo. Mariska Hargitay ha ganado el Globo de Oro y el Emmy por interpretar a la detective Benson.

Años 70. Por una carretera cercana a las Vegas viajan dos individuos en un coche rojo lleno de todo tipo de drogas. Su labor es hacer un reportaje de la carrera de motos que tiene lugar en el desierto, pero ni siquiera acuden al encuentro. El reportero Raoul Duke y su abogado, el Dr. Gonzo, que así se llaman, dedican el tiempo a consumir pastillas, hierbas alucinógenas y marihuana, y a meterse en todo tipo de embrollos, mientras se cruzan con otros variopintos personajes. Terry Gilliam, el niño travieso de Hollywood, y autor de Los caballeros de la mesa cuadrada o El sentido de la vida, dirige este inclasificable film. Su estilo es inconfundible y la mezcla de personajes estrambóticos dentro de situaciones inverosímiles es su sello de identidad. Los protagonistas son dos tipos, drogados hasta las patillas, convencidos de vivir su auténtico sueño americano, y que ven su realidad según la percepción que les causa las drogas. Las escenas ilógicas y las alucinaciones encadenan las secuencias del film, y tan solo se interrumpen con la intervención de los demás personajes. Los frenéticos Johnny Depp y Benicio del Toro encabezan el reparto, pero también Tobey Maguire, Gary Busey o Christina Ricci se van encontrando con ellos a lo largo de la cinta. La película es una historia transgresora y delirante, y una crítica, al fin y al cabo, de ese mundo tramposo que engancha y mata a la vez.

Prestigiosa serie carcelaria producida por HBO que recoge la estancia de varios reclusos en una prisión de alta seguridad llamada Oswald State Correctional Facility. La serie se llama "Oz" en referencia al mágico mundo creado por L. Frank Baum, y de hecho uno de los módulos más significativos de la cárcel se llama Emerald City (Ciudad Esmeralda). Ahí hay un puñado de reclusos en un régimen experimental que ejemplifican todos los tipos humanos según razas, culturas, caracteres, religiones, etc. A lo largo de sus 56 capítulos, repartidos en 6 temporadas (1997-2003), la serie supone una denuncia clara del sistema penitenciario norteamericano, en donde parece generarse más corrupción que en libertad y donde la vida de los presos es terrible. En especial también se critica duramente la pena de muerte. Entre el reparto hay bastantes rostros conocidos, aunque no se trate de grandísimas estrellas. Destaca la presencia de la veterana Rita Moreno (West Side Story).

Año 2035. Una catátrofe enigmática ha eliminado casi a la raza humana del planeta. Los pocos supervivientes malviven en condiciones deplorables bajo tierra. La única posibilidad de salvación es hacer un viaje al pasado para erradicar el mal. Para ello, un voluntario, Cole (Bruce Willis), viajará a 1996. Allí conocerá a un joven desequilibrado (Brad Pitt) que le habla del "ejército de los 12 monos". Además una extraña visión atormenta continuamente a Cole. Conocerá también a la doctora Kathryn (Madeleine Stowe), experta en el estudio de la locura. Ella piensa que Cole es un paranoico, pero poco a poco comienza a creerle cuando se cumple todo lo que va profetizando. Espectacular inmersión en el futuro de la mano del singularísimo Terry Gilliam (El rey pescador, Brazil). La película tiene una imaginería poco común y un guión sobresaliente, todo ello con unas interpretaciones magníficas.

El doctor Alex Hesse (Arnold Schwarzenegger) trabaja en un proyecto científico en el campo de la ginecología junto con su colega el doctor Arbogast (Danny DeVito). Se trata de una nueva droga que asegura un embarazo saludable a cualquier mujer. Sin embargo, cuando se disponen a probar sus efectos en seres humanos, la universidad anula el proyecto y cede el laboratorio donde trabajan a otra persona, la doctora Reddin (Emma Thompson). Pero los científicos deciden seguir con su trabajo y utilizan el cuerpo del propio doctor Hesse. Será la primera vez que un hombre se queda embarazado. En su búsqueda de toda clase de públicos, el actor más exitoso de los años 90 en Hollywood, Arnold Schwarzenegger, simultaneaba productos de acción (Terminator 2: El juicio final, El último gran héroe) con comedias dirigidas a toda la familia. En esta ocasión se puso al frente del proyecto un experto en el género, Ivan Reitman (Los cazafantasmas).