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Biografía

Max Richter

Max Richter

Max Richter

Filmografía
Ad Astra

2019 | Ad Astra

Un futuro no muy lejano. Roy McBride ha seguido los pasos de su legendario padre, Clifford McBride, con su dedicación profesional como astronauta. El progenitor dedicó su vida a la búsqueda de vida extraterrestre más allá del sistema solar, pero supuestamente perdió la vida en la misión conocida como Proyecto Lima. Ahora una extrañas tormentas eléctricas están sacudiendo a la Tierra, y todo apunta a que este preocupante fenómeno tiene su origen en Saturno, el lugar donde se perdió el contacto con Clifford años atrás. De modo que encomiendan a Roy viajar a Marte, para enviar desde ahí un mensaje a su padre, en lo que es una misión ultrasecreta. Con apenas media docena de títulos, James Gray ha demostrado ser uno de esos cineastas a los que merece la pena seguir la pista. Tiene un sentido innato de la narración, y no teme tomarse su tiempo, o emplear elocuentes silencios, para contar sus historias. Aunque se inició con cintas policiales (Cuestión de sangre, La otra cara del crimen, La noche es nuestra), pronto quedó claro que le interesaba indagar en los dilemas morales y vicisitudes de las personas, lo que se vio en la cinta romántica Two Lovers, pero también en su mirada a la inmigración al nuevo mundo en El sueño de Ellis, y en la cinta aventurera de exploración de ignotas tierras en Z, la ciudad perdida. Es también el caso de Ad Astra, donde con un guión coescrito con Ethan Gross –apenas conocido por su contribución a la serie Fringe– se mueve como pez en el agua –o nave en el espacio- con una aventura galáctica de ciencia ficción, que presenta elementos que recuerdan al cine de Terrence Malick. No parece casual en tal sentido que el protagonismo recaiga en un excelente Brad Pitt, que también ejerce de productor a través de su compañía Plan B, y que hizo con Malick El árbol de la vida. La película combina sabiamente el drama colectivo –la Tierra corre peligro, el ser humano está en decadencia– con el personal –Roy es un gran profesional, pero está solo, no ha sabido formar una familia, y corre el peligro se seguir los pasos de su padre en su individualismo revestido de preocupación por el bien común–, lo que lleva a la reflexión acerca de la deshumanización de la sociedad –los astronautas que se limitan a cumplir órdenes, sin interrogarse acerca de las razones de sus actos–, y la creciente tendencia al aislamiento, algo paradójico en un mundo tan mediático, donde supuestamente son tan fáciles las comunicaciones, y que contrasta con la búsqueda casi obsesiva de vida extraterrestre. La mirada antropológica abierta a la trascendencia es rica, y gran mérito de Gray estriba en no transitar nunca por caminos tediosos: la voz en off de Roy se introduce con oportunidad y no cansa, y algunos episodios de acción –la parada en la Luna, la atención a una llamada de rescate de una nave...– se convierte en inteligente y no forzado respiro para el espectador impaciente. Pitt sabe sostener la narración, presente en casi todos los planos del film, pero se encuentra bien respaldado por el resto de los actores, claramente en roles secundarios, pero que cumplen a la perfección: Tommy Lee Jones, Liv Tyler, Ruth Negga y Donald Sutherland, los más conocidos, especialmente.

7/10
La amiga estupenda: Un mal nombre

2019 | L'amica geniale: Storia del nuovo cognome | Serie TV

Adaptación de la segunda novela de la tetralogía “Dos amigas”, de la escritora italiana Elena Ferrante, ambientada en el Nápoles de los 50. Continúa con la descripción de cómo evoluciona la relación entre las amigas Elena -Lenú- Grecco y Rafaella -Lina- Cerullo, ambas con 16 años, tras la boda de la segunda con Stefano Carracci, lo que la aleja de los estudios, mientras combina su dedicación a una charcutería, y sus ideas de diseños para una zapatería. Mientras, Lenú prosigue sus estudios, aunque la influencia de Lina es tal, que duda si continuar con ellos o casarse con Paolo, que trabaja en un taller, aunque quien le atrae es Nino, hijo de un poeta, y con ínfulas de artista. Quizá la primera entrega de esta serie, dirigida por Saverio Costanzo y Alice Rohrwacher, tenía el atractivo de la novedad, el dibujo de una amistad con puntos luminosos, pero también oscuros, porque Lina demuestra ser bastante tóxica, propaga cizaña a su alrededor y puede ser muy sarcástica. Aquí la cuestión es que tenemos más de lo mismo, corregido y aumentado, con la novedad de que las chicas ya son unas mujercitas, y concretamente Lina está casada. En la trama de Ferrante hay una reivindicación de los derechos de la mujer y la igualdad de oportunidades, pero se cargan las tintas de un modo en que la maternidad o el trabajo en el hogar parecen ocupaciones insatisfactorias, que vuelven a las mujeres amargadas, una especie de versión sumisa del marido. De modo que la nostalgia por el pasado viene acompañada de tristeza e insatisfacción, nunca llegamos a estar contentos con lo que la vida nos depara se viene a decir. Hasta uno duda de si lo que nos está describiendo es una verdadera amistad, porque hay algo elusivo en la relación entre Lenú y Lina. Llama nuevamente la atención lo mucho que puede ayudar a una obra audiovisual una música poderosa. Max Richter, como ya hiciera en The Leftovers, eleva la emoción de muchas secuencias, subrayando los sentimientos de impotencia y rabia de los personajes. Y la dirección artística y reconstrucción de la época es impecable. Margherita Mazzucco y Gaia Girace vuelven a hacer un buen trabajo encarnando a las protagonistas, y están bien secundadas por el resto del reparto.

