Ray Milland

Cinta española de serie Z sobre un monstruo prehistórico, dirigida por Amando De Ossorio con el pseudónimo americano de Gregory Greens, para tratar de hacer creer a los espectadores que se trataba de un film de dicha nacionalidad. Para ello, además, se rodó en inglés y contó con el protagonismo de Timothy Bottoms y de la hija de Tyrone Power –Taryn–. Fue la última aparición en cine de Ray Milland. Un avión americano suelta una bomba atómica en el mar, lo que despierta a una enorme serpiente marina de las profundidades. El bicho acabará provocando el caos por donde quiera que va.El film es un vano intento de regresar al mito de Godzilla, rodada sin ninguna gracia ni estilo. Los efectos visuales convierten en obras maestras a las películas de la "Fantastic Factory".

Sherlock Holmes es uno de los personajes de ficción que más veces ha sido llevado a la pantalla, compartiendo honores con Tarzán o Drácula, por citar otros pesos “pesados” cinematográficos. Su primera aparición en la pantalla data de 1903, con Sherlock Holmes Baffled. El largometraje que nos ocupa fue rodado para la televisión, aunque estrenado en cines en algunos países. En su argumento, Holmes está retirado aunque acepta hacerse caso de una última investigación sobre unos misteriosos asesinatos. Al detective de la pipa y la gorra creado por Sir Conan Doyle le da vida Peter Cushing, quien ya lo había encarnado anteriormente en El perro de Baskervilles (1959). Le acompañan tres viejas glorias del Hollywood clásico como Anne Baxter, Ray Milland y John Mills.

Ya en los estertores del cine de catástrofe, que tan buen resultado en taquilla había cosechado en los años 70, se rodó este telefilm que se estrenó en salas de cine en buena parte del mundo –entre ella, España– gracias a su apañado reparto con Lee Majors, Lauren Hutton, Tess Harper y Ray Milland. Sigue la base central de la saga de catástrofes aéreas, cuya primera parte fue Aeropuerto (1970) y la última Aeropuerto 79: Concorde en 1979. Como se puede apreciar, Vuelo a las estrellas ya llegó tarde a la serie y su resultado iguala la catástrofe de su argumento con la de realización cinematográfica. Se trata del rescate del primer avión hipersónico que hace el viaje de Nueva York a Londres en cuatro horas pero que, por diferentes problemas, se dirige fuera de la atmósfera, lo que podría suponer la muerte de todos sus pasajeros.

Es la continuación de la exitosa y tremendamente romántica Love Story (1970), en la que un jugador de hockey y una estudiante se enamoran con pasión. En esta ocasión, Oliver Barret (Ryan O'Neal) sigue por sus fueros, y emprende un meloso romance con Marcie Bonwit (Candice Bergen). Una sutil historia de amor que al espectador le resultará demasiado lánguida para los tiempos que corren. A pesar de todo, la música de Francis Lai recibió un Oscar de la Academia y el libro de Erich Segal – basado en su propio guión– fue un best seller. Muy sensiblera y apta para fans de Ryan O'Neal.

El 13 de julio de 1977, un gran apagón sembró el caos en la ciudad de Nueva York produciéndose una oleada de delincuencia en el país sin precedentes. Esta película intenta reflejar este hecho desde una perspectiva más próxima al subgénero de las "explotaition" y sin ningún interés por los personajes y las consecuencias sociales del hecho. Así que asistimos a una sucesión de violaciones, actos salvajes de bandas callejeras, millonarios asaltados, secuestros, crímenes y pillaje. Aunque sin el menor orden ni concierto. Como si de una película de catástrofes se tratase –pero de las malas–, su reparto se alimenta de rostros conocidos como los de June Allyson, Robert Carradine y Ray Milland.

A raíz de la popularidad de la tremenda Mandingo (1975), se rodaron muchos subproductos sobre las torturas –principalmente sexuales– a esclavos y esclavas negras. El título que nos ocupa es uno de ellos, como demuestra su contundente frase publicitaria: "No eran seres humanos, eran fieras salvajes dominadas por el látigo del hombre blanco". A pesar de ser cine de nula calidad, allí estaban actores como Trevor Howard –con enormes patillas–, la sueca Britt Ekland, Ray Milland y Cameron Mitchell, liderados por el Tarzán televisivo Ron Ely. En el año 1884, un matrimonio huye a África tras un duelo de honor. Allí hallarán un mercado de esclavos brutal comandados por un tal Da Silva (Mitchell), un hombre déspota y cruel al servicio de un traficante sin escrúpulos.

Un estertor del subgénero italiano conocido como "giallo" (o cine de terror con abundancia de sangre, erotismo y trucos de guión), contando para la ocasión con ex estrellas norteamericanas como Mel Ferrer y Ray Milland. El film es una coproducción con España, por lo que también encontramos en su reparto a Fernando Fernán Gómez, Ramiro Oliveros y Antonio Ferrandis en un imposible rol. La chica en cuestión es la bella y delgada italiana rubia Dalila Di Lazzaro, de efímera fama en películas de destape y presunta amante del productor Carlo Ponti (para más escándalo, casado con Sophia Loren). Para añadir más polémica al asunto, en su cartel anunciador se mostraba un trasero. El cadáver de una muchacha aparece en una playa, siendo un inspector quien se hace cargo del caso. Dispuesto a no ceñirse a las normas, irá descubriendo bastantes asuntos turbios indagando en la personalidad de la víctima.

Coproducción entre Alemania y Estados Unidos repleta de intriga, acción, persecuciones de coches, suspense, subtramas políticas, algo de erotismo (no en vano en su reparto están dos de las divas del subgénero como la austriaca Senta Berger y la sueca Elke Sommer), paisajes exóticos –en este caso Suiza–, tiroteos y vacío de contenido en cuanto a personajes se refiere. Música del alemán Klaus Doldinger, después célebre por su score para El submarino. Un banquero suizo descubre que uno de sus clientes es víctima de un chantaje, por lo que contacta con un agente especial del Tesoro de los Estados Unidos para que averigüe quien está detrás del delito. Poco a poco irá deshilando una compleja madeja que puede dar lugar a demasiadas víctimas colaterales.

Disparatada secuela televisiva de La semilla del diablo, en la que por supuesto no tuvieron parte ni Ira Levin ni Roman Polanski. De hecho, del film original, sólo permanece la actriz Ruth Gordon con su papel de Minnie. Aquí tenemos a los adoradores del diablo y a un niño satánico con doble personalidad, casi como si fuera esquizofrénico. Abundan los sustos y falta sutileza. Para dar empaque a la cosa aparecen fugazmente en pantallas viejas glorias como Broderick Crawford y Ray Milland. A destacar como risible el pastel de cumpleaños del chaval, con las velas dispuestas en siniestro pentagrama.

Adaptación de la obra inconclusa de F. Scott Fitzgerald sobre Hollywood. Curiosamente, este título cierra no sólo la producción del célebre escritor, sino la del cineasta que lo llevó a la pantalla, Elia Kazan. Aunque tiene imperfecciones, el film es una fascinante mirada a la era dorada de la meca del cine, donde los jefes de estudio hacían y deshacían a su antojo. Hay lugar para la visión romántica, no podía ser de otro modo con Fitzgerald, a través del personaje de Monroe Stahr (Robert De Niro), casi tan enigmático como el gran Gatsby.

Nueva versión del filme de 1931 Journey´s End, dirigido por James Whale según una obra teatral de R. C. Sheriff. Este “remake” muestra más interés por las escenas aéreas que por el drama de los personajes, lo que sirve para crear una especie de cine-espectáculo apoyado en la popularidad que por aquel tiempo tenía Malcolm McDowell después de su impresionante aparición en La naranja mecánica. Le acompañan actores ingleses de solvencia y prestigio como Peter Firth, John Gielgud, Ray Milland y Trevor Howard, pero ninguno puede disimular cierta apatía ante lo que acontece. Durante la Gran Guerra, el escuadrón de elite número 76 es considerado como el baluarte de la defensa aérea británica por su valor a la hora de afrontar las situaciones más difíciles. Su líder, el mayor Gresham no puede soportar la muerte de sus hombres y se da a la bebida.

Historia de la familia Jordache. Se centra en la figura de los hermanos Rudy y Tom. A lo largo de los años, sus vidas toman diversos rumbos. Mientras uno de ellos se precipita hacia la destrucción, el otro acumula riqueza y poder. Miniserie de doce capítulos, de enorme éxito a finales de los 70, que adapta la novela de Irwin Shaw. Ganó 4 premios Emmy y 3 Globos de Oro. Sigue los pasos de los personajes a lo largo de los años, en el marco de acontecimientos históricos como la Guerra de Corea.

Cine de catástrofes producido para la televisión estadounidense, aunque estrenado en salas de cine europeas. Para su argumento se escogió la novela "Jet Stream" de Agustin Ferguson, donde un preso se escapa en el interior de un avión provocando el terror entre los pasajeros y poniendo en peligro la vida de los mismos. Como solía ser habitual en este tipo de productos, primero vamos conociendo los problemas de los distintos personajes, y después cómo afrontan la realidad del asunto, estando estereotipados cada uno de ellos: el héroe (David Janssen, el conocido "Fugitivo" televisivo), el cobarde, la chica, el gracioso... Atención especial merece su reparto, con el matrimonio Lynda Day George y Christopher George. Aunque no resulta muy agradable ver en papeles de cartón piedra a grandes actores como Broderick Crawford.

Entretenida producción familiar de la Walt Disney dirigida por el especialista John Hough. Relata las peripecias de dos hermanos adoptados y con poderes premonitorios, a los que un ambicioso empresario intenta usar en su beneficio. Ellos, por su parte, ansían viajar a una montaña encantada que guarda un misterioso secreto y que podría darles pistas para averiguar el origen de sus misteriosos poderes. Pero para llegar hasta allí deberán escaparse de su temible jefe. Tuvo una continuación cinematográfica titulada Los pequeños extraterrestres, y una versión televisiva. Para pasar el rato.

