David Azcano

Ibiza. Paul y Robert , un padre y su hijo; Irene y Lena, una madre y su hija. Hace un tiempo eran una familia, cuando Paul e Irene formaban pareja tras la trágica muerte de la primera esposa de Paul. Sin embargo, ahora las relaciones entre esas cuatro personas están rotas, pues pende sobre Paul la denuncia por maltrato interpuesta por Irene. La carrera musical de Paul está a punto de despegar de nuevo, por lo que éste intenta desesperadamente un acercamiento pacífico con el fin de llegar a un acuerdo y evitar el juicio. El director austriaco Günter Schwaiger (Arena) se adentra en un terreno dramático desgraciadamente de gran actualidad: el de la violencia doméstica. Y lo hace con un guión propio que no escatima las funestas consecuencias para quienes sufren directa o indirectamente la violencia en el seno del hogar. Tomándose su tiempo, a paso lento, va desplegando Schwaiger su historia, hasta que las tirantes relaciones entre los personajes van saliendo a la luz… Está muy bien mostrado cómo afecta la violencia de modo diferente a las cuatro personas implicadas: el abuso de alcohol, la autolesión, la creación artística (esa película animada) hablan de heridas profundas difíciles de asimilar y que laceran para siempre la convivencia. Y no hay contemplaciones para el director a la hora de asomarse a la situación: tolerarla es una trampa, las cosas no suceden por casualidad. Ambientada en Ibiza, El buzo ayuda a una toma de conciencia del problema de la violencia doméstica, pero resulta inevitablemente poco reconfortante. Es lo único que se le puede achacar: su sinceridad a la hora de enfrentarse a este problema social resulta implacable, aquí no hay ficciones para dar gato por liebre. Se apoya el cineasta en el ajustadísimo trabajo de todo el reparto, aunque sobresalen quizás el catalán Alex Brendemühl en el papel de Paul y la austriaca Julia Franz Richter en el de Lena. La película habla de personajes austriacos no por casualidad, pues en el epílogo Schwaiger nos dice que Austria es uno de los países europeos con mayor índice de violencia doméstica.

La descripción que hace de sí misma esta serie, "un thriller ibérico", responde a la perfección a lo que nos ofrece Matadero, intriga con toques de humor negro, deudora del cine de Quentin Tarantino y los hermanos Coen, pensemos en Fargo –que justamente se convirtió en serie en Estados Unidos– pero trasladados con ingenio al entorno rural español por Daniel Martín Sáez de Parayuelo., conocido por sus aportaciones a Amar es para siempre o Isabel. Estamos en un pueblecito de la provincia de Zamora. Los ganaderos porcinos están que trinan por el matadero de Francisco, que trae de Portugal cerdos de pésima calidad, en realidad son una tapadera de narcotráfico, en cada traslado de los animales un par de ellos perfectamente numerados, tienen "regalo sorpresa", un cargamento de droga. Dos secuaces del capo portugués son enviados por la sospecha de que Francisco se la está pegando. El pobre cuñado de Francisco, Alfonso Cubillo, es el veterinario hombre de paja que da el certificado sanitario que exigen los puercos. Casado con María José, una buena mujer, que asiste a unos cursillos de mejora profesional, el organizador le está tirando los tejos. Ambos tiene una hija guardia civil, que piensa que una matanza con tres muertos en una gasolinera, no es un simple atraco ya resuelto. Sorprende para bien Sáez de Parayuelo, con una intriga bien llevada que engancha, y personajes de rasgos bien definidos, que responden a cierta idiosincrasia española: ahí vemos desde el prepotente que se aprovecha del débil, al débil que sorprende ante circunstancias extraordinarias, al profesional que siente pisoteados sus derechos, al político que quiere quedar bien ante las cámaras, al profesional chapucero que desea cerrar en falto un trabajo que le incomoda, para no complicarse la vida, a las venganzas cutres... Hay un acierto completo en el reparto, donde no tenemos a grandes estrellas, pero sí a magníficos actores que encajan a la perfección en sus roles, empezando por Pepe Viyuela, que dio vida a a Filemón en el Mortadelo de Javier Fesser, y que es perfecto para hacer de pupas. La serie contiene momentos muy divertidos, jugando muy bien con el sentimiento de vergüenza ajena. Dirige bien el especialista en series Jordi Frades.

