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Biografía

Edward Lachman

Edward Lachman

Edward Lachman

Premios: 0 Oscar (más 1 nominaciones)

Oscar
2016

Nominado a 1 premio

Filmografía
Aguas oscuras

2019 | Dark Waters

La historia real de la lucha durante casi veinte años de un abogado de Cincinnati (Ohio) contra el gigante de la industria química DuPont. Todo comienza en 1998, cuando Robert Bilott, recién nombrado socio del prestigioso bufete Taft, recibe la visita de un rudo granjero de West Virginia, que le dice que todas sus vacas se están muriendo. Bilott comienza a investigar el asunto y descubre alarmantes datos que hablan de un envenenamiento masivo de la población. Una de esas películas inspiradoras que invitan a luchar por la justicia, aunque la esperanza de éxito se presuma casi inexistente. Aguas oscuras se inspira en el artículo de Nathaniel Rich “El abogado que se convirtió en la peor pesadilla de DuPont”, publicado en New York Times Magazine en 2016. Con ese material, el guionista Matthew Michael Carnahan (Leones por corderos, Marea negra), en colaboración con Mario Correa, ha pergeñado una historia poderosa, sencilla en sus planteamientos pero que posee un gran poder de implicación en el espectador, que inevitablemente seguirá con interés las andanzas del abogado, hombre de familia cristiana, casado y con niños en camino. Se irán desplegando así sus investigaciones, sus hallazgos, sus estrategias, sus miedos, su horror, su frustración al comprobar el entramado de contaminación ecológica y toxicidad a la que los ciudadanos se ven expuestos y los obstáculos casi insalvables para evitarlo y lograr que la justicia se abra camino. El tema de fondo no es nuevo y hay películas de referencia, las más claras quizá Acción civil y Erin Brockovich, ambas espléndidas a la hora de mostrar la tozudez de los abogados contra empresas contaminantes. No les va a la zaga Aguas oscuras, cuyo resultado es similar, si no superior. Todd Haynes (Carol), un director que sabe crear atmósferas intensas como pocos, sea cual sea el tema del que habla, adopta aquí un tono dramático y aun siniestro para conseguir transmitir fidedignamente la heroica lucha de un simple hombre contra un imperio empresarial sin escrúpulos. Su camino es el habitual: del seguimiento de un simple caso rutinario hasta el más firme compromiso personal, un itinerario para el que el trabajo de Mark Ruffalo resulta formidable, especialmente impactante a la hora de transmitir su vulnerabilidad, incluso físicamente. Mientras que Anne Hathaway, en su papel de esposa abnegada y madre de familia, le secunda magníficamente con algunas de las escenas más conmovedoras de la película.

7/10
Wonderstruck. El museo de las maravillas

2017 | Wonderstruck

Se diría que Todd Haynes, con esta mágica aventura familiar, tan distinta a su anterior cine, sigue las huellas de Martin Scorsese con La invención de Hugo, pues también lleva a la pantalla una obra de Brian Selznick de corte dickensiano y con homenajes al cine mudo, en este caso contando además con el propio novelista para la adaptación. La trama discurre en dos tiempos separados por medio siglo de distancia, y presentados en color y en blanco y negro, donde los saltos de uno a otro hilo narrativo, hasta que quedan claras sus interconexiones, se producen con soltura, con tramos a veces de cierta duración, y en otras ocasiones de sorprendente brevedad, pero que sorprendentemente nunca chirrían. Por un lado tenemos en los años 70 del siglo XX a Ben, un chico del medio Oeste, que nunca ha llegado a saber quién era su padre, y al que un marcapáginas de su fallecida madre, bibliotecaria, le llevará a tratar de resolver el misterio de la identidad de su progenitor en Nueva York. Mientras que en los años 20, una niña, Rose, acude a ver a su madre en las pantallas de cine mudo, pues es actriz de la gran pantalla, que no se deja ver mucho por su hija en el mundo real. La película respira una magia muy especial, donde el mundo de la cultura, de los libros y los museos, de los dioramas y las maquetas, del cine, invita a la curiosidad por el conocimiento que crea lazos con los demás. Y la intuición de que los chicos de una y otra época podrían compartir algo más que cierta sordera –toda una metáfora de una sociedad de "sordos" inmersos en la verborrea insulsa, incapaces de escuchar y amar a los demás como son–, introduce un elemento de intriga que engancha. Además se introducen elementos propios del cine mudo en la narración que funcionan muy bien. El film es un canto a la familia y a la amistad, capaz de sobreponerse a las dificultades que se dan en la vida, donde hay momentos para la aventura, la risa y la emoción genuinas. En el reparto destacan los chicos protagonistas, Oakes Fegley y Millicent Simmonds, más una de las musas de Haynes con doble papel, Julianne Moore.