6/10
White Boy Rick

2018 | White Boy Rick

Una visita a la América profunda de los blancos más desfavorecidos, cerca de Detroit, en los años 80, donde en una feria de armas puede adquirirse legalmente un Kalashnikov, el único riesgo sería que quisieran darte gato por liebre. Allí están de compras Richard y Rick, padre e hijo. Su hogar está desestructurado, con madre ausente, hermana pequeña Dawn drogadicta, y abuelos vecinos ya mayores, que poco pueden hacer para ayudar, más allá de dar de comer o acoger en casa. De condición humilde, no es fácil traer dinero a casa. De modo que Rick, un adolescente que tiene pelusa en vez de bigote, hace de confidente de la policía, y gracias a su concurso podría ayudar a la detención de unos peligrosos criminales. Pero cuando deja esta tarea, conseguir un trabajo honrado que genere suficientes recursos no resulta sencillo. En cambio, traficar con droga… Películas basada en hechos reales que dirige con buen pulso Yann Demange. Nacido en Francia, pero que rueda en inglés, ya descolló en 2014 con la notable ’71. Demuestra en la puesta en escena ser un buen realizador, y logra describir bien los lazos que unen al chaval con el progenitor, apartado en el que entregan magníficas interpretaciones el desconocido debutante Richie Merritt –es perfecto para el papel de adolescente en la pubertad algo indolente– y Matthew McConaughey, un actor que se crece en cada película que le toca acometer. También lo hace muy bien Bel Powley en el rol más secundario de la hermana. De todos modos, quizá por indefinición de un guión escrito a seis manos, hay algún salto abrupto, y algunos personajes secundarios a los que falta definición. Lo que incluye a los enlaces de la policía, a los que falta un poquito de humanidad. Además, el tema de que Rick es una pura pieza blanca prescindible en el tablero de fichas negras también prescindibles, en la partida de la lucha contra el narcotráfico, podría haber dado bastante más juego.

6/10
María, reina de Escocia

2018 | Mary Queen of Scots

Fastuosa película de corte histórico, con una magnífica ambientación y un exquisito cuidado en todo lo relativo a maquillaje, peluquería y vestuario. La fotografía de John Mathieson es fantástica, y la banda sonora de Max Richter, con una progresión ascendente que nunca se acaba muy característica, se funde bien con la música sacra y cortesana de la época que asoma puntualmente. Describe el reinado de María Estuardo en Escocia, desde su regreso ahí en 1561 tras enviudar Francisco, rey de Francia, hasta su decapitamiento en 1587, acusada de conspirar contra Isabel I de Inglaterra, su prima. Adapta una biografía de John Guy, y firma el guión Beau Willimon, conocido sobre todo por Los idus de marzo y por ser el creador de la serie de intriga política House of Cards. Tras la cámara se encuentra una mujer, Josie Rourke, que debuta como directora, y que hasta ahora era conocida sobre todo como directora artística de la prestigiosa compañía teatral británica Donmar Warehouse, lo que se nota de sobras en el film. Enseguida resulta evidente la complejidad de la historia que maneja Rourke, y las dificultades para darle la necesaria coherencia y unidad dramática. Por ejemplo, apenas logran definirse bien las diferencias por las guerras de religión, entre la postura protestante y la católica, más allá de las críticas con sermones incendiarios del predicador John Knox contra María, ni siquiera la supuesta profunda devoción de ella se logra atrapar. Hay además una insistencia excesiva, casi risible, en mostrar la complicidad femenina entre María y sus damas de compañía, que a veces parecen unas simples y traviesas colegialas. Y se echa en falta una mayor fuerza a la hora de pintar los lazos entre las "primas": parece que se quiera hacer una declaración feminista, dos mujeres condenadas a no entenderse en un mundo de impresentables hombres, pero incluso en esta visión falta un poco de coherencia y sobra simplismo, casi se viene a decir que Isabel falla a María por... ¡comportarse como un hombre! En lo relativo al tratamiento de la sexualidad hay un tratamiento moderno que no deja de chirriar en algunos pasajes. La gran suerte que tiene la directora, es que tiene a dos formidables actrices bajo sus órdenes, sobre todo Saoirse Ronan, verdaderamente regia, que hace medianamente creíbles las ideas de su personaje de que el amor va por delante de los asuntos de estado, aunque el libreto del film las presente confusamente. Por su parte, Margot Robbie logra perfilar la soledad de Isabel, cada vez menos libre en sus decisiones, como obligada a actuar por imperativos fatales. En un período histórico, la Inglaterra isabelina y la Escocia de María del siglo XVI, en que se suceden las conspiraciones, no es fácil pergeñar una trama consistente, donde todos los puntos de vista, lealtades y traiciones, queden nítidamente trazados; al final lo único que está claro es que María se postula con derecho a reclamar el trono de Inglaterra, si Isabel no tiene descendencia. No es fácil saber si la responsabilidad en el naufragio parcial del relato hay que achacársela a Willimon, a Rourke, o a la fuente histórica de la que principalmente beben, pero los vaivenes de bandos, los protestantes que sirven a la católica María, o la posición de los Estuardo que están en la corte de Isabel, no logran entenderse bien. Lo que incluye también el modo en que se aborda el matrimonio de María con Enrique Estuardo, en que conviven casi de seguido un enamoramiento con el descubrimiento de una sexualidad "abierta" del esposo que descoloca bastante. También parece que hay más de una licencia histórica en lo relativo al malhadado secretario David Rizzio.

