Carlos Hipólito

Entretenida serie creada por la todoterreno Verónica Fernández que combina los subgéneros judicial y policíaco. Sigue a Samuel Caronte, un ex policía que tras pasar una temporada en prisión se ha reconvertido en abogado penalista. Fue condenado injustamente, pero a cambio ha templado su carácter, sabe que hizo cosas mal, lo que propició la ruptura de su matrimonio y la renuncia a la patria potestad de su hijo adolescente. Aunque se ha ido a vivir a Gijón con su novia, queriendo dejar atrás su pasado madrileño, una amiga de la familia le pide ayuda como abogado, para que defienda a su hijo que se autoinculpado como responsable del homicidio de un hombre, en una trifulca entre hinchadas de dos equipos de fútbol rivales. Aceptar el caso supone volver a la capital, donde se topa con compañeros policías de antaño, alguno corrupto, y con miembros de su familia. También con una persistente joven, abogada, que querría poner un despacho con él, piensa que son complementarios. Aunque tiene un pase esta producción de Mediaset, asociada con Amazon –Telecinco y Prime Video la estrenan simultáneamente–, adolece de los defectos de muchas series televisivas, que prolongan la narración innecesariamente, para rellenar parrilla televisiva: capítulos de más de una hora, ritmo parsimonioso, no es lo mejor. Tiene un esquema bastante clásico, en que cada entrega presenta un nuevo caso, mientras los personajes evolucionan y hay una trama de corrupción policial de fondo que está presente todo el tiempo ayudando a la unidad. En el camino, Caronte tiene que demostrar en su entorno que ha cambiado, y ahora es mejor persona. Se nota la veteranía de Roberto Álamo, mientras otros actores más jóvenes, como Miriam Giovanelli, conocida por Velvet, tratan de aguantar el tipo.

Recreación de uno de los hechos históricos que marcaron el final del imperio español, junto a la pérdida de Cuba y Puerto Rico. El final de la colonia española de Filipinas se dilató por la resistencia en condiciones muy penosas de cincuenta hombres, conocidos como “los últimos de Filipinas”, que sufrieron un asedio de casi un año en Baler, refugiados en una iglesia. Al mando se encontraba el capitán Enrique de las Morenas, al que sucedió en el mando el teniente Martín Cerezo cuando el otro murió de enfermedad. Esta página de la historia de España ya había sido llevada al cine en 1945 por Antonio Román, con el título de Los últimos de Filipinas, justo el año en que murió el mentado teniente Martín Cerezo, con un reparto de lujo para la época, y poniendo el acento patriótico en el heroísmo de los protagonistas. En esta versión que llega siete décadas después contamos de nuevo con un conjunto actoral destacadísimo, pero conforme a los nuevos tiempos se quiere arrojar una mirada más crítica y revisionista, algo desencantada; sin negar el coraje de los personajes, pero como subrayando el absurdo de la acción, poco más que una cabezonería quijotesca casi surrealista, que no valdría la pena. Firma el irregular guión Alejandro Hernández, habitual colaborador de Manuel Martín Cuenca, quien no logra insuflar progresión o dramatismo creciente a la trama, el tiempo discurre, las condiciones empeoran, la guerra ha terminado aunque los sitiados no quieran enterarse, y punto, en algún momento deberá llegar, entre delirios febriles, disparos, entierros y treguas, el final. Mientras que el discurso político de los poderosos que usan a los pobres como carne de cañón, o las quejas sobre España, concepto discutido y discutible, resulta bastante pobre. En el ínterim se nos presentan los personajes, algunos reales, otros ficticios, quizá demasiado aislados, se echa en falta entre ellos algo parecido a la camaradería. De los auténticos resulta poco humano el empecinamiento de Martín Cerezo (Luis Tosar) en mantener la plaza, mientras el médico de Carlos Hipólito resulta bastante plano, y el detalle del opio del fraile de Karra Elejalde algo forzado; en cambio la posición del desertor está bien descrita, pues pugnan en él el deseo de salvar el pellejo con la inevitable sensación de traicionar a los suyos, para la que necesita autojustificarse incluso estentóreamente. El joven aspirante a pintor, al que da vida Álvaro Cervantes, y que proporciona de algún modo el punto de vista del espectador, desde la ingenuidad al rechazo ante lo que ocurre, debería haber dado más juego; mientras que el brutal militar de Javier Gutiérrez es puro cliché. Hay un esfuerzo de producción importante de Enrique Cerezo, con Televisión Española, Telemadrid y 13 TV, lo que se nota en la recreación de época, el esfuerzo de documentación, la fotografía de parajes naturales y abundantes escenas de acción bélica, pero Salvador Calvo, bregado en televisión, no las sirve de un modo excesivamente vibrante, el presupuesto da para lo que da. Así pues, se agradece una nueva mirada a este episodio de la Historia de España, pero el resultado no es enteramente satisfactorio.