7/10
Wiener-Dog

2016 | Wiener-Dog

Carol

2015 | Carol

Therese Bilvet es una joven aspirante a fotógrafa, que de momento se gana la vida como dependienta en la sección de juguetes de unos grandes almacenes, mientras vive un noviazgo con el que no parece demasiado entusiasmada. Un día atiende a Carol Aird, una distinguida dama con mucha clase y de más edad, que busca un regalo para su hijita. Algo electrizante ocurre entre las dos mujeres. Carol, en proceso de divorcio, ya ha tenido alguna experiencia amorosa con mujeres, pero para Therese ese tipo de atracción resulta una verdadera novedad. En una época, los años 50 del siglo XX, en que las relaciones lésbicas no se podían ni mencionar, su relación irá creciendo paulatina y discretamente, pero en Carol pesa lo que ocurrirá con su hija si estrecha lazos con Therese. Adaptación de "El precio de la sal", novela de Patricia Highsmith, de cuya obra es muy conocida toda la serie de Tom Ripley –muy llevada al cine– y Extraños en un tren, que versionó en la pantalla Alfred Hitchcock La escritora, ella misma lesbiana, publicó inicialmente la obra con el seudónimo de Claire Morgan, aunque la reivindicó años después con su nombre y apellido. Se trata de un material perfecto para Todd Haynes, al que siempre le ha interesado abordar en su cine la homosexualidad, y que ha encontrado en el marco de los aparentemente felices años 50 con sus colores pastel tan característicos del cine de Douglas Sirk, un lugar ideal para expresarse a gusto, ahí están para demostrarlo las historias de mujeres reprimidas por el puritanismo de la época de Lejos del cielo y Mildred Pierce. En el haber del Carol de Haynes puede ponerse cierta delicadeza y el evitar un enarbolamiento demasiado obvio de la bandera de la causa LGBT. Pero tampoco es la obra maestra que algunos pretenden. La historia que se cuenta, con su cuidado envoltorio de época con aura irreal y como de ensueño, es sencilla, una "love story sui generis", con el esquema "chica conoce a chica", etc, con los obstáculos de un marido celoso, y el bien de una niña en juego. Pero se alarga en exceso, sensación acrecentada por la partitura musical de Carter Burwell, que aunque inspirada, se adueña demasiado de la película, se hace notar. Cate Blanchett y Rooney Mara son dos grandes actrices, que contribuyen a mantener la credulidad del espectador, frente a otros aspectos más flojos, como son los muy desdibujados personajes masculinos, e incluso las razones que mueven a Therese y Carol, tan atrapadas por su flechazo que parecen olvidar otras cuestiones que deberían ser importantes en su vida. Sobre todo en el caso de Carol, donde la maternidad parece considerarse como un simple derecho propietario –a tener la custodia de la hija, o a determinadas visitas– obviando que se trata de una importantísima responsabilidad, la de educarla, que viene incluida en el "pack" de haberla traído al mundo.

6/10
Catedrales de la cultura

2014 | Cathedrals of Culture

Seis grandes cineastas, entre ellos Wim Wenders y Robert Redford, arrojan su escrutadora mirada a seis hermosos espacios arquitectónicos diseñados para gozar de la belleza artística y cultivar el espíritu humano. De modo que observamos la Filarmónica de Berlín, perfecto lugar para interpretar música;el Instituto Salk, moderno centro de investigación; le Biblioteca Nacional de San Petersburgo, donde parece que los libros nos susurran sus líneas; la prisión de Halden, que trata a los presos con humanidad; la Ópera de Oslo; y el centro Popmpidou, donde se diría que convergen todas las artes. Las imágenes son maravillosas, y los distintos discursos narrativos de cada pieza permiten gozar y anhelar una visita a los lugares mostrados.

6/10
Paraíso: Esperanza

2013 | Paradies: Hoffnung

Melli, una jovencita de unos 15 años, llega a un campamento de verano. Pero se trata de un campamento muy peculiar, pues todos los que acuden allí son chicos y chicas jóvenes con problemas de sobrepeso. La idea es que durante su estancia se sometan a unas normas estrictas de funcionamiento: hacer ejercicio, cuidar la alimentación, pasen por cuidadosos exámenes médicos, etc. El personal del lugar, una gran instalación en medio del campo, está especializado en ese trabajo, pero para estos jóvenes adolescentes esos días suponen un tremendo sacrificio. Última película de la trilogía "Paraíso", dirigida por el austriaco Ulrich Seidl y que muy bien prodría haberse titulado "Infierno". Tras Paraíso: Amor, cuya protagonista es la madre de Melli –que se encuentra de turismo sexual en Kenia– y Paraíso: Fe, en donde la tía de Melli da cuenta de su enfermizo fanatismo religioso, Paraíso: Esperanza ofrece esa misma atmósfera asfixiante, centrada en vidas sin horizontes y donde lo que más impera es la tremenda soledad de los personajes. En este caso, esos personajes son adolescentes, poco menos niños y niñas abandonados por sus familias, con vidas desgraciadas (la mayoría hijos de padres divorciados). La narración sigue el estilo de Seidl, con aire muy realista, diálogos improvisados y sonido directo. No sucede gran cosa, sino el mostrar el triste día a día de Melli y sus compañeras. Sin embargo, es cierto que no hay imágenes tan desagradables y explícitas como en los anteriores filmes, de modo que la historia, opresiva y pesimista desde luego, se ve al menos con menor horror. No faltan, de todos modos, instantes morbosos, expresados en la atracción sexual entre la protagonista y el médico, en equilibrio inestable.

