Elena Irureta

“Patria” de Fernando Aramburu es quizá la novela española más exitosa de los últimos años, con permiso de otros renombrados autores... patrios. Porque no sólo se ha convertido en un best-seller, y en el libro que había que leer, sí o sí, sino que ha logrado concitar una práctica unanimidad en los elogios, que reconocen un equilibrio, a priori imposible, a la hora de recoger la realidad del terrorismo asesino de ETA y el modo en que ha fracturado a la sociedad, de un modo especial a la del País Vasco. Con estos precedentes, su conversión en miniserie televisiva de la mano de HBO, suponía un “más difícil todavía”. Porque ahora se trataba no solo de lograr lo mismo que la novela, y no traicionar por tanto su espíritu, sino también de estar a la altura, y resistir las siempre odiosas comparaciones. O sea, de no ser simplemente un producto de amplio presupuesto, pero hueco y sin alma. Afortunadamente Aitor Gabilondo, con experiencia serial con títulos como El príncipe y Vivir sin permiso, se ha aplicado en la fidelidad al original, jugando de este modo su mejor baza, nada de experimentos locos que reinventen o reinterpreten la novela de Aramburu. La trama transcurre en torno a dos tiempos y dos familias de un pueblecito del País Vasco. Txato y Joxian son buenos amigos, compañeros de partidas de cartas, y de salidas ciclistas por la carretera. El primero es un pequeño empresario, el otro obrero metalúrgico. También son buenas amigas sus esposas, Bitori y Miren, amas de casa y mujeres de iglesia. Txato y Bitori tienen dos hijos, Javier, que aspira a ser médico, y Nerea, que estudia derecho en Zaragoza. Mientras que Joxian y Miren son padres de tres hijos, Joxe Mari, que se mueve en ambientes abertzales muy radicalizados, Gorka, escritor con sensibilidad artística, y Arantxa, a la que un ictus le cambiará la vida. La relación de unos y otros queda trágicamente marcada por el asesinato de Txato a manos de ETA, una tragedia imposible de superar, porque deja profundas heridas de difícil cicatrización. Todos los afectados se disgregan, con el paso de los años, pero el anuncio de que la banda terrorista ha decidido renunciar a la violencia impele a Bitori a volver al pueblo del que se fue tras el crimen; lo que provoca reacciones de todo tipo, de sus hijos y en la otra familia. Félix Viscarret y Óscar Pedraza se han encargado de la dirección de los ocho episodios que componen esta coral miniserie, que alrededor de los personajes mencionados conforman un lienzo amplio de enorme calado, donde conviven los dramas individuales con el colectivo. Hay una clara objetivación al abordar la cuestión política, sobre todo porque, por encima de todo, está el valor supremo de la vida, que resulta indiscutible. Los responsables de Patria manejan bien los puntos clave de la narración, con los frecuentes saltos temporales y la descripción minuciosa de los personajes, que son, como en el papel, de carne y hueso, con matices, cada uno reacciona de una manera ante los hechos de que son protagonistas. Estos están muy bien interpretados por un grupo de actores no muy conocidos del gran público, lo que supone una ventaja a la hora de que el espectador se sumerja de lleno en el relato. Ane Gabarain, Elena Irureta, José Ramón Soroiz, Mikel Laskurain, Jon Olivares, Susana Abaitua, Loreto Mauleón, Iñigo Aranbarri y Eneko Sagardoy saben encarnar el amor y el dolor, el perdón y el odio, la frustración y el desengaño, el miedo, la cobardía y la claudicación, tantos sentimientos que les han envenenado y destrozado de distintos modos, pero que tal vez considerados y gestionados de modo oportuno, puedan reconducirse hasta lograr la paz del alma, la que más importa a la postre. Llaman la atención los valores de producción, está muy bien recreado el ambiente, las distintas épocas, los dejes de los personajes, lo que concede al conjunto una enorme credibilidad. Y hay pericia en la resolución de muchas escenas complicadas, empezando por el atentado detonante, nunca mejor dicho, aunque suene a triste juego de palabras, de todo, y al que se vuelve una y otra vez.