Pocos géneros cinematográficos son más difíciles y menos agradecidos que el biopic. Resumir la trayectoria de un personaje, más si es de las que pueden describirse como “bigger than life”, en menos de dos horas de metraje, suele ser tarea harto complicada. Se puede optar por colocar el foco en algún episodio concreto de su vida, con lo que parte del conjunto se pierde, o bien picotear aquí y allá, con el riesgo de ofrecer una sensación de dispersión. Si encima el personaje sujeto de tratamiento fílmico está vivo y presenta la fulgurante popularidad mundial alcanzada por el Papa Francisco, la cosa se complica. A lo que se suma en este caso el lógico deseo de agradar a los creyentes católicos, sin dejar fuera al resto del público, que podría temer algo próximo a un sermón poco inspirado. Así las cosas, gran parte del mérito de esta película hispanoargentina, escrita y dirigida por el cineasta galledo Beda Docampo, y protagonizada por Darío Grandinetti, radica en la aceptación del desafío sin complejos, una seguridad –¿o habría que decir, en este contexto, fe?– gracias a la cual el resultado es notable, dentro de que el tratamiento es muy clásico, no se inventa la pólvora. La narración está estructurada a través del personaje ficticio de la periodista Ana, que prepara un libro sobre el Pontífice. Su investigación sirve para introducir distintos flash-backs sobre el pasado de Jorge Bergoglio –el esquema recuerda a Encontrarás dragones–, desde que siendo joven entra en el seminario, hasta su dedicación sacerdotal como jesuita a los más pobres en la diócesis de Buenos Aires, donde es nombrado obispo. Ana conoció a Bergoglio con ocasión del cónclave que eligió a Benedicto XVI, y a partir de ahí se forjó una sólida amistad que incluye consejos sólidos en momentos difíciles en la vida de ella. Aunque narrativamente el film recurre con frecuencia a continuas idas y venidas temporales que rompen algo el ritmo, Docampo sabe atrapar la rica personalidad espiritual y humana de Francisco, como en la realidad, muestra a una persona que frisa los ochenta años, pero que atrae a personas de todas las edades, y particularmente a la juventud que busca respuestas a los grandes interrogantes de la vida. Éste está extraordinariamente encarnado por Grandinetti, quien logra superar el escollo de no parecerse demasiado físicamente al personaje. Rasgos como la sencillez, el espíritu de acogida, la simpatía y el buen humor, junto a la piedad, se encuentra bien recogidos, nunca parecen artificiosos. La reconstrucción de época en los flash-backs y la dirección artística son vistosas –resultan completamente creíbles los planos de los dos cónclaves, que transcurren en la Capilla Sixtina del Vaticana– y se evitan planteamientos simplificadores, dentro de lo que admite la limitación temporal del formato fílmico, al mostrar su predilección por las personas más necesitadas de las periferias, su defensa de la vida o las intrigas de los poderosos de este mundo.