El productor Michael Klinger se sintió atraído por el best seller "Goldmine", escrito por el sudafricano Wilbur Smith, donde se criticaba con dureza la explotación del continente negro por parte de los gobiernos occidentales para extraer de sus tierras el codiciado metal que da origen al título. Para otorgar la espectacularidad buscada se contrató al director Peter R. Hunt, experto en el tema por su cinta de James Bond 007 al servicio secreto de su majestad (1969), uno de los mejores de la serie. Oro se rodó en Blufflesfontein, a 170 kilómetros de Johannesburgo, en dos minas de oro a 5.000 metros de profundidad, con evidente riesgo para todo el equipo. El resultado es bastante atractivo en momentos como la inundación de la mina. Lo que sí es una obra maestra es la banda sonora de Elmer Bernstein, repleta de ritmo y fuerza sinfónica. Incluye tres canciones con letras de Don Black, siendo una de ellas, "Wherever Love Takes Me", interpretada por Maureen McGovern, candidata a la estatuilla.

Comedia de horror –o un horror de comedia, el asunto no está muy claro–, para la que se contó con la intervención de una de las leyendas de Hollywood como Ray Milland, que ya tenía experiencia en esto de las casas encantadas, como demostró en una de las pioneras sobre el tema: Los intrusos (1944). La mansión embrujada carece de cualquier atisbo de sentido en su argumento, limitándose a unas cuantas bromas de escasa gracia y a un curioso momento donde bailan unas muñecas. Dirige el australiano Peter Sykes, cuya escasa filmografía es digna de figurar entre las peores de la historia del cine con títulos como Demonios de la mente (1972) y La monja poseída (1976).

Producida por Andrew J. Fenady –especialista en películas de serie B– y la compañía creada por el actor Bing Crosby, se trata de una revisión bastante pobre de la clásica historia de crímenes en un museo de cera con figuras humanas. Que su acción se desarrolle en la Inglaterra victoriana es un error porque, como se puede apreciar en sus imágenes, el dinero no daba para decorados o vestidos mínimamente aparentes de la época. Al carecer de calidad cinematográfica alguna, lo mejor es detenernos en su reparto: toda una exhibición de viejas glorias relacionadas con el cine de terror como Ray Milland (recuérdese su participación en Los intrusos), Elsa Lanchester (La novia de Frankenstein) y el siempre tétrico John Carradine. El filme no llegó a estrenarse en España.

El director de un colegio y su querida contratan los servicios de un asesino profesional para que se deshaga del marido de ella. Este hombre saboteará un avión donde viaja la víctima para que todo parezca un atentado político. Pero a los amantes todavía les queda un último fleco de su siniestro plan: cuando eliminan al asesino para que no pueda identificarles el crimen es presenciado por un alumno del colegio. El director del centro no sabe quién es, sólo que ha dejado unos zapatos del número 32. Una de las numerosas aportaciones del cine español al subgénero italiano del "giallo" y que dio origen a títulos bastante curiosos como Las ratas no duermen de noche (1973), Los ojos azules de la muñeca rota (1973) y La muerte llama a las diez (1974). Protagoniza un veterano Ray Milland (Crimen perfecto), ya en horas bajas.

Digna de figurar en las antologías del disparate –aunque, bien pensado, con una temática similar a la de Cara a cara (1997), de John Woo–, en su trama encontramos a un científico loco que pierde literalmente la cabeza y, que, tras un experimento fallido con un gorila, se la trasplantan al cuerpo de un hombre negro (que aún mantiene su cabeza sobre los hombros). El problema viene cuando dicho médico es un tremendo racista e intenta tomar el control del cuerpo. Una de las numerosas producciones de serie B en que se vio inmerso Ray Milland tras su despedida de los grandes estudios de Hollywood. El actor fue mucho más allá que sus compañeros de generación, y no sólo vagó por toda Europa en títulos de ínfima categoría (Conspiración en Suiza, Un par de zapatos del '32) e intervino en inenarrables cintas de carácter fantástico (Frogs, Serpiente de mar), sino que incluso llegó a dirigir algunas de ellas como Pánico infinito (1962).

Una de las muchas películas de serie B que se rodaron durante los años 70 por parte de la compañía AIP (American International Pictures). Una de las constantes de esta productora eran cintas sobre bichos asesinos (Tentáculos, La tierra olvidada por el tiempo) y la ciencia ficción (En el corazón de la Tierra, Mundo futuro). Aquí reúne ambas tendencias al contar la historia de un magnate de productos químicos bastante indeseable que provoca un vertido tóxico en los pantanos. Esto hará que las ranas que allí se encuentran se conviertan en unas sanguinarias bestias de matar. Aunque los efectos visuales dejaban mucho que desear, el sentido del humor de mostrar a las viscosas ranas asesinas comiéndose a la gente le hizo ganarse ciertas simpatías entre los amantes del "trash cinema".

Un caso de espionaje centrado en la figura de un desertor ruso que pide asilo en la embajada de Estados Unidos en Beirut. Gorenko es un espía de la Unión Soviética que, harto de los crímenes de Estado cometidos por su gobierno, quiere pasarse al lado occidental con importante información. Por ello es escondido en la embajada norteamericana de Beirut hasta que puedan extraditarlo a Estados Unidos. Hasta allí se desplaza un oficial del ejército estadounidense que, en realidad, es un topo de los Servicios Secretos Soviéticos con la misión de matar a Gorenko. El film adapta la novela de Stephen Coulter. Es una coproducción entre Gran Bretaña y El Líbano, repleta de acción y trampas de guión repleta de rostros conocidos como los de Richard Roundtree (Shaft), Chuck Connors (El hombre del rifle), Max Von Sydow, Ray Milland y Broderick Crawford. Título irrelevante, de claras connotaciones televisivas.

Colombo, el detective de la gabardina, de voz grave que le gusta el tabaco de mascar, vuelve con más capítulos. Volverá a resolver todos los casos de crímenes mediante sus argucias e ingenio, siempre enmascarados por ese aire despistado. Peter Falk se mete en la piel del teniente Colombo en esta segunda temporada, donde 'Estudio en negro', 'La selva del invernadero', o 'Un partido crucial', son algunos de los títulos.

En una convulsa zona de Oriente, repleta de continuas guerras, masacres y luchas de poder, un científico acaba de crear una máquina que puede restaurar el orden en el lugar y acabar con el tráfico de armas. Sin embargo, grandes organizaciones dependientes de gobiernos occidentales no están dispuestas a que este descubrimiento salga a la luz y harán todo lo posible para eliminar a su inventor. Coproducción entre Estados Unidos y Sudáfrica que mezcla acción y aventuras de la peor forma posible, con algunos secundarios conocidos como Ray Milland y Cameron Mitchell y el protagonismo del irlandés Stephen Boyd (1931-1977), célebre por encarnar al malvado Messala en Ben-Hur (1959) para caer después en una barrena de títulos poco recomendables, casi siempre centrados en el cine de acción. Contiene un dinámico score de Francesco De Masi.

Recopilación de los capítulos de la primera temporada de las andanzas del teniente Colombo, alguien a quien se aplica bien aquello de que 'las apariencias engañan'. Pues pese a su aire de despistado que no se entera de nada (genial Peter Falk), resuelve los casos más complicados gracias a una increíble sagacidad. Uno de los episodios, 'Homicidio de acuerdo con el libro', está dirigido por el entonces principiante Steven Spielberg.

Ali MacGraw y Ryan O'Neal interpretan a dos jóvenes enamorados. Se conocen en la biblioteca porque ambos están estudiando. Ella es una chica equilibrada y responsable. Él es un chico sano y deportista, menos maduro que ella. Pero su amor está por encima de todo. Sienten una pasión irresistible el uno por el otro, y darían la vida por su amor si hiciera falta. Pero irremediablemente, este amor se torna en tragedia por una serie de circunstancias. Una de los dramas románticos más famosos de todos los tiempos. Narrada con habilidad por Arthur Hiller, cuenta de forma muy atractiva el proceso del enamoramiento entre dos jóvenes, su pasión, y el trágico desenlace. El romanticismo exacerbado que propone cae en la languidez por momentos. Muy tierna y terriblemente sentimental. La conocida banda sonora de Francis Lai ganó el Oscar en 1970. Tiene una continuación, bastante inferior, Historia de Oliver (1978), protagonizada por Ryan O'Neal y Candice Bergen.

Discreto thriller dramático, mejor interpretado que resuelto, sobre un hombre que que trabaja para una banda criminal y se ve obligado a huir de la policía y también de sus jefes tras asesinar a un policía. Dirige Jerry Thorpe, el hijo de Richard Thorpe (Ivanhoe), quien no alcanza la pericia de su padre. Protagonizan un avejentado y convincente Van Johnson (Brigadoon) y el 'seriote' Ray Milland (Crimen perfecto).

Última incursión en el cine del director William Dieterle. La película supuso el reencuentro entre él y Ginger Rogers, veinte años después de haber coincidido en el melodrama Te volveré a ver (1943). De hecho, sería la actriz quien recurriese a su viejo amigo al tener problemas con el director al mando, Victor Stoloff. Así que Dieterle se hizo cargo del film. Comedia romántica rodada en el Caribe, en la que la dueña de un burdel (Rogers) y a un aventurero sin escrúpulos (Ray Milland), parten en busca de un tesoro que supuestamente se encuentra en una iglesia. A pesar del cambio de director, la película acabó siendo un desastre y por culpa de unos impagos en su producción un tribunal de Nueva York prohibió su exhibición en salas comerciales, siendo emitida únicamente en la televisión americana.

El doctor James Xavier (Ray Milland) experimenta en sí mismo su último descubrimiento: una droga que aumentan la sensibilidad del ojo humano. Gracias a ella tiene capacidad para poder ver a través de los objetos, incluyendo a las mujeres sin ropa. Pero estas gotas también alteran la mente y Xavier se vuelve cada vez más violento hasta que tira a un colega suyo por la ventana. Convertido en un fugitivo encuentra trabajo en una feria ambulante como vidente, aunque sus ojos cada vez le martirizan más y más. Producción Corman de bajo presupuesto – unos 200.000 dólares­ para un título clásico del cine fantástico que supuso una breve recuperación de Ray Milland al primer plano de la actualidad. Apoyado en unos efectos visuales simples pero efectivos, y en un original planteamiento, sus escasos 80 minutos son suficientes para crear un ambiente repleto de símbolos que culmina en la metáfora de que el hombre no puede jugar a ser Dios porque, si no, deberá seguir lo escrito por San Mateo: "Si tus ojos te escandalizan, arráncatelos". Una joya.