3/10
Dark Blood

2012 | Dark Blood

Paraíso: Amor

2012 | Paradies: Liebe

Teresa es una mujer que ha pasado la cincuentena. Es austríaca, madre de una adolescente que no le hace mucho caso. Viajará a Kenia con otras paisanas, mujeres maduras, solas, para pasar unos días de vacaciones en hoteles paradisiacos, junto a la playa. Allí Teresa buscará desesperadamente el amor de los hombres, africanos dispuestos a tener sexo por dinero. Paraíso: Amor es la primera película de la trilogía "Paraíso" –que se completa con Paraíso: Fe y Paraíso: Esperanza–, del controvertido director austriaco Ulrich Seidl. La historia, terriblemente triste, dibuja unas vidas llenas de soledad, sin más asidero que la búsqueda de una compañía que no puede ir más allá del placer. La protagonista de Seidl es una mujer frágil, poco atractiva, que anhela ser amada, y de una ingenuidad al confundir amor y sexo que provocaría compasión si no fuera porque, en realidad, el personaje tampoco deja en ningún momento de ser distante al espectador. Todo en este film es realista. Los diálogos, a menudo frívolos o soeces, son improvisados, sin guión previo, y la cámara filma dentro de la escena, al modo casi documental. Este crudo naturalismo se acentúa al mostrar la morbidez y obesidad de las mujeres –muy alejadas de los cánones de belleza–, y en las escenas de sexo, nada preparadas, pero a menudo molestamente explícitas, como en las ridículas lecciones de tocamientos de pecho o la interminable orgía del hotel. Poco más ofrece el director que esta vacuidad de vida y de corazones. Estamos, en fin, ante una película que desprende una absoluta carencia de horizonte, de sentido más allá de los sentidos.

2/10
Paraíso: Fe

2012 | Paradies: Glaube

Segunda entrega de la trilogía "Paraíso", del austríaco Ulrich Seidl (Dog Days). Fe obtuvo el Premio Especial del Jurado y el Premio 'CinemAvvenire' en el Festival de Venecia de 2012, donde causó una enorme polémica por su furibunda carga anticatólica. Paraíso: Fe tiene como protagonista a Anna Maria, una mujer solitaria, reprimida y frustrada que dedica sus vacaciones a ir de puerta en puerta con una imagen de la Virgen María, para llevar la Palabra de Dios a quien le reciba en su casa. Inesperadamente reaparece su marido, un musulmán parapléjico que terminará de desestabilizar la existencia de Anna Maria con sus pretensiones sexuales. Ulrich Seidl ha obtenido buenas críticas por la espontaneidad de sus actores, y por su fresca puesta en escena, que incluye muchas improvisaciones. Desde luego, se puede decir a su favor al menos que la veterana Maria Hofstätter realiza una interpretación muy esforzada, de una mujer terriblemente insana. Pero ofrece una imagen sesgada, ofuscada e incompleta de la religión, desde el arranque, en el que la protagonista se flagela violentamente desnuda frente a una imagen de Cristo. Durante el resto de la película, abusa de las provocaciones, y no ofrece ni un solo personaje mínimamente positivo. Desde luego Paraíso: Fe está concebida minuciosamente para ofender la sensibilidad del público católico, sobre todo con una secuencia extremadamente irreverente en la que la protagonista en la cama toma un cruficijo con intenciones lascivas.

2/10
Mildred Pierce

2011 | Mildred Pierce | Serie TV

Glendale, Estados Unidos. Los años de la Depresión. Mildred Pierce es un ama de casa, madre de dos hijas, la niña Ray y la adolescente Veda. Su esposo Bert, cuya empresa no va bien, la engaña con otra mujer, ante lo que la muy determinada Mildred Pierce le pide que abandone el hogar. Tendrá que arreglárselas sola para sacar a sus hijas adelante, lo que supone dejar la vida relativamente acomodada que ha llevado hasta entonces y ponerse a trabajar. Encontrar un empleo de su gusto no resulta fácil para Mildred Pierce, y convertirse finalmente en camarera lo considera una humillación; sobre todo por lo que pudiera pensar su muy consentida hija Veda, acostumbrada a que no le falte de nada, estudiante de música y muy, muy estirada. Ocultará su profesión a las hijas, aunque Mildred Pierce está dispuesta a hacer lo que sea por Veda, a la que considera muy talentosa, y de la que se traga humillación tras humillación. A pesar de que Mildred Pierce, trabajando duro, se convierte en empresaria de restauración, nunca acaba de conseguir la deseada aprobación por parte de Veda. Ésta interpreta las relaciones amorosas de su madre torcidamente, y aplica a su comportamiento las pautas que cree reconocer en el de Mildred. Cuidada miniserie que adapta la novela homónima de James M. Cain, ya llevada al cine en 1945 con el título español de Alma en suplicio bajo la batuta de Michael Curtiz y con el protagonismo de Joan Crawford como madre sufridora. Como ya ocurriera con El cartero siempre llama dos veces (1946) de Tay Garnett, que fue revisitado por Bob Rafelson en una nueva versión más explícita en lo referente al sexo, aquí Todd Haynes sigue el mismo recorrido con Mildred Pierce, algo en lo que por otra parte es experta la productora del canal de cable HBO, que presume de incluir escenas que no pueden dar las televisiones americanas en abierto. En cualquier caso, el director de Lejos del cielo -otra película de época sobre ama de casa que debe tomar las riendas de su vida-, ofrece en la miniserie Mildred Pierce una ajustada adaptación de la tragedia que subyace en esa variante de “el amor es ciego” que rezaría “el amor de madre es ciego”. Porque todo lo que hace en la vida Mildred Pierce lo subordina a respaldar a su hija Veda, a apoyarla sin importar su ingratitud extrema o que merezca su ayuda incondicional; un amor dibujado con complejidad, porque tiene algo de narcisista, de alguna forma Mildred Pierce se mira en Veda como en un espejo, ella querría el mismo reconocimiento social que busca desesperadamente su hija. En lo desagradable que ve en su hija, podría haber algo de ella misma, igual que los reproches de Veda de Mildred Pierce podrían tener alguna conexión con la realidad, por muy injustos que a primera vista parezcan. El reparto de esta miniserie es magnífico, hay matices en cada personaje, y uno se hace una buena idea de la situación socioeconómica de Estados Unidos en los años 30. Pero resulta obligado destacar a la actriz que encarna a Mildred Pierce, una Kate Winslet soberbia, nada histriónica, que en cada plano muestra de modo asombroso el drama interior de su personaje. La ambientación de época es excelente, y hay un inteligente uso de la dedicación operística de Veda, que da empaque a más de una escena. La banda sonora es de Carter Burwell, el compositor habitual de los hermanos Coen, muy influenciados precisamente por James M. Cain en sus películas Sangre fácil y El hombre que nunca estuvo allí.

