José Luis García Pérez

En tiempos de cuarentena, por la crisis del COVID-19, Morena Films improvisa para TVE una serie rodada por los propios actores desde sus casas. Están al frente como realizadores y guionistas Álvaro Fernández Armero (Nada en la nevera) y David Marqués (Campeones). Recoge las peripecias durante la pandemia de diversos personajes confinados, como un neurótico casado con una mujer que trata de seguir con su trabajo a distancia, un maduro individuo un tanto hipocondríaco, dos abuelos que intentan iniciarse en las nuevas tecnologías, dos amigos que se conectan entre ellos para inventar posibles negocios con los que sacar provecho de la crisis, una adolescente y su familia, una pareja en crisis y un tipo que había pasado la noche con una desconocida, y por las circunstancias se ve obligado a quedarse en su apartamento durante el estado de alarma. Salvo por algún coqueteo con el humor grosero, sobre todo apuesta por un tono amable, pues tiene el objetivo de servir como entretenimiento y distracción, retratando a los españoles medios durante el durísimo encierro del coronavirus. Pese a estar elaborada en tiempo récord, y con medios rudimentarios, la telecomedia tiene un acabado técnico meritorio y algunos chascarrillos funcionan. El reparto coral acusa grandes diferencias de nivel, cumplen con soltura los veteranos marido y mujer Petra Martínez y Juan Margallo, el experimentado Carlos Bardem, el habituado a series de humor Adrià Collado (La que se avecina), el siempre eficaz Víctor Clavijo y su esposa, Montse Pla, los divertidos Gorka Otxoa y Carlos Areces, el solvente José Luis García Pérez, y el habitual realizador Fernando Colomo, que demuestra mucha gracia espontánea. Otros son más discutibles, como Fele Martínez y Mónica Regueiro. Por desgracia, salvo la trama de Clavijo y su ligue fugaz, Pla, el resto de situaciones no avanzan, por lo que acaba siendo una acumulación de gags aislados. Esto acaba agotando, y además, llegan en un momento en que muchos de los chascarrillos en los que se apoya, sobre la acumulación de papel higiénico, las teleconferencias en el teletrabajo con chaqueta y corbata por encima, y pantalón de pijama por debajo, etc., han sido sobreexplotados por la imaginación popular, sobre todo a través de memes de WhatsApp.

Serie de intriga política creada por Frank Ariza, que está detrás de otras ficciones televisivas como Perdóname, Señor o El Continental. Arranca con el intento de asesinato del presidente del gobierno español, Alberto Guzmán, envenenado con cianuro para poder simular un ataque al corazón, el colapso se produce en plena faena sexual con su amante y jefa de prensa Paula Campillo, el día en que cumplía 20 años de matrimonio con Ana Chantal. Estos detalles escabrosos son ocultados a los medios, mientras el entorno del presidente trata de mantener el control de la situación, en que Campillo, encerrada en prisión, sería el perfecto chivo expiatorio, y Ana Chantal debería lanzar un mensaje televisivo que ayude a recuperar la confianza de los inquietos ciudadanos. Aunque se agradece el intento de ofrecer tramas con telón de fondo político, Ariza y cía van de cliché en cliché, ya sea en la rivalidad-complicidad de Paula y Ana Chantal, la hija adolescente de ésta tonteando con el apuesto guardaespaldas, el recibimiento de las internas de la cárcela a la recién llegada Paula, los interrogatorios del CNI, los discursos televisados en que cada palabra está medida. Aunque peor que el cliché es la presentación de situaciones inverosímiles, como el discurso televisado desde Moncloa de la que es calificada como Primera Dama, la paliza que propinan las guardias a Paula, o los manidos pasajes sensuales, Paula obligada a desnudarse en su ingreso en prisión. Los actores, Miryam Gallego, Jesús Castro, Michelle Calvó, por citar algunos, se limitan a ajustarse a sus estereotipados roles luciendo palmito.

Víctor es un peculiar director de cine, habitualmente pegado a la botella de alcohol, que vive desastradamente con su hijo pequeño Ingmar, un nombre que es un guiño cinéfilo a Ingmar Bergman. Sin un euro en el bolsillo, y con el riesgo de que los de servicios sociales se lleven cualquier día a su retoño, cuando está sobrio se dedica a ver películas antiguas en una sala a la que le queda menos que nada para echar el cierre, o a dar vueltas a su proyecto de rodaje de una obra maestra que nunca acaba de llegar. Zoe Berriatúa decepcionó ya con su debut en el largo, Los héroes del mal, una trama protagonizada por chavales maleados. Ahora reincide en el tema de la infancia con En las estrellas, donde al menos conserva un punto de inocencia, pero donde el contexto narrativo sigue siendo el ambiente degradado donde se desenvuelve el perdedor director protagonista. Álex de la Iglesia y Carolina Bang vuelven a confiar en el cineasta respaldándolo en la producción. Lo mejor del film es la cinefilia que destilan muchos de sus fotogramas, sobre todo cuando Víctor cuenta a su hijo algunas de sus ideales para películas, con trucajes que homenajean a pioneros como Georges Méliès. Pero en lo relativo al guión, estamos ante un despropósito, donde la relación padre-hijo nunca acaba de funcionar, no existen lazos fuertes entre ellos; tampoco los actores son, lo que se dice, un acierto de casting. A Luis Callejo el papel principal le viene grande, mientras que el niño Jorge Andreu no resulta especialmente convincente.

