Josu Inchaustegui

Tras una operación coordinada de la unidad antiterrorista de la policía española en varias ciudades –Melilla, Tánger, Toulouse– se captura por casualidad al sirio Al Garheeb, uno de los terroristas más buscados del mundo. Enseguida surge la sospecha de que se está preparando un gran atentado, porque, si no, ¿qué hacía Al Garheeb sin escolta en una casa de Melilla? Las sospechas crecen cuando un terrorista suicida se inmola en Toulouse. Bajo la dirección de la comisaria Carla Torres en Madrid se desplegarán entonces varios efectivos en diferentes lugares, pero principalmente en Gerona, a donde se cree que ha podido entrar la célula terrorista que ha operado en Francia; y en Melilla, en donde Al Garheeb quizá haya contactado con uno de sus socios. Ejemplo de que una producción española puede estar a la altura de las mejores series internacionales. Creada por Dani de la Torre y Alberto Marini (ambos habían ya colaborado en El desconocido), sin lugar a dudas La unidad es una de las mejores series españolas que se recuerdan, asentada en un ritmo inmejorable y en una historia potente sobre el terrorismo yihadista de implicaciones globales. Hay que aplaudir la producción de Movistar+ en colaboración con Vaca TV, pues han sabido darse cuenta de que el mejor activo con el que cuentan es el espectador, y por tanto no hay que tratarle como si fuera lelo. En consecuencia, más allá del notable aparato técnico, la calidad de La unidad se debe sobre todo a que los responsables han primado el guión sobre el espectáculo, la seriedad frente a la ligereza de los planteamientos o la frivolidad al mostrarlos, y la verosimilitud frente al artificio. Y felizmente tales preferencias son compatibles con un thriller policiaco trepidante cuyos seis capítulos se engullen en un santiamén. Dani de la Torre presenta pronto los diferentes escenarios en donde se va a jugar la partida, localizaciones que se irán incrementando a lo largo la historia: Madrid, Melilla, Figueras, Vigo y otras ciudades extranjeras como Lagos, en Nigeria. Tal despliegue visual sirve también para ir mostrando a los diferentes personajes de uno y otro bando y para seguir los diferentes hilos en acciones paralelas: los policías Miriam, Myaz, Sergio, Nawja, y Roberto o los terroristas Kader, Al Garheeb, Hamid y Tarek. Especial tratamiento merecen la comisaria Carla Torres y Marcos, miembro destacado del equipo y además su marido, con quien tiene una hija. El matrimonio atraviesa una crisis que afectará de modo especial a Carla, la cual sufre además un serio problema personal. El reparto hace una labor coral extraordinaria aunque pueden destacarse entre todos a una inteligente Marian Álvarez, al vehemente Luis Zahera y a un vulnerable y creíble Raúl Fernández de Pablo. Aunque sin duda el mayor peso recae sobre la sobresaliente Nathalie Poza, que aporta una enorme humanidad a su límite personaje, y sobre el argentino Michel Noher, algo menos empático pero igualmente eficaz. Destaca en la serie el modo de mostrar la implicación laboral y personal de la policía y cómo afectan los fracasos, algo que no es habitual ver en las producciones policiacas, tan llenas de muertos. Resulta llamativa la responsabilidad que sienten ante cualquier persona que pueda resultar herida, ante las posibles represalias ajenas debidas a un error personal. Y el guión –en donde también ha intervenido Amèlia Mora– toca asimismo de refilón pero con contundencia la difícil connivencia de la policía con los cargos políticos, las cartas que hay que manejar e incluso la decisión de ceder la propia integridad si se quiere llegar hasta las últimas consecuencias. Nada es gratis, la cuestión es valorar lo que está en juego y qué se está dispuesto a dejar en el camino.

Adaptación de la primera de las novelas de Eva García Sáenz de Urturi que componen una trilogía sobre su “ciudad blanca” natal, Vitoria. Describe la investigación policial en torno a los macabros crímenes cometidos por un psicópata, que mata a sus víctimas por parejas, con distintas edades separadas por cinco años de distancia, y que se recrea en la composición del escenario con los cadáveres: los cuerpos desnudos, con sus partes íntimas tapadas con motivos florales, un telón de fondo histórico ligado a Vitoria. Se suponía que el asesino –el arqueólogo Tasio Ortiz de Zárate– ya estaba encerrado en prisión hace tiempo, pero un nuevo crimen –aparecen los cadáveres de dos jóvenes en la cripta de la catedral vieja– dispara las alarmas. Podría tratarse de un fan de Tasio en las redes sociales, motivo por el que el inspector Unai López de Ayala –conocido en su cuadrilla como Kraken– va a visitarle a la cárcel, con su ayudante, la inspectora Estíbaliz Ruiz de Gauna, mientras recibe presiones de la recién llegada subcomisaria Alba. Thriller inquietante que sigue la estela marcada tan brillantemente en los 90 por El silencio de los corderos. Es posible que la obra original tuviera más consistencia, pero la adaptación de Roger Danès y Alfred Pérez Fargas, ejecutada por Daniel Calparsoro, tiene bastantes agujeros y avanza a indeseables trompicones, con reiteraciones tontas, como el “running” de madrugada donde coinciden Unai y Alba. Y es una lástima, porque la apuesta de producción de Atresmedia es ambiciosa, el reparto es correcto, y el marco de la ciudad de Vitoria resulta sencillamente fantástico, por ejemplo con la persecución nocturna en el tejado de la catedral. El caso es que las muertes se suceden caprichosamente, y sin que ayuden verdaderamente a la progresión de la narración, y los detalles escabrosos, como las abejas que han sido una tortura para los asesinados, son puro morbo, en realidad importan un bledo; las inserciones de programas televisivos, o la explicación ancestral de unos frescos del jardín del Edén, con Adán y Eva, serían otros ejemplos de información mal integrada, que pide a gritos su omisión o una correcta conexión con la narración. Además, conocer pronto la identidad del asesino, y su cercanía a algunos personajes, no ayuda al deseado efecto de dar más emoción a la trama.