5/10
La sombra del pasado

2018 | Werk ohne Autor

El arte como forma de expresar y encauzar la vida hacia una espléndida madurez. Tres décadas en la vida de Kurt Barnert, desde su niñez en Dresde, en los años del nazismo previos a la Segunda Guerra Mundial, a su vida adulta en los 60 en Düsseldorf, donde intenta encontrar su alma de artista en la Kunstakademie, pasando por los años de la derrota de Hitler y la constitución de la República Democrática Alemana. Las experiencias vitales –las tragedias familiares, los bombardeos incendiarios de Dresde, el encuentro del amor verdadero, los secretos oscuros del entorno de los seres queridos, el peso de los regímenes autoritarios, el aprendizaje y la formación, las dificultades económicas...–, lejos de hundir a Kurt en la miseria o la autocomplacencia lastimera, conforman un bagaje que le permiten, gracias a un talento y sensibilidad especiales, descubrir la belleza presente incluso en los pozos más oscuros. El alemán Florian Henckel von Donnersmarck deslumbró con su opera prima, La vida de los otros, sobre la experiencia del autoritarismo y falta de libertades en la comunista Alemania del Este. Por eso su siguiente film, la aventura hollywoodiense The Tourist, remake de un film francés, sabía un poco a decepción, a pesar de que seguía notándonse la huella de un gran cineasta. Ahora vuelve por sus fueros con una película ambiciosa, escrita también por él, que logra plasmar en poco más de tres horas la capacidad del arte para comunicar lo que su creador lleva por dentro. Sobrecoge la capacidad de Henckel von Donnersmarck para describir con convicción una serie de hechos y a sus protagonistas, sin que nunca parezcan banales o simplemente acumulativos, sino los elementos bien trenzados de una vida particular, que forjan un carácter. De modo que cuando llega la inspiración a Kurt, momento genial, nunca tenemos la sensación de la impostura. "Nunca apartes la mirada", "busca la verdad para encontrar la belleza", son principios que inspiran a Kurt, junto a un tercero "lo hago, porque puedo", que comparte con su futuro suegro, el profesor Carl Seeband, médico de pasado nazi e ideas nietzscheanas, que le mira con desprecio, una especie de reverso tenebroso del otro. En efecto, son absolutamente opuestas sus actitudes vitales, en el artista sorprende su humildad, nunca se da imporancia, su capacidad reflexiva, sus silencios cuando son oportunos, sus palabras cuando toca hablar o tomar decisiones. Y está bien presentado el entorno familiar, esa tía que ha detectado su talento siendo niño, y que tiene problemas psíquicos, los padres y hermanos; y el académico, profesores y colegas estudiantes aspirantes a artistas, de un modo especial el director de la Kunstakademie, con el que establece una inesperada complicidad. Además de esa mujer a la que ama, su media naranja, pues ambos se complementan, Ellie Seeband. Como se ve, hay un amplio abanico de personajes, y la selección actoral es fantástica, por supuesto los personajes principales encarnados por Tom Schilling, Sebastian Koch y Paula Beer, pero también el resto, con mención especial para Oliver Masucci. Son muchísimos los temas que plantea la película, con la posición principal para el de la creación artística, las distintas escuelas, la vanguardia y los nuevos caminos, o el realismo socialista. Se habla del origen de la inspiración –se podría debatir mucho sobre el título del film, distinto en español, "La sombra del pasado", inglés "Nunca apartes la mirada", y el original alemán "Obra sin autor", cada uno aporta algo de las claves fílmicas–, pero también de ideologías, y del amor y la capacidad de ver personas en los demás. Quizá aquí reside también la hermenéutica para la inclusión de varios pasajes eróticos, que se procura abordar con sentido esteticista, un intento de ser delicado al mostrar la belleza corporal, siguiendo esa divisa de no apartar la mirada, y rehusando las etiquetas de "arte degenerado" a que alude una exposición en la Alemania nazi con la que arranca el film. En una película sobre arte es fundamental la recreación de época, y la credibilidad de las obras que potenciales artistas están ideando. El esfuerzo es espectacular y ciertamente logrado, donde los trabajos de Kurt están hábilmente inspirados en el artista alemán Gerhard Richter. El capítulo de diseño de producción y dirección de arte es sobresaliente, así como la fotografía del veterano Caleb Deschanel, que logra su sexta nominación al Oscar, o la sostenida y bellísima partitura musical de Max Richter.

8/10
La amiga estupenda

2018 | L'amica geniale | Serie TV

Miniserie basada en la popular novela homónima de Elena Ferrante, la primera de su saga "Dos amigas", es fruto de una alianza de HBO y la RAI, la primera sigue impulsando así sus producciones europeas. Arranca cuando una anciana, Elena Greco, tiene noticias de que Lila Cerullo, amiga con la que ha mantenido una estrecha relación desde la infancia, ha desaparecido. Es el momento en que pone en marcha su ordenador y comienza a escribir su historia. De modo que la narración en forma de flash-back viene enfatizada puntualmente por las reflexiones de de Elena, o Lenu, ya anciana, presentadas con voz en off y cierta forma literaria. Resulta innegable la ambición en valores de producción de la serie dirigida por Saverio Costanzo (La soledad de los números primos), con una buena recreación de una barriada de Nápoles de los años 50, en la que viven familias humildes, donde domina el analfabetismo, y las diferencias entre la gente se resuelven con frecuencia acudiendo a la violencia, con los caciques de turno convertidos en "nuevos ricos", también porque el viento sopló a su favor durante la pasada guerra. En este paisaje algo deprimente, la atención se fija en dos niñas que coinciden en clase, Elena y Lila, ambas de gran inteligencia, pero la segunda además muy creativa y resuelta, y que tienen toda la vida por delante. La maestra trata de inspirarlas para que sueñen con estudiar y salir del hoyo social en el que se encuentran semienterradas en vida. No es fácil, por la incomprensión familiar, y un modo de ver las cosas que flota en el ambiente del lugar. En tal tesitura llama la atención cómo Elena es más capaz de acomodarse a los caminos que se le abren, mientras que Lila es más de ir a su aire, lo que se suele describir como un espíritu libre, lo que tiene muchas caras. La narración trata de conjugar una amistad infantil, o la pasión por leer e inventar historias –la lectura de "Mujercitas" con el planteamiento de que las chicas se ven obligadas a crecer antes de tiempo, por la injusticia e incluso el crimen que acontecen en su entorno. Cuando las chicas son ya eso, unas "mujercitas", se confirma la sombra que Lila nunca deja de proyectar sobre Elena. En efecto, ésta se pliega más a las oportunidades que ofrece el sistema, y realiza estudios, mientras que la otra despliega su talento por su cuenta, también dando ideas para el taller de zapatero del padre, donde su hermano se esmera por destacar. Los esfuerzos por buscar un buen partido matrimonial para Lila, chocarán con la independencia de ella, aunque destaca además su imprevisible espíritu de contradicción. Muchas hebras componen la trama, incluido el descubrimiento del lado sucio de los adultos, cuando Elena vive un verano idílico hasta un brusco final que le abre los ojos algo traumáticamente.