A punto de cumplirse el 80 aniversario del bombardeo de Guernica (Gernika en euskera), durante la guerra civil española, llega esta película para recordar que aquella fue una de las primeras ocasiones en que se arrojaron bombas sobre la población civil. Aunque las víctimas no fueron numerosas –unas 160, lejos de las alcanzadas posteriormente en la Segunda Guerra Mundial, con los trágicos récords de Hiroshima y Nagasaki–, el ataque se convirtió en emblemático de cómo el horror bélico podía cebarse sobre los no combatientes, en acciones que no tenían interés táctico o estratégico, sino que se dirigían únicamente a minar la moral de enemigo. De hecho el film incide en que los bandos contendientes se convirtieron en poco menos que marionetas en manos de los totalitarismos –nazi y fascista de un lado, soviético del otro–, que ensayaron en España sus nuevas armas. Esto podía haber servido un poco para superar el habitual maniqueísmo del subgénero bélico de la guerra civil española, aunque no se acaba de lograr del todo este objetivo, la ideología sigue pesando lo suyo. Estamos ante un notable esfuerzo de producción, manejado por Koldo Serra con ciertos medios y rodado en inglés, sin duda con la sana intención de hablar de modo didáctico del bombardeo a un público internacional amplio. Pero desgraciadamente el film acaba convertido en un encadenado de clichés, por culpa de unas situaciones demasiado folletinescas y estereotipadas, por las que pululan unos personajes de cartón piedra. Todo transcurre alrededor de la oficina de prensa en Bilbao durante la guerra, donde ejerce Henry, un periodista que fue una especie de Hemingway en su día, pero que se ha convertido en un cínico que inventa sus crónicas; por ahí también anda una fotógrafa que se juega la vida cada vez que toma una instantánea. A la idealista Teresa le toca la ingrata tarea de manejar la censura informativa, aunque a la vez desea que el mundo conozca la verdad de la contienda. Un comisario político ruso la pretende románticamente, pero ella se verá atraído por Henry. Como cabe imaginar, la peripecia periodística y romántica es una excusa que debe llevarnos a las escenas del bombardeo, lo mejor del film. Pero entretanto hay momentos obvios de promoción turística, como el publirreportaje –no se nos ocurre una descripción mejor– de las escenas del País Vasco y la vida rural, con la excusa de que la oficina de prensa se lleva a los chicos de la prensa a hacer un tour: de modo que ven el árbol de Guernica, y puede disfrutar del aurresku.

Segundo largometraje del bilbaíno Mikel Rueda, responsable del tenebroso film sobre la Guerra Civil Estrellas que alcanzar. Compitió en la sección oficial en el Festival de Málaga. A escondidas transcurre en la ciudad natal del realizador, donde Rafa, quinceañero que estudia en el instituto, se siente desorientado, especialmente porque sus compañeros empiezan a interesarse por las chicas, mientras que él está incómodo cuando se convierte en el objeto de atención de una compañera. Por contra, empezará a manifestar sentimientos hacia Ibrahim, un inmigrante marroquí que reside en un centro de menores. En su retrato del despertar homosexual de un adolescente recuerda hasta cierto punto a la francesa La vida de Adèle, Palma de Oro a la mejor película en Cannes, en variante masculina. Aunque en este caso prescinde de las imágenes gráficas de sexo, mientras que el origen étnico de uno de los dos protagonistas da pie a añadir un alegato contra la discriminación de los extranjeros. Sus pretensiones de realismo resultan torpes, sobre todo en lo que se refiere a las interpretaciones de los jóvenes protagonistas, excesivamente artificiales cuando intentan aparentar cotidianeidad. Los veteranos Ana Wagener y Álex Ángulo (que rodó esta película poco antes de su prematuro fallecimiento en accidente de tráfico), intentan subir el listón con sus esforzados trabajos como asistentes sociales, pero sus personajes son muy secundarios y maniqueos. No ayudan tampoco los diálogos, excesivamente pobres, ni la poco imaginativa puesta en escena. Además, al autor de A Escondidas ya no le queda mucho por contar a partir de la segunda mitad del film, por lo que abusa de secuencias con largos silencios de los protagonistas, lo que llega a resultar bastante tedioso. Al montaje le falta inspiración, hasta el punto de que al principio un flash-forward adelanta por dónde va a transcurrir la trama, sin que esto contribuya a nada, salvo a reforzar la sensación de tedio.