Un futuro sin determinar. Uma se despierta en un lugar desconocido de la noche a la mañana: un misterioso islote en medio del mar que se asemeja a un vergel, en donde otras mujeres pulcras y vestidas de blanco pasan las horas en los jardines como si de diosas se tratara, servidas por elegantes jóvenes. Allí se respira una extraña paz. Pronto sabrá Uma que está en ese lugar para ser reeducada obligatoriamente durante dos meses, el tiempo necesario para que acepte la proposición de matrimonio que ha rechazado. Al poco tiempo se hará amiga de otras jóvenes que está allí encerradas por otros motivos. Tenía buenas hechuras este film de ciencia ficción distópica con elementos de terror y misterio. El punto fuerte es el planteamiento y una ambientación recargadísima al estilo jardín del Edén, verdor y flores por doquier, personajes envueltos en gasa y maquillaje, colores límpidos, luz clarísima, aspectos que dan como resultado una cárcel de seda, enigmática e inquietante. Se trata del primer largometraje de la española Alice Waddington (Bilbao, 1990), que rueda en inglés con actores extranjeros, aunque la producción es enteramente española. Desde luego, audacia no le ha faltado, aunque el resultado final no alcance cotas demasiado altas. La sensación con Paradise Hills es que se malogra una buena oportunidad de causar impacto. Se genera gran interés al principio, pero poco a poco la cosa se vuelve blandita, con un desarrollo más lento de lo conveniente y un giro de los acontecimientos que se ve venir, aunque el guión –en donde ha participado la propia Waddington y Nacho Vigalondo– no deje de ser original, con ideas que funcionan, como la de la división social en Uppers y Lowers, a la que por otra parte podría habérsele sacado mayor partido. Pero en general falta emoción y la tensión acaba estando muy por debajo de las expectativas. El conjunto es poco consistente. También se antoja un error de bulto la introducción de un importante elemento fantástico que desconcierta y resta credibilidad, además de ayudar a que la pesadilla distópica se diluya y tome derroteros más efectistas. Con todo, la película se deja ver. Aunque lo mejor, acaba siendo seguramente el cuidado diseño de producción a cargo de Laia Colet. Mientras que el trabajo de las actrices, en donde destaca una convincente Emma Roberts, es correcto, aunque probablemente se echa de menos una mayor presencia de Milla Jovovich.

