Fele Martínez

Tras una operación coordinada de la unidad antiterrorista de la policía española en varias ciudades –Melilla, Tánger, Toulouse– se captura por casualidad al sirio Al Garheeb, uno de los terroristas más buscados del mundo. Enseguida surge la sospecha de que se está preparando un gran atentado, porque, si no, ¿qué hacía Al Garheeb sin escolta en una casa de Melilla? Las sospechas crecen cuando un terrorista suicida se inmola en Toulouse. Bajo la dirección de la comisaria Carla Torres en Madrid se desplegarán entonces varios efectivos en diferentes lugares, pero principalmente en Gerona, a donde se cree que ha podido entrar la célula terrorista que ha operado en Francia; y en Melilla, en donde Al Garheeb quizá haya contactado con uno de sus socios. Ejemplo de que una producción española puede estar a la altura de las mejores series internacionales. Creada por Dani de la Torre y Alberto Marini (ambos habían ya colaborado en El desconocido), sin lugar a dudas La unidad es una de las mejores series españolas que se recuerdan, asentada en un ritmo inmejorable y en una historia potente sobre el terrorismo yihadista de implicaciones globales. Hay que aplaudir la producción de Movistar+ en colaboración con Vaca TV, pues han sabido darse cuenta de que el mejor activo con el que cuentan es el espectador, y por tanto no hay que tratarle como si fuera lelo. En consecuencia, más allá del notable aparato técnico, la calidad de La unidad se debe sobre todo a que los responsables han primado el guión sobre el espectáculo, la seriedad frente a la ligereza de los planteamientos o la frivolidad al mostrarlos, y la verosimilitud frente al artificio. Y felizmente tales preferencias son compatibles con un thriller policiaco trepidante cuyos seis capítulos se engullen en un santiamén. Dani de la Torre presenta pronto los diferentes escenarios en donde se va a jugar la partida, localizaciones que se irán incrementando a lo largo la historia: Madrid, Melilla, Figueras, Vigo y otras ciudades extranjeras como Lagos, en Nigeria. Tal despliegue visual sirve también para ir mostrando a los diferentes personajes de uno y otro bando y para seguir los diferentes hilos en acciones paralelas: los policías Miriam, Myaz, Sergio, Nawja, y Roberto o los terroristas Kader, Al Garheeb, Hamid y Tarek. Especial tratamiento merecen la comisaria Carla Torres y Marcos, miembro destacado del equipo y además su marido, con quien tiene una hija. El matrimonio atraviesa una crisis que afectará de modo especial a Carla, la cual sufre además un serio problema personal. El reparto hace una labor coral extraordinaria aunque pueden destacarse entre todos a una inteligente Marian Álvarez, al vehemente Luis Zahera y a un vulnerable y creíble Raúl Fernández de Pablo. Aunque sin duda el mayor peso recae sobre la sobresaliente Nathalie Poza, que aporta una enorme humanidad a su límite personaje, y sobre el argentino Michel Noher, algo menos empático pero igualmente eficaz. Destaca en la serie el modo de mostrar la implicación laboral y personal de la policía y cómo afectan los fracasos, algo que no es habitual ver en las producciones policiacas, tan llenas de muertos. Resulta llamativa la responsabilidad que sienten ante cualquier persona que pueda resultar herida, ante las posibles represalias ajenas debidas a un error personal. Y el guión –en donde también ha intervenido Amèlia Mora– toca asimismo de refilón pero con contundencia la difícil connivencia de la policía con los cargos políticos, las cartas que hay que manjar e incluso la decisión de ceder la propia integridad si se quiere llegar hasta las últimas consecuencias. Nada es gratis, la cuestión es valorar lo que está en juego y qué se está dispuesto a dejar en el camino.

En tiempos de cuarentena, por la crisis del COVID-19, Morena Films improvisa para TVE una serie rodada por los propios actores desde sus casas. Están al frente como realizadores y guionistas Álvaro Fernández Armero (Nada en la nevera) y David Marqués (Campeones). Recoge las peripecias durante la pandemia de diversos personajes confinados, como un neurótico casado con una mujer que trata de seguir con su trabajo a distancia, un maduro individuo un tanto hipocondríaco, dos abuelos que intentan iniciarse en las nuevas tecnologías, dos amigos que se conectan entre ellos para inventar posibles negocios con los que sacar provecho de la crisis, una adolescente y su familia, una pareja en crisis y un tipo que había pasado la noche con una desconocida, y por las circunstancias se ve obligado a quedarse en su apartamento durante el estado de alarma. Salvo por algún coqueteo con el humor grosero, sobre todo apuesta por un tono amable, pues tiene el objetivo de servir como entretenimiento y distracción, retratando a los españoles medios durante el durísimo encierro del coronavirus. Pese a estar elaborada en tiempo récord, y con medios rudimentarios, la telecomedia tiene un acabado técnico meritorio y algunos chascarrillos funcionan. El reparto coral acusa grandes diferencias de nivel, cumplen con soltura los veteranos marido y mujer Petra Martínez y Juan Margallo, el experimentado Carlos Bardem, el habituado a series de humor Adrià Collado (La que se avecina), el siempre eficaz Víctor Clavijo y su esposa, Montse Pla, los divertidos Gorka Otxoa y Carlos Areces, el solvente José Luis García Pérez, y el habitual realizador Fernando Colomo, que demuestra mucha gracia espontánea. Otros son más discutibles, como Fele Martínez y Mónica Regueiro. Por desgracia, salvo la trama de Clavijo y su ligue fugaz, Pla, el resto de situaciones no avanzan, por lo que acaba siendo una acumulación de gags aislados. Esto acaba agotando, y además, llegan en un momento en que muchos de los chascarrillos en los que se apoya, sobre la acumulación de papel higiénico, las teleconferencias en el teletrabajo con chaqueta y corbata por encima, y pantalón de pijama por debajo, etc., han sido sobreexplotados por la imaginación popular, sobre todo a través de memes de WhatsApp.