Las andanzas de un matrimonio de mediana edad, Jesús y Nuria, que se sumergen todo el tiempo en el más profundo de los ridículos, ante los que el espectador siente inevitablemente vergüenza ajena, al tiempo que tal vez se ve reflejado en algunos de sus modos de comportarse. Éste es el concepto que subyace en esta sitcom española creada por dos especialistas en comedia, Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero, que hasta la fecha no habían trabajado juntos. La suma de fuerzas funciona, bien respaldada por dos actores que saber dar el necesario patetismo a sus personajes de marido y mujer, Javier Gutiérrez y Malena Alterio. Jesús es fotógrafo de la BBC, o sea, Bodas, Bautizos y Comuniones, con ínfulas de ser un gran artistas cuyo talento se malgasta en sus tareas habituales; narcisista e insensible, no se conoce a sí mismo lo más mínimo, y tiene una habilidad especial para ofender a cualquiera que entra en su radio de acción. Mientras que Nuria trabaja como comercial en una empresa, desea tener un hijo por lo que mantiene a raya a su marido para esperar al momento adecuado, su jefe es insoportable, y típica buenazas ingenua suele decir lo que piensa, a veces metiendo la pata y con consecuencias en su contra. La serie sirve para entregar una especie de radiografía del españolito medio en su versión cutre, en clave de humor patético, con situaciones reconocibles, como la comida con los suegros y el empeño en tener siempre la razón y pretender querer quedar bien a cualquier precio. Por supuesto las generalizaciones a veces son injustas, y prevalece en ocasiones la grosería o una visión ramplona del ser humano, pero no viene mal aplicar una lente de aumento a ciertos defectos que con frecuencia se quieren ignorar y hasta considerar como normales.

Víctor, que afirma ser autor de películas sin estrenar, reúne en una lujosa mansión de su esposa, la millonaria Clara, a sus colaboradores habituales, con objeto de rodar una más. Se trata de Raúl, el guionista, que viene con su esposa, una dibujante en crisis creativa, Andrea, la primera actriz, acompañada de su pareja, Raúl, mecánico dentista, y Fabián y Marta, miembros del servicio. Sin embargo, no se usan cámaras ni nada de equipo, y lo que idea el realizador con su libretista, parece hacerse realidad. Y existe otro grupo de cineastas que les observa desde otro punto del inmueble… Primer largometraje en solitario de Félix Sabroso, tras el fallecimiento en febrero de 2014 de Dunia Ayaso, su pareja, y compañera en las tareas de realización, con quien había empezado a idear este proyecto, su regreso conjunto al cine tras La isla interior, de 2009. Presenta variopintos personajes, bien interpretados por norma general, que luchan por no encasillarse en la vida, cual personajes de ficción que no podrían salirse del guión establecido. Sin embargo, no resulta fácil entender las conexiones entre la vida real y el cine que el realizador quiere establecer, y gran parte de los diálogos resultan pedantes, muy poco naturales, y en el fondo vacíos. No parece asequible ni mucho menos para parte del público, pues su juego no queda muy claro. Y faltan risas donde se supone que las debe haber. Además de incluir numerosas referencias fílmicas que van desde La cena de los idiotas a Buscando a Nemo, se trata de imitar el tono surrealista de Luis Buñuel, mencionando expresamente El ángel exterminador. Pero esto acaba siendo un error, por lo mismo por lo que todos los homenajes al personalísimo aragonés naufragan: no se puede imitar.

Nueva apuesta española por las series televisivas de corte histórico tras el éxito de Isabel, no en balde detrás de Carlos, Rey Emperador está parte del equipo creativo de la mencionada serie. La trama arranca con la llegada a Castilla de Carlos y su hermana Leonor, donde resulta casi inevitable que sean vistos como intrusos extranjeros, pues siempre han vivido fuera de la Península. Él viene a reclamar su corona, aunque Juana todavía vive, y su hermano Fernando podría hacer también su propia reclamación, apoyos locales no le faltan. Pero Cisneros, el regente, desea que las cosas se hagan como determinó el rey católico Fernando, abuelo de Carlos, siguiendo el parecer de Isabel. Otros hilos narrativos trasladan al espectador a la corte francesa del mujeriego rey Francisco, y a Santiago de Cuba, donde Hernán Cortés se apresta para explorar y conquistar ricos territorios. Resulta muy de agradecer el esfuerzo de producción de esta serie, que ayuda a divulgar un período importante de la historia de España. El equipo dirigido por José Luis Martín, y que cuenta con cineastas solventes como Oriol Ferrer, procuran conjugar la lección de historia con el entretenimiento. El problema, al menos en lo que se detecta en el primer capítulo, es que ideas como el ataque de unos campesinos al rey por error, o los devaneos amorosos de alcoba, parecen recursos fáciles poco integrados con la mencionada lección de historia. Mientras que la decisión de no arriesgar con los idiomas quita al conjunto un poco de verosimilitud. Carlos habla un perfecto español, y se hace difícil aceptar que la corte francesa sea efectivamente francesa. Álvaro Cervantes parece demasiado joven para encarnar al futuro emperador, pero démosle un voto de confianza, por ahora se supone que es un gobernante inexperto, aunque con aptitudes, y eso, más o menos, lo transmite. Y en efecto, a medida que avanzan los capítulos, se opta por desarrollar mejor las tramas relativas a la lucha por el poder, ya sea la corona de emperador, o la conquista de México; y los personajes y lo que les mueve, una combinación de lealta, ambición y sentido del estado, que obliga a dejar los sentimientos personales en su su sitio, cobra sentido. Además, siendo conscientes de que hay un presupuesto razonable, pero limitado, se evitan los planos que requerirían masas o costosos decorados, limitando la cosa a escenas brevísimas que cumplen ese misión en América, la fugaz visión de los barcos de la expedición de Cortés y las pirámides mayas.