Sherlock Holmes ha dado mucho juego en la pantalla. En Asesinato por decreto se mezclaban sus peripecias con las de Jack el destripador. Este célebre asesino es una pieza fundamental de Holmes & Watson. Madrid Days, que como su mismo título indica también tiene como eje fundamental la visita del personaje creado por Sir Arthur Conan Doyle a la capital de la España. Holmes & Watson. Madrid Days presenta a un maduro Sherlock Holmes que mantiene un romance con Irene Adler, una conocida actriz casada. El detective tiene sueños recurrentes con unos crímenes acontecidos en Madrid, que imitan al dedillo los que cometió Jack el destripador en Londres, y cuyo autor empieza a ser conocido como Juanito el Charcutero. En compañía de Watson, que deja en casa a su amada esposa, se traslada al lugar de los hechos, donde conocerá a relevantes personajes de la época a los que sonsacar datos sobre lo ocurrido. Dos tipos de público se sentirán atraídos a priori por una versión de José Luis Garci de las andanzas de Sherlock Holmes: los incondicionales del asturiano y los forofos del personaje. Los primeros saldrán más satisfechos que los segundos, ya que desde el contemplativo arranque queda claro que estamos ante una película de autor, para bien o para mal. Holmes & Watson. Madrid Days viene a ser sobre todo una inmersión en la época, que se detiene para que los personajes conversen detenidamente tomándose su tiempo sobre el cocido de Lhardi, o en torno al Palacio de Cristal, del Palacio del Buen Retiro. Así, los dos protagonistas tienen la función de extranjeros que sirven al director para describir desde su punto de vista los ambientes que le parecen significativos. Por contra, en Holmes & Watson. Madrid Days saben a poco los pasajes típicamente de Sherlock Holmes, que en ocasiones contadas realiza una de sus brillantes deducciones (cuando conoce al periodista encarnado por Víctor Clavijo) o conversa con la señora Hudson. Como tiene por costumbre, José Luis Garci se ha rodeado de ilustres colaboradores, entre los que destaca el fotógrafo Javier Palacios, autor de Casual Days, que sorprende con sus pictóricos planos de época. Por su parte, el propio José Luis Garci firma el montaje, que pretende ser lo más pausado posible, y ha coescrito el guión con su esposa, Andrea Tenuta, y la poco conocida María Sanromán, a partir de una idea desarrollada por el director con el crítico y Fiscal General del Estado Eduardo Torres-Dulce. Siempre ha destacado el realizador por su excelente mano con los actores. En esta ocasión destaca un sobresaliente trabajo de Gary Piquer, actor excepcional que ha demostrado su enorme valía en títulos como Mal día para pescar y Aunque tú no lo sepas, y que hasta ahora ha sido muy desaprovechado. Su Holmes resulta muy sentido, pero por desgracia desentona con el resto del reparto por su acento, que no tienen los otros actores que interpretan a británicos, incluyendo a su inseparable Watson –un José Luis García Pérez estupendo, más espontáneo–. Tampoco se entiende mucho que se haya tomado la opción de que las escenas en las que supuestamente hablan en su lengua natal o interaccionan con compatriotas se hayan interpretado en español, y sin embargo, de repente, se ponen a conversar en genuino inglés con el redactor de prensa. Por lo demás, resultan convincentes actores muy de Garci como Enrique Villén, Juan Calot, Manuel Tejada y hasta el inevitable diplomático Inocencio Arias. Sorprenden agradablemente Belén López, el citado Víctor Clavijo, y las dos principales chicas [Rec], Manuela Velasco y Leticia Dolera, ambas muy por encima de sus interpretaciones precedentes. De todo el reparto femenino sobresale Macarena Gómez, una actriz muy natural con mucha fuerza, que encarna a una cabaretera. Además, Carlos Hipólito, presente en varias cintas 'garcianas' anteriores, realiza una pequeña colaboración como el escritor Benito Pérez Galdós. También es digno de mención que el realizador logre sacarle partido al cómico malo del dúo Cruz y Raya Juan Muñoz, y hasta al ministro de Justicia, Alberto Ruiz Gallardón, que para asombro de propios y extraños al menos no desentona significativamente como su ilustre antepasado Isaac Albéniz, a pesar de que incluso interviene en un breve diálogo.

Segunda temporada de esta miniserie española que recrea la vida de Cayetana Fitz-James, la Duquesa de Alba. Como si de una traslación de las revistas de cotilleos se tratara, la serie recoge los amoríos, envidias y problemas entorno a la personalidad de esta "Grande" de España. En este caso, dentro de un periodo ambientado entre 1978 y 2001, se habla de las dificultades de Jesús Aguirre (Carlos Hipólito) para integrarse a la vida aristocrática después de su boda con la duquesa (Adriana Ozores). La causa es que se siente siempre examinado y puesto en la picota debido a su origen plebeyo.

Reconstrucción del drama vivido por los 36 tripulantes del atunero Alakrana, secuestrados por piratas fuertemente armados el 2 de octubre de 2009, cuando faenaban cerca de las costas de Somalia. La historia conmocionó a la opinión pública española y se vivieron momentos de gran tensión, como cuando los piratas anunciaron su intención de ejecutar a algunos de los tripulantes. El reparto está encabezado por el popular Miguel Ángel Silvestre (Sin tetas no hay paraíso), acompañado de actores tan solventes como Carlos Hipólito y Fernando Cayo. Inicialmente pensada para su estreno en cine, esta producción ha acabado estrenándose como serie televisiva de dos capítulos.