Tras una mala experiencia en Alemania, el español Braulio trata de labrarse un porvenir en China, pero no ha conseguido ni aprender el idioma, ni que le recluten como investigador, y falta poco para que caduque su visado. Conseguirá renovarlo si contrae matrimonio con Xiao, joven heredera que pese a su juventud tiene la etiqueta de ‘sobrante’, pues en su país está mal visto que no se hubiera casado antes. Mientras trata de conquistarla, Braulio se enamora de ella de verdad, mientras que tiene que lidiar con su compatriota Rafa y el turco Hakan, que le han seguido a Oriente atraídos por sus mentiras, según las cuales le iba de lujo. La comedieta Perdiendo el norte, de Nacho G. Velilla, protagonizada por Yon González, podía calificarse como una actualización poco inspirada de Vente a Alemania, Pepe, pero sobre los españoles que en la actualidad se ven obligados a emigrar. Pese a sus tópicos, y la falta de chispa, arrasó en las taquillas, sobre todo por la promoción televisiva, lo que ha traído consigo una secuela en la que González no ha querido ni asomarse en un cameo, como hace por ejemplo Javier Cámara, que también estaba en la primera. Toman ahora la voz cantante los secundarios de aquélla. Al final, esto ha sido un acierto, pues sobre todo Julián López (Braulio) da rienda suelta a su vis cómica, acompañado por secundarios de mucho talento para el género, sobre todo Edu Soto (instructor de baile flamenco en China), Silvia Alonso (la inseparable amiga española de Xiao), y Younes Bachir (el turco Hakan). Y aunque su subtrama se podría haber eliminado, brillan los veteranos, Carmen Machi y Leo Harlem, que forman una pareja tronchante. Se produce así un fenómeno similar al de la época de las ‘españoladas’, cuando actores que después han demostrado su valía (Alfredo Landa, José Sacristán, Antonio Ferrandis), estaban muy por encima de los productos que rodaban para comer. Aquí, abundan los tópicos, chistes groseros o facilones de telecomedia tipo La que se avecina, algunos próximos al racismo, sobre los ojos de los chinos, por ejemplo. Y si se hace referencia a Aladdin, de Walt Disney, por ejemplo, en un diálogo, conviene poner la banda sonora, y luego aclarar de qué película se está hablando, no sea que alguien no lo pille, por lo que cualquier espectador se sentirá subvalorado. Supone el primer largometraje del cortometrajista y director de capítulos de series Paco Caballero, que no tiene muchas ideas para la puesta en escena, y que aunque parece atisbar en la trama posibilidades dramáticas (el desencanto de quienes buscando la Tierra Prometida topan con la realidad) ni se aventura a explorarlas.  

En una cena con antiguos compañeros del colegio, Raúl comenta que se siente hastiado por la rutina de su matrimonio. Para solucionar el problema, David, uno de sus amigotes, propone que el grupo se vaya a Zaragoza a pasar una noche loca, en busca de aventuras extraconyugales. Por su inexperiencia, ninguno consigue ligar, pero no tirarán la toalla tan fácilmente: acaban reclutando a un profesor que les instruya en el arte de la seducción y formando un club de adúlteros. Ópera prima del barcelonés Lluís Segura, que tiene el notable mérito de haber rodado sin subvenciones públicas ni apoyo de las televisiones. Exhibe también cierta mano para los actores, que logran algún momento divertido, por su espontaneidad, y acierta al centrarse en los personajes masculinos; las esposas aparecen en off, lo que en cierta medida y salvando todas las distancias posibles trae a la memoria Mujeres de George Cukor. Esta jugada refuerza la idea de que se trata de un film sobre la desorientación de los hombres de hoy en día. Para darle precisamente un aire de modernidad y frescura, se recurre a testimonios frente a la cámara, al estilo de series como The Office y Modern Family. Pese a estas intenciones de rodar un film del momento actual, en realidad recuerda a aquellas ‘españoladas’ de toda la vida, con chistes cuarteleros. Trae a la mente en especial aquellas comedietas ‘picantonas’ del landismo sobre maridos deseosos de echar una cana al aire, que después recibían su merecido por parte de sus esposas. Sólo que aquellas tenían una factura más digna. Su desenlace resulta ser menos frívolo de lo que parecía, pero para entonces su desarrollo errático y premioso habrá provocado la desconexión del espectador.

Cuando Doni pierde el trabajo entra en una espiral negativa que acaba llevándole a la ruptura con su mujer y a plantearse seriamente el suicidio. Doni no es feliz, siente que su vida no es del todo suya, no puede hacer lo que desea, se siente coaccionado socialmente por todos lados. Coincidirá en esa visión con tres personas más: su amigo David, productor de cine; el ex policía Max; y el hacker internacional Jack. Los cuatro están dispuestos a hacer ver al mundo que el actual sistema social coarta la libertad del individuo y no está funcionando. Película española que supone el debut de David Sousa Moreau, autor también del guión y productor del film. Al decir de Sousa la película se gestó durante un periodo de más de quince años y ha contado con un limitado presupuesto de seis mil euros, cuatro mil de los cuales han sido destinados a pagar impuestos. Vistas así las cosas se entiende que Reevolution sea una película muy personal, ambiciosa, que responde a una visión reivindicativa de su autor, quien plantea cuestiones tan interesantes como utópicas, como la de implantar un sistema sin países, donde cada individuo geste su propia vida sin apenas injerencia de los estados. Hay en ese planteamiento –tan razonable a priori si se tiene en cuenta la variedad de injusticias que se viven a diario– una inocencia también absurda, la propia de algo no sólo irrealizable en el plano social, sino que da por hecho cierta visión antropológica demasiado buenista, falsa a todas luces de lo que podría ser una vida más justa si cada uno viviera sólo por su propio interés. Esto no significa que no haya que aplaudir cierta valentía en el desparpajo con que Sousa plantea la cuestión antisistema, pero de ahí a resultar verosímil hay un trecho. Películas como V de Vendetta, de clara influencia en el film, funcionan precisamente por su carácter de parábola de ficción. El limitado presupuesto se deja ver claramente en el desarrollo narrativo, especialmente en el deficiente uso de la cámara en las pocas secuencias de mayor acción y en la utilización exagerada de elementos como el sonido o el montaje para dinamizar una trama que muchas veces se ve supeditada a largos parlamentos con que los personajes explican su comportamiento. Tampoco el tono fotográfico ayuda a olvidar que estamos ante un film de corte casi amateur, aunque a Sousa no le falte talento a la hora de planificar las escenas. Ha contado, eso sí, con un reparto apañado, que logra aportar cierta credibilidad, con rostros conocidos como los de Fele Martínez, Gorka Otxoa o Hovik Keuchkerian.

Desde que cumplió 40 años, Isabel tiene problemas para que le den trabajo como actriz. Ni siquiera la tiene en cuenta su marido, Ángel, guionista que trata de sacar adelante un largometraje con su ex esposa, Susana, dedicada a las tareas de producción. A pesar de que éstos la ignoran como profesional, les acompañará durante una cena en su casa con el actor argentino Diego Peretti, al que tratan de convencer para que ejerza como protagonista. Pero la noche se complica por culpa de… ¡un crimen! Segundo largometraje en solitario de la realizadora Inés Paris, tras la insufrible Miguel y William, rodada diez años atrás. Ella misma ha escrito (con alguna aportación de su padrino, Fernando Colomo), el guión, en el que se evidencia un esfuerzo para apartarse del humor facilón de sus dos trabajos conjuntos con Daniela Féjerman, las fallidas y alocadas Semen, una historia de amor y A mi madre le gustan las mujeres, pues aquí mira a la ‘screwball comedy’, con algunos toques de humor negro, que quisieran llegar a la suela de los zapatos al Frank Capra de Arsénico por compasión, con la que tiene en común que transcurre casi por completo en una noche en una misma localización, con aires teatrales. No ha captado el secreto de los mejores exponentes de este género: el ritmo frenético. Con una mayor agilidad, y unos diálogos más rápidos, no se haría eterna, y las situaciones al borde del surrealismo funcionarían mejor. Además de que acumula altibajos, la música de jazz recuerda todo el tiempo que la realizadora carece del talento de Woody Allen y la puesta en escena resulta demasiado convencional. Pero se agradece el esfuerzo. Consiguen más o menos remontar los problemas de La noche que mi madre mató a mi padre los actores, todos ellos a un gran nivel, por ejemplo, Eduard Fernández, ideal para el género, Belén Rueda, que por una vez ríe, ya que suele prodigarse más en el drama y el terror, y el argentino Peretti, que se interpreta a sí mismo demostrando tomarse con cierto humor. También tiene cierto interés su retrato de las modernas familias, desestructuradas y compuestas por un batiburrillo de ex esposos, hijos de matrimonios anteriores, etc., tan ‘modernas’ pero caóticas. 