Año 1921, en los días previos al Desastre de Annual, cuando España vive una época de agitación y violencia, sobre todo en Barcelona. Hasta allí se traslada el vasco Aníbal Uriarte con el fin de colaborar con la brigada del inspector Rediú, policía corrupto que tiene que desentrañar el misterio de un brutal asalto a un tren militar para robar armas. Todo indica que los culpables han sido los anarquistas que siembran la violencia en la ciudad condal. En busca de información, el grupo visita el cabaret regentado por el Barón, mafioso sin escrúpulos metido en los negocios más turbios, y que se entera de todo lo que acontece en la ciudad. Mientras tanto, Sara, hija de un líder obrero, encabeza una manifestación feminista reprimida por la policía. El segundo trabajo del realizador Dani de la Torre, tras la prometedora El desconocido, de nuevo con Luis Tosar al frente del reparto, apabulla por su cuidado diseño de producción, ya que su ambientación de época resulta muy convincente, con ayuda de efectos visuales que permiten recrear detalles como la Sagrada Familia cuando aún no estaba muy avanzada su construcción, y gran número de extras. Pero también porque visualmente está muy por encima del cine español, por ejemplo presenta planos secuencia de acción bastante convincentes, con Tosar a porrazo limpio, o una persecución en coches de entonces a disparo limpio que deja la boca abierta al respetable, ya que nunca antes se ha visto nada igual en el cine patrio. Cuenta también a su favor con que retrata una época poco frecuentada por la industria audiovisual española, La verdad sobre el caso Savolta sería el precedente más ilustre. Pero La sombra de la ley recuerda poco a la adaptación de la novela de Eduardo Mendoza, y tiene mucho más que ver visualmente con Muerte entre las flores o Los intocables de Eliot Ness, sorprendentemente este look de cine de gángsteres cuadra bastante bien con esta etapa histórica en nuestro país, y la fotografía es bastante oscura y sucia, a tono con la trama. Pero sobre todo sería deudora de Cotton Club, pues hilvana las peripecias de numerosos personajes de los violentos años 20 que coinciden en un cabaret, en este caso el que regenta el Barón, donde también se reúne lo más granado del inframundo. Argumentalmente entronca con el western, en especial con Flecha rota, pues muestra que en un conflicto siempre existen hombres bienintencionados, en ambos bandos, que trabajan para conseguir la paz, pero que a otros no les conviene, sobre todo si la guerra les resulta lucrativa. Sería un film sobre los ideales, que resultan difíciles de mantener, pero sin los cuales el mundo difícilmente funcionaría, en este sentido Tosar borda a un personaje desencantado, a medio camino entre Rick, Humphrey Bogart en Casablanca, y los personajes marginales pero con su propio código de conducta de las sagas de Arturo Pérez-Reverte “El capitán Alatriste” y “Falcó”. Le acompaña un reparto sin fisuras, con un buen trabajo de Michelle Jenner, una creíble Sara, que oscila entre el camino de la violencia y el de la paz, pero también vuelan alto Manolo Solo, Vicente Romero, Fernando Cayo, Paco Tous como un jefe anarquista bastante humano, el poco conocido Pep Tosar –sin relación familiar aparente con Luis– como comisario conciliador, y hasta Ernesto Alterio, no siempre eficaz, pero que aquí compone muy bien al repulsivo poli apodado “El Tísico”. Llamativamente violenta, la cinta también consigue tratar algún asunto sombrío, como la pederastia, con bastante elegancia. Quizás pincha un poco hacia la segunda mitad, la poca experiencia del realizador le hace querer abarcar demasiadas cosas. Una pena, pues habría salido ganando con un montaje un poco más recortado. Pero tiene un final brillante, que desemboca a partir de una escena que parece salida de El padrino, con música operística entonada por la soprano Ainhoa Arteta, por lo que el espectador saldrá con buen sabor de boca.

Jon Aristegui vive en París, trabaja como investigador de la industria farmacéutica. Se autoexilió allí por el clima asfixiante en su pueblo del País Vasco, pues la desaparición en misteriosas circunstancias de la que era su novia, Anne, enrareció aún más el ambiente, ya que al modo de Romeo y Julieta, ambos pertenecían a familias enfrentadas desde tiempos ancestrales. Ahora el inesperado suicidio del patriarca de los Aristegui propica el regreso de Jon tras años de ausencia. Para enfado de los hermanos, ha dejado la mayoría de las acciones del laboratorio familiar a Jon. Empezarán a pasar cosas raras, y es que todo apunta a que a espaldas de Jon, la familia ha llevado los negocios que a todos afectan de modo un poco heterodoxo. Decepcionante serie de Boomerang para Antena 3, que transmite la impresión de que lo único que se pretende es rellenar la parrilla con un género siempre agradecido, el del thriller, al que si se añaden los enfrentamientos de clanes, se lograr algo que da el pego. Pero se notan demasiado las precipitadas costuras de este producto creado por Josep Cister Rubio, Javier Holgado y Aitor Montánchez, con diálogos sositos y escenas de circunstancias, encuentros y reencuentros, qué tal estás, te tomas una copa, y tal y cual. Es una pena porque hay presupuesto, y la fotografía del País Vasco, montaña y mar, con tomas aéreas, es muy atractiva.

Marcos (Karra Elejalde), productor de cine en la ruina, pretende levantar su empresa gracias a la contratación para su próxima película de una estrella rutilante, el actor de origen cubano Ray Silvela (Jordi Mollà). Pero cuando éste rechaza su participación en el proyecto y el dinero de la principal inversora está a punto de esfumarse, Marcos y su equipo deciden estafar a la multimillonaria haciéndole creer que han conseguido a Silvela como protagonista. Para ello sólo necesitan un doble del actor. El andaluz Antonio Cuadri tiene una amplia trayectoria como guionista y director desde que se diera a conocer con diversos capítulos de la serie Al salir de clase. De entre su filmografía, con títulos que no han tenido demasiado relieve comercial, destaca Eres mi héroe, tierna visión de la infancia, y Thomas vive, sobre una compañía teatral que ensaya una obra de Shakespeare. Si en ese último film abordaba por dentro el mundo del teatro, ahora Cuadri se mete de lleno en los entresijos de la producción cinematográfica con Operación Concha, una comedia disparatada sobre unos cineastas de tres al cuarto que intentan sacar tajada sirviéndose de una estafa, un poco al estilo de las películas clásicas. El resultado es irregular, pero podría haber sido peor. Eso parecía en los primeros compases del film, pues el arranque presagia otra españolada cutre y casposa. Sin embargo, el guionista Patxo Tellería intenta equilibrar la cosa con una trama variada, con ciertas vueltas y revueltas, que hacia el final se espabila a base de bien, con giros inesperados más o menos apañados, aunque eso suponga que el conjunto se alargue innecesariamente. Subraya el film que el cine no es lo que parece, la farsa reina por doquier entre cineastas y estrellas que no son juego limpio. Es indudable que ese enfoque ofrecen algunos momentos divertidos, aunque no para tirar cohetes, generados gracias al carisma de Karra Elejalde o al oficio de Jordi Mollà, que aquí hace alarde de su talento para imitar acentos y adoptar diversas personalidades.