Dirigida e interpretada por Ray Milland, el film es una fábula sobre el fin del mundo rodada en un momento clave de la historia norteamericana, marcada por el miedo al comunismo, la guerra fría, la amenaza cubana y los refugios atómicos que los ciudadanos construían para estar a salvo de la Tercera Guerra Mundial. Todo ello muy loable, pero de cara a plasmarlo en imágenes, el proyecto salió bastante chapucero y falto del más elemental rigor fílmico. La familia Baldwin, compuesta por el padre (Milland), la madre (Jean Hagen) y sus dos hijos (Mary Mitchell y el cantante Frankie Avalon), salen de Los Ángeles dispuesto a pasar unas tranquilas vacaciones en las montañas. Una vez allí son testigos de cómo la ciudad ha sido aniquilada por culpa de una nube tóxica. Tendrán que aprender a sobrevivir como salvajes, defendiéndose de los violentos supervivientes.

Tercera adaptación de Roger Corman de una historia de Edgar Allan Poe tras La caída de la casa Usher (1960) y El péndulo de la muerte (1961). Esta vez se basó en el relato "The Premature Burial", donde un estudiante de medicina tiene la creencia de que un día será enterrado vivo. Todo viene por un trauma infantil cuando escuchó los gritos que, desde su tumba, daba su padre cataléptico. Ni siquiera su boda logrará hacerle olvidar su lúgubre obsesión, que amenaza con desembocar en locura. A pesar de una conseguida atmósfera con decorados de segunda mano y niebla artificial, la película no acaba de funcionar debido a la reiteración de su idea central –el hombre que va a ser enterrado vivo– y de una desembocadura en cine policiaco fuera de lugar en el género de terror. Apropiada partitura de Ronald Stein basada en una canción popular que sirve como premonición a los actos psicóticos del protagonista.

Para su tercera película como director (después de Un hombre solo y Lisboa), el también actor Ray Milland eligió una historia basada en un caso real que sucedió durante la Segunda Guerra Mundial. En ella, el gobierno de los Estados Unidos libera a un delincuente de la cárcel con la condición de que les sirva para una misión casi suicida: infiltrarse entre las líneas de la Gestapo en Bélgica y sustraerles una lista de espías alemanes que tienen su base de operaciones en la mismísima Inglaterra. Imbuida en un tono de serie B y con mucho desorden en su narración, el film acaba siendo una amalgama de tópicos nada aconsejables para pasar una buena tarde. Sorprende, eso sí, su banda sonora, obra de uno de los más reconocidos talentos de la música británica, Richard Rodney Bennett.

Drama bélico dirigido por el británico John Gilling (1912-1984), que falleció en Madrid y demostró ser todo un especialista en películas de bajo presupuesto y escasa calidad, dentro de una filmografía donde encontramos títulos tan surrealistas como La plaga de los zombies (1966) y El sudario de la momia (1967). En High Flight el comandante Rudge, oficial de las Fuerzas Aéreas Británicas, encuentra a un joven cadete bastante rebelde que le recuerda a cómo era él a esa edad. Esto le lleva a rememorar que su propia inconsciencia provocó la muerte de su padre. Una serie de acontecimientos llevará a Rudge a salvar la vida de este joven durante unas maniobras. El protagonismo de Ray Milland no puede –ni debe– servir de excusa a la mediocridad de la cinta.

Western fronterizo de escasa difusión, a pesar de tener en su reparto a Ray Milland, Debra Paget y Anthony Quinn, y estar dirigido por un pionero como Allan Dwan (comenzó en el cine en 1911 y realizó casi 400 títulos). La época de los grandes estudios ya había pasado en Hollywood, y ahora todos ellos subsistían en producciones de bajo presupuesto y escaso nivel artístico. Este título, rodado íntegramente en México, sería uno de los últimos en ser dirigidos por Dwan, que se retiró del negocio en 1961, veinte años antes de su muerte.Un ladrón de bancos se hace con un copioso botín y planea retirarse huyendo a México. Para burlar la vigilancia de las autoridades contrata a un guía para que le lleve por las montañas. El problema está en que la mujer que siempre ha amado y a la que hace tiempo que no ve es la actual esposa de ese guía.

Basada en una serie de artículos sobre un caso real escritos por el periodista Anthony Lewis, el director y guionista Philip Dunne ideó un film de juicios con un trasfondo político de fondo. La historia presenta evidentes puntos en común con lo que estaba pasando en la industria del cine americano en estos momentos, con el senador McCarthy intentando que todos confesasen un pasado comunista y delatasen a sus compañeros. Ernest Borgnine es Bernie Goldsmith, un empleado de la Marina que es despedido de su puesto ya que las autoridades le consideran un riesgo para la seguridad nacional con el peregrino argumento de que en su juventud participó en una reunión ilegal. Goldsmith lleva el caso ante los tribunales, apoyado por un honrado abogado (encarnado por Ray Milland) que intentará demostrar el carácter patriótico de su defendido.

Rodada en la época de la guerra fría, se trata de una historia de espías producida por la Republic que su productor, director y actor principal, Ray Milland, quiso convertir en un nuevo Casablanca (no en vano contó con Claude Rains como secundario). Pero la ciudad no era la misma y los mejores tiempos ya habían pasado para él, con lo que el resultado no fue el deseado. Un capitán del ejército es contratado por una atractiva mujer para que localice a su marido, prisionero detrás del Telón de Acero. Sin embargo, todo resulta ser una trampa bien urdida con fines económicos. Mención especial merece la melodía de Nelson Riddle usada para ambientar el film y que, basada en una canción antigua lusa, fue un gran éxito de ventas.

Wes Steele es un pistolero que logra escapar de un intento de linchamiento. En su huída llega hasta Arizona, donde está llegando todo tipo de gente atraída por la "fiebre del oro" que asoló el Oeste americano. Allí se enamorará de la hija del sheriff, una joven bastante rebelde. Decidido a cambiar radicalmente de vida, primero debe arreglar los delitos de que le acusan. Debut en la dirección de Ray Milland, gracias a su nuevo contrato con la compañía independiente Republic. A pesar de su evidente esfuerzo y de estar rodada a color, a nadie pareció importarle la cinta. En su reparto encontramos nombres como los de Raymond Burr (célebre "Ironside" televisivo) y Lee Van Cleef, después consagrado como un icono del spaghetti western.

Esta película acabó siendo conocida por ser uno de los proyectos futuros de Marilyn Monroe. También sirvió para mostrar el lado más sensual de una nueva estrella en ciernes como Joan Collins –la mencionada chica de rojo, antes que Kelly LeBrock– aquí volviendo locos a los hombres según un acertado guión melodramático de Charles Brackett y Walter Reisch. Se trata de la biografía, más o menos realista, de Evelyn Nesbit (personaje que volvería a aparecer en Ragtime (1981), interpretada por Elizabeth McGovern), una joven corista que, en el Nueva York de principios del siglo XX, realiza un número bastante comentado sobre un trapecio. Al paso de los años, la encontramos casada con un celoso millonario que no puede soportar los romances que tuvo su esposa en esa etapa disoluta de su vida.

Tony Wendice (Ray Milland) es un antiguo jugador de tenis que planea asesinar a su rica esposa (Grace Kelly) y así hacerse con la herencia. Por su parte, la mujer mantiene un idilio con el escritor Mark Halliday (Robert Cummings). Para ejecutar su plan, Wendice recurre a un viejo conocido, quien le ayudará a poner en marcha el crimen perfecto. Alfred Hitchcock dirigió este estupendo thriller que se desarrolla casi en su totalidad en una sola habitación. En 1998 Andrew Davis hizo un remake muy inferior con Michael Douglas, Gwyneth Paltrow y Viggo Mortensen como protagonistas.

Con el exotismo de las tierras de Jamaica como telón de fondo –y un rabioso color en sus imágenes, que sirve para resaltar la belleza de la pelirroja Arlene Dahl–, surge esta simpática cinta de aventuras, en la que una humilde familia se siente acosada por un ambicioso productor inmobiliario que quiere comprarles su propiedad para construir un hotel. Para aprovechar la belleza del paisaje, en ocasiones parece que estemos asistiendo a un documental. Además de la mencionada Dahl, en el reparto destacan los nombres de Ray Milland (manteniendo con ella el inevitable romance de este tipo de historias) y Wendell Corey, quien fue presidente de la Academia de Artes y Ciencias de Hollywood a comienzos de los años 60.

Adaptación de la obra teatral de Arthur Richman que ya había sido llevada al cine en 1929 con el título de The Awful Truth, dirigida por Marshall Neilan. En ella, un celoso compositor pide el divorcio de su esposa al sospechar que ella está siéndole infiel con otro hombre cuando en realidad se trata de un equívoco. Pero ambos siguen enamorados y, aunque ninguno se niega a dar su brazo a torcer, comienzan un juego de celos buscando nuevas parejas. Comedia romántica en la que, naturalmente, todo acaba satisfactoriamente. La pareja protagonista –Ray Milland y Jane Wyman– saca a flote su convencional argumento, bien expuesto por el director Alexander Hall, uno de los más genuinos representantes de la comedia americana. Su tema musical, "The Call of the Wild", se hizo bastante popular.

Rodada en plena ebullición de la denominada "guerra fría", en su trama encontramos a un físico nuclear que está siendo vigilado por el FBI ya que se sospecha que, dentro de sus investigaciones, en realidad está realizando funciones de espionaje para los enemigos soviéticos. Un thriller que tiene la curiosidad de que carece de diálogos para narrar la historia, como si de cine mudo se tratase. De ahí que la importancia de la música sea fundamental, lo que llevó a su autor, Herschel Burke Gilbert, a ser candidato al Oscar a la mejor banda sonora. El público no pareció muy interesado en el experimento, aunque la película acabe creando un clima adecuado y un inédito tratamiento psicológico de los personajes.

Durante la Guerra Civil norteamericana, dos oficiales que eran amigos acaban enemistándose. Diez años después, con las guerras indias en plena ebullición, uno de ellos ha de ponerse a las órdenes del otro, algo que se complica cuando ambos se enamoran de la misma mujer. Como se puede uno imaginar leyendo el argumento, se trata del típico western de pasiones, odios y venganzas, esta vez con el telón de fondo de la célebre batalla de Little Big Horn donde los sioux masacraron al general Custer y a su Séptimo de Caballería. Entre los escasos alicientes de este título está el encontrar entre el trío protagonista a Ray Milland, uno de los actores más populares de los años 40 y ya bastante desplazado en el mundo del cine. En un breve papel encontramos a George Reeves, ya toda una celebridad gracias a su papel en Las aventuras de Superman y cuya vida daría origen al filme Hollywoodland, de Allen Coulter (2006).