7/10
Howl

2010 | Howl

Rob Epstein y Jeffrey Friedman son conocidos fundamentalmente por El celuloide oculto, documental que analizaba el tratamiento de la homosexualidad, a veces de forma muy velada, a lo largo de la historia del cine. En esta ocasión, reinciden en la temática gay, con una cinta dramática en torno a la figura del célebre poeta homosexual Allen Ginsberg, destacado representante del movimiento 'beat'. Los cineastas reconstruyen el juicio al que fue sometido el librero y editor de Ginsberg, Lawrence Ferlinghetti, por divulgar el poema "Howl", la principal obra de este autor, que se recuerda especialmente por su frase de apertura: "He visto a las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura". La fiscalía consideraba obsceno el poema por su crudo y explícito lenguaje, sobre todo en la estrofa "que se dejaron follar por el culo por santos motociclistas, y gritaban de gozo", una clara celebración de la promiscuidad homosexual, aunque en la película se enfoca como defensa de la libertad en general. El film tiene su interés, por su tema central: la creación artística en tela de juicio, sus límites éticos, etc., aunque se deduce finalmente que “todo vale”, y que la libertad debe prevalecer sobre todo, lo que sería bastante discutible. Además, el asunto que se trata ha quedado desfasado, en la medida en que en la sociedad occidental hoy no se procedería contra un autor por un poema de esas características. No es una obra fácil, pues no se trata de un biopic, sino que parece exactamente un documental sobre este episodio que a falta de imágenes reales de lo que ocurrió, está compuesto a base de reconstrucciones dramatizadas de las mismas. Es una buena jugada por parte de los realizadores, pues trascienden de su público habitual –los documentales tienen una repercusión limitada–, sobre todo al recurrir como protagonista a un actor de moda, James Franco, que realiza un gran trabajo encarnando a Ginsberg. También tienen una gran presencia David Strathairn –el fiscal– y Jon Hamm (Mad Men), como abogado defensor. Por desgracia, la cinta acaba siendo reiterativa y premiosa. Se salvan los sugerentes fragmentos con el texto de la obra de Ginsberg acompañado de correctas animaciones.

5/10
La vida en tiempos de guerra

2009 | Life During Wartime

Uno de los cineastas más prestigiosos del cine independiente estadounidense, Todd Solondz (Bienvenidos a la casa de muñecas) prosigue en su afán de mostrar su partícular visión deprimente de la vida. Para Solondz, las personas parecen ser sólo pozos de podredumbre, hervideros de secretos malsanos y perversiones patológicas. Y a él le gusta chapotear en esas almas enfermas y dejar claro que las cosas son como son, sin posibilidad de cambio o redención posible. Tan sólo cabe tragarse el sufrimiento, sobrevivir a duras penas a la propia miseria y a los traumas causados por los demás... No se puede ser más nihilista. Tres hermanas: Trish, Joy y Helen. Trish es madre de tres hijos y está divorciada de su marido Bill, encarcelado por pedofilia. Acaba de conocer a Harvey, que podría convertirse en un padre “normal” para los dos hijos pequeños que aún viven en casa, Timmy y Chloe. Entretanto, Bill saldrá de la cárcel e irá a visitar a su hijo mayor en la universidad. Joy, por su parte, es una joven angelical e ingenua, que trabaja con ex presos en un correccional de New Jersey. Lo malo es que mantiene relaciones con esos hombres desequilibrados con la esperanza ilusoria de que puedan sanar de sus perversiones. Sus fracasos han hecho mella en su delicada naturaleza y ahora empieza a ver los fantasmas de sus amantes muertos. Por último, se presenta a Helen (aunque muy brevemente), neurótica escritora triunfadora en Hollywood. Nada nuevo bajo el sol. Solondz lleva haciendo lo mismo desde Happiness, su obra más celebrada. También en ese film había un pedófilo y un niño tenía que soportar el conocimiento de los hechos paternos con una crudeza muy desagradable (se podría pensar en una inquietante obsesión del cineasta por este tema y por sus consecuencias en el desarrollo infantil, precozmente seccionado...). Por lo demás, se ofrece una galería de seres que sufren y sufren y sufren, y que no pueden perdonar ni olvidar, y cuyos insuperables traumas provocan que también sean incapaces de sembrar alegría y amor en los demás. En otro plano, el de la envoltura, Solondz crea imágenes impactantes y sabe darles magnetismo, a menudo con una excepcional fotografía y una música evocadora: la secuencia inicial, el sueño recurrente de Bill, el paseo sonámbulo de Joy, etc. Y, como suele ser habitual, ha contado con un excelente reparto.

5/10
Hounddog

2007 | Hounddog

Film ambientado en un estado sureño de los Estados Unidos durante la década de los 60. Ahí vive Lewellen, una jovencita de doce años que malvive bajo la desaprensión de su violento padre y su abuela alcohólica, mientras pasa los días obsesionada con Elvis Presley. La película, escrita y dirigida por Deborah Kampmeier (Virgin), se presentó en el Festival de Sundance y obtuvo severas críticas llenas de polémica, debido a que incluía una dura escena de violación a la protagonista, encarnada con una profesionalidad inmensa por Dakota Fanning. El resto del reparto es de campanillas y destaca la presencia de la también joven actriz Isabelle Fuhrman (La huérfana). El título del film responde al de una famosa canción de Elvis.