Tras ganar el Goya al mejor corto por El columpio, Álvaro Fernández Armero dedicó la década de los 90 a la comedia, con Todo es mentira, Brujas y Nada en la nevera, que pese a que no acaban de funcionar, tenían cierta frescura, algún momento cómico eficaz y pintaban a la juventud del momento. Tras buscar nuevos trenes a los que subirse en el terreno del thriller y el documental acabó refugiándose en la telecomedia, y desde la fallida Salir pitando, de 2007, no había vuelto a rodar para la gran pantalla. Ahora regresa con Las ovejas no pierden el tren, un film muy coral que pivota alrededor del matrimonio formado por Luisa, que regenta una modesta academia, y Alberto, escritor en crisis creativa y personal. Por sus problemas económicos se mudan con su hijo, Lucas, a una casa rural. Ambos arreglan una cita a la hermana de Luisa –que no acaba de encontrar al hombre de su vida–, con un periodista deportivo. Por otro lado, Juan, el hermano periodista de Alberto, se ha divorciado y sale con una chica mucho más joven, pero no contaba con que tienen gustos diferentes. Y el padre de Alberto y Juan sufre Alzheimer, por lo que la familia se plantea llevarle a una residencia. En su mejor película, lo que no es decir mucho, pero menos es nada, el también guionista Fernández Armero acierta al mezclar sus naturales diálogos y sus personajes espontáneos con varios elementos dramáticos, que dotan al film de algo de fondo, en torno a las relaciones familiares, los problemas de comunicación con los seres queridos, y las ventajas de una vida sencilla en una sociedad en la que las personas tienden a complicarse la vida. Además, ha contado con un reparto de lo más adecuado, en el que brillan Raúl Arévalo e Inma Cuesta, que tienen una buena vis cómica, y también Candela Peña, Jorge Bosch, la prometedora Irene Escolar (una convincente Juana la Loca en Isabel) y las veteranas Kiti Mánver y Petra Martínez como las respectivas madres de los protagonistas. Acaba resultando más ligera de lo que podría haber sido, y subyacen detalles de humor cutre característicos del director. Pero apunta cuál es el tren que debería coger Armero de cara al futuro. Además, se permite homenajear a su actor fetiche del pasado, Coque Malla, pues su conocido tema musical “Por las noches” da un toque nostálgico a la banda sonora.

Tras codigirir el largometraje alabado por la crítica Sud Express, con Santiago Lorenzo, el salmantino Gabriel Velázquez echó a volar en solitario con Amateurs –su mejor trabajo– e Iceberg. Las dos últimas forman parte de una trilogía sobre la familia que se completa con Ärtico, que llegó a verse en el Festival de Berlín, en la sección Generation, de películas dirigidas a la juventud. Ärtico tiene como protagonistas a dos amigos veinteañeros, los marginales Simón y Jota, capaces de cualquier cosa para lograr algo de dinero. Simón vive en casa de sus padres con su esposa, con la que tiene un hijo de corta edad, y de la que no está enamorado. Mientras, Jota no tiene familia, pero inicia un idilio con Debi, una brasileña a la que inesperadamente deja embarazada. Velázquez insiste en su particular forma de rodar, muy cercana al documental, con secuencias que parecen robadas ocultando la cámara, muchas de ellas sin diálogos, por lo que el film prácticamente podría ser mudo. También reincide en su temática habitual, la necesidad de relacionarse, y de remediar la soledad con el apoyo de la familia, a pesar de los problemas que puedan producirse en el seno de la misma. Logra espontáneas pero convincentes interpretaciones de sus actores, no profesionales. Además, Ärtico tiene un aire que recuerda a las películas sobre delincuentes juveniles que se rodaban en España tres décadas atrás, entre las que destacaría Deprisa, deprisa, de Carlos Saura. Pero a pesar de que logra cierta fuerza con sus imágenes, Velázquez en esta ocasión no consigue que el público empatice con sus personajes, un tanto artificiosos, con pocos rasgos de humanidad. Además, Ärtico se excede en giros dramáticos y fatalistas para conmover al espectador, pero éstos resultan excesivamente evidentes.  