Tras la muerte de su marido en un accidente de tráfico en el que ella perdió parcialmente el oído, pero no al niño que esperaba, una mujer aguarda el momento de dar a luz en un caserón aislado de los suburbios. En Navidad llama a su puerta una desconocida que pide que le deje telefonear, pero la situación resulta inquietante… Segundo largometraje en inglés del español especializado en terror Miguel Ángel Vivas tras la fallida Extinction. Revisa el sangriento film francés de 2007 Al interior, con un guión coescrito por Jaume Balagueró y Manu Díez, que ya habían trabajado conjuntamente en [Rec] 2. Éstos respetan al milímetro el punto de partida del original, aunque luego introducen algunas variaciones, por ejemplo añadiendo inteligencia a su psicópata. Esto la hace más peligrosa, lo que ayuda a que el conjunto se acerque más al cine de suspense que al gore del original. Dirigida con pericia con planos imaginativos, provoca mucha tensión la vulnerabilidad de una protagonista en estado. 17 años después de su prometedor trabajo con David Lynch en Mulholland Drive, Laura Harring, actualmente en horas bajas, realiza un eficiente trabajo como perturbada peligrosa, mientras que Rachel Nichols (Continuum, Alias) cumple como su víctima. Pero a pesar de un par de secuencias resultonas muy en la línea de Secuestrados, el mejor trabajo hasta el momento de Vivas, el juego del gato y el ratón en la misma casa no da para 90 minutos de metraje, por lo que el film acaba resultando repetitivo y monótono, además de que su desenlace no sorprende tanto como pretende.

En los años finales de la Guerra Civil un grupo de falangistas disfruta saliendo todas las noches para limpiar (“purgar”, dicen ellos) de rojos el pueblo de Getxo y sus alrededores. En una de esas salidas, Rogelio, uno de los asesinos, queda “tocado” por la intensa mirada de un niño de diez años que presencia como él se lleva y ejecuta a su padre y a su hermano adolescente. Desde ese momento la vida del falangista cambia y tras saber que el propio niño enterró los cadáveres y plantó un hijuelo de higuera en la tierra, Rogelio decide dedicar su vida a regar ese árbol. Una marcianada. La directora Ana Murugarren (Tres mentiras) adapta una novela del bilbaíno Ramiro Pinilla, autor que acostumbraba ambientar sus historias en su Getxo natal. Pero no por provenir de un material escrito previamente deja de ser descabellado el guión de la propia Murugarren, que abusa agotadoramente de los clichés de la España de la Guerra Civil, de falangistas de cabeza hueca, de la cortedad del pueblo llano, todos ellos una panda borreguillos a la hora de admirarse y postrarse religiosamente ante un cúmulo de paparruchadas que consideran algo extraordinario. El protagonista se convierte así en una especie de ermitaño laico de tres al cuarto, molesto para unos y santurrón para otros, cuando en realidad es simplemente un pobre tipo desarrapado al que se la ido un poquito la cabeza. En medio de un conjunto que va adquiriendo poco a poco un tono surrealista, de relato berlanguiano, no parece haber un sentido oculto, aunque quizá se esconda alguna metáfora sobre el mal y su castigo, digo yo. Pero en fin, quién lo sabe, porque el espectador buscará en vano un motivo del actuar del protagonista, cuyo peregrino personaje le va al pelo a Karra Elejalde.