Las historias policíacas de corte existencialista y deprimente han creado escuela, la sombra de Nic Pizzolatto y Cary Fukunaga con True Detective es alargada, y alcanza a España. Lo prueba el film con el expresivo título Que Dios nos perdone, que bien podría ir acompañado del colorario “que buena falta nos hace”. La historia que nos cuenta Rodrigo Sorogoyen, respaldado en el guión premiado en San Sebastián por Isabel Peña, como ya ocurriera en Stockholm, es terrible desde el minuto uno. En el centro de Madrid está operando un violador y asesino de ancianas, y los detectives Velarde y Alfaro se ocupan de investigar un caso al que no se desea dar mucha publicidad, de hecho los medios lo ignoran. Como telón de fondo de crímenes tan retorcidos, estamos en el verano de 2011, se encuentra la visita de Benedicto XVI a España con motivo de la Jornada Mundial de la Juventud, subtexto que quiere marcar con fuerte contraste el horror que está teniendo lugar. La degradación relativa al “serial killer” nos es la única que recoge el pesimista y deprimente film de Sorogoyen, Velarde y Alfaro también arrastran sus personales problemas. El primero es solitario y tartamudo, con dificultades para tratar a las mujeres, por algún trauma del pasado. El otro ha estado suspendido por agredir a un compañero, su temperamento violento salta con frecuencia, y no cuida a su familia demasiado. Ambos, no obstante, son buenos en su trabajo, frente a la chapucería o el politiqueo reinantes de otros colegas. La película tiene buen ritmo, hay algunos diálogos muy naturales, y un humor negro algo castizo que despeja de vez en cuando la asfixiante atmósfera. Pero también hay defectos, el más llamativo lo exagerados que están los rasgos de los personajes, esa forense pasada de rosca es un caso extremo, a ratos parecen verdaderos deshechos humanos, la bondad apenas aflora, y las fronteras del bien y el mal se diluyen, cualquiera sería carne de cañón para el perfil psicológico de un criminal psicópata. Y esa parte algo de manual de las motivaciones de un asesino se antoja algo simplista; en cambio se desaprovecha la idea de esos peregrinos que han venido motivados por algo a Madrid, ni siquiera, por ejemplo, se plantea la idea de que la hija de Velarde pudiera tener algún interés en acudir al encuentro del Papa: son como fantasmas que viven en otro mundo. La pareja protagonista, Antonio de la Torre y Roberto Álamo, están muy bien.

Cuando en una entrevista de trabajo le preguntan a María de las Montañas Enríquez qué entiende por una persona normal, contesta con espontaneidad que aquélla que tiene trabajo, aficiones, casa, vida social, pareja, una buena relación con su familia y se siente feliz. Pero ella no cumple ninguna de estas condiciones, así que llega a un acuerdo con Borja, un chico al que acaba de conocer. Ella le ayudará a perder peso, y él a lograr estos requisitos para ser una persona normal. Salida como muchos otros actores de éxito españoles de Al salir de clase, Leticia Dolera ha protagonizado cintas como Rec 3: Génesis, a las órdenes de su marido, Paco Plaza. Éste avala como productor ejecutivo (y sin duda ha prestado cierto asesoramiento técnico que eleva la calidad del producto) el debut como realizadora de la intérprete, que también ejerce de guionista y protagonista. El resultado tiene cierto interés, porque logra frescura, ya que parece tener en el punto de mira películas 'indie' americanas desenfadadas, estilo (500) días juntos o Happythankyoumoreplease, o sea las que pegan en Sundance, salvando todas las distancias. Tiene además un punto dramático en su descripción de las dificultades de las nuevas generaciones para abrirse camino, conforme está la coyuntura económica y social, y algo de fondo, pues pone en solfa parámetros que se consideran en la sociedad moderna signos del éxito, como salir con un chico guapo y con recursos, cuando lo importante son otras cosas. Cuenta también Dolera con algunos actores que se toman el proyecto en serio, como Silvia Munt, que expresa un mundo sin necesidad de decir nada, interpretando a la madre del personaje central, o los eficaces Carmen Machi, José Luis García Pérez y Blanca Apilánez. Por esta razón se puede pasar por alto en cierta forma que Requisitos para ser una persona normal acabe siendo más ligera de lo que se esperaba, que el patrocinio de una empresa de muebles resulte un tanto obvio, que la primeriza realizadora alargue demasiado algún pasaje, que como actriz principal acabe agotando, y que su voluntad de copiar estéticamente el colorido barroco de Amelie acabe resultando tan obvio que agota.

Film completamente fallido, seguramente sembrado de buenas intenciones en el regreso del cineasta Imanol Uribe a territorio etarra tras Días contados, y cerca del mar tan presente en Bwana y La carta esférica. Pero deja pasmado, si se nos permite usar este adjetivo, contemplar una cinta con una estructura dramática tan inconsistente, que se da vueltas y revueltas sin avanzar hacia ningún sitio, con frases y situaciones sonrojantes, que se intentan justificar bajo el paraguas de una frase que podría ser “han sufrido tanto”. La idea es que Santi ha salido de la cárcel, y parece que ahí ha sido un preso ejemplar, que tomó bajo su protección al yonki Emilio, al que va a visitar a su pueblo en Almería. Pero se cruza casualmente con una doctora, Marina, que se desmaya al reconocerle. Pues se trata de un etarra, el hombre que disparó a bocajarro a su padre cuando ella era una niña. Con tal planteamiento, Uribe y su coguionista Daniel Cebrián intentan explorar en la psicología de estos personajes. Pero la cosa no funciona en absoluto. Y es que a los elementos traumáticos que afloran en este cuadro, se suma la situación familiar de ella, casada y con un niño, con discusiones e incomunicación entre marido y mujer. Y no existe vertebración, en la jaula de personajes, la mayoría planos y bastante grillados, el más sensato parece el etarra; pero nada pueden hacer Eduard Fernández y Elena Anaya para levantar mínimamente la película. Todo es gratuito –no sólo los ridículos desnudos playeros– y carece de explicación, disparar para curar, idas y venidas a Madrid, relaciones disparatadas, escándalos en primera plana de los periódicos. Una pena, vaya.

Nueva apuesta española por las series televisivas de corte histórico tras el éxito de Isabel, no en balde detrás de Carlos, Rey Emperador está parte del equipo creativo de la mencionada serie. La trama arranca con la llegada a Castilla de Carlos y su hermana Leonor, donde resulta casi inevitable que sean vistos como intrusos extranjeros, pues siempre han vivido fuera de la Península. Él viene a reclamar su corona, aunque Juana todavía vive, y su hermano Fernando podría hacer también su propia reclamación, apoyos locales no le faltan. Pero Cisneros, el regente, desea que las cosas se hagan como determinó el rey católico Fernando, abuelo de Carlos, siguiendo el parecer de Isabel. Otros hilos narrativos trasladan al espectador a la corte francesa del mujeriego rey Francisco, y a Santiago de Cuba, donde Hernán Cortés se apresta para explorar y conquistar ricos territorios. Resulta muy de agradecer el esfuerzo de producción de esta serie, que ayuda a divulgar un período importante de la historia de España. El equipo dirigido por José Luis Martín, y que cuenta con cineastas solventes como Oriol Ferrer, procuran conjugar la lección de historia con el entretenimiento. El problema, al menos en lo que se detecta en el primer capítulo, es que ideas como el ataque de unos campesinos al rey por error, o los devaneos amorosos de alcoba, parecen recursos fáciles poco integrados con la mencionada lección de historia. Mientras que la decisión de no arriesgar con los idiomas quita al conjunto un poco de verosimilitud. Carlos habla un perfecto español, y se hace difícil aceptar que la corte francesa sea efectivamente francesa. Álvaro Cervantes parece demasiado joven para encarnar al futuro emperador, pero démosle un voto de confianza, por ahora se supone que es un gobernante inexperto, aunque con aptitudes, y eso, más o menos, lo transmite. Y en efecto, a medida que avanzan los capítulos, se opta por desarrollar mejor las tramas relativas a la lucha por el poder, ya sea la corona de emperador, o la conquista de México; y los personajes y lo que les mueve, una combinación de lealta, ambición y sentido del estado, que obliga a dejar los sentimientos personales en su su sitio, cobra sentido. Además, siendo conscientes de que hay un presupuesto razonable, pero limitado, se evitan los planos que requerirían masas o costosos decorados, limitando la cosa a escenas brevísimas que cumplen ese misión en América, la fugaz visión de los barcos de la expedición de Cortés y las pirámides mayas.