6/10
Hostiles

2017 | Hostiles

1892. Antes de licenciarse del ejército, el capitán Joseph J. Blocker es asignado para una misión sumamente desagradable para él: debe trasladar al jefe cheyenne Halcón Amarillo hasta su tierra de origen en el norte, pues se encuentra gravemente enfermo y ha pedido morir allí. Este indio fue responsable de crueldades inenarrables de las que Blocker fue testigo y sus manos torturaron y mataron a varios de sus compañeros. Al poco de comenzar el viaje se sumará a la pequeña comitiva una joven viuda que acaba de perder a su familia a manos de los indios. Extraordinario western crepuscular escrito y dirigido por Scott Cooper, un cineasta que confirma definitivamente que se ha ganado un lugar entre los más prestigiosos de la actualidad, gracias este film y a otras películas como Corazón rebelde o Black Mass. Presenta uno de esos westerns duros y realistas que adopta ese tipo de atmósfera y de hondos conflictos que en los últimos años están revitalizando un género que se niega a desaparecer. Aquí tenemos a un personaje principal magnífico, un hombre curtido en mil batallas y dolores, en sinsabores e injusticias, pero que dentro de esa piel curtida por cientos de atrocidades (también por supuesto las cometidas por él), aún conserva una humanidad de oro bruñido. Presenta el guión el viaje de redención de varias personas que geográficamente les lleva desde Nuevo Mexico hasta Montana, pero a la vez es un largo y emotivo adiós pues ejemplifica el único fin posible de una época llena de violencia y hostilidades entre blancos e indios, algo que no se arregla saldando deudas, ni reclamando justicias, pues ambos bandos saben que son culpables. Está bien resuelto el progreso interior de Blocker, así como la evolución del personaje de Rosalee Quaid, cuyas primeras apariciones en pantalla rompen el corazón. Destaca en Hostiles sin duda la falta de maniqueísmo en los caracteres, también a la hora de juzgar a blancos y pieles rojas, a la vez que se agradece una decidido, aunque costoso, rechazo del cinismo y la autocompasión, que en más de un personaje puede acabar derivando en desesperación. Visualmente la película es preciosa, aunque áspera, a un tiempo violenta y reflexiva, y expresa la odisea india con esa fotografía límpida de las grandes llanuras tan propias del western, con una ajustada banda sonora de Max Richter. Espléndido trabajo, por otra parte, del elenco de actores, encabezados por un soberbio Christian Bale, que repite trabajo con el director tras La ley del más fuerte. Al mismo nivel de calidad está la estremecedora composición de Rosamund Pike.

8/10
Taboo

2017 | Taboo | Serie TV

Una historia siniestra e insana, ambientada en 1814, época de disputas fronterizas entre Reino Unido y los independizados Estados Unidos a cuento de Canadá. James Keziah Delaney es un extraño personaje que tras viajar a remotos lugares y cultivar, tal vez, la brujería, vuelve a Londres, enterado de la muerte de su padre, un tipo bastante odiado, pero que tenía en propiedad un territorio en Canadá. Mientras se resuelve si es él el heredero o su hermanastra, los capitostes de la todopoderosa Compañía de las Indias Orientales, al servicio de su británica majestad, hace todo lo posible por hacerse con esas tierras. Tras la producción, hay nombres de prestigio, como el de Ridley Scott. El protagonista, Tom Hardy, se estrena como cocreador de una serie, con su padre, el desconocido Chips, en compañía de nombres como el del afamado guionista Steven Knight, que en tele ha pergeñado Peaky Blinders. La producción es lujosa y presenta empaque. Y sin embargo... Sin embargo, estamos ante una narración que se hace antipática, brutal, como de tiempos salvajes, imposible conectar con el protagonista ni con los secundarios, en parte por su comportamiento extraño y aberrante, como si ocultaran secretos, esos tabús que en algún momento conoceremos y, tal vez, sólo, tal vez, nos iluminarán. Los flashes como de visiones de brujería descolocan, el criado hipercínico no tiene maldita la gracia, la fulana del burdel nos importa un pimiento... Casi lo más humano que se puede detectar es la corrupción de los jefes de la Compañía de las Indias Orientales, tan bajo es el nivel. Asegura Chips Hardy que el protagonista, por su carácter hosco y cínico, viene a ser una mezcla de personajes literarios, Bill Sykes, Sherlock Holmes, Hannibal Lecter y Heathcliff, pero tal pretensión no da a alguien de una pieza, como mucho, el monstruo de Frankenstein. Todo se reduce a atmósfera, o por si no queda claro, humo que se lleva el viento, vacuidad en estado puro que no puede disimular la aberración.

4/10
The Leftovers (3ª temporada)

2017 | The Leftovers | Serie TV

La última temporada de esta serie de tintes apocalípticos, que se basa en el libro de Tom Perrotta, creador de la misma junto a Damon Lindelof. De nuevo juega con la dialéctica entre racionalismo y fe de los personajes, tras la misteriosa partida del dos por ciento de la población mundial de modo inexplicable, cuando está a punto de cumplirse el séptimo aniversario de este hecho, y la gente espera que ocurra "algo". Como en la segunda temporada, hay un prólogo en otra época, ahora más cercano en el tiempo, buen aperitivo para entrar a servir el plato principal. En el pueblo de Milagro, Kevin sigue ejerciendo de jefe de policía, pero tras su asombrosa experiencia de pasar por la muerte, Matt, el pastor, que ha visto a su esposa Mary despertar de un coma, está convencido de que se trata de un nuevo mesías, y hasta escribe un libro sobre él de tipo bíblico. Nora, la novia de Kevin, sigue sin poder olvidar a sus hijos, y aunque se autoengaña diciéndose que está investigando un fraude según el cual, por un módico precio, se puede contactar con los que se fueron, ella tiene la secreta esperanza de poder reunirse con ellos. Esto le llevará a Australia con Kevin, donde el padre de éste, contacta con los aborígenes, guiándose por unas viejas grabaciones de cassette. Corría riesgo de darse vueltas a sí misma en exceso, con lo que Perrotta y Lindelof aciertan decidiéndose por poner punto a final a su serie cuando su capacidad de intriga y de plantear interrogantes inquietantes sobre el sentido de la vida, lo que merece la pena, etcétera, no resultan cansina, sino todo lo contrario. Hay inteligencia y contención genuinas en la narración, también en el uso medido de la partitura musical verdaderamente magistral de Max Richter, que logra evocar el sentido de pérdida y añoranza de un modo increíble.