Con su madre, Isabel de Portugal, enferma, los infantes de Castilla Isabel y Alfonso son reclamados para acudir desde Arévalo hasta la corte de Castilla. Allí les espera el rey Enrique IV, su hermano. El pueblo espera que el rey dé un heredero al reino, pero éste no acaba de llegar, por lo que la reina Juana de Avis empieza a impacientarse, así como los demás nobles de la corte... Aproximación a la historia de Isabel la Católica (1451-1504), uno de los más grandes personajes de la Historia de España. La serie quiere ser una continuación de otros proyectos históricos que han tenido cierta repercusión ante el público, como Hispania, la leyenda, aportando en este caso el estilo de las intrigas palaciegas de otras series de mayor calado, como Juego de Tronos. Por supuesto, el presupuesto es infinitamente menor y en el caso de Isabel apenas hay exteriores, planos épicos o grandes movimientos de masas. La trama se centra en unos poquísimos personajes que pergeñan maquiavélicos planes en la corte de Castilla del siglo XV y, eso sí, se acerca más al estilo de la HBO al emular su atención excesiva a los explícitos comportamientos sexuales, curia incluida, no faltaba más... Por otra parte, el retrato que se hace de Isabel la Católica, aunque cuidado y muy atractivo (inteligente, enérgica, con gran personalidad), puede resultar en ocasiones un poco contradictorio pues a su enorme fe en Dios y su vida ejemplar se le unen puntuales sentimientos mezquinos, palabras falsas y afanes de venganza que no acaban de cuadrar demasiado con su temple, si bien es cierto que estamos ante una Isabel muy joven y que además tiene que enfrentarse al traicionero e implacable mundo de la corte. Atención especial merece la meritoria composición de Michelle Jenner (No tengas miedo) como la joven reina. La catalana demuestra de veras que es una excelente actriz. Y en general, aunque los actores se esfuerzan meritoriamente, la platea femenina ofrece un trabajo mejor que la masculina, con los papeles secundarios de Bárbara Lennie y Clara Sanchís.

Mauri ha sobrevivido a su padre en un accidente de tráfico. Rebeca se encuentra en un internado de chicas y se escapa de vez en cuando. Jota y Simón malviven en una caseta junto al río, fuman, beben, roban peces en una piscifactoría y alquilan una barquichuela para ir tirando. Sorprendente película española, más que interesante por su áspero y sobrio planteamiento. El director salmantino Gabriel Velázquez (Amateurs) demuestra en Iceberg que sabe contar y sugerir mares de fondo a través de muy pocos elementos. Estamos prácticamente ante una película muda, que cuenta con imágenes –a veces muy bellas y siempre muy reales– los vaivenes sencillos de los cuatro solitarios protagonistas, siempre en torno al río Tormes. El mundo adolescente se convierte en Iceberg en un agujero negro de dolor y angustia, un estado que debería vivirse si acaso en la edad adulta... Velázquez ofrece así una visión demoledora de la soledad adolescente cuando los adultos han desaparecido y toca sobrevivir. Iceberg es un film difícil de calificar. Su minimalismo es arrollador, para bien o para mal. Objetivamente son muchos los riesgos que asume Velázquez, sobre todo el de contar únicamente lo que se ve externamente (ese “iceberg” de cada vida). En esta película nada es impostado, vemos la realidad tal cual y eso puede ser excesivamente audaz, porque a muchos ojos puede no ocurrir absolutamente nada. Es el propio espectador el que tiene que ir uniendo los pequeños puntos para entrever, imaginar y con-sentir los enormes universos interiores de los jóvenes, y, no obstante, todo el argumento no daría ni para dos páginas... Este 'handicap' resta seguramente solidez al resultado final, aunque también es causa de que estemos ante una película diferente, atrevida y a ratos conmovedora, optimista sin duda pese a la tremenda tristeza que emana. Hay puro cine en muchas escenas, incluso poesía, y gran maestría en la elipsis (esos columpios moviéndose...). Y hay que añadir a todo esto un reparto de cuatro actores noveles que están sencillamente perfectos.

Colofón del díptico que ha supuesto el debut como director y guionista de José Luis Alemán, que se basa libremente en la mitología creada por H.P. Lovecraft, escritor que aparece como personaje secundario. Supone la última aparición en la gran pantalla de Paul Naschy, el actor español más asociado al género fantaterrorífico, que falleció poco después de terminar el rodaje, y que aunque ya estaba enfermo encarna con bastante convicción a Jervás, un mayordomo. Siniestros individuos persiguen a Luisa Llorente, tasadora inmobiliaria que fue a evaluar la antigua mansión de Lázaro Valdemar. Tras escaparse de un tipo en un bosque, Luisa cae en un precipicio y pierde el sentido. Se despierta en el carromato de una gitana a la que arrebataron a su hijo, que le explica que antes que ella muchas otras personas han sido perseguidas en ese lugar. Mientras, el detective Nicolás Trámel, y por otro lado dos compañeros de trabajo de Luisa, tratan de dar con ella. La sombra prohibida tiene un problema de estructura, ya que no parece que Luis Alemán haya concebido dos películas independientes, sino una que ha acabado cortando en dos. También juega en su contra el que el realizador haya querido introducir demasiados personajes y subtramas, un típico error de principiante. Cuenta con actores extraordinarios, pero casi todos sueltan sus parrafadas sin convicción ninguna, como si no les hubieran dirigido. Sin embargo, se agradece mucho la empresa de sacar adelante un film de terror al estilo de las viejas películas de la Hammer y Universal, más sugerentes que explícitas. Y el esfuerzo de producción es notable, sobre todo en el campo de los efectos especiales por ordenador. Como se prometía al final de la anterior película, aparece la criatura más popular de Lovecraft, Cthulhu, que posiblemente sea el monstruo gigante mejor hecho de la historia del cine español, aunque no tiene grandes precedentes.