Un hombre que ha conseguido salir del vicio de la bebida gracias a las reuniones de Alcohólicos Anónimos, se enamora de una actriz que se niega a admitir que se está convirtiendo en una borracha. El problema es que él duda si quiere realmente romper su matrimonio por ella. La pareja formada por Joan Fontaine y Ray Milland (que regresaba al papel de un hombre con problemas con la botella tras Días sin huella) funciona a la perfección, muy bien acompañados por la tercera en discordia, Teresa Wright. Aunque esta producción Paramount producida y dirigida por George Stevens se acabó de rodar en 1950, no se estrenó hasta dos años después.

Basada en la novela "A Baby for Midge", de James R. Webb –convertida en guión cinematográfico por él mismo–, se trata de un melodrama de la Warner que reunió a dos estrellas de productoras rivales como Gene Tierney (crecida en la Fox) y Ray Milland (libre tras 15 años en la Paramount). Su unión parecía dar más juego, sobre todo por la melodramática historia en que se ven envueltos. Ambos son el matrimonio Sheridan que, como no puede tener hijos, deciden probar el camino de la adopción. Pero no será tan sencillo ya que tienen que pasar por bastantes trámites. Así que cuando la esposa encuentra un niño abandonado decide quedárselo, ante las dudas del marido. Tierney siempre tuvo especial cariño a este film ya que le recordaba el trauma de haber dado a luz una niña con problemas en 1943.

Filmada en Gran Bretaña, la película intentaba rememorar clásicos títulos de Hitchcock –no en vano está producida por uno de sus más estrechos colaboradores, Joan Harrison– mediante una intrigante historia adaptada de una novela de Philip MacDonald en la que un norteamericano llega a Escocia para investigar el asesinato de su hermano ocurrido durante una acción militar nada clara de la Segunda Guerra Mundial. Allí se verá rodeado de gente que intenta impedir que descubra la verdad de los hechos. Este largometraje supuso el regreso al cine europeo del director francés Jacques Tourneur después de quince años de estancia en Hollywood creando clásicos como La mujer pantera (1942) y Retorno al pasado (1947).

Un excéntrico multimillonario, propietario de un equipo de béisbol de Brooklyn, deja su herencia de 30 millones de dólares a la mascota del club, el gato Rhubard. Gracias a este hecho el equipo comienza a sentirse motivado y a ganar partidos. Adaptación de una novela de H. Allan Smith, que en realidad era una sátira sobre la codicia, la fortuna de los ricos y la poca importancia del dinero para conseguir la felicidad. No hay que confundir con un mediometraje inglés de igual –y extravagante– título original de 1969, y que tuvo cierta fama entre el público snob de la época por ser una comedia muda. Dirige con solvencia y algo de locura argumental Arthur Lubin, que había conseguido una fábrica de hacer dinero con su serie sobre Francis, la mula parlante.

Película no estrenada en España (aunque sí emitida por televisión), lo que parece toda una suerte a raíz de la despiadada crítica aparecida sobre ella en la revista Time: "Tediosa historia sin ninguna novedad en su planteamiento y tan inútil como una nota de condolencia". Lo cierto es que el film muestra la cuesta abajo de Ray Milland, ya incapaz de encontrar proyectos interesantes en cine, y a punto de pasar al mundo de la televisión donde permanecería hasta su muerte en 1986. Acompaña al actor en el reparto Nancy Davis, esposa del que fuera presidente de los Estados Unidos y también actor Ronald Reagan. Un profesor felizmente casado con mujer y un hijo, cambia radicalmente de carácter cuando éstos fallecen en un accidente de automóvil. Es cuando cae en una gran depresión optando por la bebida y el suicidio.

Lily es una mujer que llega a Nueva York con el firme propósito de convertirse en una modelo. Las cosas comenzarán a irle bien y su carrera ascenderá. También se sentirá atraída por Steve, un hombre que está casado con una mujer que se ha quedado inválida. En principio, el papel de modelo con ganas de triunfar parece que le iba mejor a una actriz más joven, pero el carisma de Lana Turner (Cautivos del mal, La mujer X) no podía ser reemplazable. Le acompaña Ray Milland, en una época de su carrera todavía aceptable.

Western que, a pesar de estar filmado en technicolor, y tener un reparto más que interesante encabezado por Ray Milland y Hedy Lamarr y un buen director como John Farrow al frente del equipo, no funcionó como se esperaba, y estuvo en el cajón de la Paramount durante más de un año hasta que se estrenó (por cierto, fue la última película de la compañía donde apareció Milland después de quince años de contrato con estos estudios). La trama ocurre tras la Guerra de Secesión Norteamericana, cuando un grupo de derrotados veteranos del Sur intentan reconstruir sus vidas en las minas de cobre, encontrándose con todo tipo de dificultades. En efecto, un grupo de desalmados impiden el comercio a los sureños, amparados en la estrella del corrupto sheriff. Sin embargo, la llegada de un tipo, experto tirador que hace un número de feria, aviva la esperanza, pues los antiguos confederados creen reconocer en él a un prestigioso oficial sureño. Destacan la fotografía de paisajes de Charles Lang y la música de Daniele Amfitheatrof.

Susan Middlecott es una respetable y algo aburrida decana de una importante universidad, que siempre ha respetado las normas y es bastante estricta en la forma de educar a sus alumnos. Todo cambiará en su vida cuando conoce al profesor Alec Stevenson, con quien al principio no se lleva demasiado bien pero del que luego se va enamorando. Por supuesto los enredos y los distintos caracteres entre ambos formarán parte de los principales alicientes de la historia. Vehículo cómico para mayor gloria de la estrella Rosalind Russell, por aquel momento en declive de su apogeo físico aunque a lo largo de su carrera había demostrado ser especialista en comedias alocadas como Luna nueva (1940) y Ella y su secretaria (1942). Lo mejor es la aparición del entrañable Edmund Gwenn como su padre. Lucie Ball aparece en un cameo interpretándose a sí misma.

Sencilla aunque eficaz comedia sobre ese incomprensible deporte que es el beisbol y que, sin embargo, el cine americano ha mitificado en títulos como El orgullo de los yankees, El mejor y Una mujer en la liga, por poner solo algunos ejemplos de los cientos de títulos que sobre el tema pueblan el firmamento fílmico. Su argumento nos presenta al profesor Vernon Simpson (Ray Milland en un estupendo rol imitando a Fred MacMurray) como un químico que inventa un producto que repele la madera. Ideal para impregnar con él las pelotas de béisbol y que ninguna pueda ser bateada. Así, se convierte en la estrella pitcher (el que lanza las bolas, para entendernos) del equipo de San Louis, con el que comienza a ganar partidos entrando en las series finales de la liga. Shirley W. Smith y Valentine Davies fueron candidatos al Oscar al mejor argumento original.

También conocida con el título original de The Contact Man, se trata de una extraña cinta donde Ray Milland encarna al mismísimo Lucifer. Un diablo moderno –y bastante elegante, todo hay que decirlo–, que decide jugar con el alma de un honesto juez que aspira a gobernador. Concediéndole todo tipo de parabienes y favores, y engañándole con el pretexto de que todo es por el bien común, el juez acepta las reglas y entra de lleno en un mundo de corrupción y vida disoluta (incluyendo una estupenda rubia) que no sabe cómo parar. Afortunadamente para él, hay fuerzas del bien que pueden protegerle. Ingeniosa variante del mito de "Fausto" dirigida con ritmo de thriller por John Farrow (que un año antes había realizado el clásico de cine negro El reloj asesino) y no muy bien comprendida en su momento.

El editor de un importante periódico comete un crimen pasional. Para evitar que le descubran incrimina a un tipo al que no conoce que, casualidades de la vida, resulta estar ligado al diario. El "falso culpable" pondrá todos los medios para probar su inocencia. Buena muestra de cine de suspense, a cargo de John Farrow, que dirige a su esposa Maureen O'Sullivan. Otro matrimonio presente en el film es el compuesto por Charles Laughton (memorable su villano) y Elsa Lanchester. Cuarenta años más tarde se rodó un popular remake, No hay salida.

Uno de los primeros filmes en abordar la postguerra en Europa, y que sigue –en menor medida, eso sí– los pasos de la comedia de Billy Wilder, Berlín Occidente y el melodrama social Los ángeles perdidos, de Fred Zinnemann, todas ellas rodadas también en 1948. Está basada en la novela de Lionel Shapiro, y en ella se narra cómo un oficial americano es juzgado por crímenes contra la humanidad por haber ayudado en secreto a la Gestapo. Sin embargo, un abogado no está convencido de su culpabilidad y en compañía de una mujer que cree firmemente en su inocencia hará todo lo posible por echar por tierra las pruebas en su contra. Una lástima que tan prometedor planteamiento carezca del adecuado climax de suspense.

Producción de Hal B. Wallis para la Paramount, rodada íntegramente en Londres con un sobresaliente clima de suspense. Ray Milland sorprende en su primer papel de malvado –con miradas dignas de un buen psicópata, dando muestras de ser un gran actor en cuestión de ambigüedad moral– como un criminal que, huyendo de la justicia, encuentra a una joven e inocente viuda (Ann Todd) a la que seduce vilmente para robarle parte de su dinero e involucrarla en un crimen. Todo ello según una novela de Joseph Shearing, bastante más descriptiva y perniciosa de lo que aparece en su adaptación para la pantalla. El ambiente victoriano mostrado en las imágenes resulta notable gracias a la dirección artística de Thomas N. Morahan, así como a su banda sonora de William Alwyn y Victor Young.

A pesar de su título original –"El problema con las mujeres"–, no tiene nada que ver con el film de Blake Edwards ni en su forma ni en su fondo. Hay que tener en cuenta que estamos hablando de una comedia del Hollywood de los 40, con poca carga de profundidad y mucho tópico sobre las relaciones entre hombres y mujeres. Si a esto añadimos un guión algo anodino, un director sin excesivo talento y un reparto más bien modoso – donde aparece Lloyd Bridges, padre de Jeff Bridges–, pues el resultado deja bastante que desear. Un profesor escribe un libro sobre mujeres donde éstas no salen muy bien paradas. Para rebatir sus teorías y darle una lección, una periodista se introduce en su vida con el consabido romance entre ambos.

Película de época que se desarrolla en el Londres de finales del siglo XVIII, que aúna el melodrama romántico con el cine policiaco contando para ello con un reparto más que interesante con Teresa Wright, Ray Milland, el prestigioso actor de la escena británica Sir Cedric Hardwicke, Virginia Field y el mexicano Anthony Quinn en otro de sus ambiguos personajes como bohemio pianista español que es acusado de un crimen que no ha cometido. En su trama, Clive Loring, miembro del Parlamento, se enamora perdidamente de una artista de cabaret lo que puede acabar con su carrera política. Las cosas se complican cuando la chica es testigo de un crimen y la prensa comienza a husmear el asunto de su relación.