Martina Stoessel se convirtió en una celebridad cuando tenía 14 años, gracias a una serie de televisión argentina, producida por Disney, titulada Violetta. La historia, dirigida a un público juvenil, seguía el planteamiento de otras series de éxito de la cadena –Hannah Montana principalmente– en donde una jovencita descubre el mundo de la canción y asombra a todo el mundo con su carisma y su voz. Como en los casos de Miley Cyrus o Demi Lovato, la actriz protagonista pasó a convertirse en estrella y empezó a grabar sus propios discos y celebrar sus conciertos. Pero, pasado el tiempo, el personaje de ficción tenía que dejar paso a la persona real. Así las cosas todo indica que la producción de la película Tini, el gran cambio de Violetta podría entenderse como una operación de marketing encaminada a cambiar en la opinión pública el nombre de la artista hasta ahora conocida como Violetta para convertirse definitivamente en Tini, con lo que se unificaría su nombre real (apelativo de Martina) con su nombre artístico. Para llevarlo a cabo el guionista Ramón Salazar (Tengo ganas de ti) ha pergeñado una historia romántica que cuenta justamente eso, articulada, claro está, dentro un relato de ficción con los mismos personajes de la serie musical que llevó al éxito a la artista argentina. El argumento narra cómo Violetta entra en crisis tras creerse engañada por su querido novio León, y agobiada por los fans decide desparecer del circuito mediático. Recalará entonces en un pueblecito de la costa de Italia y allí se reencontrará a sí misma. No se oculta que la película es un producto diseñado para los fans, de modo que hay un poco de todo: canciones, bailes, lagrimitas varias y en general mucho corazoncito a flor de piel. El director Juan Pablo Buscarini (El inventor de juegos) entrega lo que se espera, un puñado de buenos sentimientos repartidos a los largo y ancho del metraje, aunque también es capaz de mostrar su talento tras la cámara en la larga secuencia final. Esto no quita que el derroche de buenismo imperante resulte un tanto agotador y que los encuadres de postal relamida sean tan continuos que dan al conjunto un aire irreal, de tal cursilería que a veces parece que estamos dentro de un spot de perfume. Gustará por eso especialmente a las jovencitas adolescentes y preadolescentes seguidoras de Martina Stoessel, quien, por cierto, resulta muy simpática y hace un buen trabajo como actriz.

Daniel Guzmán, actor de series como Aquí no hay quien viva y largometrajes como Mía Sarah, ganó como director un Goya en 2003, al mejor corto, por Sueños. Debuta en la realización de un largometraje con A cambio de nada, donde también ha escrito el guión, que incluye algunos elementos autobiográficos. Darío, adolescente de un humilde barrio madrileño, no logra encajar demasiado bien la dura separación de sus padres, por lo que se está echando a perder. No sólo saca cada vez peores calificaciones, sino que empuja a su inseparable amigo y vecino Luismi por el mal camino, pues ambos roban artículos en grandes almacenes, y piezas de moto que venden al propietario de un taller de reparaciones sin muchos escrúpulos. No le faltan buenas intenciones a Guzmán, que habla de los terribles efectos de la desestructuración familiar, y de la tensa situación que se produce cuando los hijos quedan atrapados en medio de dos progenitores que se guardan rencor. Su film tiene también interés social, al hablar de chicos desfavorecidos, en un tono que trae a la mente títulos como Deprisa, deprisa, Barrio, El Bola, y en algunas secuencias los exitosos filmes del cine quinqui de los 80, como Perros callejeros, con sus delincuentes juveniles. Ha captado muy bien determinados ambientes, que Guzmán parece conocer a fondo, y personajes representativos a los que sabe encontrar aspectos positivos sin ocultar sus miserias. Le ayudan los espontáneos jóvenes Miguel Herrán y Antonio Bachiller, cuyos personajes parecen bastante naturales, sacados de la calle. Igual ocurre con Antonia Guzmán, la nonagenaria abuela del cineasta, que en un personaje que debe ser muy similar a sí misma transmite gran serenidad y resulta entrañable. Les arropan los actores de primera fila Luis Tosar, Felipe Vélez y María Miguel, con su fuerza habitual, pero a los que posiblemente por respeto, Guzmán no se ha atrevido a contener. También peca de defectos de principiante, alargándose demasiado en ocasiones, o con reiteraciones que dan al traste con algún hallazgo, por ejemplo la inexplicable pasión del dueño del taller por las canciones de Julio Iglesias, que al principio resulta hilarante, pero acaba agotando. Su principal defecto reside en que le falta sutilidad a la puesta en escena, y también cuando en la secuencia del juicio se empeña en reiterar el mensaje del film, por si alguien no lo ha captado.

Han pasado nueve años desde que una extraña plaga que convertía a las personas en peligrosos infectados acabara prácticamente con la humanidad. Sin razón aparente, las amenazadoras criaturas han desaparecido, por lo que Patrick vive aislado pero con cierta tranquilidad, con la pequeña Lu. Pero en las inmediaciones reside Jack Tercer largometraje de Miguel Ángel Vivas, tras Reflejos y Secuestrados, aunque se trata del primero que rueda en inglés. Con esta adaptación de la novela “Y pese a todo”, de Juan de Dios Garduño, intenta emular los grandes éxitos del cine de zombies e infectados, cuando está de moda la serie The Walking Dead. En España se ha demostrado un enorme talento para el terror en títulos como Los otros o [Rec], pero a Miguel Ángel Vivas –coproducido por Francia y Hungría– le falta la frescura de ciertos realizadores patrios, pues aquí todo remite a Soy leyenda, a cualquier película de zombies estrenada anteriormente, o a films sobre el fin del mundo como la española Fin. A Extinction le faltan secuencias de tensión logradas, pues en gran parte del metraje parece que tiende hacia el drama humano, centrándose en las relaciones entre personajes. Pero éstos tienen escaso interés, no están bien construidos, y el desarrollo narrativo se antoja muy poco coherente, además de que está resuelto con unos flash-backs que resultan agotadores. Jeffrey Donovan realiza un trabajo correcto, así como la pequeña Ahna O’Relley. Pero Matthew Fox no parece capaz de superar su encasillamiento como médico de Perdidos. También desentona la española Clara Lago, que aunque interpreta en inglés no puede evitar remitir a 8 apellidos vascos.