Reconstrucción televisiva de la oscura historia real de Joaquín Ferrándiz, un tipo aparentemente normal –soltero, buen trabajador, sociable–, ciudadano de Castellón, que resultó ser un terrible asesino sin escrúpulos. El barcelonés Roger Coma (A la deriva) se luce interpretando al inquietante protagonista. Le acompaña en el reparto el siempre solvente Carlos Hipólito (Historia de un beso) como el personaje de Garrido, el experto en Psicología Criminal y Psicopatía que investiga los crímenes. El asesino dentro del círculo se inscribe en la tercera temporada de una serie de largometrajes televisivos titulada "La huella del crimen", creada por Pedro Costa. Las dos temporadas anteriores fueron producidas en 1985 (6 capítulos) y 1991 (6 capítulos), aunque algunos capítulos fueron comercializados aparte, como es el caso de Amantes, de Vicente Aranda. En la serie se recrean casos policiales reales que han conmovido a la sociedad española.

El gallego Beda Docampo Feijóo tiene a sus espaldas una amplia trayectoria como guionista y director. Predominan los filmes bienintencionados, de tono amable, que sin embargo no acaban de llegar a funcionar, como Quiéreme, su anterior trabajo. Sin llegar a ser redonda, Amores locos es un nuevo paso adelante en su filmografía, y su mejor película hasta la fecha. Enrique, psiquiatra cuyo matrimonio se fue al traste tras la infidelidad de su mujer, regresa a Madrid para impartir un curso sobre delirios pasionales. Durante una visita al Museo del Prado entra en una sala de pintura flamenca vigilada por una empleada que se desmaya al verle realizando un gesto con las manos. Las ha colocado en la misma posición que el personaje de un cuadro de gran parecido con él, que imparte clases de música a una joven muy similar a Julia, la vigilante. Julia está convencida de que ambos son los personajes del cuadro y están destinados a estar juntos. El psiquiatra –desencantado con el amor– intenta hacerla entrar en razón.  Articular toda la trama en torno a un cuadro es un recurso que ha dado lugar a grandes películas clásicas –La mujer del cuadro, Jennie– y modernas –La joven de la perla–. Es evidente que Docampo se queda muy pero que muy lejos de sus modelos. Los dos protagonistas no acaban de tener fuerza cuando aparecen juntos en pantalla, a veces el ritmo decae demasiado y la puesta en escena es demasiado convencional. Sin embargo tiene grandes aciertos, como la fotografía de Juan Manuel Azpiroz, que homenajea a la pintura flamenca y le saca mucho partido a las localizaciones madrileñas del Retiro y el Museo del Prado, y también ha incluido una secuencia de la ciudad de Brujas. Eduard Fernández compone muy bien a su personaje, sugiriendo su desolación por su fracaso matrimonial, pero sin exagerar. Los secundarios están entre lo mejor del mundo de la interpretación española: Carlos Hipólito, Marta Belaustegui y Marisa Paredes. Mucho más interesante que la media del cine español, Amores locos reflexiona sobre el escapismo, el delirio que trae consigo la pasión amorosa y el autoengaño, que se ejemplifica en los personajes de Hipólito (un tipo que se siente al parecer ‘feliz’ porque se relaciona con una prostituta a la que paga incluso por cenar con él) y Belaustegui (una mujer que por su parte se refugia en la relación con un hombre casado). Es un film lleno de elementos simbólicos, con referencias acertadas, como la inclusión del cuadro de El Bosco ‘La extracción de la piedra de la locura’, donde el médico le saca al paciente un tulipán. De la misma forma el psiquiatra protagonista que intenta extirparle a la paciente la ilusión que le permite mantener una vida equilibrada. Si se desvanecen estas fantasías podría desencadenarse una grave crisis. Estos juegos metafóricos no resultan excesivos ni pretenciosos en ningún momento.

El inspector Bernardo Valle es interrogado por un policía acerca del seguimiento que ha realizado durante años de Mario Pastor, un ladrón de guante blanco. Se inicia entonces un flash-back en que se ve operar al delincuente y su banda en distintos golpes, y al inspector y al equipo que investigan sus robos. Al tiempo se sigue la vida familiar de los dos antagonistas. Valle es viudo, y tiene un hijo adolescente y una niña, Pastor está casado y tiene también dos hijos. Serie televisiva española que duró una sola temporada, producida por Bambú. Arranca bien, con el sofisticado robo de unos sellos –sin duda, un homenaje nada disimulado a Nueve reinas–, aunque luego se entretiene demasiado en los detalles, conversaciones familiares, de los ladrones y la policía, lo que hace que los episodios tengan una duración excesiva, de hora y media. La estructura narrativa sigue el esquema de "la cacería", con unos perseguidores y unos perseguidos. Evidentemente el meollo de la serie lo constituyen los robos y la persecución, pero se trata de pintar "la vida normal" de los personajes. Y en el tratamiento de sus problemas domésticos, las cuestiones se abordan de modo superficial, véase el “drama” de la hija embarazada, con el apoyo de los padres a la “niña”, haga lo que haga. De todos modos logra enganchar, hay acierto en el reparto, con Carlos Hipólito y José Luis García Alvarez como inspector y ladrón respectivamente, bien secundados por el resto de los actores.