5/10
I'm Not There

2007 | I'm Not There

Todd Haynes (Lejos del cielo) es el responsable de esta poco convencional y críptica cinta, que homenajea al famoso cantautor Bob Dylan, una de las figuras más importantes de la música estadounidense. El film es una especie de puzzle, que construye siete historias distintas, protagonizadas por otros tantos personajes, que al parecer representan diferentes facetas de la personalidad del músico: un niño negro de 11 años que siempre está huyendo, un artista mujeriego, un joven andrógino que deviene en estrella del rock, un cantante folk que se convierte en evangelista, y un forajido.  Aunque Haynes logra momentos evocadores, el resultado es bastante irregular, poco comprensible, y a ratos carece de interés. Cate Blanchett fue nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto, y obtuvo el Globo de Oro y la Copa Volpi en Venecia, también en esta categoría.

5/10
El último show

2006 | A Prairie Home Companion

Tiene algo de premonitorio que justamente El último show cierre la filmografía de Robert Altman. No sólo por el título español de la película, sino porque la entera trama está atravesada de nostalgia –allí está el tema musical “Coming Home”, “volver a casa”, por ejemplo– y de un anhelo de felicidad, y porque se encuentran bien presentes los temas del paso del tiempo, y de la muerte. Se trata, desde luego, de un dignísimo broche de oro a la carrera de un cineasta, que arranca con un hermoso plano de lo que parece ser un cielo estrellado; el espectador descubre asombrado que se trata del reflejo de un charco en el asfalto de una calle, donde se sitúa el Fitzgerald Theatre, lugar desde donde se hace un programa radiofónico en vivo, el “A Prairie Home Companion” del título original. En la ciudad de St. Paul, Minnesota, se diría que el tiempo se ha detenido, tal es la sensación que desprende un espectáculo de otra época, donde en un ambiente agradablemente familiar se suceden las actuaciones musicales al más puro estilo ‘country’, entregadas entre cuña y cuña publicitarias. Pero las cosas están a punto de cambiar. Una gran empresa texana ha comprado el teatro, y la noche en que transcurre el film va a ser la del último show. Firma el guión, y tiene un papel dentro de un fabuloso reparto coral, Garrison Keillor, que se inspira en su propio show radiofónico, que se llama precisamente “A Prairie Home Companion”. Sorprende la facilidad de Robert Altman para desplegar una historia en la que aparentemente ocurren pocas cosas, y donde se suceden elementos que se dirían pertenecientes a géneros muy diversos, servidos en feliz mezcla. Guy Noir, el narrador, (Kevin Kline) es un peculiar detective deudor de la serie negra, que se diría salido de una novela de Hammett o Chandler; los vaqueros Dusty (Woody Harrelson) y Lefty (John C. Reilly), ponen la nota humorística, y en un momento dado, a modo de protesta, deslizándose por el filo de la navaja del mal gusto; las hermanas Yolanda y Ronda Johnson (Meryl Streep y Lily Tomlin), y Lola (Lindsay Lohan), la hija de la primera, subrayan el capítulo de nostalgia; G.K. (Gerrison Keillor) se interpreta a sí mismo, y es el fiel exponente de la profesionalidad impasible, “el espectáculo debe continuar”; el empresario paleto (Tommy Lee Jones), frío e implacable, no se inmuta ante su labor de liquidar el espectáculo, y un busto de Francis Scott Fitzgerald es como un silencioso reproche, que no sabe escuchar; e incluso está el onírico personaje de Virginia Madsen, una bella y misteriosa mujer, ángel de la muerte que, sorprendentemente, no chirría. De un modo muy agradable discurre la narración, sin aspavientos ni reivindicaciones “de pancarta”. Se habla de una cultura del entretenimiento para muchos “demodé”, de un ambiente profesional donde existe el aprecio auténtico por “el otro”, y donde incluso las canciones parecen apelar a una Arcadia feliz, a veces hasta convertirse en auténticas plegarias, que añoran esas verdes praderas donde uno se puede recostar. Es un film muy Altman, pero desprendido del cinismo que a veces ha caracterizado su cine, con muchos personajes bien perfilados, donde se permite el lucimiento de algún elegante plano secuencia. Y se diría que los actores se lo han pasado en grande rodando, acompañados de auténticos profesionales de la radio, como el ruidista, que da pie a una de las escenas más divertidas del film, en que apoya un momento de improvisación iniciado por G.K. y continuado por las hermanas Johnson.