Carlota acaba de sufrir un desengaño amoroso. La joven está confusa, una situación a la que se suma que sus padres se están separando. Sin embargo, cree que el sexo es clave para entender todo lo que pasa, así que comienza el “El diario rojo de Carlota”, con la sexualidad como auténtica protagonista. Debut en el largometraje del director José Manuel Carrasco, con un mal resultado. El diario de Carlota trata frívola y superficialmente la sexualidad en adolescentes, al igual que todos los temas derivados de ésta. Así, por ejemplo, llama la atención la ligereza con la que se resuelve la traición que sufre Carlota por parte de una de sus mejores amigas, el “uso” que la protagonista hace de Sergio o la manera que tienen de enfrentarse a la sexualidad los padres de la protagonista, que no pueden ser más estereotípicos, planos y lamentables. Punto y aparte merece la cuestión del embarazo. Todas son niñas muy “modernas”, aunque bromean sobre este tema como si de un simple resfriado se tratara. Su patético tratamiento tiene su culmen en una ridícula y bastante desagradable escena de pseudoacción con persecución incluida. No es menos ridículo el papel que desempeña Elisa –amiga de Carlota- con el chico que le gusta (y mira que en el cine se han hecho cosas similares, con resultados exquisitos como en Con faldas y a lo loco). De la tercera amiga en discordia, Mireia, mejor ni hablar: la pobre vive únicamente por y para el sexo. Pero, para que no todo sean cruces, es justo destacar el trabajo de Andrea Ros como Carlota. La chica es muy expresiva, algo que salta a la vista ya desde el comienzo de la película con un primer plano de su cara. Gracias a sus gestos y simpatía se consigue esbozar alguna pequeñísima sonrisa.

Recreación de los hechos históricos que tuvieron lugar en España el 23 de febrero de 1981. Aquel día por la tarde tuvo lugar un intento fallido de Golpe de Estado militar cuando un destacamento de la Guardia Civil, encabezado por el teniente coronel Antonio Tejero, irrumpió pistola en mano en el Congreso de los Diputados, en Madrid, y tomó como rehenes a todos los políticos reunidos en él con motivo de la votación del candidato a la presidencia del gobierno Leopoldo Calvo Sotelo. Los golpistas esperaron en vano durante la noche y la madrugada siguientes a que las capitanías militares de toda España secundaran el golpe, cosa que al final no sucedió, presumiblemente gracias al mensaje de repulsa que el rey difundió por la televisión. La película, estrenada con motivo del 30 aniversario de aquellos sucesos, se ve al modo de un documental y ésa es su mayor virtud pero también su peor defecto. Por un lado, hay un esfuerzo por trasladar objetivamente los hechos a la pantalla, hechos que quedan apuntalados gracias a varias grabaciones de archivo reales que aportan credibilidad a las imágenes de ficción, que contrastan con las anteriores por ser en color. Sin embargo, la puesta en escena tiene algo de montaje teatral, muchos diálogos suenan poco verosímiles y el conjunto resulta opresivo, acartonado. Quizá esto se deba a que el guión únicamente se centra en los responsables del golpe y en las reacciones de los presentes en el Palacio de la Zarzuela, todos situados en localizaciones cerradas, siempre iluminadas con luz artificial. Ese aire apolillado, recargado, por otra parte tan propio de la época, se traslada asimismo a las actuaciones, las cuales resultan a veces tremendamente tópicas en cuanto a varios personajes golpistas (especialmente Tejero y su acompañante), militares y guardias civiles que parecen tener la inteligencia de un mosquito. Salen muy bien parados, por otra parte, Adolfo Suárez y Su Majestad el Rey, heroicos y serenos a su modo. Entre los actores destacan Juan Diego, que da vida al contemporizador, dubitativo y oportunista general Alfonso Armada (entonces hombre de confianza del rey); Mariano Venancio, muy convincente como Sabino Fernández Campo; y Fernando Cayo, quien lidia bien con su difícil personaje del rey y logra resultar creíble.