Por regla general, la esposa de Carlos, ejecutivo bancario, se ocupa de llevar a sus dos hijos al colegio. Un día decide acercarles en su coche, pero poco después de emprender el camino, recibe la llamada anónima de un tipo que parece conocerle a fondo, y que le avisa de que le ha colocado una bomba bajo los asientos que se activará si alguien se levanta. También podría detonar él mismo los explosivos, si no le transfiere una elevada cantidad de dinero, en poco tiempo... Sorprendente debut en el largometraje de Dani de la Torre, hasta ahora cortometrajista, que compone un thriller frenético de ritmo 'in crescendo', que por momentos parece estar a punto de ahogar al espectador. En cierta forma, el realizador parece haber heredado el espíritu del ameno y trepidante cine de Tony Scott, al que no por casualidad le dedica el film en los títulos finales, pero sin recurrir a los frenéticos montajes del fallecido británico, lo que funciona bastante bien. De hecho, el español se luce precisamente cuando se distancia, por ejemplo en un largo (y brillante) plano secuencia que presenta a la jefa de artificieros, un personaje que tendrá mucho peso en el desenlace. Parte de un guión de Alberto Marini muy superior a otros trabajos suyos, como Extinction o Mientras duermes, que integra muy bien los giros y está lleno de situaciones estremecedoras, a pesar de que todo transcurre casi al completo en un coche. Pero sobre todo, el texto logra dotar de enorme humanidad a todos los personajes, incluso a los que toman una posición equivocada. Esto último posibilita impecables trabajos de un reparto que cuenta con el todoterreno Luis Tosar, de nuevo a su nivel habitual en un film que se estrena muy poco después de Ma ma, donde se le nota un poco perdido. Le respaldan dos modélicos niños actores, Paula del Río (con más papel) y el jovencísimo Marco Sanz, y excelentes secundarios, como Javier Gutiérrez, que demuestra que no ganó el Goya por La isla mínima porque le sonó la flauta. Algunos logran mantener el tipo a pesar de que su personaje sobre el papel resulta un tanto simple, como Fernando Cayo, responsable de las fuerzas policiales, y Goya Toledo, la madre. Quizás destaque sobre todos ellos la veterana Elvira Mínguez, en un papel distinto a los que ha interpretado hasta ahora, una jefa de artificieros que refleja la mirada de quienes tienen vocación de servicio público en situaciones extremas. En la temporada de premios tendrá mucho que decir. Quizás se note la condición primeriza del realizador en el tramo final, que se alarga un poco más de lo necesario, quizás con algún diálogo un tanto reiterativo o innecesario. Pero este defecto no hace naufragar el conjunto, ni ensombrece el mérito de que El desconocido introduce equilibradas críticas al sector bancario, en relación con la actualidad, tratando de defender todas las posturas, y advierte de los riesgos de descuidar a la familia. En suma, cuenta con todas las papeletas para seducir al gran público.

En una mañana lluviosa, seis enmascarados asaltan la sede central del Banco Mediterráneo, en Valencia. El grupo, liderado por "El Uruguayo", tiene previsto en teoría vaciar las cajas de seguridad y escapar por un túnel excavado que comunica con el metro. Pero éste ha quedado inundado, pues ha caído demasiada agua, y además uno de los empleados consigue presionar el botón de alarma, por lo que la policía rodea el lugar. Mientras, Ferrán, jefe de gabinete de la presidenta de la Generalitat Valenciana, se entera del atraco, pero descubrirá que los culpables no son simples ladrones, sino que alguien de su partido les ha enviado allí por algo... Tras Combustión, una de carreras automovilísticas callejeras, Daniel Calparsoro trata de seguir la línea de los nuevos thrillers españoles, cuya trama policíaca sería una excusa para la crítica social. Para ello ha reclutado al libretista Jorge Guerricaechevarría, responsable de Celda 211 y El niño (y al actor de ambas Luis Tosar), aunque el cineasta parece tener en mente sobre todo La caja 507, con la que la trama tiene algunos puntos en común (el intérprete de aquélla, José Coronado, también interviene aquí de forma breve). Al realizador se le da bien componer eficaces secuencias de acción, por lo que el arranque resulta bastante prometedor, y logra que su reparto sea convincente. Por desgracia, le falta una vuelta de guión a los personajes, a los que les falta un toque de humanidad que les saque del maniqueísmo. Acaba perdiendo definitivamente a Calparsoro su poca sutilidad para la denuncia, y su ansia por meter demasiados temas: la corrupción política, los desahucios, las preferentes y las malas praxis de los bancos, las reducciones de plantilla... ¡y hasta el corralito argentino! Una cosa es rodar cine negro que describa lo peor de la sociedad (la base de los mejores clásicos del género) y otra componer un panfleto, donde aunque no se menciona ningún partido político sólo falta que el realizador nos indique a quién piensa que debemos votar en las próximas elecciones.