El tiempo entre costuras adapta la novela homónima de María Dueñas, sorprendente debut literario de la autora, que se convirtió en un gran éxito de crítica y público. Se encarga de la realización Ignacio Mercero, hijo del mítico Antonio Mercero, que ya tiene enorme veteranía al frente de capítulos de numerosas series españolas de ficción, como La chica de ayer o Los protegidos. Con pequeños cambios puntuales, como alguna escena añadida que no traiciona al original, El tiempo entre costuras sigue al pie de la letra el argumento del libro. Meses antes del inicio de la Guerra Civil, Sira Quiroga, jovencísima empleada de un taller de costura madrileño, abandona a su novio funcionario, con el que está a punto de casarse, para viajar a Tánger con Ramiro Arribas, el hombre del que se ha enamorado. Pero éste la deja abandonada, embarazada, llevándose todo su dinero... Logrado relato del paso de la inocencia a la madurez, el guión de Susana López Rubio (Física o química, Hospital central) y Carlos Montero (El comisario) aprovecha el enorme potencial de la trama, bien urdida por la novelista. La miniserie sorprende por el despliegue de producción, atípico en la televisión española, que permite localizaciones en ciudades de diversos países (Madrid, Tánger, Tetuán, Lisboa), vestuario de la época más que convincente, y atrezzo adecuado. El tiempo entre costuras está rodada con una enorme elegancia, que parece tomar como punto de referencia los clásicos de Hollywood, y su retrato histórico –centrado en las desigualdades femeninas de la época– es más inteligente de lo habitual. Logra atrapar más o menos desde su inicio. Además, Adriana Ugarte realiza un gran trabajo mostrando la evolución de la protagonista, y está en medio de un plantel solvente, en el que destacan Raúl Arévalo (el novio funcionario) y Elvira Mínguez (la madre).

Miniserie televisiva que recrea el romance entre el príncipe Felipe de Borbón y la periodista de televisión Letizia Ortiz. La acción arranca con la ruptura del primero con su novia Eva Sannum, para mostrar a un príncipe compungido, pero que pronto queda obnubilado con la presentadora en verano del programa de Televisión Española “Informe Semanal”. Se trata de Letizia Ortiz, a la que Felipe está deseando conocer, de modo que monta un encuentro “casual” en casa del periodista Pedro Erquicia. Los dos se caen muy bien, hasta el punto de que acaban creyendo que están hechos el uno para el otro. Pero hay problemas, desde la condición de plebeya de Letizia, al hecho de que está divorciada. De modo que de entrada los reyes se oponen al noviazgo y posible enlace.No se trata, evidentemente, de una obra maestra, pero estamos ante una digna "tv-movie", que reproduce las circunstancias del enlace principesco, con las reticencias de los monarcas, y rellena algunos huecos cuyo contenido sólo conocen sus protagonistas. Es verdad que los medios de producción son escasos, y que a veces Juanjo Puigcorbé y Marisa Paredes resultan algo caricaturescos encarnando a los reyes -sobre todo el primero, con sus andares un pelín ridículos-, hasta el punto de que algunos pasajes hacen reír, más que emocionar. Y se puede echar en falta, si de un asunto de estado se trata, la reacción de la clase política, y del pueblo llano, la cosa se limita a ser un “asunto de familia”, aunque se aluda a la gran responsabilidad del paso a dar, sea en un sentido o en otro. Pero en general la cosa se sigue bien, algunas situaciones como la conversaciones de Letizia y la Reina son acertadas; y conviene subrayar el gran trabajo de Amaia Salamanca, verdaderamente mimetizada en Letizia, y el esfuerzo de Fernando Gil como el príncipe enamorado.