6/10
El caso Sloane

2017 | Miss Sloane

Elizabeth Sloane trabaja para los lobbies que se encargan de persuadir a congresistas y senadores estadounidenses para que apoyen determinados proyectos legislativos que deben aprobarse en el Capitolio. Mujer de arrolladora personalidad, sin pelos en la lengua, tremendamente cínica, su objetivo es siempre ganar a toda costa, yendo un movimiento por delante de su adversario. En el logro de sus objetivos ha sacrificado cualquier atisbo de vida privada, no tiene familia, y acude a los servicios de un "profesional" en lo relativo a su vida sexual. Ahora está en el ojo del huracán por una investigación de un comité del Senado, que le acusa de faltar a los estándares éticos previstos en el ejercicio de su profesión. Potente película cuyo guión firma el desconocido Jonathan Perera, cuyos libretos anteriores, si es que existen, nunca antes habían sido llevados a la pantalla. Pinta un cuadro descorazonador de lo que es un lobby –grupo de presión política, de larga tradición en países como Estados Unidos– y lo que mueve a los políticos, siendo cínico sobre los cínicos, aquello es poco menos que la selva. Está estructurada en torno a la declaración que Sloane realiza ante el comité, y de esta comparencia arrancan los diversos flash-backs que nos ponen en antecedentes de cómo la lobbista ha terminado siendo objeto de tan graves acusaciones. Un caso en que ha podido tener una actuación dudosa es la excusa para cargar contra ella por el modo en que está consiguiendo apoyos para una legislación que podría poner coto, con severos controles, al derecho a la posesión de armas de fuego. Algo que no agrada a la industria del sector, y por lo que encuentra oposición en antiguos compañeros, que trabajan en sentido contrario para lograr los votos suficientes que detengan la ley. John Madden, cuyo Shakespeare enamorado fue recompensado con el Oscar a la mejor película, maneja bien el dinámico y muy verbalizado guión, repleto de frases ingeniosas y mucha y vertiginosa información, y sabe crear cierto suspense y hasta sorprender; eso sí, ya había dado muestras de moverse bien en ese terreno en La deuda. Aunque justo es reconocer que el director cuenta con la baza de una columna vertebral magnífica, que es el soberbio trabajo de Jessica Chastain, que logra hacer creíble a la ambiciosa protagonista. Es difícil que te caiga bien, pero a la vez produce una fascinación semejante a la de, por ejemplo, Francis Underwood en House of Cards: tenemos a alguien odioso, que no sabe ver personas en los demás, sino peones para conseguir sus propósitos en una partida donde todo vale, hasta hacer trampas si no te pillan o el daño puede ser controlado. Dándose paradojas, en que personajes a priori de escasa catadura moral demuestran poseer algunos principios básicos, mientras que algunos políticos que se supone sirven al interés público van a lo suyo. El resto del reparto está a la altura, aunque no dejen de ser satélites que giran alrededor del planeta Chastain: bien, pues, por Mark Strong, Alison Pill, Sam Waterston, Gugu Mbatha-Raw, Michael Stuhlbarg, John Lithgow, etcétera, que sacan todo el jugo posible a sus personajes, siempre al servicio de la historia.

7/10
El sentido de un final

2017 | The Sense of an Ending

Tony Webster es un tipo jubilado y solitario, que regenta una tiendecita de cámaras fotográficas Leika de segunda humana. Divorciado, con una hija embarazada que quiere ser madre en solitario, acepta a regañadientes acompañarla a sesiones prenatales que suponen algo parecido a un incordio. Su organizada vida sufre una sacudida cuando recibe una carta que le obliga a repensar su pasado, el amor de su juventud Veronica, y la relación de camaradería juvenil con varios amigos, entre ellos el recién llegado Adrian Finn, que supone un desafío intelectual, también para su profesor, cuando plantea cuestiones como la posibilidad real de escribir historia, o que, siguiendo a Albert Camus, “la única cuestión filosófica seria es la del suicidio”. Adaptación de la novela homónima de Julian Barnes, galardonada con el Booker Prize en 2011, y que ha sido convertida en guión por el autor teatral Nick Payne, que prestó su talento dramático al apuntalamiento de los libretos de la celebrada serie televisiva The Crown. Frente a la estructura de la obra original, dos partes, la juventud y la senectud sacudida por la carta que revela la existencia de un misterioso diario, se ha optado con inteligencia por alternar el presente con adecuados flashbacks que permiten incidir en la juventud de Tony Webster. En tal sentido tiene fuerza el tono evocador de la época estudiantil, en que uno se hace las grandes preguntas y todo se vive con más intensidad, aunque quizá ese amor juvenil por Veronica y cierta atracción por la madre Sarah queda un tanto desdibujado, si bien es cierto que los simples trazos recogidos sirven para hacerse cargo de una mezcla de timidez, morbo y frustración. En cualquier caso el director indio Ritesh Batra, que mostró sensibilidad para atrapar el mundo interior de sus personajes en The Lunchbox, se las compone para manejar bien las idas y venidas en el tiempo, y bucear en el alma del protagonista, obligado a mirar a su propia historia y a no conformarse con un simple recuerdo más o menos enterrado, sino a afrontarlo, digerirlo, es necesario cicatrizar heridas, madurar, saber ver más allá de las propias narices, para vivir el aquí y ahora, encontrar sentido, aunque sea, como reza el título, al final. La película se beneficia de una gran interpretación de Jim Broadbent en el rol protagonista, que sabe dotar a su egocéntrico personaje de humanidad, crear empatía aunque sus defectos y miedos sean patentes. Todos los demás actores están muy bien, pero está claro que de algún modo giran alrededor de él, es a Tony a quien le toca crecer, hacer su particular viaje interior para luego poder mirar con paz al exterior, a las personas que le rodean.

6/10
Morgan

2016 | Morgan

Lee Weathers, ejecutiva de riesgos de una corporación especializada en arreglar cualquier tipo de problemas, acude a un laboratorio donde deberá evaluar a Morgan, una joven creada artificialmente. Ésta ha tenido un arranque de furia, atacando a una de las científicas que la supervisan. Ridley Scott ejerce como productor del debut en el largometraje de Jake Scott, que también sigue sus pasos como realizador, al igual que su medio hermana Jordan (Cracks). Construye un notable relato de ciencia ficción en torno a la ética de la biotecnología, tema central de la gran obra maestra de su padre, Blade Runner, con la que comparte algunos elementos. Y aunque como cabe suponer no llega a la altura, el chico apunta maneras. Con una ambientación fría, el film tiene un montaje dinámico, por lo que aprovecha muy bien un guión correcto de Seth W. Owen, que estuvo en la Black List, que recopila los mejores libretos no producidos. Además, cuenta con un reparto coral de lujo, en el que destacan Kate Mara y la inquietante Anya Taylor-Joy (La bruja), que llevan el  mayor peso de la película.