Simpatiquísima comedia musical, de argumento bastante peculiar, que a través de una historia de ficción cuenta la iniciativa solidaria de unos cuantos productores de la Paramount, que crearon obras benéficas para criar y educar a niños huérfanos. Así se nos cuenta la historia de Catherine Brown (Mary Hatcher), una joven que de niña fue abandonada en un cine y tras ser cuidada y criada por unos padres adoptivos, viaja a Hollywood al cabo de los años en busca de una oportunidad. La película acaba derivando en una comedia musical agradable y alocada, con números cómico-musicales bastante originales, como el que tiene lugar en la fiesta o la escena en que varios actores doblan una divertida película de dibujos animados. Variety Girl reúne, como si de una familia se tratara (la Paramount Pictures), a numerosas estrellas del Hollywood de la época, que aparecen en cameos o pequeñas escenas, a menudo humorísticas.

Western que cuenta la historia de cómo California se convirtió en un nuevo Estado de la Unión en 1848, con todos los tópicos posibles como la carrera por el oro y la construcción del ferrocarril. En su argumento romántico, Barbara Stanwyck –en su primera película en color– encarna a la amante de un político corrupto que es expulsada de la ciudad con muy malos modales por parte de las mujeres respetables del lugar. Rodado en exteriores naturales, lo cierto es que el ambiente de trabajo fue bastante áspero cuando Stanwyck exigió al director, John Farrow (padre de Mia Farrow) y con fama de déspota, que se disculpase ante un actor al que había maltratado verbalmente. Por supuesto, ni que decir tiene que ni director y actriz volvieron a dirigirse la palabra durante el resto del film. En su reparto destaca Anthony Quinn haciendo de mexicano.

Comedia romántica que reunió casualmente a la pareja Olivia de Havilland y Ray Milland, ya que la primera aterrizó después de que la actriz elegida en un principio – Paulette Goddard– se cayese del proyecto pocos días antes de comenzar el rodaje. En realidad, el film es una pequeña broma de 75 minutos que tiene lugar en San Francisco, cuando un hombre y una mujer pelean por una botella de champán que ella quiere para una boda y él para botar un barco. Lo mejor es la aparición de James Gleason (1882- 1959), un prolífico actor –que también fue guionista– que comenzó a trabajar a comienzos de los años 20, y que entre su prolífica carrera destaca por la nominación al Oscar que obtuvo en 1942 gracias a la comedia redonda El difunto protesta.

Una farsa con cierto estilo según la novela de Rosamund Marshall, que bebe directamente de la idea de Pygmalión. Esta vez se traslada la acción al Londres del siglo XVIII, donde unos conspiradores transforman a una chica de la calle (Paulette Goddard, tan divertida y natural como de costumbre) en una gran dama. Traman un plan consistente en casar a la muchacha con un noble de la Corte para sacarle todo el dinero posible. Ya su traducción al español deja bien a las claras las intenciones de la muchacha. Costosa producción en cuanto a recreación de la época se refiere, y aunque el guión no sea excesivamente divertido está dirigido con su solvencia habitual por Mitchell Leisen en su séptima colaboración con Ray Milland desde 1935.

Genial aproximación de Billy Wilder al grave problema del alcoholismo. Don es un escritor alcohólico, que pese a los esfuerzos de su hermano y su novia para ayudarle a superar la adicción, se siente incapaz de lograrlo. Durante un fin de semana elude la vigilancia de ambos y se sumerge en el abismo de la botella. Parafraseando a Wilder podemos decir que ‘todo es perfecto’ en este título, Oscar al mejor film y Palma de Oro en Cannes. Ray Milland hace creíble su papel, y se huye con acierto de todo sentimentalismo.

Musical rodado a todo color y con un gran diseño de producción, que adaptaba una conocida obra estrenada en Nueva York en 1941 con Gertrude Lawrence de protagonista. Esta actriz sería sustituida por Ginger Rogers en su versión cinematográfica, al igual que casi todo su reparto: Ray Milland en el papel que en teatro realizó Macdonald Carey; Jon Hall en lugar de Victor Mature; y Mischa Auer fue elegido para cine en lugar del gran bailarín de Broadway Danny Kaye. Además, las canciones originales de Kurt Weill e Ira Gershwin también fueron cambiadas en su traslación a la pantalla. Su argumento de editora de revista de modas envuelta sentimentalmente con tres hombres, no daba mucho de sí, por lo que se adornó con elaborados números musicales como el titulado "The Saga of Jenny". Nominada al Oscar en las categorías de fotografía (Ray Rennahan), decoración de interiores (Hans Dreier, Raoul Pene du Bois y Ray Moyer) y banda sonora en película musical para Robert Emmett Dolan.

Recién salido de un psiquiátrico, un tipo gana una tarta en una feria. En su interior se esconde un valioso microfilm, detrás del cual van unos espías nazis. Film de propaganda rodado durante la Segunda Guerra Mundial, bastante más sutil que la media de los que se hacían en aquella época, no en vano tiene detrás la trama de una novela de Graham Greene y la valiosa dirección del cineasta de origen alemán Fritz Lang. Ray Milland encarna bien el personaje de alguien que duda de su cordura.

Adaptación de una obra teatral de Alfred Maury donde un piloto de las Fuerzas Aéreas Aliadas cae derribado en la Francia ocupada. Perseguido por la Gestapo, encuentra ayuda en una monja de la Resistencia que, para pasar desapercibidos simula ser su esposa. A medida que ambos permanecen juntos, la novicia comienza a sentirse atraída por él. De nuevo el sentimiento de culpa y las dudas razonables sobre el pasado vuelven al cine de Frank Borzage al igual que otros conocidos melodramas de su filmografía como El séptimo cielo (1927), El ángel de la calle (1928) y Deseo (1936). El filme –por su conflictiva temática no estrenado en España– posee momentos de gran fuerza expresiva y un trágico final acorde con la moral de la época.

Una de las más famosas películas de fantasmas de todos los tiempos y que seguro Amenábar visionó antes de embarcarse en el proyecto de Los otros. Producida por Charles Brackett, el clima de terror y suspense de la cinta se mantiene admirable aún, especialmente por el clima creado por la fotografía de Charles Lang, que fue candidata al Oscar. Se basa en la novela "Uneasy Freehold", de Dorothy Macardle, y en ella una joven pareja de hermanos (Ray Milland y Ruth Hussey) entran a vivir a una hermosa mansión inglesa. Una vez allí comienzan a pasar cosas extrañas a raíz de la visita de una extraña joven, a quien persigue el espíritu de su madre muerta. El tema musical de Victor Young, "Stella By Starlight", se hizo tremendamente popular. Como curiosidad hay que mencionar que a la crítica británica le entusiasmó el hecho de que el director no mostrase nunca en pantalla a los espectros cuando, en realidad, estos efectos especiales fueron eliminados por la censura por considerarlos demasiado terribles para el público (no, si entonces los censores sabían de cine…).

Comedia romántica sin demasiado ruido, que volvía a reunir a la pareja forjada por Ray Milland y Paulette Goddard después de la tampoco demasiado exitosa The Lady Has Plans. En esta ocasión ella se ve involucrada en un enredo donde se las tendrá que ver con abogados, políticos y otras profesiones nada recomendables. Esta película forma parte de una serie de títulos que comenzaron a rodarse durante los años 1942 y 1943, cuyos derechos pertenecían a la Paramount y que la compañía no pudo terminar por diferentes problemas, vendiéndoselos a la United Artists para que los completase y distribuyese. En breves papeles podemos descubrir los rostros de Yvonne De Carlo y Lynda Grey (bastante popular, ya que había quedado en segundo lugar en el concurso de Miss América en 1936).

Rodada en pleno apogeo de la Segunda Guerra Mundial, se trata de un título de claro componente patriótico en el que aparecen rostros conocidos como los de Buster Keaton, Merle Oberon, Charles Laughton, Elsa Lanchester, Ray Milland y Cedric Hardwicke. Todos ellos donaron sus ganancias para sufragar los gastos del frente de guerra británico, al igual que sus siete directores y 21 guionistas.  La idea central es la historia de una vieja casa construida en Londres en 1804 y semidestruida en 1940 por la aviación alemana. A través de los tiempos pasan por ellas toda clase de personajes, cada uno con sus historias cómicas, sentimentales y dramáticas, pasando por etapas como las de la guerra de los Boer y la Gran Guerra. Como suele suceder en estas cintas de episodios, algunos son mejores que otros aunque destaca el dirigido por René Clair.

Divertidísima comedia de enredo, donde la pareja de guionistas Billy Wilder-Charles Brackett demostraba ya su perfecta conjunción. Rodada antes de la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, arranca en Nueva York, donde Susan Applegate es una joven de campo desengañada de la gran ciudad, donde ha tratado de salir adelante con mil y un oficios; el último de masajista capilar, donde los intentos de un hombre casado de propasarse con ella han sido la gota que ha colmado el vaso de su paciencia. Para el regreso a su hogar natal ha guardado en su sobre el dinero justo para pagar el billete de tren de vuelta; pero al pasar por ventanilla descubre con disgusto que la tarifa ha subido. Entonces tiene una idea, al ver que los niños sólo pagan medio billete: se vestirá de colegiala, y se hará pasar por una chiquilla durante el viaje. Tal pretensión dará pie a un montón de situaciones disparatadas, sobre todo cuando un mayor del ejército la toma bajo su protección. En manos de cualquier otro, esta historia habría naufragado casi antes de empezar. Pero Billy Wilder da con el ‘timing’ perfecto, conjuga bien inocencia y picardía, y tiene a una Ginger Rogers en estado de gracia que, sorprendentemente, hace creíble su ‘representación’, con momentos tan chispeantes como el de los revisores sospechando de esta chica tan crecidita –ella justifica su estatura apelando a… ¡sus ancestros suecos!–, el de la noche compartida con el mayor en su compartimento, o las salidas con los cadetes encandilados con la ‘niña’ mientras le hablan de la pequeña y la grande línea Maginot… Incluso el arriesgado quiebro que da el film en su tramo final, cuando Rogers riza el rizo interpretando a su supuesta madre, una mujer madura, para recuperar finalmente su verdadera edad, resulta brillante.