Daniel es un joven chef español, recién fichado en el prestigioso restaurante de Zurich que regenta Thomas Wackerle. Aunque tiene novia en Bilbao, Eva, se enreda sentimentalmente con Hanna, la suniller del restaurante. Ella, aparte de haber mantenido una breve relación con Hugo, otro chef del local, es la amante de Wackerle, que está casado. Cuando se queda embarazada de Wackerle, Hanna no sabe cómo manejar la situación. Debut en la dirección de largos del montador David Pinillos, que coescribe el guión con Paco Cabezas y Juan Carlos Rubio. Se trata de una mirada bastante representativa de la actual confusión amorosa y vital de tantas personas en la vieja Europa, accionadas por sentimientos cuya origen y vigencia son difíciles de determinar, no saben de dónde vienen ni adónde van. En efecto, en el restaurante de Wackerle confluye gente de diversas naciones europeas –Italia, Alemania, España, la propia Suiza...–, que desprenden simpatía, con deseos de realizarse profesional y personalmente, a los que gusta hacer planes juntos y pasar un buen rato, pero que ignoran el significado de la palabra “compromiso”, que se mueven entre la amistad y el amor sin saber a qué carta quedarse, y a los que les domina el miedo, por ejemplo en la responsabilidad de la paternidad... Sorprende la solidez con que se mueve tras la cámara el “novato” Pinillos, la historia fluye con naturalidad, sobre todo en su primer tramo. Luego las cosas se precipitan un tanto en el esfuerzo por mostrar la madurez que se supone que han adquirido los personajes, sobre todo la pareja protagonista; las escenas de Munich resultan algo difíciles de creer, hay lugares comunes en el encuentro "casual" en un garito nocturno, en el parto o en los cuentos infantiles. No obstante, Unax Ugalde y Nora Tschirner hacen un buen trabajo actoral.

Laura es una mujer madura que trabaja como policía. Es una investigadora reconocida por la eficacia con la que resuelve los casos. Su éxito no se encuentra del lado de los CSI y los modernos investigadores de principios del siglo XXI, sino que está más cercano a la labor que en su día desempeñaran con pericia Jessica Fletcher y Colombo. Laura es un sabueso perfecto con un olfato envidiable. Su intuición es la que la lleva a salir airosa en tantos casos. Sin embargo, Laura no es sólo una policía, sino que también es madre y esposa. Esta serie pretende reflejar las dificultades a las que muchas madres se enfrentan al tratar de compaginar su vida laboral con la familiar. En muchas ocasiones, las cosas en casa llegan a ser tan complicadas como los casos que tiene que resolver, lo que la convierte en toda una "superwoman".

Para Ainhoa la vida está lejos de ser perfecta. Acaba de tener un accidente de coche que la ha dejado en coma. Cuando recupera la consciencia, la preocupación comienza a corroerle, pues teme que no volverá a tocar el piano nunca más. Antes de este trágico suceso, esta joven distaba mucho de ser feliz. Entregada al piano, era una chica solitaria y triste que parecía incapaz de conservar una relación sentimental. Esta historia dramática de contenido existencial está aliñada con un tema candente como es el terrorismo de ETA. Ainhoa fue testigo en sus años de juventud de un atentado perpetrado por la banda, una tragedia que le ha marcado de por vida. La televisiva Anne Igartiburu da vida a Ainhoa en el que es su primer trabajo como protagonista indiscutible en una película.

Divertida comedia dirigida al alimón por los jóvenes vascos Asier Altuna y Telmo Esnal. Sin ser una gran maravilla, se pasa bien, hay ritmo y situaciones divertidas en esta comedia algo esperpéntica. La familia Etxebeste se va de vacaciones a Marbella. Pero antes de salir, el cabeza de familia, Patricio, recibe una tremenda noticia del banco: todos sus bienes han sido embargados y se ha quedado sin un céntimo. El plan familiar de urgencia será entonces encerrarse de incógnito en su casa, mientras amigos y vecinos creen que están de vacaciones.