6/10
Black Mirror (3ª temporada)

2016 | Black Mirror | Serie TV

Tercera temporada de la serie creada por Charlie Brooker a modo de cuentos asombrosos de advertencia acerca del lado oscuro de las nuevas tecnologías. Tras una entrega suelta navideña, en esta ocasión, en vez de tres episodios, como ocurrió en las temporadas 1 y 2, tenemos en el inquietante espejito negro seis, que han sido distribuidos a través de Netflix. Como es habitual son completamente independientes, y de nivel desigual, aun contando con el nexo de unión creativo del pergeñador de las tramas, o sea, Brooker. Y tienen el mérito de abarcar un amplio arco de artilugios y posibilidades de los que ya atisbamos bastante a día de hoy. Quizá las mejores historias son la primera, "Cuesta abajo", y la última, "Odio nacional". que dejan al espectador con el corazón en un puño, al tiempo que logran sorprender. Detrás de "Cuesta abajo" se encuentra un director de prestigio, Joe Wright, que cuenta con el protagonismo de Bryce Dallas Howard. Nos habla de un futuro muy próximo donde manda la popularidad en las redes sociales, que supone ventajas importantes, por ejemplo para adquirir una casa en una zona exclusiva. Lacie se obsesiona para lograr altas puntuaciones en las valoraciones que hacen las personas con las que interactúa, y ve una oportunidad de oro en acudir como dama de honor a la boda de quien fuera su amiga en el instituto; pero aquello se convierte en una carrera de obstáculos, donde el modo en que la estiman los demás cae en picado. Mientras, "Odio nacional" es una especie de fábula sobre la responsabilidad de los que participan en los típicos linchamientos públicos que tienen lugar en las redes sociales. La idea de unos crímenes inexplicables, donde las víctimas se mutilan a sí mismas quitándose la vida, y su relación nada menos que con los drones y la invasión de la privacidad, está muy bien trabada con la investigación oficial, llevada a cabo por varios policías con los rostros de Kelly Macdonald, Benedict Wong y Faye Marsay. "Playtest" habla de realidad virtual, el protagonista ha vivido una dura situación familiar y se ha dedicado a ver mundo. Antes de volver a casa y enfrentarse a su madre, le surge la posibilidad de probar un videojuego con realidad aumentada, que le va a hacer añorar el mundo verdadero que ha tratado de eludir. Aunque con ritmo trepidante y muy dramático, "Cállate y baila" habla de algo que empieza a ser real, el chantaje de los hackers que pueden acceder remotamente a ordenadores ajenos y conocer secretos sucios de las personas. El jovenzuelo Kenny vivirá una carrera contra el reloj para que sus vergüenzas no se publiquen on line, y en su periplo se cruza con muchos en su misma situación. Muy deprimente y menos lograda resulta "San Junípero", donde un entorno virtual permite huir de la realidad, en una trama que da vueltas al amor homosexual, la eutanasia y la vida después de la muerte, con una ironía que no se sabe adónde quiere ir a parar. También resulta algo convencional "Hombres contra el fuego", con un futuro militarizado donde los soldados combaten a una especie de zombies.

6/10
Testamento de juventud

2015 | Testament of Youth

Las vivencias de la escritora pacifista Vera Brittain en los años de la Primera Guerra Mundial, que plasmó con fuerza en su libro "Testamento de juventud", todo un referente del dolor que trajo consigo la contienda, y que es la base de la película. La cinta describe la fuerte personalidad de Vera, que se traduce en su deseo por ser admitida en la Universidad de Oxford, todo un reto en la época para una mujer, por los prejuicios existentes, también dentro de su adinerada familia. El estallido de la guerra supone un cambio de planes: por un lado viene la experiencia de que los hombres a los que está más ligado –su hermano y dos amigos, uno de ellos su futuro prometido– son llamados a filas, lo que produce un distanciamiento que ella procura salvar, con su cariño y sus cartas; y por otro su disposición a ser voluntaria como enfermera, lo que lleva a un inesperado destino, cuidar a los soldados enemigos alemanes. El director televisivo James Kent dirige con corrección una historia muy oportuna en el momento en que se cumple el primer centenario de la Primera Guerra Mundial. Sabe atrapar el desgarro de unas heridas físicas y morales, mayores de lo que se podía anticipar, sobre todo gracias a la interpretación de la protagonista, la siempre formidable Alicia Vikander. Hay momentos duros e impactantes, como el de la espera de la boda de la protagonista.

6/10
The Leftovers (2ª temporada)

2015 | The Leftovers | Serie TV

Segunda temporada de la serie creada por Tom Perrotta y Damon Lindelof, a partir de la inquietante novela de tintes apocalípticos del primero. Tres años después de la partida que supuso la inexplicable desaparición simultánea de 140 millones de personas por todo el mundo, el antiguo jefe de policía Kevin marcha con su hija Jill y su nueva novia Nora –cuya familia "partió" al completo– marchan al pueblo de Jared en Texas, ahora conocido como Milagro, al que muchos acuden como una especie de Lourdes, ya que ninguno de sus 9261 habitantes desapareció en el día fatal. Muchos van a modo de peregrinos, pero ellos han conseguido comprar una casa. Pero el sitio puede que no sea tan seguro: enfrente tienen una extraña familia afroamericana, y la desaparición de 3 jovencitas empieza a inquietar a la población. Además por allí anda un hermano de Nora, con su mujer en un estado de extraño letargo, que también espera un milagro. Y mientras Kevin empieza a pensar que está loco, pues tiene frecuentes visiones de Patti, una de esas fumadoras que habían hecho voto de silencio, y que se supone que está más que muerta. Situaciones inquietantes que tocan la fibra más íntima del ser humano, servidas por buenos actores y tramas atinadas, más las múltiples variaciones de un inspirado tema musical, contribuyen a la solidez de esta serie, de la que no es fácil señalar adónde quiere llevar al espectador, pero que decididamente engancha. Y es que al final plantea de modo diferente los grandes interrogantes acerca del sentido de la propia existencia de cada uno y de lo que nos pasa. Ya el primer capítulo, que al modo de 2001, una odisea del espacio, arrancaba en la prehistoria, da la medida de la audacia de sus responsables.