Mezcla de comedia de enredos y melodrama de espionaje, que no acaba por decantarse por ninguna de las dos opciones dejando al espectador bastante confundido. De ahí que, a pesar de su notable pareja protagonista –Paulette Goddard y Ray Milland– pasase bastante desapercibida cuando se estrenó. La acción se desarrolla en Lisboa, donde una corresponsal de guerra es confundida con una espía nazi. Un agente de la inteligencia británica será el encargado de vigilar sus movimientos y descubrir su verdadera identidad. La única pista de que dispone el agente es que la espía tiene un revelador tatuaje en cierta parte de su anatomía. De ahí que no tenga más remedio que seducirla.

Lo que más interesó a la crítica fue su título original (traducido es "¿Son necesarios los maridos?") ya que le permitió hacer bromas sobre si el film era también necesario. Así las cosas, se puede uno imaginar que no fue precisamente un éxito en taquilla a pesar de que en el reparto había rostros conocidos como el de Betty Field y Ray Milland. La comedia es una adaptación de la novela "Mr. and Mrs. Cugat" escrita por Isabel Scott Rodick, con una evidente carga feminista que –muy al estilo Hollywood– desapareció por completo en su versión cinematográfica. En ella, el señor Cugat se replantea su fidelidad conyugal hacia la señora Cugat cuando aparece en escena una ex novia cañón.

En 1840 Key West está llena de negocios de rescate que se recargan de los barcos naufragados. La dueña de un barco, Loxi, (Paulette Goddard), sospecha de que el rescatador King Cutler (Raymond Massey) juega sucio, porque siempre es el primero en la escena del naufradio. El capitán Stuart (John Wayne), por otro lado, intenta pretender a Loxi. Cecil B. DeMille nos presenta un maravilloso relato de aventuras, piratería y amor. Cuenta con un reparto excepcional que incluye a Robert Preston y Susan Hayward. Un clásico de aventuras convertido por el tiempo en leyenda.

Docudrama sobre pilotos de aviación en un film apoyado por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos. Para dar mayor realismo a las escenas de vuelo, los actores protagonistas –Ray Milland, William Holden y Wayne Morris– recibieron un programa de entrenamiento en la base de Randolph Field, en Texas, que sirvió también para el rodaje de la cinta. En ella, un trío de cadetes que se preparan como pilotos se sienten atraídos por la misma mujer, una fotógrafo que estaba por allí para realizar un reportaje. Dirige Mitchell Leisen, que se centra más en la cuestión romántica y de amistad entre los compañeros que en las escenas de acción.

Sofisticada comedia romántica a cargo de Mark Sandrich (1900-1945), un director especialista en el género como había demostrado en títulos de la pareja Fred Astaire y Ginger Rogers: La alegre divorciada (1934), Sombrero de copa (1935) y Amanda (1938). En esta ocasión no había canciones pero sí mucha elegancia, enredos, diálogos ingeniosos y la típica historia romántica a mayor gloria de la pareja central formada por Ray Milland y Claudette Colbert, reunidos de nuevo después del éxito de Arise, mi amor (1940). Su argumento procedía de una obra teatral escrita por Samson Raphaelson en el que una mujer, harta de que su marido no le haga caso por culpa de sus negocios, se plantea serle infiel con un pícaro soltero (Brian Aherne).

Film antifascista donde una periodista norteamericana que cubre la Guerra Civil Española toma partido por la República. Mientras está en Europa los nazis invaden Polonia y ella se ve envuelta en el conflicto, enamorándose de un piloto. El largometraje volvía a reunir a los responsables de la magnífica comedia Medianoche, rodada un año antes: el productor Arthur Hornblow Jr., el director Mitchell Leisen, los guionistas Charles Brackett y Billy Wilder y la protagonista femenina Claudette Colbert. Debido a su temática, Arise, mi amor fue prohibida en Alemania y España –donde se emitió en televisión con el título que nos ocupa–. Consiguió el Oscar al mejor argumento original para Benjamin Glazer y John S. Toldy, además de nominaciones en fotografía en blanco y negro (Charles Lang), decoración de interiores en blanco y negro (Hans Dreier y Robert Usher) y a la banda sonora de Victor Young. Cuando Benjamin Glazzer subió al escenario a recoger el Oscar comentó que lo había escrito junto a un tal John S. Toldy, que, en realidad, era un pseudónimo de alguien cuya vida podría correr peligro si los nazis supieran su identidad.

June es una feminista, solterona empedernida, que ha inspirado a millones de mujeres de Estados Unidos con un libro que habla de su libertad e independencia en un mundo dominado por hombres. Requerida urgentemente en Nueva York, enreda a Tim, un médico profesor de neurología en la universidad, para que le lleve en su auto. Un inesperado error produce el equívoco de que la opinión pública, aleccionada por la prensa, crea que se han casado. Aunque su intención no pueda ser más contraria a tal idea, el caso es que a ambos les conviene mantener la ficción: a June porque ahora podría forrarse con otro libro cantando las excelencias de la vida matrimonial, y a Tim porque su condición de casado resulta decisiva para que le concedan una ansiada cátedra. El problema es que Tim tiene novia, y que el editor de June está enamorado de ella; y aunque la pareja se lleve a matar, ya se sabe que los polos opuestos se atraen... Deliciosa película de enredo, que explota los mejores elementos de la llamada "screwball comedy" a cuenta del feminismo y el deseo de hacer carrera a toda costa, dejando de lado tareas como la formación de un hogar. O sea, equívocos y situaciones imposibles -es memorable el intento de Tim de conciliar el ejercer de anfitrión con su "mujer", cuando vienen a verle su padre y sus colegas, con acudir al apartamento de al lado donde ha venido a verle su novia-, y aceleradas réplicas y contrarréplicas, donde da mucho juego un modelo de una cabeza que Tim usa en sus investigaciones, a la que llama cariñosamente Chester. Hay una química maravilloso entre Loretta Young y Ray Milland, mientras Reginald Gardiner, como el editor, es un apoyo a la trama que no tiene precio.

El escritor británico Terrence Rattigan se basó en sus propias experiencias en una escuela de Normandía para escribir una comedia estrenada con gran prestigio en el West End de Londres y que conoció interpretaciones de Rex Harrison y Trevor Howard, entre otros nombres ilustres de la escena. De ahí que su adaptación para cine fuese todo un acontecimiento, sobre todo al estar dirigida por Anthony Asquith, que había cosechado excelentes críticas con su versión cinematográfica de un clásico de Bernard Shaw en el filme Pigmalión (1938). Un estudiante británico que cursa sus estudios en Francia se siente atraído por la hermana de un compañero de clase que acaba de llegar al lugar de visita. Tras varios enredos, acabarán enamorados. En Estados Unidos se estrenó una versión con 20 minutos menos de metraje sin que sepamos muy bien los motivos de tal masacre creativa.

Acostumbrado a ser el héroe en tierras lejanas en largometrajes como The Jungle Princess (1936) y Ebb Tide (1937), de nuevo la Paramount contó con su estrella Ray Milland para este film de aventuras que transcurre en el norte de Canadá. Allí llega un doctor decidido a salvar a su comunidad de una terrible epidemia de fiebres que les amenaza mortalmente. Una vez en ese lugar se enamora de una mujer casada (Patricia Morison), y ambos deciden huir lejos de la presencia del marido de ésta (interpretado por Akim Tamiroff). Adaptación de la novela "Mantrap", de Sinclair Lewis, que ya había sido llevada al cine en 1926 –con el título original del libro, Mantrap– dirigido por Victor Fleming y con Clara Bow de actriz principal.

Nueva versión de una película muda producida en 1926, que a su vez estaba basada en un musical estrenado en Broadway en 1919 con pegadizas canciones (entre ellas "Castle of Dreams" y "There's Something in the Air"), compuestas por Harry Tierney y Joseph McCarthy, aunque no todas se mantuvieron en esta adaptación para la pantalla. El film obtuvo una nominación al Oscar a la mejor banda sonora para Anthony Collins. Una chica humilde llega a la ciudad de Nueva York y encuentra trabajo en una tienda, donde comienza a sentirse atraída por el dueño del local. Ella es la actriz inglesa Anna Neagle, que se haría bastante popular en su país durante la guerra, y él no es otro que el galán Ray Milland.

Un periodista británico llamado (Ray Milland) y otro norteamericano (Robert Cummings) compiten por dar una noticia de gran relieve: el profesor Norden, un premio Nobel de la Paz que se presume ha sido asesinado por la Gestapo, está viviendo bajo un nombre falso en Suiza. El problema surge cuando ambos se enamoran de Louise, la hija del profesor, por lo que ahora su disputa es de otro tipo. Filmada en el distrito de Sun Valley, fue una de las escasas ocasiones en que la Paramount prestó a uno de sus actores de más valía –Ray Milland– a la Fox, productora de la cinta. Sus compañeros de reparto son Robert Cummings y la atractiva actriz noruega Sonja Henie, quien había sido campeona Olímpica en los Juegos de 1932 y 1936 y que, cuando se acabaron para ella los papeles de extranjera en Hollywood abandonó el cine en 1948 falleciendo de leucemia veinte años después a la edad de 57.

Nueva versión sonora de una película muda llamada igualmente Hotel Imperial, dirigida por Mauritz Stiller en 1927, con Pola Negri de protagonista. Este nuevo film sonoro tuvo numerosos problemas durante su producción ya que comenzó a rodarse en 1936 bajo las órdenes de Henry Hathaway con el título de "I Love a Soldier", con Marlene Dietrich de actriz principal. Pero ésta se marchó del proyecto y fue sustituida por Margaret Sullivan, que se rompió un brazo obligando a suspender el rodaje. Tres años después, la Paramount retomó el asunto para relanzar la carrera en Hollywood de la actriz italiana Isa Miranda, que acababa de ser contratada por dichos Estudios y que como no sabía hablar bien inglés repetía sus frases de forma mecánica. Su estreno se hizo con toda la lujosa parafernalia de las grandes superproducciones, aunque el público no fue receptivo a la misma y fracasó en taquilla. Su argumento tiene lugar durante la I Guerra Mundial, cuando una mujer busca vengarse de quien considera responsable de la muerte de su hermano y que se encuentra en el Hotel Imperial del título. La misma historia serviría de base a Cinco tumbas al Cairo, de Billy Wilder (1943).