Digno biopic de la gran cantante y 'bailaora' de flamenco Lola Flores, abarca desde su niñez al momento en que se convierte en madre. Entre medias se suceden sus primeros pasos en el mundo de la música; y sus muchos amores, donde resulta difícil en bastantes casos que esos novios vean más allá de la mujer hermosa y célebre que tienen entre los brazos, para ver a la persona, que se enamora y sufre. Atrapar el alma de un personaje real en dos horas de celuloide es tarea difícil e ingrata. Sobre todo cuando se trata de personajes muy populares, de los que se conocen cientos de datos y anécdotas, cuya ausencia puede irritar a los admiradores. Miguel Hermoso, que sorprendió en su debut como director en Como un relámpago, se aplica a la tarea, con resultados desiguales. El cineasta no evita una sensación de acumulación de episodios. Pero gracias al guión de Antonio Onetti, da con algunas buenas ideas que dan gravedad a la película: nos presenta el contraste entre la condición humilde de la familia de Lola y la vida de lujo que se ofrece a la incipiente artista; y sobre todo nos presenta a una joven, buena chica, en la que las presiones para alternar, un embarazo no previsto y la terrible decisión de abortar, matan también su inocencia; de modo que no habrá atisbo de felicidad genuina hasta que conozca la maternidad. La desconocida Gala Évora da el tipo del personaje retratado: por el físico y ciertos gracejo natural y picardía. Aunque, con inteligencia, Hermoso ha evitado insistir en sus números musicales para evitar comparaciones con la auténtica Lola. El reparto arropa bien, tanto los sucesivos novios (José Luis García Pérez como Manolo Caracol, Carlos Hipólito como el anticuario Arenzana, Ramón Villegas como el futbolista del Barça Biosca, Alfonso Begara como 'El Pescaílla'...) como los padres (estupenda Ana Fernández).

La efémeride del centenario de Miguel Mihura (1905-1977) sirve a José Luis Garci para pergeñar su último film, que aúna dos obras del dramaturgo madrileño: "Ninette y un señor de Murcia" y "Ninette, Modas de París". Allí se nos cuenta cómo Andrés, un provinciano señor de Murcia, visita a su amigo Armando en París en los años 50. La idea es disfrutar de los encantos de la capital francesa, echar una canita al aire. Pero la cosa no empieza muy bien cuando Armando le dice a su amigo que no ha podido encontrarle alojamiento en un hotel, que deberá dormir en casa de una familia de exilidados españoles. La contrariedad deja de serlo cuando Andrés conoce a la hija única de la familia, la encantadora y afrancesada Ninette, un auténtico bomboncito. Al tramo francés seguirá otro en tierras hispanas, con la pareja ya casada y regentando un establecimiento de objetos píos. Diversión muy nuestra, con gags de buena ley. Quizá pueda pensarse que la trama se ha quedado algo rancia, y Garci no logra imprimir al film el necesario ritmo vertiginoso de comedia alocada que está pidiendo a gritos. Pero Mihura es mucho Mihura, y dicho sea para los despistados, no estamos hablando de toros. Garci maneja el texto de uno de los autores teatrales más desternillantes de la literatura hispana, y colaborador en guiones como el de la impagable Bienvenido Mr. Marshall. Coartada cultural, que sirve como contrapunto a lo más publicitado del film, la consigna “Muestra a Elsa Pataky como nunca antes se la ha visto”, o sea, en cueros. A Pataky se la ha llegado a definir por este film como la “Marilyn española”, lo que tal vez sea excesivo: aunque hace un notable trabajo interpretativo, su acento ‘fgansés’ carga un poco. Más en su sitio está Carlos Hipólito, y la gran sorpresa del film, Enrique Villén, como el leal amigo del ‘señor de Murcia’.