7/10
En el bosque

2015 | Into the Forest

No hay electricidad. Algo cuya naturaleza desconocemos ha pasado, y no hay teléfono, ni luz, ni internet. Tampoco radio o televisión. La gasolina y bienes de primera necesidad empiezan a escasear. Pero las jovencitas Eve y Nell esperan aguantar el tirón con su padre viudo en el bosque, hasta que la emergencia pase, pues cuentan con un buen acopio de provisiones. El caso es que la situación no parece que vaya a durar un día ni dos. Patricia Rozema, conocida sobre todo por su adaptación de Mansfield Park, adapta una novela de Jean Hegland, que invita a reflexionar sobre qué es esencial en la vida y qué prescindible. Por supuesto el amor y la entrega al otro ocupan lugar principalísimo, mientras que reacciones extemporáneas de miedo y violencia muestran el lado más feo del ser humano cuando le acomete el miedo y el puro sentido de autosupervivencia. Aunque cuanta con buenas actrices, Ellen Page y Evan Rachel Wood, una vez planteada la situación la narración se estanca. También la aparición repentina de un par de personajes está poco justificada así como la explicitud de una agresión sexual.

4/10
The Leftovers

2014 | The Leftovers | Serie TV

Inquietante serie creada por Damon Lindelof y Tom Perrotta, creada a partir de la novela del segundo –Perrotta es autor de las novelas que dieron pie a Election y Juegos secretos–, para HBO, productora que parece haber tomado una veta de angustia existencial en sus series, tras True Detective. El punto de partida resulta osado y engancha, pues la idea es que un mal día, sin ninguna causa aparente, desaparecieron de la faz de la Tierra 140 millones de personas, desde bebés hasta ancianos, el 2% de la población. Nadie sabe por qué, pero a punto de cumplirse el aniversario de la desgracia, las autoridades ultiman un homenaje a los que denomina "héroes". Mientras líderes religiosos y científicos discuten las causas de la tragedia, lo hay quienes simplemente la aceptan, quienes optan por la violencia, o los que están cansados de tanta palabrería, y que forman un enigmático grupo que se diría han hecho un voto de silencio. El episodio piloto deja el listón de las expectativas bastante alto, a la vez que despliega una galería de personajes variopintos, donde destacan los componentes de una familia, disgregada tras la desaparición de uno de los hijos. Las cuestiones apocalípticas que permiten pensar sobre el sentido de la vida forman parte de la obra de Lindelof, uno de los creadores de Perdidos, mientras que Perrotta parece aportar cierto elemento insano e incómodo, de modo que todo apunta a que el espectador va a poder bucear por los recovecos más oscuros del ser humano, cuando todo su mundo es puesto patas arriba y comienza lo que sólo se puede describir como una dura prueba.

6/10
Escobar: Paraíso perdido

2014 | Escobar: Paradise Lost

Nick, un joven surfista, acompaña a su hermano casado en Colombia, que ha abierto un pequeño negocio a pie de playa. Allí conoce a una joven preciosa, María, que colabora en obras de caridad que son respaldadas por su tío Pablo. Ignora que el tal Pablo es un popular político local, Pablo Escobar, cuyo principal ocupación es el narcotráfico. Cuando se entera, ya está enredado en los lazos familiares y piensa que podrá permanecer al margen de las actividades criminales de su nuevo pariente, pero las cosas no son tan sencillas. Vigoroso debut en la dirección del hasta ahora actor Andrea Di Stefano, que también firma el guión de Escobar: Paraíso perdido. Demuestra gran inteligencia al abordar la conocida figura de Escobar colateralmente, ofreciendo el punto de vista de un neófito en el mundo del comercio de la coca, personaje creado para la ocasión. De hecho la composición de Josh Hutcherson para este papel sorprende muy positivamente, pues al joven actor le toca sostener el peso narrativo, y lo hace francamente bien. También Benicio del Toro ofrece un buen trabajo con su hombre de familia contradictorio, dado a los rezos y a cuidar de los suyos, pero frío e implacable a la hora de ordenar asesinatos, y de obviar las consecuencias de sus negocios en tantos hogares rotos; pero quizá su personaje de algún modo es más fácil que el de del otro, que debe hacer atractiva la normalidad. El film tiene sin duda un aire padrinesco, la cinta de Coppola es una influencia casi inevitable para cualquier película sobre el crimen organizado cuando sus protagonistas dicen preocuparse de su familia, y son dados a una extraña piedad religiosa, mientras matan sin compasión. Aquí se suma la idea de que el pueblo humilde está contento con Escobar, que les ofrece un modo de vida, de modo que el gángster se puede permitir darse algunos baños de multitudes. Si toda la narración se sigue con interés, todo cobra un ritmo vertiginoso y desasosegante cuando se cierra el flash-back con que se inicia el film, y nos toca seguir a Nick, al que se le ha hecho un impresentable encargo mientras Pablo Escobar debe entregarse a las autoridades, según el acuerdo al que ha llegado con el gobierno. Realmente Di Stefano y Hutcherson logran meternos en la piel del pobre Nick, empujado a cometer acciones inmorales que sabe que no debe ejecutar. El film se prestaba a la violencia, pero el director opta casi siempre por el fuera de campo sin que la fuerza de lo narrado se resienta lo más mínimo.