Él entra en una librería-bar y ella le aborda y le propone un juego. Ambos de buen ver, no deben decirse los nombres, tienen que aprender a conocerse, aunque tal vez puedan mentirse, y con la regla, que impone ella, de que no han de enamorarse, podría ser demasiado doloroso. A medida que progresa la relación, con sucesivas citas donde está prohibido darse el teléfono o el correo electrónico, sabemos que él es guionista, y que ambos han sufrido decepciones sentimentales. Las reglas establecidas al principio empiezan a quebrarse, y hasta puede que "hada loca" y "duende chiflado" estén haciendo algunas trampas. Cuarta película del zaragozano Miguel Ángel Lamata, director, guionista y productor, que orilla por una vez el tono gamberro y grosero de sus predecesoras, para adscribirse más bien a la comedia romántica. El film, donde él y ella, Eduardo Noriega y Michelle Jenner, son los reyes de la función –Gabino Diego y Amaia Salamanca son simples comparas, Fele Martínez tiene algo más de peso–, se diría deudor de Richard Linklater y su inolvidable Antes del amanecer, con Viena sustituida por Zaragoza, aunque como cabe imaginar, las comparaciones son odiosas, y la película que nos ocupa está por debajo de su referente. El film es en general amable, aunque no evita Lamata una zafia descripción sexual que empaña el pretendido tono romántico, casi mágico. Tiene cierto ingenio jugar con el metalenguaje, ver la realidad como un guión de película y las soluciones que habría que buscarle para que funcione. Pero sobra verborrea –las referencias a Capote y Bukowski son un caprichín que no aporta nada, parece obvio que el director quiere decir que le encantan estos autores y rendirles homenaje–, y falta un poco más de dinamismo y agilidad, pues aunque la cinta dura apenas hora y media, se diría a ratos que resulta interminable. Y puestos a hablar de hacer trampas, también Lamata las hace, con un doble final no demasiado satisfactorio.

Nueva apuesta española por las series televisivas de corte histórico tras el éxito de Isabel, no en balde detrás de Carlos, Rey Emperador está parte del equipo creativo de la mencionada serie. La trama arranca con la llegada a Castilla de Carlos y su hermana Leonor, donde resulta casi inevitable que sean vistos como intrusos extranjeros, pues siempre han vivido fuera de la Península. Él viene a reclamar su corona, aunque Juana todavía vive, y su hermano Fernando podría hacer también su propia reclamación, apoyos locales no le faltan. Pero Cisneros, el regente, desea que las cosas se hagan como determinó el rey católico Fernando, abuelo de Carlos, siguiendo el parecer de Isabel. Otros hilos narrativos trasladan al espectador a la corte francesa del mujeriego rey Francisco, y a Santiago de Cuba, donde Hernán Cortés se apresta para explorar y conquistar ricos territorios. Resulta muy de agradecer el esfuerzo de producción de esta serie, que ayuda a divulgar un período importante de la historia de España. El equipo dirigido por José Luis Martín, y que cuenta con cineastas solventes como Oriol Ferrer, procuran conjugar la lección de historia con el entretenimiento. El problema, al menos en lo que se detecta en el primer capítulo, es que ideas como el ataque de unos campesinos al rey por error, o los devaneos amorosos de alcoba, parecen recursos fáciles poco integrados con la mencionada lección de historia. Mientras que la decisión de no arriesgar con los idiomas quita al conjunto un poco de verosimilitud. Carlos habla un perfecto español, y se hace difícil aceptar que la corte francesa sea efectivamente francesa. Álvaro Cervantes parece demasiado joven para encarnar al futuro emperador, pero démosle un voto de confianza, por ahora se supone que es un gobernante inexperto, aunque con aptitudes, y eso, más o menos, lo transmite. Y en efecto, a medida que avanzan los capítulos, se opta por desarrollar mejor las tramas relativas a la lucha por el poder, ya sea la corona de emperador, o la conquista de México; y los personajes y lo que les mueve, una combinación de lealta, ambición y sentido del estado, que obliga a dejar los sentimientos personales en su su sitio, cobra sentido. Además, siendo conscientes de que hay un presupuesto razonable, pero limitado, se evitan los planos que requerirían masas o costosos decorados, limitando la cosa a escenas brevísimas que cumplen ese misión en América, la fugaz visión de los barcos de la expedición de Cortés y las pirámides mayas.

Tres excursionistas acampan en una zona cercana a un caserón, ignorando que el interior del mismo dos vampiras seducen a todo el que pasa por allí, para robarle su sangre. Al lugar también llega un misterioso individuo. El especialista en terror Víctor Matellano homenajea el film homónimo de José Ramón Larraz, conocido en España como Las hijas de Drácula, aunque es un título más conocido por los apasionados del cine trash en Gran Bretaña, su país de origen. Sin duda, conserva el espíritu transgresor del original, su factura de serie B y una ambientación que trata de imitar el estilo de la productora Hammer. Además, supone un paso de gigante en calidad con respecto a la primera obra de ficción de su autor, Wax, que tenía un nivel muy bajo. Pero Vampyres cuenta con un guión pésimo escrito entre el propio Larraz (justo antes de su fallecimiento) y Matellano, con diálogos tan pobres que arrancan carcajadas, y personajes esquemáticos de los que no se conoce muy bien su objetivo, y que incluso llegan a comportarse de forma aleatoria, por ejemplo cuando un hombre herido no se da cuenta de su situación hasta que está conduciendo en el coche, y en lugar de buscar atención médica decide adentrarse en un peligroso bosque. Los actores sólo pueden calificarse como lamentables. Queda así un cocktail de sexo y violencia difícilmente digerible, que decepciona incluso a los más incondicionales del género.