El 26 de agosto de 1990 la tragedia sacudió al pequeño pueblo extremeño de Puerto Hurraco. La enemistad ancestral entre dos familias del lugar terminó en matanza. Carlos Saura se atreve a recrear los hechos sin nombrar el lugar donde acontecen y cambiando nombres: no en vano, a los habitantes del pueblo no les hizo gracia que el cineasta, con guión de Ray Loriga, revolviera en un pasado que preferirían olvidar. A favor del director hay que decir que narra los hechos evitando los aspectos más morbosos. Y trata de poner una nota de esperanza, contrastando el odio visceral, sobre todo en una de las familias, con un amor entre dos jóvenes que nada entienden de semejantes disputas. El trabajo del entero reparto es sensacional, pero entre todos hay que destacar a Victoria Abril en su papel de vieja amargada, en el que lleva a cabo una transformación realmente notable.

“No eran los mejores tiempos, pero eran los nuestros.” Con esta declaración nostálgica y mecanografiada concluye José Luis Garci este film coral, que arroja una mirada agridulce a la España de 1950, y concretamente a Madrid. El director asturiano recurre a tenues pinceladas a la hora de retratar a multitud de personajes variopintos, junto a sus pequeños dramas cotidianos: la taquillera de metro enamorada de quien no debe (es un cura, pero ella lo ignora), la beatorra avariciosa, el empleado de banco que ante sus parientes de provincias tiene un gran empleo en la capital, el ‘conseguidor’ de libros prohibidos, el dueño de un taller mecánico, la gente de la academia de baile… Y con una curiosa mezcla de añoranza y denostación de tantas cosas de la época franquista, ofrece un film que ha irritado a mucho progre, quizá por su calculada ambigüedad. Llama la atención que nadie pueda ser feliz en esos años (¿no hay alguien entre tanta gente a quien le vaya más o menos bien?), y como parece invitar a comparar con lo que ahora nos toca vivir, las conclusiones pueden ser para todos los gustos. En cualquier caso destaca el increíble reparto, y la ambientación de la época, brillantes sin duda. Y agota un poquillo tanta cinefilia apenas encubierta, y muchos detalles ‘garcianos’ (referencias al fútbol, los toros, las calles de Madrid), poco naturales en la trama.

Adaptación de la obra teatral de enredo de Miguel Mihura "Maribel y la extraña familia", que ya fue llevada al cine en tiempos por José María Forqué. El film supone el meritorio debut en la dirección del productor Ángel Blasco. Situado en el Madrid de los años 50, cuenta el inesperado enamoramiento de Marcelino, un tipo provinciano dueño de una fábrica de chocolate, por Maribel, una chica de alterne. El caso es que Marcelino es tan ingenuo, que no se da cuenta de la profesión de su amada. Y las compañeras de Maribel se preguntan si esa mosquita muerta y su extraña familia no serán más siniestros de lo que parece.

José Luis Garci vuelve a rendir tributo al melodrama con una historia intimista y sentimental, ambientada en el imaginario pueblo asturiano de Cerralbos del Sella, ese lugar casi mítico por su belleza y por su melancólica carga de vidas pretéritas que ya fue explorado en You're the One (una historia de entonces). Invierno 1949. En la casona familiar Llendelabarca acaba de fallecer el escritor Blas Otamendi y desde Francia llega su sobrino Julio para darle su último adiós. Pero ese viaje supondrá además el reencuentro con su infancia y la suave evocación de sus primeros anhelos de adolescente. Al hilo de las conversaciones con los amigos de su tío fallecido –el médico, el cura, el alcalde– Julio recuerda…, y el presente y el pasado se entrelazan para revivir las historias de amor que tío y sobrino protagonizaron en el verano de 1925. Definitivamente Garci es un tipo que viaja a contracorriente, que no cede ni un fotograma a las modas que ahora comandan el cine patrio. Con la ayuda del guionista Horacio Valcárcel y del aliento fotográfico de Raúl Pérez Cubero, el director madrileño vuelve a recrearse en la palabra y la imagen, con ese ritmo personal de elegía cinematográfica que a algunos puede resultar acaramelado. Cada plano está cuidado con desmesurado primor, como si se tratara de una colección de estampas de principios de siglo, y los diálogos, algunos muy literarios, prestan la necesaria intensidad dramática. Hay escenas antológicas, como la que tiene lugar en la iglesia o la del monólogo de Julio frente a la tumba de su tío. Y al monumental trabajo de Alfredo Landa (un tipo que ya no tiene nada que demostrar) hay que añadir la carga de autenticidad que prestan Carlos Hipólito y Beatriz Rico, responsables de algunos de los momentos mejor logrados del conjunto.