Carlos, padre de familia de mediana edad, no cree que sean ciertas las acusaciones de Sara, su esposa, convencida de que su asistenta le roba dinero de la cartera. Para sorpresa del matrimonio, el culpable resulta ser Pablo, su hijo, extorsionado por Marta, espabilada y salvaje niña de 13 años que le hace la vida imposible. Cuando Carlos trata de detener el chantaje, descubre que le resulta imposible defenderse, por lo que sufre a su vez también el acoso de la diabólica joven. Debut en el largometraje del realizador, productor y guionista Francisco Espada, hasta el momento cortometrajista. A pesar de su inexperiencia y del escaso presupuesto, en El país del miedo se atreve a abordar una complicada adaptación de la novela homónima de Isaac Rosa, pues por mucho que se den casos en la realidad, y de que en el libro pueda estar muy bien explicado, no resulta sencillo mostrar en pantalla a un adolescente intimidando a un adulto físicamente más fornido. Para darle categoría de doble salto mortal, el cineasta ha cambiado al matón, un chico en el original, por una adolescente. El ridículo resultado produce en el espectador un sentimiento de vergüenza ajena. Sin pretenderlo, Espada reproduce el efecto buscado por el conjunto británico Monty Python con el conejo supuestamente inofensivo de Los caballeros de la tabla cuadrada, que de forma inesperada podía acabar con la vida de temibles guerreros con armadura. Se han visto en la pantalla chavales de ambos sexos temibles, en títulos como La profecía, El pueblo de los malditos, La huérfana o ¿Quién puede matar a un niño?, donde sus responsables lograban el milagro, pero no es el caso. Ni el siempre sobresaliente José Luis García Pérez puede remontar un personaje de adulto superado, sobre el papel demasiado ingenuo y con pocas luces para poder realizar la vida normal que se le presupone. Por lo demás, El país del miedo sólo podría ser recordada, si acaso, por “So Far and Yet So Close”, de Antonio Meliveo, candidata al Goya a la mejor canción original. Efectivamente, tiene una gran calidad, desperdiciada cuando aparece ilustrando una pobre puesta en escena, con unas imágenes sosas de la puerta de los protagonistas.

  No suelen ser habituales las secuelas en el cine español, salvo en casos puntuales, como en el caso de la taquillera Torrente, el brazo tonto de la ley, o en las históricas El crack, La gran familia o La escopeta nacional. Pero no resulta extraño que tras el éxito –apoyado en su lanzamiento sucesivo en cine, DVD e internet– de Carmina o revienta, su autor, Paco León, popular por la serie Aída, haya concebido la secuela, en la que vuelve a ejercer como director y guionista. En Carmina y amén, León recupera como protagonista a su madre. En esta ocasión, Carmina Barros debe hacer frente a la inesperada muerte de su marido, el borrachín Antonio, por culpa de una mala administración de los medicamentos que debe tomar. La recién viuda convencerá a su hija –la actriz María León (La voz dormida)– de no avisar de la defunción durante dos días, el tiempo necesario para que al fallecido le ingresen la esperada paga extra... Para ello, tienen que mantenerle oculto en casa. Su abuso al humor soez, y las groserías y brutalidades continuamente en boca de la protagonista pueden alejar al film del público que prefiera productos más elegantes. Sin embargo, supone un acierto que en Carmina y amén, León introduzca algunos momentos que apuntan dramatismo, a pesar de que éste se rompa rápidamente por los continuos recursos al humor grueso, o de tintes negros. Curiosamente, en esta continuación se dibuja en diversos pasajes el desconcierto de la sociedad habitual ante carencias espirituales que se intentan llenar mediante el recurso al reiki, a la magia blanca, y la religión cortada a la medida y reinterpretada a gusto de cada uno.   También tiene su valor su análisis costumbrista, de personajes cutres, descritos de forma exagerada, pero con aparente realismo, por el tono de falso documental, y por las convincentes interpretaciones del reparto. Nuevamente se lleva la palma la propia protagonista, que hace gala de una enorme espontaneidad, sobre todo a la hora de proferir toda clase de burdeces y brutalidades. Gracias a ella funcionan a la perfección las mejores secuencias de la función, como el desalojo de los 'okupas' de la peluquería, donde resulta inevitable aguantar una carcajada.  