7/10
S1m0ne

2002 | S1m0ne

Viktor Taransky. Un director de cine con ínfulas de autor. En su día fue candidato al Oscar, pero el pobre en la actualidad hace lo que puede, que no es mucho. Va dando tumbos sin que su ex mujer, presidente de un gran estudio cinematográfico, le conceda muchas oportunidades. Hasta que un día aparece en su vida un informático al que parecen faltarle un par de tornillos. El tipo, antes de morir, confía a Taransky un sofisticado programa de software gracias al cual podrá dar vida a Simone, una actriz virtual, que conquista al público y a la crítica. Todo el mundo anda loco por esta hermosa y sensible actriz, pero nadie, excepto Taransky, sabe que la chica se reduce, en realidad, a un puñado de bits. Andrew Niccol repite el tema, brillamente entonado en su sobresaliente guión de El show de Truman, del creador apegado a su criatura, que trata de manejar a su entojo, y que finalmente escapa a su control. Aquí tenemos a un director que, a modo de moderno doctor Frankenstein, dedica toda su obra a una excepcional actriz. Lo que tiene efectos inesperados, pues llega un momento en que el público parecer adorar más a Simone que a su excéntrico y ególatra director; y éste debe “hacer el pino” en un disimulo constante, para que nadie descubra su superchería. Niccol advierte nuevamente de los peligros de una sociedad deshumanizada (tema central en Gattaca), incapaz de distinguir a las personas de sus sucedáneos, y que aplaude una película horrorosa, hecha para destrozar a su actriz (Soy una cerda, genial título para el debut en la dirección de Simone). La crítica social está combinada con un afilado sentido del humor, que da lugar a gags muy hilarantes, e incluso con un giro insospechado en el último tramo de la historia. De este modo, Niccol se pregunta: «¿Qué importa si los famosos son reales o no? De todas formas, nuestra cultura de la fama es incapaz de percibir la diferencia. Nuestra capacidad para fabricar fraudes es superior a nuestra capacidad para detectarlos.» En el reparto destaca Al Pacino como el director que vive sólo para sí mismo, y Catherine Keener como su antigua mujer.

6/10
Ken Park

2002 | Ken Park

Ken, Claude, Tate, Peaches y Shawn son un grupo de jóvenes californianos de clase media, amigos desde la infancia, que comparten sus dudas, miedos y experiencias. Drama de Larry Clark (Kids), que parece haber confundido problemas de juventud con la irracionalidad de un puñado de chicos a cual más extraño. Además, se le acusa a la cinta de mostrar personajes ya manidos, como el típico rarito rebelde o la niña de aspecto formal y puritano que es en realidad una 'sadomaso' de tomo y lomo. El resultado es una sucesión de continuas escenas sexuales, muchas sin sentido, y unos personajes vacíos que no aportan nada.

2/10
Lejos del cielo

2002 | Far from Heaven

Una vida feliz, puede que no lo sea. Sobre todo cuando se construye sobre la falta de confianza, cuando no se conoce al otro. Es lo que ocurre en los años 50 en el hogar de los Whitaker. El matrimonio, con dos hijos, vive en una hermosa casa en una zona residencial. Todo es pulcro y aseado, sonrisas y pasteles de manzana. Pero lo cierto es que el padre no se ocupa de sus hijos, y mantiene una aventura homosexual, que le tiene acogotado. Mientras que ella va a descubrir que su cultura es bien escasa, y que no ha sabido ver a su alrededor problemas como el del racismo. El gran mérito de Todd Haynes es filmar un melodrama intenso, con personajes apasionantes, y dotarle del aire inconfundible de los grandes filmes del maestro Douglas Sirk. Y a la vez, conectar con la sensibilidad actual de una sociedad hastiada y aburrida de casi todo, que quiere encontrar un sentido a su vida (Julianne Moore encarna dicha sensibilidad de modo notable, en un papel semejante, pero más largo, al que hizo recientemente en Las horas) sin saber cómo.

6/10
Noviembre dulce

2001 | Sweet November

Keanu Reeves y Charlize Theron se dan cita en una comedia dramática llena de romanticismo. Nelson es un ejecutivo compulsivo, incapaz de mantener una relación estable con alguien de carne y hueso. Un día conoce casualmente a Sara, extraña y bellísima chica que se empeña en “salvarle” de su vida sin sentido, esclavizada por el trabajo. Para ello le propone un plan bastante curioso: pasar juntos el mes de noviembre. Lo que no saben es que enamorarse es también cuestión de tiempo. La película tiene unos personajes bien dibujados, sobre todo el de ella, cuya vida esperpéntica resulta terriblemente atractiva. Bastante extraño y surrealista es el vecino travesti de Sara, cuya aparición es desconcertante. Pero no se vaya a pensar que hablamos de una comedia al uso; aquí hay drama, dificultades y un punto de tragedia. Y al final siempre nos queda la sonrisa de la Theron...

4/10
Erin Brockovich

2000 | Erin Brockovich

Erin Brockovich, una madre soltera y sin empleo, sufre un accidente de automóvil. Por culpa de unos abogados desbordados de trabajo pierde la indemnización a que tenía derecho. Su enfado es comprensible, pero le conduce a una petición ciertamente original: ya que le han hecho perder el caso, pide trabajo en el bufete de abogados. Su testarudez es premiada con el empleo. Erin se sumerge en papeles, y nota algo extraño en los correspondientes a una inmobiliaria: los terrenos y viviendas tienen un suministro de agua contaminada. Lo cual ha provocado daños en la salud de varias familias. Película de abogados, con una intriga interesante y, sobre todo, con la presencia impagable (aunque le lluevan millones de dólares por película) de Julia Roberts. Esta chica es, sin duda, la actriz que mejor llena la pantalla en la actualidad, con un carisma digno heredero del de una Katharine Hepburn, por poner un poner. Su personaje, una mujer con ganas de trabajar y una vida sentimental y familiar complicada, que viste de modo llamativo, es un regalo para Julia, que lo borda. En esta película tiene además la suerte de contar con un actor masculino a su altura: Albert Finney, el protagonista de Tom Jones. La novia de América se llevó merecidamente el Oscar a la mejor actriz.