Estrella trabaja como limpiadora en el cementerio con su mejor amiga, Trini, a la que invita a compartir su piso con su niño para evitar a su marido maltratador. La decisión no agrada demasiado a Salva, el novio de Estrella, que sólo piensa en su trabajo como promotor inmobiliario. Debut en el largometraje de Alberto Aranda, que firma el guión de La estrella (2013) junto a Belén Carmona. Su película es bienintencionada, pero de escasa garra. Quiere abordar muchos temas, y alertar al espectador acerca de una sociedad que se está dejando algo en el camino de sus supuestos avances: violencia doméstica, la deshumanización de la vida en la ciudad, el afán exacerbado de bienestar material con la búsqueda del éxito a cualquier precio, la inmigración, el racismo, la libertad de culto... Pero ya lo dice el refrán, “quien mucho abarca, poco aprieta”. Los hilos narrativos de La estrella (2013) están poco desarrollados, y apenas vamos más allá de la epidermis de los personajes, no nos metemos en sus almas, especialmente en los varones, simples espectros, incluido el contrapunto “buenista” al que da vida Fele Martínez. Al final todo es un cúmulo de situaciones y escenas no demasiado bien trenzadas, un poquito de flamenco por ahí, un “redecora tu casa” por allá, donde lo más destacable es el esfuerzo actoral de Ingrid Rubio y Carmen Machi, que acaba resultando insuficiente para salvar los muebles.

Nueva y trepidante temporada de Gran Hotel (serie), que tras justificar la ausencia de Ernesto, el personaje del fallecido Juan Luis Galiardo, lo que propicia un cierto suavecimiento de Ángela (magnífica Concha Velasco), enseguida nos mete en harina de los muchos vericuetos de la narración, abierto y aún sin resolver. El amor de Alicia y Julio se ha consumado, pero ella tiene muchas dificultades y tal vez remordimientos para ocultar su infidelidad a su marido Diego. Entretanto siguen las pesquisas de la pareja para averiguar quién mató al padre de Alicia, y quién es el hombre que ha tratado de asesinar a Andrés, y al que se puede ver en la película de la boda de Alicia y Diego. Alfredo, marqués de Vergara, instigado por su madre, piensa en obtener la nulidad de su matrimonio con Sofía, tras descubrir la superchería con su supuesto hijo; pero, curiosamente, ama a esa criatura y quiere que herede su título. Llegará al Gran Hotel Beatriz, amor de juventud de Alfredo, que quiere aprovechar las circunstancias para reconquistarle. La serie sigue haciendo honor a su planteamiento de intriga a lo Agatha Christie, y a la interacción entre nobles y gente popular que se ha visto en otras producciones televisivas como Arriba y abajo y Downton Abbey. Con un uso inteligente del suspense, propiciado por la música de Lucio Godoy y dejando los capítulos al final en los momentos más emocionantes, atrapa la narración, aunque se vayan acumulando momentos de folletín. La ambientación una vez es magnífica, por ejemplo en el baile de máscaras del primer episodio.

La segunda temporada de Gran Hotel arranca más enredada que nunca. Alicia Alarcón se ha casado con Diego, ahora es la señora de Murquía, y tras el viaje de novios en París, ha vuelto a casa. Allí sigue Julio con su puesto de camarero, y enamorado de Alicia, indignado porque el supuesto asesino de su hermana pueda no rendir cuentas ante la justicia. Andrés, hijo ilegítimo del difunto propietario del Gran Hotel, está en coma después de que una mano siniestra haya intentado que muriera electrocutado. Nadie conoce que Andrés sería el heredero del Gran Hotel, excepto su viuda, doña Teresa, que con la complicidad de Diego intenta hacerse con la carta que revela el secreto, que está en propiedad de la doncella Belén, casada con Andrés. Ella está embarazada pero tiene un pacto para entregar su bebé a doña Teresa, para hacerlo pasar por el hijo de su hija Sofía, engaño sin el cual su matrimonio con Alfredo, hijo de unos marqueses, podría anularse. Mientras, el tercer hijo Alarcón, auténtica oveja negra, sigue con su contrabando de alcohol, asunto que el degradado detective Ayala investiga. El parto de Belén va a dar un giro a los acontecimientos, pues alumbra a gemelos. El resumen que ofrecemos en el párrafo anterior, da idea de lo alambicada que es la serie creada por Ramón Campos y Teresa Fernández-Valdés con su productora Bambú. Pero el caso es que engancha la intriga de principios del siglo XX que discurre por los pasillos y alrededores costeros del Gran Hotel, donde las dudas sobre cómo evolucionará el amor imposible de Alicia y Julio -Amaia Salamanca y Yon González-, la llegada del nuevo maitre -Juan Luis Galiardo, en uno de sus últimos trabajos antes de morir- y las miradas que se cruza con la gobernanta -inmensa Concha Velasco-, o los experimentos de Javier con el opio, prometen emoción a raudales.

Segundo largometraje de Miguel Ángel Calvo Buttini tras la comedia Dos rivales casi iguales, que pasó bastante desapercibida. En esta ocasión compone una desenfadada road movie, con dos mujeres en fuga, al estilo de Thelma y Louise. Teresa, una anciana, tiene como cuidadora a Luz Estela, una joven hondureña. Después de que Teresa sufra una caída, su hijo decide ingresarla en una residencia, pero ella acaba huyendo con Luz Estela, a la que persigue un violento individuo con el que mantenía relaciones al que le ha robado el coche. Mientras que la anciana pretende llegar a su antigua casa de Huelva, la muchacha quiere arrivar a la discoteca Mami Blue, en Portugal, donde trabaja su antiguo novio. Calvo Buttini no parece tener muchas pretensiones, pues su film es de lo más intrascendente. Podría resultar ameno, pues salvo por un par de detalles, apenas recurre a la sal gruesa que prima en la comedia española. Pero fracasa porque no se sabe a dónde se dirige el guión, y porque no consigue que sus actores resulten creíbles. A la casi siempre secundaria María Alfonsa Rosso le viene grande un papel principal, mientras que su compañera, Lorena Vindel, tiene más talento pero no logra levantar un personaje excesivamente tópico. Entre los secundarios están dos actores en horas bajas, Fele Martínez y Ruth Gabriel, excesivamente descontrolados.

Principios del siglo XX. Julio acude a reunirse con su hermana Cristina a Cantaloa, donde trabaja de doncella jefa de planta en el Gran Hotel. Pero al llegar le dicen que fue despedida. Escamado por las extrañas circunstancias de tal hecho, decide hacerse pasar por el camarero que debía incorporarse a la plantilla del establecimiento de lujo propiedad de la familia Alarcón. Doña Teresa es la matriarca del clan, que dirige con mano de hierro la vida de sus hijos: Sofía está casada con un marqués, Javier es la oveja negra, y Alicia, la más prometedora, ha sido prometida sin gran entusiasmo por parte de ella, a Diego, director del hotel. La desaparición de Cristina propicia que surjan lazos entre Alicia y Julio, a pesar de su diferente clase social. Cuidada serie televisiva española, que parece haberse inspirado en Downton Abbey a la hora de pintar las vicisitudes de amos y servicio de una gran mansión, en este caso un fastuoso hotel. Relaciones prohibidas, asesinatos y chantajes, con el deseo del protagonista de descubrir la verdad que libera, sirven para trenzar una trama que se sigue con interés. Hay acierto en el reparto, donde conviven actores jóvenes de gran proyección como Amaia Salamanca y Yon González, con veteranos de la categoría de Adriana Ozores, Concha Velasco y Asunción Balaguer. La reconstrucción de la época es excelente, da para ello mucho juego el marco incomparable del cántabro Palacio de la Magdalena.