Un clásico del cine de aventuras que nos cuenta la amistad de tres hermanos (Beau, Digby y John) en la Legión Extranjera, y su enfrentamiento con el temible sargento Markoff. Se basa en la popular novela de Sir Percival Christopher Wren. Fue llevada al cine por primera vez en una trilogía compuesta por Beau Geste (1926), de Herbert Brenon (1926), Beau Sabreur,de John Waters (II) (1928) y Beau Ideal, también d Brenon (1931). La Paramount se atrevería con un nuevo remake en 1939, en una película que pasó por muchos problemas de rodaje debido a las condiciones extremas de calor al que se enfrentaron sus protagonistas, un trío de excepción formado por Gary Cooper, Robert Preston y Ray Milland, a los que abría que añadir una sobrecogedora actuación de Brian Donlevy como el malvado sargento que tiraniza al batallón y la aparición de una joven Susan Hayward en el papel de Isobel. El filme –que en un principio iba a ser rodado en color– tiene un endiablado ritmo de acción y una inolvidable escena inicial repleta de misterio. Hubo nominaciones al Oscar para Donlevy como actor secundario, y Hans Dreier y Robert Odell en la decoración de interiores. Con el mismo título volvería a ser llevada al cine en una olvidable versión dirigida en 1966 por Douglas Heyes; y Marty Feldman dirigió en 1977 una parodia sobre el tema con Mi bello legionario.

Debido al éxito obtenido con Alas (1927), muchos de los proyectos ofrecidos a su director pasaban irremediablemente por películas relacionadas con la aviación. Este título en concreto se desarrolla en los primeros tiempos de la aviación civil, donde los hombres que decidían volar se jugaban la vida como auténticos héroes debido a la precariedad de los aparatos construidos. Producida por el propio Wellman y filmada en rabioso technicolor, cuenta con escenas aéreas de gran mérito aunque, lamentablemente, su trama de romance y amistad sea bastante predecible. Lo mejor es su trío protagonista con Fred MacMurray, Ray Milland y Louis Campbell. Por cierto, el personaje de MacMurray a los diez años de edad lo interpreta Donald O'Connor, convertido después en uno de los nombres imprescindibles tanto del musical (Cantando bajo la lluvia) como de la comedia (véase las películas de la mula Francis).

Adaptación de una comedia teatral de Jacques Deval adaptada al cine por Andrew L. Stone (1902-1999), uno de los muchos artesanos de los grandes Estudios (en este caso Paramount) que nunca llegó del todo a destacar a pesar de algún que otro título apreciable como Cerco de fuego (1961). En Say It in French la acción comienza con un romance en París entre un jugador de golf norteamericano (Ray Milland) y una bella francesita (Olympe Bradna, una bailarina del Folies Bergere que realizó una breve y exótica carrera en Hollywood). Una vez casados, cuando regresan a los Estados Unidos, él descubre que allí le espera una prometida con la que debe casarse si quiere recibir una importante herencia familiar. Algo que no puede rechazar, por lo que oculta que ya está casado.

Aventuras e idilios amorosos varios en una colorista producción de la Paramount con selvas de todo tipo, terremotos, bellas nativas en bañador (aunque con alpargatas), ataques de cocodrilos, erupciones de volcán, monos divertidos e instintos primitivos varios. Todo ello con una adecuada pareja protagonista como Ray Milland y Dorothy Lamour, que ya habían intervenido en un relato muy similar como The Jungle Princess (1936). Un aviador y su mecánico tienen un accidente y caen en una isla del Pacífico Sur donde entran en contacto con una bella indígena llamada Tura que aprende, entre otras cosas, a besar como lo hacen los occidentales. Allí también está un pérfido doctor que hipnotiza a Tura para someterse a un sacrificio humano.

Producción musical de Arthur Hornblow Jr., reúne todos los tópicos que el público exigía de romance, baile, canciones y lugares exóticos –México en este caso–. Todo ello con una pareja de garantías en pantalla como Ray Milland y Dorothy Lamour, acompañado del cómico Bob "Bazooka" Burns y de nombres peculiares como Pepito y Chris-Pin Martin. Lamour es una mexicana que se enamora de un escritor americano de visita a su país (donde llega a asistir a una corrida de toros bastante extraña), lo que da lugar a números musicales de un longevo artista como Tito Guízar que incluso siguió ofreciendo conciertos hasta los años 80.

Notable comedia de enredos con guión de Preston Sturges, dirección de Mitchell Leisen y con la pizpireta Jean Arthur de protagonista. Ella es una humilde secretaria que un buen día encuentra en la calle un lujoso abrigo de pieles que un millonario ha arrojado por la ventana mientras discutía con su esposa. Con este abrigo en su poder, la chica comienza a ser tratada de forma muy diferente por la gente, otorgándole todo el crédito posible en hoteles y lujosas tiendas. Por supuesto, el romance también está asegurado. Contiene momentos de humor surrealistas dignos de mención, así como personajes hilarantes como el director del hotel (interpretado por Luis Alberni). El filme supuso el tercer encuentro en pantalla entre el director Mitchell Leisen y el actor Ray Milland tras Four Hours to Kill! (1935) y The Big Broadcast of 1937.

Drama triangular que tiene lugar en la base militar de Pearl Harbor. Un piloto de la armada tiene que acudir allí el mismo día de su boda, por lo que su mujer decide acompañarle. En Hawai, ella encuentra a un antiguo pretendiente ahora convertido en todo un potentado dueño de un gran yate. El marido, celoso por el comportamiento de su esposa, acaba estrellando violentamente su avión en la cubierta del barco del presunto amante. El trío de actores –Ray Milland, Wendy Barrie y Kent Taylor– no es suficientemente atractivo para que la película funcione, por lo que la historia acaba perdiendo interés. Eso sí, el filme fue candidato al Oscar en la categoría de mejor fotografía (Joseph A. Valentine).

Novena entrega de las aventuras del oficial de la Armada Británica, Bulldog Drummond, un personaje creado por las historias de espías escritas en 1920 por Herman C. McNeile (más conocido con su apodo de "Sappe") que vive apasionantes aventuras salvando al mundo de cualquier peligro que se le plantee. En esta ocasión rescatando de los malos a una bella heredera. Drummond es interpretado en esta ocasión por Ray Milland después que le diesen vida: Jack Buchanan en The third round (1925), Kenneth MacKenna en Temple Tower (1930), o Ronald Colman en El capitán Drummond (1929) y Un aventurero audaz (1934). Más tarde, conocería otras tantas películas más.

Alocada comedia que cuenta con una adecuada protagonista como Miriam Hopkins (1902-1972), actriz no excesivamente atractiva pero dotada de una enorme personalidad que le sirvió para intervenir en comprometidos papeles en títulos como Esos tres (1936) y La solterona (1939). En su argumento, ella es Susan Fletcher, una rica heredera que decide hacerse cargo de sus sobrinos que acaban de quedarse huérfanos y están viviendo una vida bohemia con su tío, un pintor aficionado al alcohol que se mueve por el Greenwich Village de Nueva York. Sin revelar su verdadera identidad, Susan se introduce en este ambiente descubriendo que allí todo es divertido y frívolo.

Tercera adaptación cinematográfica de esta conocida novela de Robert Louis Stevenson tras las versiones homónimas de 1915 y 1922. Ahora se rodó con sonido, siendo además una de las primeras producciones de la Paramount en color. Gracias a que su trama ocurre en los mares del Sur, el technicolor pudo ser aprovechado al máximo por la fotografía de Leo Tover y Ray Rennahan, ambientada con un score melódico y sentimental de Victor Young. La historia es de la de tres codiciosos marineros – Ray Milland, Oskar Homolka y Barry Fitzgerald– que llegan a una isla del Pacífico controlada por un fanático religioso (Lloyd Nolan) que guarda enormes tesoros. En 1947 volvería a ser llevada a la pantalla con el título de Adventure Island.

Inicio de la saga de películas de las hermanas Craig, y lanzamiento estelar por parte de Universal de Deanna Durbin, que con sus 14 años cautivó al público por su rostro encantador, rebosante paradójicamente de inocencia y picardía, y por su voz única, prodigiosamente dotada para el canto. La trama arranca en Suiza, donde las tres hermanas Craig, Joan, Dorothy y Penny, viven con su madre Kay, lastimosamente divorciada de Judson desde hace diez años; la madre se lleva un disgusto terrible cuando se entera, por las páginas de sociedad, del compromiso de su ex marido con una joven. Las tres chicas, compadecidas, deciden viajar a Nueva York para arruinar el proyecto de boda y reunir a sus padres. En el camino, dos de las hermanas encontrarán también el amor. La película rebosa ingenua simpatía por todos sus poros, y realmente Deanna Durbin exhibe todas las cualidades propias de una estrella, ya sea cantando -genial su demostración cuando la detiene la policía-, saboteando -moviendo la cama para molestar a la novia de su padre- o mostrando ternura -ese delicioso momento compartido con el padre antes de acostarse-. Resulta demás muy divertido Mischa Auer en su papel de conde húngaro borrachín.

Continuación de la película The Notorious of Sophie Lang, dirigida por Ralph Murphy en 1934 y centrada en las aventuras de una ladrona de joyas perseguida por Scotland Yard. De nuevo la actriz Gertrude Michael vuelve a ser la simpática delincuente, ahora ya reformada tras haber fingido su propia muerte. Olvidando su pasado viaja en un crucero, pero cuando las joyas de una acaudalada dama desaparecen las principales sospechas del espectador vuelven a recaer en Sophie. El personaje de Sophie Lang estaba basado en novelas de Frederick Irving Anderson, aunque en el cine no daría mucho más de sí, filmándose únicamente una tercera entrega como Sophie Lang Goes West, de Charles Reisner (1937), también con Gertrude de protagonista.

Exótica producción de E. Lloyd Sheldon que traslada la acción nada menos que a Malasia (aunque rodada en los decorados de la Paramount) donde una joven se pierde en la jungla en compañía de un tigre, creciendo allí como una salvaje. Una ocasión como otra cualquiera para disfrutar de las curvas y minivestidos (todavía permitidos sin mangas por la censura) de la bella Dorothy Lamour. Cuando un explorador se pierde en el mismo lugar, ella le rescata. A cambio, él la enseña a hablar nuestro idioma (en realidad, el inglés). Ella aprende tan rápido que acabará cantando canciones en la mejor tradición de la comedia musical del momento, entre ellas el gran éxito "Moonlight and Shadows" escrito por Leo Robin y Frederick Hollander. Al reunir chica guapa, diversión, animales salvajes y un toque a lo "Tarzán", acabó siendo uno de los éxitos del año.