7/10
El halcón inglés

1999 | The Limey

Wilson (Terence Stamp) es un hombre maduro que sale de la cárcel y viaja desde Inglaterra hasta California en busca de la persona responsable de la muerte de su hija Jenny. Empieza a reunir pistas aquí y allá, que le conducen hasta un tipo que no es el típico villano que había imaginado. Steven Soderbergh, director de moda tras su doble nominación a los Oscar por Erin Brockovich y Traffic da muestras aquí de su increíble versatilidad, pues estamos ante un thriller con toques estilísticos “modernos”. Estructura narrativa compleja y turbios personajes conforman un film decididamente inquietante.

6/10
Las vírgenes suicidas

1999 | The Virgin Suicides

Las cuatro hermanas Lisbon son unas jovencitas guapísimas, que viven bajo la tutela de unos padres muy estrictos. Su belleza provoca fascinación entre los adolescentes de su barrio, que hacen todo lo posible para salir con ellas. ¿Suena a típico film de adolescentes? Pues no, la película es una mezcla de comedia negra y nostálgica, que mira a la adolescencia sin ira, consiguiendo una rara belleza. Interesante debut en la dirección de Sofia Coppola, hija del legendario Francis Ford Coppola, masacrada por la crítica cuando hizo de hija de Michael Corleone en El padrino III. La chica apunta maneras tras la cámara. Sofia no tiene recato en hablar de su padre como “un profesor muy bueno. Hemos hablado de cómo se escriben los guiones, de los actores, de la preparación de una escena.” Le gustó la idea de “amor obsesivo” de la novela original, y de “cómo habla de cosas que se han ido ya, sea una época, una persona o la inocencia.” En el reparto hay un buen ramillete de buenos y jóvenes actores, como Kirsten Dunst y Josh Hartnett.

6/10
Selena

1997 | Selena

Biopic de la vida personal y musical de Selena, cantante tejana de procedencia latina que alcanzó gran fama y que murió prematuramente a causa de un disparo en 1995, cuando sólo contaba 23 años. El film, más o menos fiel a la leve existencia de la artista, está escrito y dirigido por Gregory Nava, quien contó con el protagonismo de una por entonces desconocida Jennifer López, que ya había actuado con Nava en My Family. El papel supuso un espaldarazo en la carrera de la cantante y actriz nacida en el Bronx.

5/10
Touch

1997 | Touch

Esta peculiar comedia pretende poner en la picota a los desaprensivos que convierten la religión en puro negocio. Cuenta las vicisitudes del hermano Juvenal, un tipo con estigmas, que tiene el don de curar. Periodistas, representantes, fanáticos... toda una fauna se reúne a su alrededor con el deseo de explotarlo. La adaptación que Paul Schrader hace de una novela de Elmore Leonard prueba lo difícil que es conciliar la sátira con lo trascendente.

4/10
My Family

1995 | My Family

Francis Ford Coppola produce este film sobre la comunidad mexicana emigrada a Los Angeles. Los diálogos chispeantes muestran la cultura y la esfervescencia de la sangre latina en EE.UU. Una historia viva, bien llevada, con estupendas interpretaciones.

7/10
Posibilidad de escape

1992 | Light Sleeper

John le Tour, es un traficante de drogas que trabaja a las órdenes de una mujer. Sus clientes son jóvenes "yuppies" y turistas europeos que frecuentan los "garitos" de moda de la ciudad de Nueva York. Un día, uno de sus clientes aparece muerto y la polícia comienza una investigación sobre las actividades de John. Paul Schrader (guionista de Taxi Driver) dirige este thriller, que nos introduce en el mundo de los bajos fondos de la ciudad de Nueva York. Al cuidado dibujo de tipos humanos se suma el excelente reclamo de la pareja de "actorazos" que encabeza el reparto: Williem Dafoe (Platoon) y Susan Sarandon (Thelma y Louise, El Cliente).

4/10
My New Gun

1992 | My New Gun

Debbie y Gerald llevan una vida de lo más apacible hasta que deciden incorporar un arma a su familia. Desde que la adquieren todo cambiará radicalmente. Un cambio en el que también influirá de manera determinante su peculiar vecino Skippy. En el terreno personal también estaba a punto de cambiar la vida de la protagonista de esta cinta, Diane Lane. Sólo un año después del estreno de My New Gun, ella y el que fuera su marido, Christopher Lumbert, fueron padres de una niña, Eleonora.

4/10
Mississippi Masala

1991 | Mississippi Masala

Un abogado que tuvo que dejar Uganda cuando subió al poder Ibi Amin Dada, se exilia en Estados Unidos. Allí defenderá a un joven negro, implicado en un accidente. Primer largometraje de ficción en Hollywood de la india Mira Nair, quien dio el campanazo internacional con la estupenda Salaam Bombay.

5/10
Camino de retorno

1990 | Catchfire

Anne Benton, una joven artista moderna, es testigo de un asesinato de la mafia. Irá a la policía, pero se dará cuenta de que los criminales nunca la dejarán en paz y de que si testifica deberá cambiar su identidad, etc. Y no está dispuesta, de modo que huye, tanto de la mafia como de la poli. Los mafiosos, entonces, recurren a un asesino profesional, Milo, para que la localice y la elimine. Pero Milo, poco a poco, se va obsesionando con la joven, hasta que empieza a sentir por ella ternura y aun amor... Entretenido thriller de look muy ochentero, pero con guión bien llevado (aunque el tema del síndrome de Estocolmo aparece quizá muy de repente), y con actuaciones eficaces de Jodie Foster y Dennis Hopper, éste en uno de esos papeles de psicópata, a la vez inocente y sanguinario, con un punto de humor. Destaca la música de Curt Sobel. Hay un nutrido elenco de secundarios, que incluye la presencia de cameos insólitos, como el de Bob Dylan.