Miguel Ángel Lamata, rueda su tercera película, tras las prescindibles Isi & Disi, alto voltaje y Una de zombies. Ésta podría haberse llamado “Una de tópicos sobre sexo”. Produce e interpreta un pequeño papel su “amiguete” Santiago Segura, que también ha estado presente en sus trabajos anteriores. Proclama el director y guionista que es su película más personal, inspirada en los años en los que trabajó como profesor en Zaragoza. Por eso, posiblemente no es casualidad que el protagonista sea otro profesor, Juanjo, abandonado por su novia, Celeste, que se ha enamorado de un roquero. Nico, un alumno caradura de Juanjo, le ayuda a recuperarla, poniendo en marcha una serie de acciones, como adivinar quién es el objeto de deseo de la chica, y mandarle un matón para que le dé una paliza. Por su parte, Celeste está aconsejada por Jazz, una escritora de éxito movida por el rencor, pues mantuvo un idilio con Juanjo en el pasado. Priman los intereses comerciales en esta producción de Andrés Vicente Gómez, hasta el punto de que en un plano general inusualmente largo han colocado un destacado cartel de la película Ni en sueños, cuyo tráiler también se puede ver antes de la proyección. También han pensado en la caja registradora, a la hora de escoger el reparto, formado por rostros populares de la televisión, con tirón en taquilla: Amaia Salamanca (Sin tetas no hay paraíso), Adam Jezierski (Física y química), Norma Ruiz (Yo soy Bea), Pilar Rubio (Sé lo que hicisteis), Joaquín Reyes (Muchachada Nui) y un actor con bastante talento, Miguel Ángel Muñoz (Un paso adelante), que normalmente está muy por encima de estos subproductos en los que trabaja. Muñoz es el único que cumple a pesar de que tiene un personaje esquemático (el roquero macarra), pues los demás andan bastante desubicados. El reparto se completa con el mediocre Fele Martínez y una actriz cuya ineficacia extrema llama poderosamente la atención, Salomé Jiménez (Celeste), aragonesa como el director, y actriz de algunos de sus cortos y su ópera prima. Se queda la cinta en una sucesión de chistes zafios sobre el sexo, y la trama se limita a ir emparejando en la cama a los personajes en relaciones heterosexuales u homosexuales. Los diálogos parecen inspirados en el cine gamberro de Judd Apatow, pero no tienen ninguna gracia. En resumen, se diría que sólo tiene dos defectos: la historia que cuenta no tiene ningún interés, y está mal rodada con interpretaciones de juzgado de guardia.   

Estrenada en 1918 en el Teatro de la Comedia de Madrid, “La venganza de Don Mendo”, del ingenioso Don Pedro Muñoz Seca, es una de las cuatro obras más representadas en España, junto con “Don Juan Tenorio”, “La vida es sueño” y “Fuenteovejuna”. Sus ingeniosas frases y juegos de palabras no sólo han hecho reír a varias generaciones, sino que continúan funcionando como el primer día. Resulta bastante arriesgado tomarla como “leitmotiv” de una comedia, porque pueden surgir comparaciones odiosas. Sin embargo, no le preocupa al veterano director José Luis García Sánchez el reto de usar la obra como tema central. Su película, Don Mendo Rock ¿La venganza?, narra los esfuerzos de los vecinos de un pueblo de Andalucía para grabar una versión televisiva del famoso texto, en clave de musical. Participan numerosos lugareños, como Lola, la mujer de un teniente de la Guardia Civil que se propone a toda costa interpretar a Magdalena, la protagonista de la obra, a pesar de que está embarazada. José Luis García Sánchez representa el cine español más caduco, ése que se critica por estar más pendiente de recibir subvenciones que de llevar gente a los cines. Su nuevo trabajo se sitúa en la línea de algunas de sus comedias corales, como La marcha verde o La corte de Faraón, que tratan de rescatar el espíritu del Luis García Berlanga de La vaquilla, realizador con el que comparte uno de los nombres de pila y uno de los apellidos, pero no el talento cinematográfico. Antes, García Sánchez contaba con el guionista habitual del maestro, Rafael Azcona, pero tras su muerte se ha tenido que apañar sin él. Explica García Sánchez en las entrevistas que el productor José Frade le reclutó para rodar una adaptación tal cuál de la obra, y que él aceptó a condición de que fuera un musical. Para ello contrató al músico Quico Veneno, que ha compuesto canciones a partir de los versos de Muñoz Seca. El título del film hace presagiar una adaptación en clave de musical roquero... Pero finalmente apenas le saca partido a la música en algún número intercalado con calzador, y brevemente en la representación final. El resto de la película José Luis García Sánchez la ha rellenado con una acumulación de personajes histéricos y alocados, en situaciones absurdas, y con diálogos vergonzosos que hacen gala de un humor chabacano de vergüenza ajena. Posiblemente se explica que el realizador haya podido contar como estrella con la hoy en día solicitadísima a nivel internacional Paz Vega para este despropósito, porque ha aprovechado que ésta estaba embarazada en la vida real, y resultaba difícil que esos meses la contrataran para otra película. Aquí, resulta totalmente irrelevante que su personaje esté embarazado o no, lo que da una idea de la cutrez de la película.

Sebastián viaja con su novia desde España a Chile para montar su propio restaurante. Allí acabará enamorado de Paula, una joven con la que tiene en común un curioso suceso del pasado y que les unirá aún más. Película hispano chilena, con protagonismo para Fele Martínez (Tesis), cuyo argumento es leve y transita por territorios intimistas, cotidianos, que no acaban de emocionar al espectador.

Alfredo acaba de licenciarse en derecho. Es un joven muy serio y responsable que sólo se preocupa por trabajar y cuidar a su familia. Su primer puesto laboral como abogado lo lleva a convertirse en el letrado del ayuntamiento. Cargado de ilusión, se enfrenta a su primer encargo: conseguir que unos okupas cedan la casa en la que viven para convertirla en un centro de ocio de mayores y darles la posibilidad de que sean ellos quienes lo gestionen. El ingenuo Alfredo cree a pies juntillas en la propuesta del consistorio, así que decide no parar hasta conseguir que el grupo de jóvenes firme el acuerdo. En sus continuas visitas a la casa llegará a confraternizar con Eva y el pequeño grupo de okupas con el que vive, algo que le acabará cambiando la vida. Película que muestra una total simpatía por el movimiento okupa ofreciendo una visión muy idealizada de estos jóvenes. A pesar de las fiestas que organizan y de los excesos que cometen, son mostrados como unos chicos ideales y trabajadores. Frente a esta visión tan idílica, está la de los malos malísimos que trabajan en el ayuntamiento con el concejal de urbanismo a la cabeza. Teniendo en cuenta este planteamiento tan maniqueo, hay que decir que la historia se sigue con cierto interés gracias a que la comunidad okupa es simpática y divertida, salvo alguna excepción. Así que esta película se puede disfrutar en cierta medida, salvo que se quiera mostrar como un modelo de valores. Fele Martínez encarna al responsable Alberto, que de ingenuo y bueno que es, se pasa de rosca. Su interpretación de este chico tan “pavito” es correcta, aunque quien destaca en el reparto es Inma Cuesta (Eva), que, por otro lado, también tiene al personaje más interesante de esta liviana historia.