Una película sobre la violencia doméstica puede ser arma de doble filo. Tema de rabiosa actualidad, acapara desgraciadamente titulares en los medios de comunicación; la cuestión preocupa, hay un público interesado. Pero por otro lado, se presta fácilmente a los didactismos facilones, a la truculencia barata. Por eso hay que reconocer el virtuosismo de Icíar Bollaín (Hola, ¿estás sola?, Flores de otro mundo), que entrega una película medida equilibrada y con matices, con distintos puntos de vista. La historia se centra en la deteriorada relación de Pilar y Antonio (magníficos Laia Marull y Luis Tosar), casados y con un niño, que viven en una ciudad de provincias. Una noche, ella se presenta en casa de su hermana con el crío, llorosa y en zapatillas. Ha sufrido un episodio más de malos tratos, que le empuja a una separación temporal. Bollaín, coautora del guión con Alicia Luna, se detiene en la descripción de los dos personajes principales: ambos siguen enamorados, se quieren de verdad; ella apenas puede dominar el miedo cuando adivina el inicio de un arrebato de violencia de él; airearse, trabajar fuera de casa en un museo, hacer nuevas amigas, da a Pilar nuevas alas; mientras, Antonio se esfuerza en seguir una terapia, escucha al psicólogo, anota en un cuadernito lo que pasa por su cabeza cuando le domina la ira; pero sus estrechos horizontes, un querer y no poder, configuran un pesado lastre. El cuadro se completa con los alrededores de la pareja: la madre que aguantó junto a su marido hasta el final de sus días (“lo hice lo mejor que supe”, asegura), la hermana indignada, que no entiende que Pilar lo intente de nuevo, las amigas del trabajo (presentadas con unas pinceladas algo simplistas, como prototipo de independencia bien llevada), el terapeuta que trata de dar pistas, los compañeros de la terapia de grupo, que presentan un abanico de mayor o menor aprecio a sus mujeres.

Kirik es un alienígena que se apodera de Neuronia, una extraña esfera con la que el tirano Ramakor tiene sometidos mentalmente a los habitantes del planeta Sondak. En su huida llega a la Tierra, y confundido por la televisión, adopta el aspecto de un gallo de dibujos animados, pensando que así parecerá un terrícola más. Tremendo error: pues los chavales que están pasando unos días de vacaciones en un campamento lo adoptan de mascota y le quitan la esfera. El cine español no es pródigo en “películas familiares”. Por eso sorprende agradablemente El rey de la granja, insólita y bastante lograda combinación de imagen real y animación al estilo de ¿Quién engañó a Roger Rabitt? y El guardián de las palabras. Muro y Zabala juegan con Neuronia como si el Anillo único de Tolkien se tratara: un objeto tentador, que puede ser usado caprichosamente para satisfacer el propio ego. A la aventura trepidante, se añade un sano sentido del humor, y moralejas sencillas para los chavales.

Vuelven más casos para esta comisaría tan competente liderada por Gerardo Castilla y sus fieles subinspectores Charlie y Pope. En el primer episodio titulado 'El huevo de la serpiente', cuatro adolescentes dan una paliza a un hombre de color, el cual se defiende y apuñala a uno de ellos. Segunda temporada con 26 capítulos donde los asuntos de corrupción, violencia y asesinato están a la orden del día.

Gerardo Castilla es el jefe de la comisaría de San Fernando en Madrid. Él y todo su equipo resolverán todos los casos policiales que se le vayan presentando. Además, cuenta con Charlie y Pope como sus dos hombres de mayor confianza. Serie policiaca de éxito estrenada en 1999, que trata temas de conflicto actual, protagonizada por Tito Valverde (Pepa y Pepe), Juan José Artero (Verano azul) y Marcial Álvarez, entre otros. Destacan los capítulos 'El caso del destornillador', 'Sobre ruedas', 'Ojo por ojo' o 'Trapos sucios'.