5/10
Golpe al sueño americano

1987 | Less Than Zero

Radiografía de la decadencia de la juventud americana protagonizada por un casi primerizo Robert Downey Jr. El actor interpreta a Julian, un joven que vive en Beverly Hills y que lo tiene todo: dinero, encanto, físico, etc. Sin embargo, el vacío de su vida se hace cada vez más grande, acrecentado por su adicción a las drogas. Su mejor amigo y la novia de éste intentarán enderezar a Julian, pero la vida de éste puede arrastrarle con ellos. La historia es cruda, con tintes criminales, y se basa en una novela del escritor policiaco Bret Easton Ellis. Dirige el inglés Marek Kanievska (Donde esté el dinero) y entre el reparto se puede encontrar también al 'rarito' James Spader.

4/10
Viejos recuerdos de Luisiana

1987 | A Gathering of Old Men

En los años 50, en el Sur de los Estados Unidos, el conflicto racial va adquiriendo cada vez más fuerza. Cuando un granjero blanco aparece asesinado, Mathu, uno de sus jornaleros, es señalado como el principal sospechoso. El sheriff de la localidad le arresta ante una multitud que aboga por linchar directamente al acusado sin esperar a un juicio. Ante esta situación, los amigos de Mathu, convencidos de su inocencia, deciden declararse culpables del crimen. Adaptación de la novela “Gathering of Old men”, escrita por Ernest J. Gaines, un prominente profesor afroamericano nacido en Luisiana en 1933. Sus actores rayan a gran altura: el veterano Richard Widmark como el sheriff, Holly Hunter como una mujer que quiere evitar la muerte de inocentes, y Louis Gossett Jr. (inolvidable instructor en Oficial y caballero) que fue nominado a un premio Emmy.

6/10
Fabricando al hombre perfecto

1987 | Making Mr. Right

Un peculiar científico que vive casi sin tener contacto con ningún ser humano, ha diseñado a Ulysses, un robot que debe cumplir una misión espacial. El científico, que ha creado la máquina a su imagen y semejanza, ha decidido contratar a una experta en imagen para que le enseñe al robot todo sobre el comportamiento humano. La máquina aprende con rapidez hasta que consigue experimentar las sensaciones humanas más profundas. John Malkovich muestra su faceta más cómica -no muy habitual en él- en esta historia de amor que tiene mucho de Pinocho y de Frankenstein.

4/10
Buscando a Susan desesperadamente

1985 | Desperately Seeking Susan

Roberta Glass es una veinteañera que se siente vacía, y tiene problemas en su relación con su marido, triunfador y atractivo, pero que es incapaz de entenderla y comunicarse con ella. Tras dedicarse compulsivamente a leer la sección de anuncios personales del periódico, Roberta encuentra un misterioso mensaje de alguien que 'busca a Susan desesperadamente'. La tal Susan es una mujer que vive según sus deseos, y cambia de localización continuamente. Consagrada como reina del pop, Madonna ––que el mismo año aparecía en el film Un cierto sacrificio, y realizaba un cameo en Loco por ti– se lanzó a la conquista de las taquillas de cine con esta comedia ligera de consumo fácil, dirigida por la especialista en el género Susan Seidelman (Fabricando al hombre perfecto). El film carece de pretensiones, logra momentos divertidos, y es superior a las películas de Madonna de los 80 destinadas al público joven: Shanghai Surprise, ¿Quién es esa chica? y Noches de Broadway. La única pega es que la habitualmente convincente Rosanna Arquette no parece entusiasmada con el proyecto, por lo que su interpretación no acaba de convencer.

4/10
Tokio-Ga

1985 | Tokio-Ga

Una declaración de amor al cine de Yasujiro Ozu de parte del alemán Wim Wenders, quien no duda en calificar su filmografía de "tesoro sagrado". El director señala cómo nadie ha sabido captar como él la esencia del hombre y las familias corrientes.

7/10
Relámpago sobre agua

1980 | Lightning Over Water

Testamento fílmico del genial director norteamericano Nicholas Ray, rodado al alimón con Win Wenders. El cineasta enfermo de cáncer, reflexiona sobre el cine en compañía de sus amigos.

6/10
La Soufrière

1977 | La Soufrière

Impactante documental del alemán Werner Herzog. En apenas treinta minutos describe la inesperada actividad de un volcán en La Soufrière, en la isla de Guadalupe, en la órbita colonial francesa del Caribe. El cineasta imprime emoción a las imágenes de la nube tóxica que expulsa el volcán, que según los expertos amenaza con la explosión de toda la montaña, lo que ha obligado a la evacuación de las proximidades. Aunque algún lugareño se niega a abandonar la zona. Curiosamente, las cosas no ocurrieron como vaticinaron los vulcanólogos, y gran parte del mérito de Herzog es sobreponerse a lo que podía ser una contrariedad para su documental, y revestirlo de un innegable interés.

7/10
Ken Park

2002 | Ken Park

Ken, Claude, Tate, Peaches y Shawn son un grupo de jóvenes californianos de clase media, amigos desde la infancia, que comparten sus dudas, miedos y experiencias. Drama de Larry Clark (Kids), que parece haber confundido problemas de juventud con la irracionalidad de un puñado de chicos a cual más extraño. Además, se le acusa a la cinta de mostrar personajes ya manidos, como el típico rarito rebelde o la niña de aspecto formal y puritano que es en realidad una 'sadomaso' de tomo y lomo. El resultado es una sucesión de continuas escenas sexuales, muchas sin sentido, y unos personajes vacíos que no aportan nada.

2/10

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