Marco, un treintañero español parapléjico, trafica con unos aparatos robados que transporta en un coche, en la frontera de Brasil con Paraguay. Cuando le roban la mercancía dos forajidos, Carmo, una despampanante brasileña que se ha encontrado por el camino, se ofrece a ayudarle a recuperar su cargamento. Carmo es una prostituta sin escrúpulos por la que Marco se sentirá fuertemente atraído. Debut en el largometraje de Murilo Pasta, nacido en Brasil, pero de ascendencia italiana, que hasta ahora había desarrollado su carrera profesional en la publicidad y en series televisivas. Murilo Pasta imita el estilo visual de Fernando Meirelles en Ciudad de Dios, y en menor medida el de otros realizadores brasileños, como Walter Salles, en Diarios de motocicleta. Y no cabe duda de que tiene cierto talento para la composición de imágenes, además de que aprovecha que cuenta con una cuidada fotografía de localizaciones espectaculares. Sin embargo, ahí se acaban todos sus méritos. Su historia no pasa de ser una road movie mediocre, que se limita a lanzar homenajes poco inspirados a grandes títulos del género como Corazón salvaje o Bonnie and Clyde. Además de la ligereza de la trama, y de que sus excesos violentos se antojan innecesarios, cuenta con un reparto que no resulta creíble, especialmente el español Fele Martínez, en una interpretación exagerada. Por su parte, la brasileña Mariana Loureiro se limita a exhibir sus encantos físicos, pero su personaje está bastante desdibujado. El cineasta intenta en vano sacar una sonrisa al espectador con algunos momentos un poco surrealistas, y con unos rótulos que presentan al personaje con una frase que destaque un rasgo absurdo de su vida. Tampoco consigue hacer creíbles las secuencias de acción, para las que carece de presupuesto. Remata la faena un montaje demasiado rústico.

La escritora argentina Camila Ponte está en pleno viaje de promoción de su última novela. En un determinado momento una mujer inquietante, Vega, la llevará a un hotel, en donde las dos permanecerán como si de un secuestro se tratara, sólo que aquí no parece haber ningún rescate. Extraño drama, con definidos acentos de thriller, dirigido por el veterano Jaime de Armiñán y en donde sin lugar a dudas destaca el gran reparto. Ganó el premio al mejor guión del Festival de Cine de Málaga.

Autor de cortos y episodios de teleseries, Kepa Sojo debuta en el largometraje con la que él mismo define como “la primera película del absurdo pop”. El calificativo alude a que mezcla humor absurdo, inspirado en Amanece que no es poco y el cine de Berlanga, con música pop. Por lo demás, es una road movie que entrelaza peripecias de muchos personajes extremos e irreales. El protagonista es Ángel Mari Svensson, que sufre un extraño mal que el médico ha calificado como síndrome de Svensson, pues no conoce ningún caso similar. No sabe si se solucionará, pero emprende un viaje en autostop a Xátiva, en busca de la mujer ideal. Por el camino se cruza con personajes de lo más estrambótico, como Mariloli, una churrera que el día de su boda ha decidido dejar plantado a su novio, y huir a la carrera vestida de novia. También conocerá a dos camioneros “frikis” que se pasan el día hablando de Tolkien, un cataléptico que había sido enterrado vivo y dos raperos que hablan como si cantaran rap. Una comedia así, de gags aislados, podría funcionar en un caso remoto, con un director más habilidoso. Pero Sojo muestra una preocupante falta de imaginación a nivel visual, mientras es incapaz de dirigir a un grupo de actores, a veces solventes, que sobreactúan para salir del paso. Lo más preocupante es el guión, una caótica sucesión de chistes simplones y personajes sonrojantes. No pretende ser un musical, pero a veces intercala auténticos videoclips musicales que no vienen al caso ni aportan nada a la inexistente trama.

Víctor, director de cine experimental, prepara su próximo largometraje. En busca de ideas viaja  con Laura, su ayudante de dirección, a un pueblecito del litoral gallego. Allí, Víctor espera intimar con los lugareños, para inspirarse en ellos a la hora de crear los personajes de la película.  Segundo largo de Pablo García (Fuente Álamo, la caricia del tiempo), que analiza el proceso de creación de una obra cinematográfica. García mezcla las imágenes dramatizadas de los actores profesionales, con secuencias documentales que recogen la vida cotidiana de los habitantes de un pueblecito, en actividades como la pesca, o el juego infantil.

Una mujer se baja del coche en un parking solitario. Mientras se dirige a la salida, descubre a un extraño individuo que le persigue con un martillo. Horas más tarde, la policía atiende a una llamada porque han encontrado el cadáver de la desafortunada, con la cabeza tapada con un plástico. Un equipo de investigadores se pone en marcha. Encuentran un envoltorio de un caramelo y huellas de pisadas de zapatillas deportivas junto al cuerpo. Producción española que imita la fórmula estadounidense de los telefilmes que reconstruyen sucesos reales. Se basa en el caso, tristemente célebre, del asesino de Putxet, historia que conmocionó a la opinión pública española en febrero de 2003, cuando dos mujeres fueron halladas muertas en un parking.

Enrique es un joven director de cine que está investigando para una próxima historia, y la búsqueda le lleva a reencontrarse con un antiguo amigo del colegio, Ignacio. Junto a él recordará sus años más tiernos en el colegio de curas al que asistían; recuerdos sobre la represión que sufrieron, los partidos de fútbol, la educación, e incluso algunos abusos sexuales que no han podido olvidar. Fallida cinta de Pedro Almodóvar protagonizada por Gael García Bernal y Fele Martínez, y que no tuvo el éxito esperado en las salas de cine. El polémico tema sobre curas represores y abusones ha sido tratado hasta la saciedad en el cine y el director malagueño no quiso ser menos, pues deja constancia, una vez más, de su animadversión hacia la Iglesia. La historia, carente de humor, es rebuscada, desagradable y no atrapa en ningún momento.