Sherlock Holmes ha dado mucho juego en la pantalla. En Asesinato por decreto se mezclaban sus peripecias con las de Jack el destripador. Este célebre asesino es una pieza fundamental de Holmes & Watson. Madrid Days, que como su mismo título indica también tiene como eje fundamental la visita del personaje creado por Sir Arthur Conan Doyle a la capital de la España. Holmes & Watson. Madrid Days presenta a un maduro Sherlock Holmes que mantiene un romance con Irene Adler, una conocida actriz casada. El detective tiene sueños recurrentes con unos crímenes acontecidos en Madrid, que imitan al dedillo los que cometió Jack el destripador en Londres, y cuyo autor empieza a ser conocido como Juanito el Charcutero. En compañía de Watson, que deja en casa a su amada esposa, se traslada al lugar de los hechos, donde conocerá a relevantes personajes de la época a los que sonsacar datos sobre lo ocurrido. Dos tipos de público se sentirán atraídos a priori por una versión de José Luis Garci de las andanzas de Sherlock Holmes: los incondicionales del asturiano y los forofos del personaje. Los primeros saldrán más satisfechos que los segundos, ya que desde el contemplativo arranque queda claro que estamos ante una película de autor, para bien o para mal. Holmes & Watson. Madrid Days viene a ser sobre todo una inmersión en la época, que se detiene para que los personajes conversen detenidamente tomándose su tiempo sobre el cocido de Lhardi, o en torno al Palacio de Cristal, del Palacio del Buen Retiro. Así, los dos protagonistas tienen la función de extranjeros que sirven al director para describir desde su punto de vista los ambientes que le parecen significativos. Por contra, en Holmes & Watson. Madrid Days saben a poco los pasajes típicamente de Sherlock Holmes, que en ocasiones contadas realiza una de sus brillantes deducciones (cuando conoce al periodista encarnado por Víctor Clavijo) o conversa con la señora Hudson. Como tiene por costumbre, José Luis Garci se ha rodeado de ilustres colaboradores, entre los que destaca el fotógrafo Javier Palacios, autor de Casual Days, que sorprende con sus pictóricos planos de época. Por su parte, el propio José Luis Garci firma el montaje, que pretende ser lo más pausado posible, y ha coescrito el guión con su esposa, Andrea Tenuta, y la poco conocida María Sanromán, a partir de una idea desarrollada por el director con el crítico y Fiscal General del Estado Eduardo Torres-Dulce. Siempre ha destacado el realizador por su excelente mano con los actores. En esta ocasión destaca un sobresaliente trabajo de Gary Piquer, actor excepcional que ha demostrado su enorme valía en títulos como Mal día para pescar y Aunque tú no lo sepas, y que hasta ahora ha sido muy desaprovechado. Su Holmes resulta muy sentido, pero por desgracia desentona con el resto del reparto por su acento, que no tienen los otros actores que interpretan a británicos, incluyendo a su inseparable Watson –un José Luis García Pérez estupendo, más espontáneo–. Tampoco se entiende mucho que se haya tomado la opción de que las escenas en las que supuestamente hablan en su lengua natal o interaccionan con compatriotas se hayan interpretado en español, y sin embargo, de repente, se ponen a conversar en genuino inglés con el redactor de prensa. Por lo demás, resultan convincentes actores muy de Garci como Enrique Villén, Juan Calot, Manuel Tejada y hasta el inevitable diplomático Inocencio Arias. Sorprenden agradablemente Belén López, el citado Víctor Clavijo, y las dos principales chicas [Rec], Manuela Velasco y Leticia Dolera, ambas muy por encima de sus interpretaciones precedentes. De todo el reparto femenino sobresale Macarena Gómez, una actriz muy natural con mucha fuerza, que encarna a una cabaretera. Además, Carlos Hipólito, presente en varias cintas 'garcianas' anteriores, realiza una pequeña colaboración como el escritor Benito Pérez Galdós. También es digno de mención que el realizador logre sacarle partido al cómico malo del dúo Cruz y Raya Juan Muñoz, y hasta al ministro de Justicia, Alberto Ruiz Gallardón, que para asombro de propios y extraños al menos no desentona significativamente como su ilustre antepasado Isaac Albéniz, a pesar de que incluso interviene en un breve diálogo.

Ray es un delincuente de tres al cuarto que tras robar un coche con su novia Dani acaba en la cárcel. Allí entra en relación con Manrique, un tipo con negocios de contrabando de coches. Cuando ambos están fuera se harán socios. Pero Ray se meterá en serios problemas cuando contrae una deuda de juego con Mikima, una sanguinario asesino mafioso. Típica comedia criminal a la española, repletita de chistes, tacos, obscenidades y vericuetos intrincados de guión, con situaciones tan cinematográficas como robos con butrón, timbas de cartas y, por supuesto, acción. Funciona más o menos la intriga de la trama y dirige con ritmo Carlos Therón (Fuga de cerebros 2), quien antes ya había contado la misma historia en un cortometraje, y protagoniza un correcto Julián Villagrán (Grupo 7).

Álex, Gabi y Oki. Tres adolescentes de instituto con sus problemas. Están siendo interrogados, por separado, no sabemos si en el instituto, o tal vez en una comisaría. Al hilo de las preguntas conocemos su historia e inquietudes en un gran núcleo urbano en Cataluña, entre el botellón, el ligoteo y el anhelo de algo más capaz de llenarles, el amor y la amistad. El arte urbano, el kickboxing, el compartir inquietudes, podrían ser salidas a la falta de entendimiento con padres, profesores y una esforzada orientadora, que no logran conectar, a veces porque no saben cómo, en otras ocasiones por no prestar la debida atención. Los niños salvajes es una interesante mirada al mundo adolescente actual de Patricia Ferreira, que coescribe el guión con Virgina Yagüe. La estructura del libreto se revela inteligente, pues nos hace preguntarnos qué les ha ocurrido a los tres adolescentes protagonistas, lo que añade a la radiografía social un punto de intriga. El film pone sobre el tapete cuestiones muy interesante cómo la educación en las aulas, y la relación entre padres e hijos, cuestión generacional que se complica por la crisis galopante y las frustraciones de los adultos, que carecen de unos ideales lo suficientemente consistentes para que se constituyan en valioso legado para sus hijos. Es cierto que el desenlace de Los niños salvajes se antoja un golpe de efecto excesivo, aunque tiene la ventaja de la sorpresa capaz de noquear al espectador. Y el personaje del profesor cafre está demasiado cercano a la caricatura. Pero salvados estos defectos tenemos un buen cuadro de esos “niños salvajes”, a los que se les arrebata la inocencia y la ilusión demasiado pronto: el punto de vista del film viene a ser que, antes de culpabilizar a los chicos, lo adultos deben preguntarse qué están haciendo por ellos, aparte de condenarles de antemano al fracaso. Ferreira maneja bien la cámara en mano, y logra el ritmo que demanda la historia, con momentos para el reposo, a la orilla del mar, y otros dinámicos, como la invasión del centro comercial a ritmo de rap. Los tres chicos protagonistas, Àlex Monner, Albert Baró y Marina Comas, están muy bien, y los adultos, decididamente secundarios, apoyan perfectamente, con mención especial para Ana Fernández, que tiene una escena con la orientadora donde demuestra lo gran actriz que es.

Biografía de Alfonso de Borbón y Dampierre, nieto primogénito del Rey Alfonso XIII. Reconstruye la vida de este personaje histórico desde su infancia en el exilio. El realizador Álvaro Fernandez Armero (Todo es mentira, Nada en la nevera) dirige con corrección esta serie televisiva, que cuenta con un presupuesto lo suficientemente holgado. Destacan las interpretaciones de José Luis García Pérez (Cachorro), como el personaje protagonista, y Cristina Peña como Carmen Martínez-Bordiú, nieta de Franco, que contrajo matrimonio con Alfonso de Borbón.