Debut en el largometraje de José Luis Alemán, también autor del guión, inspirado en el universo concebido por el escritor H.P. Lovecraft. Alemán ha contado con un holgado presupuesto y tiene el mérito de haber sacado el proyecto adelante sin contar con ninguna subvención pública, un caso poco corriente en España. Luisa Llorente, tasadora de inmuebles, desaparece mientras realiza el inventario de los bienes de una antigua propiedad, la mansión de estilo victoriano que perteneció a los Valdemar. El presidente de la compañía para la que Luisa trabaja envía a Nicolás Tramel, un detective privado, para que la encuentre. Tramel se traslada en tren al lugar, acompañado por la doctora Cerviá, presidenta de la fundación propietaria del caserón. La doctora cuenta al detective la historia del matrimonio Valdemar, formado por Lázaro y Leonor Valdemar, que vivieron en la mansión allá por el siglo XIX. Ambos fueron pioneros del espiritismo, aunque en realidad Lázaro amañaba las sesiones, lo que desencadenó la tragedia. Se agradecen las buenas intenciones de rodar una historia de corte clásico, que bebe de las películas de Hammer, Universal y especialmente de la también inspirada en Lovecraft El palacio de los espíritus, de Roger Corman, así como de las adaptaciones que hizo este productor y director de la obra de Edgar Allan Poe. José Luis Alemán desecha los sustos fáciles y los excesos sangrientos, y se centra en crear una historia que enganche al espectador, y una ambientación gótica, lo que acaba siendo todo un acierto. Asímismo, resulta atractivo el fuerte componente romántico de la historia del matrimonio Valdemar, lo que le da cierta intensidad dramática a la historia. Los apasionados del terror agradecerán sus constantes referencias al género: la aparición de Bram Stoker, la presencia de Paul Nascy, pionero del terror en España, etc. Los efectos especiales están lo suficientemente bien hechos para que den el pego. La herencia Valdemar está concebida para ser estrenada en dos partes, a lo Kill Bill. Esta primera parte desarrolla sobre todo la historia de época, mientras que la historia contemporánea sólo arranca. Concluirá en La herencia Valdemar 2. Aunque distribuir de esta forma la historia podría ayudar al triunfo comercial de la cinta –para saber cómo acaba es necesario pasar nuevamente por taquilla–, el problema es que la cinta está totalmente desestructurada. La introducción moderna es demasiado larga, y por tanto la historia principal –mucho más interesante– tarda en arrancar. Además, se nota mucho que Alemán es un primerizo. Sus diálogos son demasiado literarios, recargados y poco creíbles. Esto es un lastre para los actores, pues aunque algunos son de primera, como Laia Marull, Eusebio Poncela y Óscar Jaenada, a veces tienen que declamar unas frases larguísimas que no quedan naturales. Sobran también algunos diálogos reiterativos o que se pierden en asuntos secundarios que podrían haberse suprimido para no ralentizar el film.

Los directores Félix Sabroso y Dunia Ayaso han ganado algo de interés, desde la fallida Perdona bonita, pero Lucas me quería a mí, que a pesar de su falta de calidad es su título más conocido. Sin duda es muy superior esta tragicomedia, que supone su quinto largometraje conjunto, y que describe los años del destape, cuando el cine de la transición española estaba marcado por los desnudos y las secuencias subidas de tono –hasta entonces prohibidas–, y nacieron las películas clasificadas S, de alto contenido erótico, pero sin llegar a la calificación de pornografía. Sabroso y Ayaso se han encargado personalmente del guión, que sigue a tres mujeres, Lina, Sandra y Eva, que acaban trabajando en las películas S. Las tres se conocen en el rodaje de una morbosa cinta lésbica dirigida por Marcos, director en boga del momento. Sandra es la única que aspira a continuar su carrera a lo largo del tiempo en películas más serias. No tiene ningún escrúpulo en acostarse con Tino, un importante productor, que sin embargo se ha fijado más en Eva, con quien se plantea una relación seria. Lina será la que sufra más las consecuencias de que pase de moda este tipo de cine. Su falta de elegancia en las secuencias de sexo, la abundancia de desnudos y otros detalles gruesos ofrecen la sensación de que no ha cambiado tanto el cine español desde el momento histórico que describen. Por otro lado, no acaba de estar bien hilada la transición entre el primer tramo –en el que priman los elementos cómicos–, con el segundo –mucho más dramático–. Es difícil equilibrar risas y lágrimas como han hecho tan bien Charles Chaplin o Woody Allen, y muchos espectadores que empiecen creyendo que ven una comedia disparatada, se sentirán completamente frustrados con el cambio de tono. A pesar de todo, no es una cinta tan fallida como su título permite presagiar. Cuenta con buenos trabajos de los actores, especialmente por parte de Candela Peña (Sandra), que es la que tiene el personaje mejor construido, mientras que Goya Toledo (Lina) sale airosa a pesar del cambio radical que sufre la actriz que interpreta. Y aunque su papel es el más sencillo, resulta más o menos creíble Mar Flores (Eva), que es la que a priori podría desentonar más, ya que su experiencia en el cine hasta el momento era bastante pobre. Tampoco desentonan los intérpretes masculinos del reparto, como Antonio de la Torre (Una palabra tuya), últimamente muy activo. La pareja de directores acierta al plantear conflictos de gran interés, a pesar de que no siempre saben desarrollarlos. Destaca la deteriorada relación de Lina con sus padres, que no pueden aceptar que su hija se haya popular en el ámbito del erotismo. Presenta a unas mujeres sin grandes referentes morales que son utilizadas, que en la mayor parte de los casos compensaban con el desnudo su falta de talento, y que no tenían muchos reparos a la hora de practicar el sexo con admiradores a cambio de dinero, o con productores que puedieran incluirlas en próxima película. Es bastante acertado el momento en el que una periodista pregunta a Marcos, el director, sobre la supuesta ‘libertad’ con la que se justificaban los excesos eróticos. La entrevistadora cuestiona que una actriz tenga libertad para ‘no desnudarse’ –lo que en esos años supondría prácticamente no trabajar–. Una pena que los directores de la cinta no se apliquen el cuento.