Varias parejas viven su día a día con las cosas que conllevan las relaciones entre ellos. Los chicos quieren ser felices pero son unos machistas que se debaten entre dudas, niñerías y obsesiones, y las chicas, que se definen como más independientes y seguras de sí mismas, no saben qué hacer sin ellos. Primera película de Roberto Santiago, el cual quiso rodar una comedia romántica, pero ¿por qué lo llama amor si quería decir sexo? La historia, contada con humor ácido y soez, quiere ahondar en las distintas relaciones de pareja, con los celos, los rencores, los deseos, los amores y desamores, la felicidad, el abandono, la incomunicación, las mentirijillas... y el resultado es, a ratos, un cierto mal sabor de boca. De todos modos, destaca el reparto encabezado por Sergi López y Aitana Sánchez-Gijón, y el gag del principio, que es el que más éxito tuvo entre el público.

Cuando su madre muere, Elena descubre que sus vidas eran similares a través de diarios escritos y grabados. Que a pesar de estar rodeada de gente, su vida está marcada por la soledad

España, años 40. Julia es una mujer joven y hermosa que pasa por el peor momento de su vida al conocer la muerte del hombre del que estaba enamorada, un pintor contrario al régimen. Para salir de su depresión va a pasar una temporada en una finca familiar situada en un pueblecito de Asturias. Allí recordará momentos entrañables de su infancia. La casona está al cuidado de la Tía Gala, su nuera Pilar y el hijo de ésta, Juanito. Todos ellos, junto con otros personajes como el maestro o el cura del pueblo, estrecharán sus relaciones con Julia, una verdadera dama que irradia melancolía y fortaleza a un tiempo, y que brilla tan intensamente como Claudette Colbert en Sucedió una noche, al decir de Juanito. José Luis Garci firma una dirección primorosa, llena de amor por el cine, plena de templanza y serena belleza. La fotografía en blanco y negro es fantástica y fue premiada en el último Festival de Berlín. El reparto está impecable y, salvo la figura del sacerdote, quizá algo exagerada, todos transmiten la discreción requerida en la película. Mención especial para Julia Gutiérrez Caba, flamante ganadora del Goya como Mejor Actriz Secundaria. You're the One... es un rendido homenaje al cine clásico, al pasado, a las raíces. Parece que José Luis Garci no puede desprenderse de las historias íntimas, de pequeñas piezas de la vida cotidiana. Pero el director madrileño tiene un don: su cámara convierte esos pequeños mundos personales en grandes universos capaces de llegar al corazón del espectador y quedarse en él como una fotografía. Algunos quizá echen en falta eso que se llama “acción”, pero es que aquí no hace falta. Todo sucede en el alma de los personajes.

Un Goya octogenario vive exiliado en Burdeos. Le acompañan su amante Leocadia Zorrilla de Weiss (Josefina Bayeu ha muerto) y su hija Rosarito, que llevan con paciencia sus achaques y cabezonerías. Los últimos meses de vida del genial pintor se convierten en una rememoración de su vida y su arte. Entre delirios seniles se presentan momentos decisivos de su existencia: la concepción de algunos cuadros, su paso por la corte, el amor por la duquesa de Alba, los momentos de camaradería… La fructífera relación artística entre Carlos Saura y Vittorio Storaro (Flamenco, Taxi, Tango) alcanza sus cotas más altas en este original acercamiento a la vida y obra de Francisco de Goya. Saura y Storaro juegan con la luz y el cromatismo como nunca: como si estuviéramos dentro de un sueño, o quizá en el interior del alma de Goya, nos movemos por escenarios imposibles, con paredes que se transparentan, una pradera de San Isidro de estudiada irrealidad, o el paisaje de una guerra de subyugante coreografía, obra de La Fura dels Baus. Si la belleza formal de la película resulta indiscutible, lo mismo ocurre con la cuidada narración. Tenemos personajes, y personajes sólidos. Francisco Rabal presta enorme humanidad y presencia a Goya anciano: cascarrabias, cariñoso aunque le cueste expresarlo, enamorado de su arte, siempre a la búsqueda de la inspiración; y José Coronado, como Goya joven, sirve la que es, seguro, su mejor interpretación. El film se llevó 5 premios Goya, entre ellos el de mejor actor para Rabal.