Los hermanos Zipi y Zape son enviados a pasar el verano a un centro de reeducación en medio del campo, donde está prohibido jugar, aquello se parece más bien a una cárcel o a un campo de concentración. Sin embargo, con ayuda de otros compañeros rebeldes como ellos, están dispuestos a desafiar al director del colegio Esperanza, el temible Falconetti, fundando el Club de la Canica. Pronto descubrirán que el lugar esconde secretos que pondrán a prueba su espíritu aventurero, y a sus andanzas se sumará la simpática Matilde, sobrina de Falconetti. Cinta familiar de producción española, que adapta los personajes de tebeo de Editorial Bruguera creados por José Escobar. Bien es cierto que sus señas de identidad son sencillas, Zipi es rubio y Zape moreno, llevan un uniforme muy característico y ambos son muy traviesos. Los conocedores del cómic quizá echen en falta a don Pantuflo Zapatilla y su esposa Jaimita, que no tienen presencia alguna en la película. En cualquier caso, la sencilla trama de la cinta, de tono decididamente aventurero y pensada para los chavales, podía estar protagonizada por otros personajes cualesquiera. Óskar Santos, que además de televisión había dirigido un thriller, El mal ajeno, entrega una película entretenida, ambiciosa en su diseño de producción y efectos visuales, a la que le gustaría poder decir que juega en la división de Harry Potter o Los goonies, aunque eso sería decir demasiado. A los pequeños actores les falta un punto de gracia –casi funciona mejor el gordito Fran García como Filo que los protagonistas Raúl Rivas y Daniel Cerezo, Zipi y Zape–, y entre los adultos sólo sobresale Álex Angulo como Esperanza en las ingeniosas escenas del NoDo. Y al desarrollo narrativo, a base de resolver enigmas, le falta algo de chispa. Pero cumple sobradamente con la meta de entregar una película para todos los públicos, con potencial para ser vendida fuera de España. Lo que no es poco.

Hijos de las nubes es un interesante documental producido por Javier Bardem y Álvaro Longoria, con el responsable de Morena Films debutando en la dirección. Se trata de un importante esfuerzo de divulgación del problema saharahui, el drama de los refugiados desplazados en el desierto del Sahara Occidental y la división del territorio tras la descolonización del antiguo territorio español y la Marcha Verde promovida por Hassan II en aras del Gran Marruecos. El film ofrece una lección de historia reciente inconclusa con encomiable esfuerzo de objetividad, tratando de dar voz a todas las partes del conflicto, y reclamando una solución pues al final es el pueblo llano el que paga la falta de voluntad para arreglar lo que exige un arreglo. De modo que hablan expresando su punto de vista altas personalidades y diplomáticas de Francia y Estados Unidos -que claramente han apoyado a Marruecos, con la mala conciencia de su aliado conculcaba derechos fundamentales-, algunos españoles como ex presidente del gobierno Felipe González, y por supuesto representantes del Frente Polisario; también gente del pueblo y representantes de organizaciones no gubernamentales. En cambio, a pesar de los esfuerzos realizados, las autoridades de Marruecos y Argelia -este país ha armado a los saharahuis- han rehusado hacer declaraciones, y Longoria ha de conformarse con material de archivo, abundante en lo referente a intervenciones de Hassan II. Javier Bardem tiene una importante presencia en Hijos de las nubes. Precisamente enmarca la narración la invitación de Naciones Unidas al actor para explicar el problema del Sahara, y él personalmente acompaña a Longoria en su periplo para recolectar declaraciones, explicando cómo se dio cuenta de la entidad del problema por primera vez cuando acudió al FiSahara, un Festival de Cine para los refugiados. Curiosamente el perfil político de Bardem, que se ha significado políticamente demasiado a menudo con la izquierda más beligerante, puede pesar como una losa en la difusión amplia de un film que merecería llegar al gran público, que desconoce realmente el problema del Sahara.