Adrián es un tipo muy especial, con un don que quisiera no tener: es un precognitor, que de vez en cuando tiene premoniciones de muertes. Como las que anunció a un comisario de policía, poco antes de que estallara un coche bomba, que se llevó por delante a su esposa e hijo. Ha tratado de huir de una especie de sociedad en la que se reúnen los precognitores, para tratar de llevar una vida normal, lo que no es fácil. En éstas, su vida se va a cruzar con la de Ángela, una niña bien que se convirtió en guerrillera de una extraña secta; y con la del mencionado policía, que ahora se dedica a desprogramar a personas que han caído en las redes de sectas peligrosas. María Ripoll, la directora de Lluvia en los zapatos y Tortilla Soup se pasa al thriller con efectos modernillos a lo Seven. Después de un inicio impactante, seguimos la intriga que conduce a una misteriosa organización que responde al nombre de “Utopía”. Protagoniza la cinta Leonardo Sbaraglia, bastante aficionado a los dones inexplicables, como demostró en Intacto. Comparte reparto con Najwa (pronúnciese “Nasua”, no “náusea”, como dice algún graciosete no demasiado fan de la actriz) Nimri.

Paco es un matón a sueldo de poca monta, que debe mucho dinero a Don Rodrigo, capo mafioso de provincias. A cambio de no pegarle un tiro, Don Rodrigo le propone que le enseñe a su sobrino adolescente, Álex, los trucos del oficio de asesino. Paco acepta, pero enseguida descubre que Álex no es muy espabilado, y para colmo de males, se lleva con él a Tatiana, una chica de alterne. Al fin, les encargan un trabajo, que consiste en secuestrar a una madura carnicera, aparentemente inofensiva. A cambio, pueden quedarse con el  dinero del rescate, con el que Paco podría pagar sus deudas. Rocambolesca adaptación a la española de las historias de matones al estilo Tarantino, y ópera prima del madrileño Juan Martínez Moreno. El aire casposo y cercano, en ocasiones grosero, permite que personajes de mal vivir lleguen a parecer entrañables, en gran parte gracias al trabajo de los actores. El peso de la cinta recae en Antonio Resines, que recupera su imagen de implacable pistolero ya exhibida en Acción mutante o Todo por la pasta, y en su contrapunto, Jordi Vilches, muy requerido como adolescente introvertido, en cintas como Krámpack o Platillos volantes. Pero también destaca la eficiente  labor de los secundarios, como Elena Anaya, que logra hacer atractivo un personaje sencillo, Rosa Maria Sardà en un doble registro, y Manuel Alexandre como un “Vito Corleone” de segunda. Diálogos frescos y situaciones absurdas consiguen que funcione una comedia con pocas pretensiones.

Regina es una jovencita que se muda con su familia a un misterioso caserón. Mientras organiza su nueva vida, descubre que su nuevo hogar oculta una misteriosa fuerza demoníaca, que parece perseguir a su hermano pequeño. Para colmo de males, su padre sufre problemas de salud y su carácter cambia de forma radical, sin motivos de peso. Cuando Regina investiga el extraño caso, se entera de que cuarenta años atrás tuvo lugar en su casa un extraño ritual, en el que siete niños fueron sacrificados. Jaume Balagueró, que ya nos aterrorizó con Los sin nombre, demuestra una vez más ser un excelente creador de atmósferas inquietantes. Él está al frente de esta película, la más cara del cine español a excepción de Los otros, y el proyecto más ambicioso de la productora española Fantastic Factory. Esta compañía está especializada en cine fantástico para su distribución internacional. Por esta razón hay una fuerte apuesta por un reparto que combina estrellas de varios países, como la canadiense Anna Paquin, la sueca Lena Olin, el italiano Giancarlo Giannini y el español Fele Martínez.

"Cafe Müller", espectáculo de Pina Bausch. Dos tipos se emocionan viendo a dos mujeres moverse como sonámbulas en el escenario. Es la apertura, resumen plástico del film. Benigno es enfermero, y cuida con esmero a Alicia, que se encuentra en coma (¿en el país de las maravillas?). A su clínica llega Lidia (mujer torero, por supuesto) tras una grave cogida; le acompaña su amante Marco, autor de libros de viajes. Benigno y Marco son muy distintos; pero se hacen amigos e intercambian confidencias sobre sus cuitas amorosas. Pedro Almodóvar ya ha probado de sobras su oficio narrativo. Aquí acude a una estructura más compleja, con saltos temporales y pequeños “descansos” o cambios de aire –los espectáculos de Bausch, las corridas, la película muda, la canción de Caetano Veloso, la aparición “estelar” de Chus Lampreave…– que en manos de otro chirriarían hasta decir basta. Así el manchego compone un folletín. De sentimientos exacerbados y heridas sangrantes. Sin entrar a cuestiones de fondo –a la violación, sin ir más lejos, se le resta importancia–, mostrando el puro deambular de los personajes. Ése es Almodóvar, guste o no. Se toma o se deja. La historia acumula elementos melodramáticos, muchos tomados de las páginas de sucesos del periódico. Y se salpica con el humor que tanto agrada a su parroquia.

Salamanca. La tuna. Estudio a tope, y buen rollo. Hasta que aparece un asesino psicópata al que le da por matar a la gente embutido en traje de tuno. Como el chico es muy moderno, escoge a sus víctimas por internet. Dos jóvenes y noveles directores, Pedro L. Barbero y Vicente J. Martín, firman una nueva muestra de Scream a la española.

Milio es un travieso niño de 13 años, que corretea a diario por los descampados del extrarradio de Madrid junto a su amigo Alber, un chico africano. Luis, hermano de Milio, intenta alejarle de las pandillas callejeras, tras la muerte de un adolescente. Adaptación de la novela "El chico que imitaba a Roberto Carlos", de Martín Casariego. El film fue un intento de que la actriz principal, Silke, recuperase el tirón perdido, pero no lo consiguió.

En 1950 durante la lucha de Kenia por independizarse de los británicos, un safari científico liderado por Ernest Hemingway (Albert Finney) se encarga de escalar el monte Kenia. A Hemingway le han advertido de no violar las leyes sagradas de Mwene - Nyaga, dios de la montaña. Estas leyes son de protección de la naturaleza y en caso de incumplirlas, el castigo es el suicidio. A lo largo de la expedición se suceden los problemas y Hemingway tendrá que tomar una decisión final muy importante para el devenir de la población. La historia trata sobre la decisión de un hombre que puede cambiar el mundo. Es un drama poco conocido en la filmografía de Albert Finney.  

Cine histórico para conocer hechos recientes concernientes a Portugal, nuestro país vecino. La actriz Maria de Medeiros debuta tras la cámara para contarnos cómo la romántica revolución de los claveles terminó con la dictadura de Salazar. Para ellos seguimos al grupo de capitanes que se alzó en armas. En el reparto portugués se puede ver al hispano Fele Martínez.