Vigoroso thriller que supone el segundo largometraje de Rodrigo Cortés, autor de Concursante. Esta producción española de Versus Entertainment, rodada en inglés, con guión del poco experimentado Chris Sparling, desató ovaciones y elogios de la prensa a su paso por el festival de cine de Sundance de 2010, provocó que se organizaran grandes colas para verla y se convirtió en la primera cinta del certamen en lograr distribución americana, tras una generosa oferta de Lionsgate, que pujó duramente contra otras empresas. Buried (Enterrado) es una cinta de suspense al límite, que hubiera apasionado a Alfred Hitchcock. Salvando las distancias recuerda al legendario episodio “Las cuatro en punto”, de la serie Alfred Hitchcock presenta, en el que unos ladrones atan a un hombre en el sótano, donde una bomba está a punto de estallar. En la cinta de Cortés, Paul Conroy, un contratista civil americano, que transporta mercancías en Irak, se despierta en el interior de un viejo ataúd de madera, enterrado vivo. Encuentra a su lado un mechero zippo, que le permite tener algo de luz, y un móvil con la batería a medio gastar. El convoy en el que viajaba ha sido atacado por supuestos insurgentes que acabaron con la vida de algunos de sus compañeros y a él le han secuestrado. Con el móvil intentará pedir ayuda antes de que se le acabe el aire para respirar. Desde luego era todo un reto rodar una cinta que transcurre íntegra en el interior de un ataúd, y Rodrigo Cortés sólo podía estrellarse o llamar la atención, lo que finalmente ha conseguido. El cineasta renuncia a trucos fáciles, como incluir flash-blacks, y logra que sus planos sean lo suficientemente variados y ágiles, a pesar de la falta de espacio e iluminación. A través de los diálogos y sonidos, logra crear una enorme tensión, que mantiene pegado al espectador a la pantalla. Frente a un cine español dominado por el discurso político cargante, Cortés opta por el cine de género puro y duro, e introduce alguna reflexión interesante, sin adoctrinar. Destaca su acertada crítica a la falta de escrúpulos y ética que con demasiada frecuencia se produce en el ámbito de las grandes empresas, en uno de los segmentos de la cinta que más dará que hablar. Destaca el esmerado trabajo de Ryan Reynolds, que hasta ahora no había tenido una oportunidad mejor de lucirse en la pantalla, aunque había aparecido en títulos como X-Men Orígenes: Lobezno y La proposición. No resulta exagerado que la revista Variety se haya apresurado a incluir a Rodrigo Cortés en la lista “10 Directors to Watch”, que anualmente señala a los directores más prometedores. Aunque han formado parte de esta lista autores hoy tan consagrados como Christopher Nolan o Alejandro González Iñárritu, sólo había aparecido hasta ahora un español, Juan Carlos Fresnadillo, en 2002.

Como su título indica, este film reúne las historias de ocho citas amorosas de distinto porte, con nexo de unión mínimo: el temático, algún personaje que repite presencia, y el último corte de un funeral, donde un tanto forzadamente se supone que están presentes la mayoría. Escriben y dirigen la cinta los debutantes Peris Romano y Rodrigo Sogoroyen. Aunque el arranque, la historia de un tímido kioskero que no se atreve a declarar su amor a una vecina a punto de dejar la ciudad, hace suponer una visión poliédrica y fresca del amor, lo cierto es que tal previsión se queda pronto en espejismo. El resto de viñetas de la película trata de modo más previsible los celos, las familias de los enamorados, y sobre todo del sexo, que invita a hacer aquella vieja pregunta de por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo. Así, en cuanto a mirada antropológica, el film se queda muy pobre. En cuanto a situaciones graciosas, hay alguna, aunque a veces uno piensa que podría estar ante algún sketch de la serie televisiva Escenas de matrimonio. Tiene su gracia el ver a tantos buenos actores en una película coral, pero queda la impresión de que no se les ha sacado todo el jugo. Véanse por ejemplo a Miguel Ángel Solá y Adriana Ozores combatiendo la rutina conyugal en un fin de semana “diferente”, o la anecdótica aparición final de Belén Rueda.

Martín vive en Los Barrios, provincia de Cádiz, está casado y tiene una hija adolescente, pero está pasando por una mala racha personal. Se ha marchado de casa y está planteándose romper con su mujer definitivamente. Además, la funeraria que regenta no va bien económicamente, y corre el riesgo de que se la embarguen. Así que se encuentra volcado en su trabajo, intentando conseguir ‘clientes’. Una noche siete marroquíes mueren ahogados mientras intentaban cruzar el estrecho en una patera. Martín se las apaña para llevarlos a su funeraria y logra contactar con un familiar, Leila, hermana de uno de los fallecidos. Leila ofrece dinero a Martín para que lleve de vuelta a su hermano a su pueblo, y promete que el resto se lo dará cuando lleguen allí. Cine social, solidario y realista, que denuncia una de las mayores lacras de la política exterior española: la inmigración ilegal, y la oleada de pateras y de muertos en las costas españolas. Chus Gutiérrez abandona el cine frívolo e insustancial que entregó con El calentito y se adentra en este mundo de tragedias personales, de pobreza, y también de esperanzas y de entendimiento entre dos culturas muy distintas. El film es enormemente actual y tiene el acierto de no centrar la trama en cuestiones políticas y otras zarandajas, sino en personas de carne y hueso, que aguantan como pueden sus vidas imperfectas. Pero también es cierto que en general pesa demasiado una cierta falta de atractivo de la historia. No es que el tema carezca de interés, nada de eso, sino que es más bien que el guión y la puesta en escena resultan algo pobres, cansinos, tan tristes como la situación dramática que se denuncia. Éste es su mayor defecto. Que en varias ocasiones –sobre todo en el poblado marroquí de Hansala– la cosa no se parezca demasiado a un documental costumbrista y barato sobre las zonas del continente africano ancladas en el medievo, se debe únicamente al esfuerzo de los dos actores principales. Tanto José Luis García Pérez como la debutante Farah Hamed están muy convincentes, y logran transmitir con sus rostros y sus miradas la situación bochornosa que están viviendo. El film obtuvo el premio más importante del Festival de Cine de El Cairo.