José Crisanto Gómez Tovar es un campesino, padre de familia numerosa, que viven en la selva colombiana, donde ha sufrido las consecuencias de la violencia, primero de los paramilitares, y ahora de la guerrilla de la FARC, las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia. Un día se presentan en casa de José Crisanto unos guerrilleros y le entregan a un bebé de pocos meses y maltrecha salud, pidiéndole que lo cuide sin llevarlo a ningún centro hospitalario. Al principio obedece, pero cuando la vida del pequeño corre peligro lo lleva al hospital, asegurando que es el hijo de una pariente fallecida; terminará en manos de la asistencia social del estado. Dos años después, la FARC reaparece en la vida de José Crisanto, reclamando al niño dejado en custodia. Nueva colaboración de Antonio Onetti, guionista, y Miguel Courtois, director, tras El Lobo (2004) y GAL (2006). Como en esos filmes, en Operación E parten de hechos reales, y logran sin duda su mejor trabajo: la historia resulta creíble y está bien contada, de modo que el espectador participa de la tragedia personal del protagonista, que siguiendo el instinto de supervivencia, debe defender a los suyos, cuidar de un inesperado bebé, y templar gaitas con la guerrilla, a la que se suman luego las legítimas autoridades. Hay sobriedad y verismo en la narración, a la que se imprime una suave ironía por cómo acaban discurriendo las cosas; Luis Tosar entrega una interpretación de enorme mérito, realmente se transfigura en su personaje. Puestos a poner alguna pega a Operación E, está la dificultad de entender a algunos personajes por su español, tan cerrado, aunque pese a todo la historia se sigue perfectamente.

Recreación del tristemente célebre asesinato de las niñas de Alcàsser. Aquí seguimos a tres jóvenes, Sara y Adriana que acuden a una fiesta en  la playa. Les espía un tipo que luego se ofrece a acompañarlas. Impresionadas por su auto, aceptan la invitación sin sospechar con quién se las van a ver. Daniel Calparsoro, después de La ira, reincide televisivamente en narrar una triste página de la crónica de sucesos española. El resultado es simplemente correcto.

Diego es un médico que trabaja en la unidad del dolor del madrileño Hospital de la Paz. Buen profesional, parece completamente insensible a las dolencias ajenas, se ha dicho y repetido que las enfermedades de los pacientes no deben afectarle emocionalmente. Este cultivo de la insensibilidad le ha llevado también a alejarse de sus seres queridos, su mujer médico, su hija adolescente, su padre, médico jubilado. El traumático suicidio ante él del novio de una paciente supone el inicio de un extraño camino, que le hará ver las enfermedades y las personas que las padecen de un modo diferente. Debut en la dirección del cortometrajista Óskar Santos, ha contado con el padrinazgo de Alejandro Amenábar, y en la producción están también otros dos nombres importantes del cine español, Fernando Bovaira y Álvaro Augustín. Además el libreto se debe a otro cineasta en alza, Daniel Sánchez Arévalo. El planteamiento del film, de elegante puesta en escena, es el de una fabulilla insertada en la cotidianidad, donde se recuerda que para tener el corazón grande con los que tienes al lado, también es necesario compadecerse del mal ajeno. Así que la cosa discurre al modo de un 'cuento asombroso', quizá demasiado estirado y con algunos giros dramáticos poco consistentes, pero que logra mantener el interés. Hay inteligencia en no buscar explicaciones al don de curación, y queriendo o sin querer, se entrega un completo catálogo de cierto males que afligen a la sociedad actual, y que sólo se pueden 'curar' con el tan necesario amor: infidelidad, crisis matrimoniales, incomunicación, suicidio, alcoholismo, consumo de drogas, sexo adolescente, falta de recursos para sobrellevar el dolor, ausencia de Dios... Hay acierto en el reparto, donde destaca un contenido Eduardo Noriega. Y algún contrapunto humorístico ayuda a un film desasosegante, como los momentos que comparte el protagonista con su progenitor, y con el paciente tullido.

Miniserie inspirada en un hecho real, la aparición en Betanzos de una pareja de novios descuartizada. Sigue a Marina, una estudiante que se siente atraída por Julián, no se sabe que se trata de un peligroso psicópata con gas de matar. Daniel Calparsoro se apunta a la tele, lejos ya de los tiempos de Salto al vacío. Entrega un telefilm desasosegante, donde cobra importancia el interrogatorio policial del asesino Julián.

Tomás, maduro y exitoso escritor, ha pasado cuarenta años fuera de España, desde que dejó su pueblo natal siendo un niño. Tras morir su mujer, recibe en su domicilio `el enamorado´, una de las cartas del tarot. Hubo una persona en el pasado que le mandaba naipes similares, cuando todavía vivía en España, pero esa persona, una misteriosa mujer de la que se enamoró siendo un niño, murió hace cuarenta años. Tomás decide regresar a su pueblo para averiguar la verdad. El protagonista de El Bola encabeza el reparto del episodio de Películas para no dormir dirigido por Mateo Gil, artífice de Nadie conoce a nadie. Más que terror, el cineasta se decanta por el camino del suspense, con elementos románticos.