Una pandilla de jóvenes vio cómo se enrarecía su amistad cuando Nacho, uno de ellos, desapareció sin dejar rastro. La policía fue incapaz de dar con él. Pasados cuatro años aparece un carnet de identidad que saca el caso de nuevo a la luz. Lo que provoca el pánico del grupo, que guarda un secreto inconfesable acerca de lo que le ocurrió a Nacho. Álvaro Fernández Armero (Todo es mentira, Nada en la nevera) cambia de género (comedia por terror), aunque no de tipo de personajes (jóvenes más o menos desorientados). Para abordar este film cuenta con un guión de Curro Royo y Juan Vicente Pozuelo, que ha metido en su coctelera múltiples referencias cinematográficas recientes: Tesis y Abre los ojos de Alejandro Amenabar, Sé lo que hicisteis el último verano, e incluso Línea mortal, un curioso film de Joel Schumacher. La película no es que se sumerja a grandes profundidades, pero tiene la audacia de plantear un hecho al que todos nos enfrentaremos un día u otro, y en el que habitualmente tratamos de no pensar: el de nuestra propia muerte.

Un joven periodista empieza a trabajar en un periódico, en la crónica de sucesos. Su jefe es Faúndez, perro viejo en el mundo de la prensa, cínico y desencantado. Llevándole a cubrir sórdidos crímenes, pretende inculcarle la desesperanza que transpira por todos sus poros. El peruano Francisco J. Lombardi dirige el film que supuso para Gianfranco Brero el Premio al Mejor Actor en el Festival de San Sebastián.

Alba (Candela Peña), Juan (Ernesto Alterio), y Eva (Cristina Marcos) no se conocen. Son personas normales y corrientes, con una cosa en común: por diversos motivos, padecen insomnio. Alba se entera por teléfono de que su novio le ha dejado, ella no lo acepta y eso le provoca una fuerte depresión que le convierte en una zombi. Juan, que trabaja en una inmobiliaria, se va a casar con su novia de siempre, interpretada por María Pujalte. El no lo tiene muy claro, pero su dominante pareja lo tiene todo preparado. Eva acaba de tener su primer hijo, que no para de llorar ni de día ni de noche. Esto dañará la relación con su marido. En curiosas circunstancias, los tres se conocen y comparten sus ojeras y sus sueños. Se trata de una comedia que se desarrolla en un ambiente casi trágico. El brillante guión lo firma la propia Chus Gutiérrez junto con Fernando León de Aranoa. Con gusto y sin demasiadas pretensiones, el film hace reír a la vez que emociona y entretiene. Las interpretaciones de sus jóvenes actores son muy eficaces.

El niño de un matrimonio roto y la niña de otro matrimonio roto se conocen en el cole. El padre de él y la madre de ella también se conocen, y forman pareja. Querrían que los niños vivieran como hermano y hermana, pero una vez llegados a la adolescencia se convierten en amantes. El paso de los años descompone estas uniones. Pero el azar y cierto magnetismo casi mágico... El director Julio Medem continúa por la estela de sus anteriores títulos: Vacas, La ardilla roja, Tierra. Un cine intimista, de fascinante hechura visual y sonora, donde se juega con la estructura del guión, con los silencios, con la dificultad de expresar los propios sentimientos. El film de Medem, especie de paisaje sobre el desconcierto vital, ofrece un reparto estupendo: los jóvenes Najwa Nimri y Fele Martínez (uno de los protagonistas de Tesis y Abre los ojos), y los adultos Nancho Novo y Maru Valdivielso, componen bien sus personajes. El film se llevó dos merecidos Goya, a la mejor música y al mejor montaje.

Tras pasar la velada con su novia, Andrés es atracado por dos chicas drogadictas. La experiencia es tan excitante que el joven se empeña en conocer mejor a una: Isabel. Así nacerá algo parecido al amor. El director inicial, Ricardo Franco (La buena estrella), falleció en pleno rodaje; Fernando Bauluz tuvo que completar el film, bien nutrido de buenos actores.

Una familia española de los años sesenta, en plena fiebre hippie, pasan un verano inolvidable para todos por muchas razones. El cabeza de la familia, interpretado por Antonio Resines, nunca se ha ocupado mucho de los suyos. Al contrario, su mujer Julia, interpretada por Verónica Forqué, siempre se sacrificó por su marido y por sus hijos, por encima incluso de su prometedor futuro como actriz. Cada uno de sus cuatro hijos irá abriendo los ojos a la vida en ese mágico verano, lleno de sol, de playa, de amistad, de amores pasajeros, de ilusiones y de proyectos. Una película entretenida, que no tiene una finalidad más allá de narrar con soltura los sentimientos más agradables. Lejos de crear conflictos, el excelente plantel de protagonistas, entre los que destacan, además de Forqué y Resines, María Adánez y Pepón Nieto, nos introduce en unos años en los que la paz y el amor eran unos ideales al orden del día.

César (Eduardo Noriega) y Pelayo (Fele Martínez) son dos buenos amigos. César es el heredero de una considerable fortuna, pijo y afortunado con las mujeres. Para él, su vida es perfecta. Pelayo, en cambio, admira a César y se siente menos afortunado, sobre todo en cuestión de mujeres. Ahora César está con Nuria (Najwa Nimri), una chica obsesionada con él, y con un comportamiento desequilibrado. En su fiesta de cumpleaños, Pelayo le presenta a su amiga Sofía (Penélope Cruz), y César se enamora de ella al instante. Después de pasar la noche con ella, traicionando los sentimientos de su mejor amigo, sube en el coche de Nuria, que le ha esperado toda la noche. A partir de ahí, su vida se convierte en una pesadilla. Una de las películas españolas más populares de 1997. El astuto Alejandro Amenábar no defrauda en su segunda película, arriesgándose con una vuelta de tuerca al género del thriller y la ciencia-ficción. Es uno de los máximos representantes de la incorporación de nuevas ideas al último cine español. Además, firma el guión junto a su amigo Mateo Gil, y es el responsable de la composición musical. Una compleja película en la que no se distingue la realidad y la ficción, con un guión lleno de recovecos y ambigüedades, que alimentan aún más el suspense que envuelve la acción desde el comienzo. Y las interpretaciones de uno de los mejores planteles posibles de jóvenes actores españoles, son buenas.

Ángela (Ana Torrent) es una estudiante de Ciencias de la Información que prepara su trabajo de investigación sobre las películas de violencia directa. En extrañas circunstancias, descubre a su director de tesis asesinado. Este hecho le introducirá en el perverso mundo de las llamadas snuff movies. Sólo su compañero, interpretado por Fele Martínez, está dispuesto a acompañarla, aunque a su manera, en su peligrosa aventura. En sus caminos se cruza un guaperas interpretado por Eduardo Noriega, sospechoso del crimen, pero de quien Ángela enseguida se enamora. La primera película de uno de los directores más audaces y precoces del cine español. El director y productor José Luis Cuerda, confió en Alejandro Amenábar e hizo posible uno de los últimos fenómenos del renovado cine español. Es un thriller apasionante, en el que la perversión y el suspense cautivan al espectador mediante una atmósfera agobiante. Una película que sitúa una trama policíaca en un ambiente juvenil. La peli se llevó un montón de premios.