Yasmina es una muchacha marroquí que ha emigrado a España, en compañía de su hermano Abdel, que trabaja como recolector. Sueña con estudiar en la universidad, pero antes debe regularizar su situación, por lo que se ha echado un novio, Javi, un policía municipal, al que está a punto de convencer para que se case con él. De esta forma, obtendría la nacionalidad española. Pero éste se huele que no está realmente enamorada de él, y finalmente se niega a pasar por la vicaría. Una mujer madura, integrante de una asociación de ayuda a inmigrantes, le intenta buscar otro ‘primo’. Al final, Yasmina decide pagarle quinientos euros a Alfredo, un desempleado borrachín, acuciado por las deudas, que acepta el dinero a cambio de casarse con ella por lo civil. La cacereña Irene Cardona debuta con esta coproducción hispano-marroquí en clave de comedia. Se trata de un film de tono amable, bienintencionado en su empeño por romper los tópicos sobre la inmigración. Elude con habilidad que la protagonista, Yasmina, se convierta en un cliché, pues está retratada con luces y sombras, lo que le confiere cierta humanidad. Es una mujer atractiva e inteligente, ilusionada por estudiar, pero que para lograr su sueño parece que no duda en encandilar al policía –que resulta ser bastante desagradable por cierto–. Está a punto de conseguir que se case con él por el interés, y no contenta con eso incluso se lo restriega en una secuencia. Desencantada del ser humano, y quizás algo traumatizada porque su riguroso hermano restringe su libertad, Yasmina sólo parece sentirse bien cuando está con los miembros de la asociación de ayuda a los inmigrantes, por lo que se comporta con los demás con bastante antipatía, especialmente con Alfredo. Por desgracia, la actriz Sanaa Alaoui fracasa estrepitosamente al intentar dar como compensación cierto encanto a ese personaje. También es bastante bajo el nivel del resto del reparto, excepto en el caso de José Luis García Pérez, un eficaz actor, por desgracia siempre por encima de los filmes en que se involucra, y cuyo personaje es también un aprovechado, pero con cierta gracia. Asimismo, se nota la falta de experiencia de la directora, que acumula diálogos y escenas completas que se podrían suprimir (por ejemplo, cuando el policía le pone la multa al frutero). También a veces quiere abarcar temas que no vienen al caso –como cuando la concejala se queja de que no oficia ‘matrimonios homosexuales’– y pasa de lado por los posibles conflictos morales que pueden afectar a sus personajes. ¿Se siente culpable Alfredo por casarse sin amor, sacando tajada del asunto? No parece que mucho. Tras la boda de conveniencia, el relato se estanca, sin que haya a partir de ese momento un objetivo concreto de los protagonistas. La cinta que sirve como modelo, Matrimonio de conveniencia, de Peter Weir, sustenta el suspense en que ambos ‘cónyuges’ deben aparentar que tienen una relación real para que las autoridades les crean. Aquí –de acuerdo con la realidad legislativa española–, contraen matrimonio civil sin ningún trámite, y ya no tienen que hacer nada más, así que lo que sigue a continuación –nada menos que la mitad de la película–, es un mero relleno.

El inspector Bernardo Valle es interrogado por un policía acerca del seguimiento que ha realizado durante años de Mario Pastor, un ladrón de guante blanco. Se inicia entonces un flash-back en que se ve operar al delincuente y su banda en distintos golpes, y al inspector y al equipo que investigan sus robos. Al tiempo se sigue la vida familiar de los dos antagonistas. Valle es viudo, y tiene un hijo adolescente y una niña, Pastor está casado y tiene también dos hijos. Serie televisiva española que duró una sola temporada, producida por Bambú. Arranca bien, con el sofisticado robo de unos sellos –sin duda, un homenaje nada disimulado a Nueve reinas–, aunque luego se entretiene demasiado en los detalles, conversaciones familiares, de los ladrones y la policía, lo que hace que los episodios tengan una duración excesiva, de hora y media. La estructura narrativa sigue el esquema de "la cacería", con unos perseguidores y unos perseguidos. Evidentemente el meollo de la serie lo constituyen los robos y la persecución, pero se trata de pintar "la vida normal" de los personajes. Y en el tratamiento de sus problemas domésticos, las cuestiones se abordan de modo superficial, véase el “drama” de la hija embarazada, con el apoyo de los padres a la “niña”, haga lo que haga. De todos modos logra enganchar, hay acierto en el reparto, con Carlos Hipólito y José Luis García Alvarez como inspector y ladrón respectivamente, bien secundados por el resto de los actores.

El todoterreno Federico Luppi –que encarnó a un asesino magistralmente en Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto– retoma ese registro con un personaje similar, Arturo, que mata por encargo para todo tipo de clientes, si bien le contratan sobre todo esposas muy hartas de sus maridos que han decidido darle el pasaporte. Aunque se va a jubilar y tiene previsto abandonar Las Palmas, donde reside desde que abandonó su Argentina natal, va a recibir la visita de una mujer, Pilar (Carmen Maura), que requiere sus servicios para eliminar a su yerno, pues sospecha que engaña a su hija con una amante. Gerardo Herrero es un productor de primera (Lugares comunes, El hijo de la novia, Mensaka), pero como director es demasiado convencional, aunque haya dirigido algún drama interesante (Las razones de mis amigos, El principio de Arquímedes). Ahora cambia de registro por completo y se propone rodar una comedia con tintes negros. El cineasta se encuentra como pez fuera del agua, en un género que claramente no es el suyo, y que no sabe hacer. La comedia es un género muy difícil –como todos los géneros– que no puede abordarlo cualquiera, requiere una chispa y un sentido del humor de los que claramente Herrero carece. Consciente de sus limitaciones, Herrero ha contado con el guión de un experto, capaz de escribir frases con gancho, Fernando Castets (El mismo amor, la misma lluvia, El hijo de la novia), que ha colaborado con el debutante Guillermo de la Guardia. Juntos han elaborado un texto irregular, fallido a ratos, donde algunos elementos no encajan, como el segundo punto de giro, pero que tiene un punto de partida muy clásico y diálogos y momentos divertidos. Como el reparto está formado por actores capaces de aprovechar estos destellos de inspiración, elevan sustancialmente la calidad del film, sobre todo esos dos grandes ‘monstruos’ que son el citado Luppi y Carmen Maura. Luppi da pie a la carcajada en momentos como el inicio, cuando entra en un taller mecánico para cumplir un ‘trabajito’, Y Maura pone una sonrisa al espectador cada vez que aparece. Da pena pensar que el mismo guión, con una reescritura más, y en manos de otro director, habrían podido dar lugar a un film muy superior. Pero eso sí, hay que reconocer que como otras películas dirigidas por Herrero, tiene más interés que la media del cine español.