Blanca es una adolescente francesa. Vive en Marsella con su madre, y le encanta el atletismo, siempre está corriendo de aquí para allá. Pero la desgracia se ceba con la chica: su madre muere, y le toca vivir en un centro de acogida. Una vieja carta le permitirá emprender la búsqueda de Manolo García, su padre, en España. Pero con quien se va a encontrar en el madrileño barrio de Vallecas es con Nieves, un anciano capataz de obras, hombre cabal pero todo un carácter. Como siempre sintió no haber tenido hijos, la llegada de Blanca se le antoja un auténtico regalo del cielo. Gabriel Velázquez, formado en el mundo del cortometraje, codirigió su primer largo, Sud Express, con Chema de la Peña. El título, de aires documentales, fue muy alabado por su mirada humanista y solidaria. Ahora, ya en solitario, y con las funciones de guionista, director y productor, insiste en fijar la atención en las personas y sus problemas cotidianos, subrayando con su verismo marca de fábrica la necesidad de amar y ser amados que todos llevamos a cuestas; de hecho el título del film es un juego de palabras, que alude a que en eso de amar todos somos unos aficionados, hay que entrenar todos los días. La historia puede definirse como minimalista, pero la construcción dramática es impecable. Velázquez saca todo el partido a sus actores, no profesionales excepto en el caso de Emilie de Preissac, con experiencia televisiva. La impresión es que algunas de las discusiones que mantienen los personajes son improvisadas, lo que contribuye a que parezcan algo reiterativas, pero sin duda que tienen la frescura de lo auténtico; cabe destacar más los silencios, por ejemplo en el matadero, y la inteligente opción de prescindir de una banda sonora musical; y el verismo de los pasajes en una obra. La especial conexión que se produce entre Blanca y Nieves tiene encanto, está bien perfilada con pequeños detalles, como las diferencias idiomáticas, la inscripción conjunta en la San Silvestre vallecana. Y es bonito el paralelismo que se produce entre esta suerte de inesperada paternidad, y la que va a empezar a vivir Guti, el jefe de Nieves. Hay algún pasaje brusco –esos celos que parece sentir Nieves, y que preparan el camino al desenlace–, pero el balance del conjunto es altamente positivo, con un desenlace emocionante y coherente.

Manuel (Alberto San Juan), un tipo que abandonó su pasado y se dedicó a trabajar de gigoló, decide volver a contactar con sus amigos. Entre ellos se encuentran Fernando (Javier Gutiérrez), un ser patético que no tiene un duro y se hace pasar por militar, la inestable ex novia Osiris (Maribel Verdú), que está liada con José Luis (Francesc Garrido), que ha perdido todo su dinero en una inversión, el peluquero deprimido Andrés (Fernando Tejero) y su esposa Mónica Carmen Ruiz), Lola (Pilar Castro) y su esposo adúltero David Antonio Molero), que van a adoptar a un niño africano, etc. El film es un retrato coral y zafio de la relación –llamarla amistad sería sencillamente absurdo– entre este grupo de patéticos personajes, a cual más penoso y deplorable. Cada uno de ellos es un compendio de los peores vicios y facetas que puede tener un ser humano con respecto a os demás: egoísmo, falsedad, hipocresía, adulterio, etc. Todos ellos se mueven solamente por los más puros y básicos (o bajos) sentimientos y en ningún momento hay el más mínimo afecto sincero por el otro. Juan Cavestany (El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo) entrega por tanto una película necesariamente deprimente y también muy monótona y aburrida (la comedia es casi inexistente), a la que además parece faltarle una intención clara, como no sea la simpleza de mostrar un grupo de vidas sin sentido. Así las cosas, no hay mucha originalidad en el conjunto, y es una pena que se desaproveche un grupo de espléndidos actores. El chiste es demasiado fácil, pero también irresistible: la película tiene la misma calidad que la gente del título.