Santa Eulalia, imaginario pueblecito de Castilla. El lugar se muere. La gente joven se va a la ciudad. La población masculina no encuentra esposas. ¿Remedio? Una “caravana de mujeres” (como la del western de William A. Wellman), solteras, que invitadas unos días quizá encuentren al hombre de sus sueños. Pasado el evento, seguimos a lo largo de un año las peripecias de varios personajes. Naturalidad; sensación de haber atrapado jirones de la vida real. He ahí el mérito de la película de Iciar Bollain (Hola, ¿estás sola?), que toma prestados estos elementos del cine de Ken Loach. El inicio (la llegada del autobús de solteras), es perfecto. Luego el relato se salpica aquí y allá de pinceladas de autenticidad: por ejemplo, los comentarios de los viejos ante la exuberancia de una cubana. Al buscado realismo, la directora añade una temática palpable en su primer film: la búsqueda del amor, la necesidad de querer y ser querido, con sus ilusiones y desengaños.

Marrubi, miembro de un comando terrorista de ETA, duda a la hora de apretar el gatillo ante una potencial víctima. De resultas muere uno de sus compañeros, a la vez que ella comienza a sufrir una persecución interna por sus deseos de abandonar la banda. Como intento de ahondar en las motivaciones del terrorista, el film es una nulidad; en lo concerniente al sufrimiento de las víctimas, ni siquiera se prueba fortuna; y si se contempla como mero thriller, la cosa tampoco funciona. Alguna secuencia vigorosa –véanse los enfrentamientos callejeros de alborotadores con las fuerzas del orden– no evita el mediocre tono general. Clamoroso es el caso del secuestro de Marrubi a su jefe en la vida civil, tras ser ella primero la retenida: produce vergüenza ajena por lo inverosímil, además de propiciar algún pasaje de tosca zafiedad.

Dos veinteañeras, una sin familia y la otra lejos de ella, viajan por España empujadas por el viento del "me apetece" o el "no me enrolla", al margen de la sociedad. Contiene algunas situaciones muy divertidas y el conjunto –uno de los grandes éxitos del año 95 por su espontaneidad– es una divertida comedia que vuelve por los fueros de parte de la filosofía de los hippies de los sesenta.

Marta (María Barranco), es concejala de Bienestar Social, idealista, y defensora de los más debiles. Roberto (Imanol Arias) es un joven especulador. Un día su destino se cruza, al caer juntos de un puente colgante de la ciudad. Desde entonces Roberto no dejará de pensar en Marta. Mientras, ella pone todo su empeño en detener un proyecto especulativo, que deterioraría gravemente a su ciudad. Joaquín Trincado se estrenó con este film en el mundo de los largometrajes. Lo hizo con una historia que mezcla temas tales como política local, ecologismo, corruptela política y romanticismo. En ocasiones el film parece emular, aquellas comedias norteamericanas de los años cuarenta y cincuenta, cuyo máximo exponente es Frank Capra. Aunque, hay que decirlo, el resultado final no es tan brillante. Destaca    la colaboración especial de Antonio Resines.

Ismael es un ladrón que asesina a una mujer que ha sido testigo de su acto, pero lo hace delante de su hija, que tras el suceso queda muda y trastornada, con lo que es llevada a un centro psicológico. Años más tarde, Ismael ve a la chica y teme que la reconozca, por lo que se obsesionará con quitarla del medio sea como sea. Con la ayuda de Maite, una perturbada asesina con la que vive, ismael iniciará una serie de crímenes por todo el sanatorio. Se le acusa a Juanma Bajo Ulloa de copiar aquí estilos de otros directores cinematográficos, con lo que envuelve la película de un ritmo y unos encuadres correctos, pero pobres en contenido y falta de fondo en la historia. La película, con gran carga de violencia la protagoniza Karra Elejalde (Los sin nombre, Airbag). A pesar de todo, el film recibió un Goya en 1993 por los efectos especiales y una medalla del CEC a la mejor música.

Una compañía circense vasca mezcla lo real con los subliminal en imágenes. La banda sonora es una mezcla de sonidos guturales y música. Guiño a las películas de Buñuel.