Digno biopic de la gran cantante y 'bailaora' de flamenco Lola Flores, abarca desde su niñez al momento en que se convierte en madre. Entre medias se suceden sus primeros pasos en el mundo de la música; y sus muchos amores, donde resulta difícil en bastantes casos que esos novios vean más allá de la mujer hermosa y célebre que tienen entre los brazos, para ver a la persona, que se enamora y sufre. Atrapar el alma de un personaje real en dos horas de celuloide es tarea difícil e ingrata. Sobre todo cuando se trata de personajes muy populares, de los que se conocen cientos de datos y anécdotas, cuya ausencia puede irritar a los admiradores. Miguel Hermoso, que sorprendió en su debut como director en Como un relámpago, se aplica a la tarea, con resultados desiguales. El cineasta no evita una sensación de acumulación de episodios. Pero gracias al guión de Antonio Onetti, da con algunas buenas ideas que dan gravedad a la película: nos presenta el contraste entre la condición humilde de la familia de Lola y la vida de lujo que se ofrece a la incipiente artista; y sobre todo nos presenta a una joven, buena chica, en la que las presiones para alternar, un embarazo no previsto y la terrible decisión de abortar, matan también su inocencia; de modo que no habrá atisbo de felicidad genuina hasta que conozca la maternidad. La desconocida Gala Évora da el tipo del personaje retratado: por el físico y ciertos gracejo natural y picardía. Aunque, con inteligencia, Hermoso ha evitado insistir en sus números musicales para evitar comparaciones con la auténtica Lola. El reparto arropa bien, tanto los sucesivos novios (José Luis García Pérez como Manolo Caracol, Carlos Hipólito como el anticuario Arenzana, Ramón Villegas como el futbolista del Barça Biosca, Alfonso Begara como 'El Pescaílla'...) como los padres (estupenda Ana Fernández).

Gracia Querejeta ha demostrado ya en su filmografía una capacidad de abordar historias y situaciones de interés humano. La película que nos ocupa no es perfecta, pero se mira con simpatía y está muy por encima de la media del cine español. Aunque es un drama, contiene muchos puntos de humor que la suavizan. Pero si uno trata de analizar con un poquito de rigor el guión de Gracia y de David Planell, hay demasiados excesos, lo que no ha impedido el premio al mejor guión en el Festival de San Sebastián. El crudo resumen del punto de partida –el mismo día que se le muere su padre, Ángela descubre que su marido policía es un corrupto, y encima tenía un hijo con otra mujer– suena a increíble culebrón. Quizá la virtud de la directora es “colar” esto y otros puntos, para llevarnos a la decisión de Ángela de trasladarse a Madrid con su hijo, y poner a punto el negocio en decadencia que regentaba su padre, un salón de billares; para revitalizar aquello Ángela decide formar un equipo de billar, que con sus esperados triunfos atraiga a los clientes. Lo integrarán viejos amigos de la familia, y ayuda a Ángela Charo, la mujer que vivía con su padre, a la que nunca llegó a proponer matrimonio. La película despliega una serie de personajes más o menos entrañables –Evelin, la empleada hondureña, Antonio, el dueño de una zapatería, enamorado de toda la vida de Charo, “El tuerto”, Jacinto y su sobrino Fele, el niño…–, y se aplica un esquema propicio para el enfoque “culebrón” y que viene “al pelo” en una película de billar: la jugada a tres bandas, la sombra del padre muerto rebota y afecta a las vidas de Ángela, Charo y Antonio. Un reparto ajustado hace el resto –están muy bien Maribel Verdú y Blanca Portillo, esta considera mejor actriz en San Sebastián–, una partida apañada, aunque se nota demasiado que lo del billar es una excusa, poco nos importan las habilidades de los personajes con el taco.

Esto era un sordo, un cojo y un ciego que van en un coche... No es un chiste, sino el argumento de la última comedia del especialista Joaquín Oristrell. Carlos, el ciego, está a punto de casarse, y para celebrarlo se dispone a ir al cine y después a tomar unas copas, en plan despedida de soltero, con Rubén, el sordo, y Dani, el cojo, que les lleva en su coche. Carlos conocerá a Yolanda, una chica con la que parece llevarse mejor que con su futura esposa. Rubén se enamora de Patricia, que asegura ser minusválida porque no puede distinguir los sabores. Dani se da cuenta de que le atraen los otros hombres. Tan ligera como los demás trabajos de Oristrell, y aunque se alarga en exceso y recurre al humor chabacano, lo cierto es que acumula diálogos y situaciones de cierta hilaridad. No en vano, cuenta con la gracia natural de Tejero, el talento de Santi Millán y la polivalencia de José Luis García Pérez, que un día dará la campanada cuando le den un papel a su altura.

Film basado en un delincuente juvenil auténtico apodado ‘El Pera’. Arranca con el chaval conducido a la Ciudad Escuela de los Muchachos, donde se entrevista con el Tío Alberto, que regenta el lugar de modo muy personal. Los chicos problemáticos que llegan se quedan por propia voluntad, nadie está obligado a seguir allí. Aunque el chaval está muy maleado, y se diría que sus hábitos son imposibles de cambiar, el Tío Alberto es constante en el empeño de ayudarle. Luego el film nos presenta la trayectoria que ha seguido El Pera, los amigos que frecuenta, sus padres humildes, buena gente, que le quieren pero no saben cómo encauzarle. Y especialmente conocemos la pasión del chico por los automóviles, que maneja con asombrosa pericia. Miguel Albaladejo cuenta una historia real de redención. Sus buenas intenciones son innegables, aunque el cineasta nos escamotea las razones que llevan al Pera a cuestionar su trayectoria, y a cambio nos ofrece una buena colección de sus andanzas de pillo ladronzuelo. A destacar la increíble persecución de coches por el casco antiguo de Toledo, que no desmerecería en un film americano. Borja Navas compone bien al protagonista (aunque descolocan las escenas amorosas), y Fernando Tejero sabe dar al padre un toque de patetismo muy convincente.