Están pisando fuerte los debutantes en el cine español últimamente. El último talento a tener en cuenta se llama Jaime Marqués, hasta ahora director de los cortos Abierto (El eco del tiempo) y El paraíso perdido. En su puesta de largo, narra el encuentro entre dos personajes contrapuestos, a los que desarrolla con envidiable economía de medios. Álex es un ladronzuelo callejero que desde pequeño robaba carteras con su madre, de la que acaba separándose. Incapaz de superar la ausencia materna, fracasa en su intento de rehabilitarse trabajando en una peluquería, y reincide como delincuente. En unos grandes almacenes observa a una muchacha que intenta robar torpemente un CD musical, sin darse cuenta de que los guardias de seguridad se han percatado de la acción. Álex consigue ayudarla a salir del paso. Esto supone el inicio de una curiosa asociación criminal entre Álex y la chica, Sara, joven de buena familia, a la que no le falta de nada, y que estudia una carrera universitaria. Entre ambos también comienza una historia de amor abocada al fracaso. Marqués enfoca la historia con cierto fatalismo, pues desde el principio parece querer dejar claro que las posibilidades de redención de los delincuentes son remotas y en todo caso parciales. Sobre todo en el caso de aquellos que no han conocido otra forma de vida, y que parecen abocados a un trágico destino. El director compone una película de pocos diálogos y emociones soterradas, bastante realista, en la que destaca su habilidad visual para narrar casi sin palabras –la secuencia en la que se encuentran los dos protagonistas por primera vez es brillante, filmada con un modélico sentido del ‘tempo’ y del suspense–. Además hace gala de una esmerada utilización del simbolismo, incluyendo sugerentes imágenes, como una Madonna que representa la búsqueda materna. Pero el principal acierto del film es su descripción de la historia de amor, de las más emotivas del reciente cine español. A este respecto, el factor clave es el trabajo de los protagonistas. María Valverde demuestra que con el tiempo será una de las grandes actrices españolas. Y Juan José Ballesta, muy crecido desde los tiempos de El Bola, tiene un único registro, pero una vez más borda el papel de joven humilde.

Más que interesante debut en el largo de Rodrigo Cortés (Orense, 1973), con amplia experiencia en videoclips y en cortometrajes. A partir de una idea no del todo original, aunque sí atractiva, como es la de que ganar muchos millones en un concurso televisivo puede no ser una ventaja, sino más bien un cúmulo de sufrimientos, Cortés entrega una tragicomedia muy apañada, bajo el amparo de ese excelente actor que es Leonardo Sbaraglia. El intérprete argentino, protagonista absoluto de la función, da vida a Martín, un pobre tipo que lleva una vida no muy reconfortante: es profesor asociado de Historia de la Economía, tiene una novia y un amigo simplones, una madre y unos hermanos en la Argentina y muy pocos recursos monetarios. Pero su existencia cambia al ganar 500 millones de las antiguas pesetas en premios, en lo que se convierte en el mayor galardón concedido en la historia de la televisión. Sin embargo, mantener sus posesiones es muy caro y Martín se ve obligado a pedir un préstamo bancario por valor de 100 millones. Después, hacienda le reclama casi la mitad del premio en dinero, una liquidez que Martín no tiene… La trama, sencilla a primera vista, se convierte poco a poco en una lección muy discursiva acerca de los peligros y los engaños del capitalismo –un poco en la línea de El método–, una trampa mortal en la que es fácil quedar atrapado y en la que la única presa posible es el ciudadano y no el sistema bancario. Para mostrar eso al espectador, Cortés da entrada a dos peculiares personajes: Pizarro (Luis Zahera), un pintoresco consultor económico al que acude Martín para recibir consejo, que parece un personaje de “Mortadelo y Filemón” y regala la escena más divertida del film; y Edmundo (Chete Lera), una especie de gurú anticapitalismo que hará de mentor del desconsolado protagonista. La crítica del film al sistema actual es clara y las razones abogadas sugerentes, todo como un contrapunto a esas palabras de Martín en clase, sobre que “este mundo no es perfecto, pero sí es el mejor de los posibles”. Consciente quizá del riesgo de tratar en un film un tema tan, digamos, inmóvil y abstracto como es la economía, y al sentido pedagógico del film, Cortés imprime mucho ritmo a su narración, desbordándose en un ejercicio de estilo que, pese a lograr su fin, también llega a agotar y que acaba pasando factura (excesivos resultan los últimos diez minutos de película). A una narración abrupta, con un montaje deliberadamente desordenado, el joven realizador añade una multitud innumerable de recursos visuales: tonos azules y fríos, cámara nerviosa en mano, película con grano, preferencia por los primeros planos, ralentizaciones, cambios de color, pasos fotograma a fotograma… Destacan en este sentido algunas imágenes oníricas o surrealistas, muy logradas, como la del acantilado o la de la aparición del caballo blanco.

Un total de nueve temporadas, repartidas entre 1998 y 2002, se mantuvo esta serie en la televisión española. Fue una referencia en la pequeña pantalla, aunque sus comienzos fueron algo titubeantes. La trama, dirigida al público juvenil y familiar, se enmarca en el estilo de Al salir de clase, aunque era mucho menos frívola que ésta, y recogía las vicisitudes de varios compañeros en un instituto. La pandilla ofrecía momentos de gran diversión y también algunas lágrimas. Por la serie fueron apareciendo algunas caras que más tarde serían muy conocidas en el cine español, como Paz Vega, Juan José Ballesta o Alberto Jiménez.