Andrés y Nuria forman un matrimonio gris; David, su hijo único, concentra el poco amor que les queda. De este panorama se aprovecha Isabel, que seduce al marido con el deseo de explotar su situación económica, desahogada gracias a la colocación que le proporciona su suegro. Con la ayuda de un ‘camello’ convence a su amante de que debe una importante cantidad de dinero; el incauto Andrés se apresta a conseguirla consintiendo en el secuestro de su propio hijo, en la confianza de que el suegro pagará el rescate. Inverosímil. Es el adjetivo que mejor define la trama de la película con que debuta el joven director Ángel Fernández Santos. A la falta de ingenio, que raya el ridículo —nada que ver con otros filmes de secuestros como Fargo, de los hermanos Coen—, se añade la decisión inmotivada de rellenar el film con continuas escenas de cama. El resultado, un producto indigerible, plegado a las motivaciones comerciales a través de recursos más que dudosos.

Mediometraje producido por TVE que forma parte de un proyecto internacional sobre la concienciación y lucha contra el sida. Su carácter comprometido facilitó un reparto de nombres tan reconocibles a la vez que variopinto, pues en él aparecen artistas de distintos gremios como el cantante Lafredo Kraus.

Tras varios años sin verse, dos hermanos, Carlos y Toni se reencuentran. Ambos son muy diferentes. Toni es un caradura perdedor y Carlos es un empresario felizmente casado con Julia, exmujer de Toni. Los dos hermanos se proponen hacer un viaje con la intención de limar asperezas y volver a tener una buena relación, pero las cosas no serán tan fáciles. Mariano Barroso dirigió este, su primer largometraje en 1993, con el que recibió el Goya al mejor director. Cuenta con un buen reparto con Juanjo Puigcorbé (Todos los hombres sois iguales, El amor perjudica seriamente la salud) a la cabeza.

Una mujer de cierta edad, Carmen, interpretada por Mercedes Sampietro, se dedica a la restauración de obras de arte. Poco después de reencontrarse con su único hijo, es víctima de un asalto sexual. Esto le provoca un grave trastorno psicológico, pero no parece afectarle al hombre con quien comparte su vida, Fernando. Carmen, muy dolida y decepcionada, decide emprender un viaje en busca de su esposo, de sus padres, y en definitiva, de su pasado. En ruta hacia el sur, está decidida a comenzar una nueva vida. Se trata de una de las películas más personales de Pilar Miró. Habla, desde un punto de vista femenino, de la soledad, la dignidad, los afectos y las desilusiones. Brillante guión de Mario Camus. El título de la película procede de un texto de Pío Baroja, en el que se refiere al momento en el que una persona tiene en su mano "el pájaro de la felicidad", y sin darse cuenta lo deja escapar.

Ana y Koro son dos mujeres que se conocen por casualidad en una discoteca, y terminan tramando un plan para comprobar si sus respectivos maridos les son fieles. Ana intentará seducir al marido de Koro y Koro al de Ana. Comedia española cuyo director Manuel Gómez Pereira (Boca a boca) recibió una nominación al Goya en 1992.

Amos, un marinero que posee un barco, espera la inminente llegada de su tío, que ha vivido en la Unión Soviética desde que se exilió, al término de la Guerra Civil. Poco después de llegar, y antes de que tengan tiempo de intercambiar muchas palabras, el anciano muere inesperadamente. Amos ha leído en las cartas que el tío le enviaba a su madre que éste poseía un tesoro, de paradero indefinido. El veterano Mario Camus contó en esta cinta con grandes actores que bordan sus papeles.

El capitán Darman, un exiliado vinculado al partido comunista, es enviado a Madrid para eliminar al responsable de la muerte de varios militantes. Allí se enfrentará a los recuerdos de una misión similar ejecutada 16 años atrás; y conocerá a Rebeca, estrella de un night club, que le acompañará en su misión. Cine negro a la española, hecho sobre la base de una novela de Antonio Muñoz Molina. Con dos actores de renombre internacional y una magnífica recreación de ambientes, Pilar Miró pone en escena un film con unos cuantos momentos memorables. No está a la altura de El perro del hortelano, pero es más que digna.

Sigue los pasos de Arturo, desde que es un niño que vive con su madre, una viuda que trabaja como lavandera, en un humilde barrio madrileño. Pretende estudiar una ingeniería, pero la muerte de su tío –que le iba a financiar la carrera– frustra sus esperanzas. Mario Camus adapta la trilogía de novelas autobiográficas de Arturo Barea, con grandes trabajos de los actores.

Biopic del genial escritor de Alcalá de Henares, creador de esa obra inmortal llamada Don Quijote de la Mancha, además de sus célebres “novelas ejemplares” y otros interesantes escritos menos conocidos. La serie se inicia con un Cervantes enfermo, que en el lecho del dolor cuenta detalles de su vida a un estudioso licenciado, que quiere dar a conocer su vida. El reparto incluye lo más granado del cine español.