Lionel, un niño emigrante que procede de Rumanía y cuyo padre ha sido encarcelado, ingresa en un centro de menores. Allí entabla amistad con Iván, chico español cuya madre ha dejado a su padre y se ha liado con un maltratador, que no quiere que salga del centro. Mateo, uno de los educadores, se deja la piel para que sus alumnos aprendan un oficio y vayan por el buen camino. El centro no es un correccional, por lo que Lionel e Iván pueden salir libremente en las horas no lectivas. Durante sus paseos, Iván dibuja graffitis en las paredes, y presenta a Lionel a su novia, Elena, una chica que se siente presionada por su padre. César Martínez Herrada dirigió en 2002 Cuando todo esté en orden, valioso drama protagonizado por Santiago Ramos. En su nuevo trabajo, el cineasta madrileño relata el viaje iniciático de cuatro niños desarraigados, que empiezan a convertirse en adultos. Refleja los problemas ocasionados por las familias desestructuradas, lo que la emparenta en cierta medida con Barrio, de Fernando León de Aranoa, un film muy superior. En éste algunas secuencias parecen forzadas (sobre todo el enfrentamiento de un chico con un guardia de seguridad mucho más grande que él). Otras son bastante tópicas (¿existe alguna película española en la que los protagonistas vayan a la playa y no acaben bañándose en pelotas?). Algunos personajes son esquemáticos, como el maltratador malvado, o los educadores ideales. Además, la película cuestiona al único padre que lucha por controlar y educar un poco a su hija, ya que ésta se siente presionada, poniéndole al mismo nivel que el maltratador o el delincuente. Así, Martínez Herrada, presenta el problema, pero no ofrece soluciones. Y parece bastante tolerante con los graffitis, con los que su personaje sólo ensucia las paredes ajenas, con una firma que no tiene nada de arte.

Juan Olmedo, cuarentón traumatizado por un desgraciado acontecimiento, se refugia en una urbanización de la costa gaditana. Allí espera rehacer su vida junto a su sobrina y su hermano, deficiente mental. Entablará amistad con Sara, otra recién llegada, y acaba enamorándose de Maribel, su criada. Al productor y director Gerardo Herrero le tiran las adaptaciones literarias. Responsable de Territorio Comanche y El misterio Galíndez, Herrero regresa al universo literario de Almudena Grandes, de quien ya había llevado al cine Malena es un nombre de tango. La novela original era muy extensa, pues entrecruza las historias de Sara y Juan. Así que el guión de Ángeles González-Sinde y Alberto Macías se centra en el segundo, mientras dejan para una futura película las peripecias de Sara. El film obtuvo el premio a la mejor película en el Festival de Málaga.

Con su debut, Frío sol de invierno, el director donostiarra Pablo Malo se hizo con el Goya al mejor director novel en 2005. Ahora pasa del drama al terror. Él mismo se encarga del guión, que sigue los pasos de Marco, un profesor de instituto que pide una excedencia temporal, tras el suicidio de una alumna. Acaba en un remoto pueblo de los Pirineos, donde ha aparecido muerta otra niña, fugada del colegio donde estaba interna. Marco entabla relación con Julia, directora del internado, que intenta esclarecer si son ciertas las historias de Mónica, una alumna que asegura que habla con el espíritu de su compañera muerta. El film desarrolla a los personajes más que otras películas del género, centradas en secuencias truculentas. Además, cuenta con actores de primera, como la veterana del teatro María Jesús Valdés. El ritmo no decae, y las apariciones fantasmagóricas del relato resultan creíbles. Pero se trata de un film previsible y convencional, más cercano a producciones de Fantastic Factory como Darkness, que a Los otros, de Amenábar, de mucha más calidad.

Un funcionario de prisiones viaja en una furgoneta junto a un guitarrista de rock que conoció en la cárcel, su hermanastra, una amiga suya, y otro amigo. Se dirigen hacia el festival musical Viña Rock, con la idea de actuar y alcanzar el éxito, pero en el camino surgirán mil y un inconvenientes. Comedieta española de muy bajos vuelos, con el aire zarrapastroso que aportan varios personajes barriobajeros, incultos y tarambanas. Algún momento de gracia tiene, pero el resultado en general es bastante patético.

Al morir su madre, Héctor se traslada a un barrio madrileño con su tía Tere y su familia. Su nuevo entorno es mucho más humilde que el lugar de donde procede. Hasta ese lugar también acude el presunto padre de Héctor, un mexicano que quiere ofrecerle que se vaya a vivir con él, aunque el chico ignoraba su existencia. Héctor se muestra reacio a conocerle, pero el cura local mediará para que ambos se encuentren. Nuevo melodrama intimista de Gracia Querejeta, quizá la mejor película española del año, que incide en el tema de las relaciones familiares con conflictos ocultos, presente en sus tres anteriores filmes: Una estación de paso, Cuando vuelvas a tu lado y El último viaje de Robert Rylands. Esta vez, Querejeta muestra una especial habilidad para mostrarnos qué ha ocurrido en el pasado sin recurrir al flash-back, que utilizaba a menudo en sus películas anteriores. Aunque Héctor es el personaje central, la cinta describe minuciosamente a los secundarios, y narra detenidamente subtramas como la de Fanny, hija de Tere, que mantiene una relación con Ángel, su jefe y el de su padre. También está muy presente el drama de Tere, que en secreto envidia el destino de su hermana, la madre de Héctor, que abandonó el bar que ambas regentaban, logrando alcanzar una vida más desahogada. Precisamente la que más se luce es la actriz que da vida a Tere, nuevamente Adriana Ozores, una de las protagonistas del anterior film de la realizadora. No desentona el joven Nilo Mur, descubierto por Gracia Querejeta en un breve papel que interpretaba en El mar, de Agustí Villaronga.

Pedro, un promiscuo dentista homosexual, debe hacerse cargo temporalmente de su sobrino pequeño, cuando la madre, una hippie de buen corazón pero irresponsable, es detenida en India con un alijo de droga. Esta situación no hace mucha gracia a la abuela del chaval, que no se habla con su hija desde hace mucho tiempo. Miguel Albaladejo sigue en la brecha de la comedia hispana costumbrista, aunque en esta ocasión desliza la controvertida cuestión de la adopción por parte de homosexuales. Sorprende el subido tono erótico del film, sobre todo en la durísima escena de arranque. José Luis García-Pérez hace una buena composición del protagonista, y el chaval, David Castillo, aporta naturalidad, aunque se nos antoja un poco demasiado perfecto, como si no le afectara el mal ejemplo de su tío y su madre.

Teleserie dirigida por Benito Zambrano, director de esa magnífica película llamada Solas. En esta ocasión lleva a la pantalla una historia basada en hechos reales: la odisea vivida por Francisco Holgado, cuyo hijo fue asesinado a puñaladas en una gasolinera. Este hombre, con identidad supuesta, logró reunir testimonios para inculpar a los asesinos de su hijo. El siempre eficaz Juan Diego es el protagonista de la cinta.