The Big Broadcast, de Frank Tuttle (1932), fue un musical Paramount con los programas radiofónicos como telón de fondo y Bing Crosby de protagonista. A ésta seguiría The Big Broadcast of 1936, de Norman Taurog (1935), y la que nos ocupa The Big Broadcast of 1937. Siempre con la radio como base primordial de su trama. Para esta ocasión se contrató a una auténtica estrella del medio como Jack Benny, célebre por su voz, sus pausas, su humor y su sentido del ritmo en las ondas. Para acompañarle en su aventura en el cine solo hacía falta un breve argumento y, sobre todo, muchos invitados musicales: el batería Gene Krupa, Larry Adler y su armónica, la orquesta sinfónica dirigida por el maestro Leopols Stokowski, el clarinete de Benny Goodman, las canciones de Frank Forrest y las chicas sexy de turno bailando una alegre versión de "La Bomba". La gran taquilla de esta serie se complementaría un año después con The Big Broadcast of 1938, también dirigida por Leisen y con Bob Hope y W.C. Fields al frente del reparto.

Todo un ejercicio de estilo dirigido por Mitchell Leisen y producida por Arthur Hornblow Jr., un dúo que ofreció algunas de las más memorables comedias de la Paramount. En esta ocasión, Leisen adapta una compleja obra teatral de Norman Krasna titulada "Small Miracle", que había sido todo un acontecimiento en Broadway al contar diversas historias a la vez enredándolas todas con una trama policial que el espectador tenía que permanecer muy atento para seguir. Además, la película significó el regreso de la estrella del cine mudo Richard Barthelmess a la Paramount después de su traumática salida de la compañía en 1919. Un detective y un convicto al que solo le quedan cuatro horas para ser ejecutado asisten a un espectáculo teatral en el que se dan cita los más variopintos personajes que tendrán una relación directa con la historia.

Melodrama con tintes policiacos que se inicia con el secuestro de la pequeña Mary Dow. 18 años después, nadie sabe lo que ha sido de ella, si la han asesinado o si todavía permanece con vida. Su madre, una mujer que ha sufrido mucho durante todo este tiempo, está ahora en estado terminal y lo único que desea para acabar sus días es poder ver a su hija. Así que su marido contrata a una camarera para que se haga pasar por Mary y así complacer la última voluntad de su esposa. A medida que avanza el engaño, se produce la sospecha que ella pudiese ser la verdadera Mary Dow. Protagoniza Sally Eilers (1908-1978), que comenzó en el cine mudo y que después en el sonoro nunca alcanzó demasiada relevancia retirándose en 1950. Éste fue uno de sus escasos papeles principales.

Primera de las siete películas que acabarían rodando juntos Claudette Colbert y Fred MacMurray, casi todas ellas comedias ligeras que calaron hondo entre el público y que llenaron las taquillas de la Paramount. En esta ocasión el triángulo amoroso se completa con el incipiente galán Ray Milland como un lord inglés. Al coger el mismo tren todas las mañanas, Marilyn y el periodista Peter Dawes han trabado una buena amistad a lo largo del tiempo. Cuando la chica decide dar calabazas a un acaudalado caballero británico, Peter lo convierte en noticia resaltando su honestidad a la hora de no casarse con un hombre del que no está enamorado. Así, Marilyn se convierte en una celebridad siendo conocida como "La chica del No". Ahora, deberá decidir si realmente ama al inglés o al periodista.

Un confuso –y siempre apasionante– relato del maestro Dashiell Hammett acerca del asesinato del novio de la hija de un político da lugar a una gran película de cine negro, con explosivos diálogos, corrupción policial, intrigas de todo tipo y una memorable interpretación de George Raft como el ayudante del político acusado injustamente del homicidio. Dirige con maestría Frank Tuttle manteniendo un ritmo trepidante en algunos momentos. La historia volvería a ser llevada a la pantalla en 1942 con el mismo título, La llave de cristal, dirigida en esta ocasión por Stuart Heisler y donde el personaje femenino ganaba fuerza al estar en su piel la rubia Veronica Lake.

Una historia de Dorothy Parker –novelista y cronista habitual de cotilleos de las estrellas–, que en realidad se limita a una pequeña anécdota donde tres personas quedan atrapadas en el ascensor de un rascacielos: una secretaria que flirtea con su jefe, su celoso novio que sospecha de ella y la esposa del mencionado jefe. Allí saldrán a la luz bastantes trapos sucios, siempre en un amable tono de comedia. Su reparto no es especialmente relevante ya que los tres personajes centrales están interpretados por Joe Morrison –célebre por su condición de barítono en programas de radio y que aquí aprovecha para cantar uno de sus grandes éxitos "The Last Roundup"– y las actrices secundarias Helen Twelvetrees y Gail Patrick.

Su escasa hora de metraje no le resta mérito en cuanto a capacidad para crear suspense e intriga en lo que puede ser considerado un típico producto de bajo presupuesto del Hollywood clásico. Lo demuestra su desconocido director y reparto (donde Ray Milland aparece acreditado como Raymond Milland), que pasó bastante desapercibido. Un enfermo mental escapa del psiquiátrico donde se encuentra y busca vengarse de tres personas a los que acusa de la muerte de su hermano. Los hallará en una fiesta, pero ninguno de ellos conoce la identidad del psicópata con lo que cualquiera puede ser un asesino. No confundir el thriller The Menace, dirigido en 1932 por Roy William Neil y con Bette Davis en un pequeño papel.

Comedia musical algo insípida, clásica de la Paramount, que reúne en su reparto a Bing Crosby y Carole Lombard inspirándose en la historia "The Admirable Chrichton" escrita por J.M. Barrie (autor de Peter Pan). Entre las canciones que aparecen en la cinta destacan las interpretadas por la inconfundible voz de Crosby: "Love Thy Neighbor", "May I?" y uno de sus grandes éxitos "Good Night, Lovely Little Lady", todas ellas del dúo Mack Gordon y Harry Revel. Una alocada muchacha de la alta sociedad llamada Doris Worthington naufraga en su yate y va a parar a una isla del Caribe donde tendrá que aprender a convivir con un individuo de menor clase social.

Un musical de ambientación romántica que tiene como aliciente principal ver bailar el bolero de Ravel a la pareja formada por George Raft (que había practicado este oficio en Broadway y que en el cine sería célebre por sus papeles de gángster) y la estimulante rubia Carole Lombard mostrando un ajustado vestido negro poco antes de la censura. Raft es el propietario de un local en París que pierde a su pareja de baile cuando ella se casa con un millonario. Después de la Primera Guerra Mundial, los destinos de ambos vuelven a unirse gracias al baile. El largometraje supuso el debut de Ray Milland en la Paramount, productora donde permaneció hasta 1949 ganándose allí unos galones de estrella que perdería rápidamente al acumular años y películas baratas.

Una de las muchas películas producidas por la Fox que se rodaron sobre el personaje creado por Earl Derr Biggers, el inspector de Honolulu Charlie Chan. En este caso todo transcurre durante un fin de semana que pasa tranquilamente en Londres. Durante ese tiempo ha de demostrar la inocencia de un joven acusado de asesinato. Envenenamientos y policías de Scotland Yard se cruzan en el camino del genial detective. El actor que más veces le dio vida fue Warner Oland (1879-1938), nacido en Suecia y que, debido a sus rasgos exóticos, encarnó a míticos personajes orientales como el malvado Fu Manchú y a Charlie Chan en nada menos que 16 ocasiones recorriendo todo el mundo.

Horatio Allen, propietario de una tienda, decide contar con su hija Gracie para que lleve directamente los negocios. Lo peor llega cuando la chica no tiene otra ocurrencia que llenar el establecimiento de pájaros ante la desesperación de su padre. Por eso éste no tiene otra solución que alejar a su hija del lugar, contratando para ello a un extraño individuo. Una comedia repleta de baile y canciones que cuenta con el protagonismo del cómico George Burns, un tipo peculiar que vivió hasta los 100 años y que estuvo en este negocio del cine nada menos que 60. Por supuesto, sus excesos de gestos y gracias puede que no sea del agrado de cierto tipo de público. En su trama aparecen números como el de Guy Lombardo y su orquesta, y el de Larry Adler con sus solos de armónica. Breve aparición de Ray Milland.

El filme parodia la habitual falta de tacto de los norteamericanos, cuando un equipo de rodaje de éste país recala en Inglaterra para rodar una producción sobre la Legión Extranjera y acaba destruyendo por completo un barracón del ejército. La principal base cómica la representa el director de la película, siempre en contraste con el modo de vida de los soldados ingleses. A pesar de algunos buenos gags, se nota su falta de presupuesto para otorgarle más dignidad al asunto. En su reparto figura el actor americano James Gleason (recordado sobre todo por comedias como El difunto protesta y Arsénico por compasión) acompañado de dos británicos como el veterano Cedric Hardwicke –uno de los pioneros del cine en su país– y de la joven promesa Ray Milland.

Comedia inglesa sin mayores pretensiones y de bajo presupuesto –no hay más que fijarse en los nombres de su reparto– de la que rescatamos la presencia siempre estimulante de Ray Milland (1905-1986), que acabaría convertido en una de las grandes estrellas de los años 40 (Oscar por Días sin huella) para pasar en los 50 al mundo de la televisión, participar en los 60 en películas de Roger Corman y deambular en los 70 por inclasificables cintas alimenticias. This Is the Life cuenta cómo unos humildes comerciantes heredan una gran fortuna y se van a vivir a Londres. Allí se darán cuenta que el lujo del que están disfrutando proviene de una banda de gangsters de Chicago y que, por lo tanto, pueden verse en complicaciones con la justicia. No confundir este título con otro idéntico de 1935 dirigido por Marshall Neilan.

Vigorosa producción de suspense de Irving Thalberg para MGM basada en una obra teatral de Jeffrey Dell que se había estrenado en Broadway en 1931 con Charles Laughton y Elsa Lanchester en los papeles principales. Precisamente el orondo y genial actor británico sería también el protagonista del film, encarnando a un tenebroso personaje capaz de todo por dinero en otra de sus portentosas interpretaciones. Un banquero que acaba de quedar en la ruina no ve otra solución para recuperar su capital que envenenar a su sobrino y hacerse con su fortuna. Una vez ha enterrado el cuerpo en el jardín, toma su dinero y comienza una disoluta vida que le lleva a abandonar a su esposa por una mujer de mala vida y a beber compulsivamente en una evidente maniobra autodestructiva.