6/10
96 heures

2014 | 96 heures

La religiosa

2013 | La religieuse

Adaptación académica y algo plúmbea de la clásica obra anticlerical del enciclopedista Diderot. La estructura un escrito clandestino de Suzanne Simonin, una joven adolescente, que sufre las insoportables presiones familiares y del convento donde es novicia, para abrazar la vida religiosa. Inocente y sin experiencia de la vida, salvo excepciones puntuales nadie es capaz de ayudarla como necesita, y va pasando por conventos donde le tocan superioras cada vez peores, desde la que no es mala persona pero está atrapada en el "sistema", pasando por la sádica que disfruta haciendo sufrir, hasta llegar a la que siente una inclinación lésbica hacia ella. Vive así una auténtica prisión no escogida voluntariamente. Si inicialmente el director y coguionista Guillaume Nicloux es capaz de mostrar cierta sutileza en mostrar las evoluciones de la protagonista, a medida que avanza el relato las parciales intenciones de denunciar la vida de una monja como algo enfermizo y antinatural, que desata lo peor que hay en el interior de esas mujeres, resultan demasiado obvias. Quizá lo mejor es la interpretación de la angustiada protagonista, Pauline Etienne, que está suficientemente contenida para imprimir algo de credibilidad a la increíble situación descrita. En cambio a Isabelle Huppert le toca bailar con la más fea, su madre superiora cae en el el más puro cliché.

4/10
The Lunchbox

2013 | Dabba

En Mumbai (hasta hace poco Bombay) existen desde hace cien años los llamados Dabbawala, término traducible como "uno que lleva una caja". Estos profesionales utilizan un sistema de mensajería lógico que les permite no equivocarse jamás, y que el envío acabe siempre en manos de su destinatario, sin utilizar papeles, mediante un sencillo código numérico que aprenden de memoria. Estudiosos de la Universidad de Harvard han llegado a investigar la singular organización de los Dabbawala, elaborando estudios que ponen de manifiesto su eficacia. Pero, ¿qué ocurriría si alguna vez se equivocaran? Ésta es la base argumental de The Lunchbox (la fiambrera), donde la joven Ila envía cada día la comida a su esposo, con el que lleva una vida anodina. La muchacha le pone mucha pasión a la elaboración de sus guisos para tratar de reconquistar a su amor por el estómago. Pero un día, el refrigerio empieza a llegarle regularmente a Saajan, funcionario viudo encerrado en sí mismo a punto de jubilarse. A través de mensajes escritos que intercambian en los paquetes, Ila y Saajan descubren que son almas complementarias... Apetitosa ópera prima en el largometraje del indio Ritresh Batra, que ha sido todo un acontecimiento en su país. The Lunchbox remite a clásicos del cine como Breve encuentro, donde dos personas corrientes hastiadas de una existencia desesperanzada, de repente encuentran a su complemento perfecto, pero ambos son conscientes de que seguir a su corazón implicaría caer en el adulterio. Aquí se pone de manifiesto que la tentación cotidiana puede tener el beneficioso efecto de hacer reflexionar al individuo sobre cuál es su correcto lugar en la vida. O como se resume en uno de los diálogos: "un tren equivocado puede llevarte a la estación correcta". The Lunchbox está rodada con enorme cuidado y sensibilidad, y recuerda más al cine clásico occidental que a las exageradas y grandilocuentes producciones habituales de Bollywood, lo que podría señalar un cambio de tendencia. La sencillez es la nota distintiva de esta cinta, que cuenta con interpretaciones muy humanas de Irrfar Khan (conocido internacionalmente como el policía de Slumdog Millionaire y el protagonista de adulto en La vida de Pi), y la menos famosa hasta el momento Nimrat Kaur. Ambos están acompañados de secundarios que componen personajes con vida propia, como el futuro sustituto del protagonista.  

6/10
El congreso

2013 | The Congress

Desigual película del cineasta israelí Ari Folman (Vals con Bashir), que adapta libremente “Congreso de Futurología”, novela de uno de los autores clave de la ciencia ficción, el polaco Stanislaw Lem. Aporta una reflexión acerca de la naturaleza del oficio de los actores, el papel que las películas juegan en la vida de las personas, y más allá de todo, acerca de la existencia humana y el sentido de la vida. En un juego que trata de aproximar realidad y ficción, Robin Wright se interpreta a sí misma. Se supone que la actriz que saltó a la fama con La princesa prometida ya no goza de la popularidad de antaño: cuarentona, le ofrecen pocos papeles y éstos de muy escaso interés. Hasta que un estudio le propone que siga la estela de otros actores que venden sus derechos digitales, o sea, renuncian a actuar en el futuro, y convenientemente escaneados con todas sus expresiones posibles, están listos para ser replicados en nuevas películas gracias a los ordenadores; una idea que ya exploró en cine Andrew Niccol en S1m0ne. Aunque reacia a un acuerdo semejante, Robin, que está criando a sus hijos Sarah y  Aron, éste con una grave enfermedad, podría llegar a un acuerdo pensando en ellos. El congreso consta de dos partes bien diferenciadas, separadas por un intervalo de 20 años, el tiempo que dura el contrato que el estudio le ofrece a Robin. La primera, rodada con actores de carne y hueso, atrapa, y contiene secuencias tan intensas como aquella en que el agente de la actriz –estupendo Harvey Keitel– le logra arrancar emociones mientras ella se prepara para ser escaneada. En cambio el segundo tramo del film, realizado con técnicas de animación, resulta mucho más confuso y pesado, la acción se torna reiterativa. Folman trata de mostrarnos un mundo alternativo, al estilo Matrix, en el que algunos aceptan vivir porque reporta ciertas ventajas, aunque con el precio de renunciar a la realidad. Imágenes de una especie de gurú estilo Steve Jobs, o de unos rebeldes montando una especie de revolución, resultan algo delirantes y se dirían deudoras del anime, aunque sin la fuerza y lirismo que tantas veces consiguen los cineastas japoneses. Queda la impresión de que se podía haber logrado un film mucho más emotivo y cercano, por ejemplo la relación de la madre con su hijo no tiene toda la fuerza deseable. Y los dibujos con personajes famosos acaban cansando, cualquiera diría que Folman está jugando a los Simpson incorporando celebrities a su paisaje animado.

5/10
Desconexión

2012 | Disconnect

Un abogado muy trabajador, unido a su teléfono móvil, no encuentra tiempo para comunicarse con su familia. Una pareja se ve arrastrada a una situación peligrosa cuando sus secretos quedan al descubierto en la red. Un ex policía viudo lucha por sacar adelante a su irreflexivo hijo, que acosa por internet a un compañero de clase. Un ambicioso periodista cree haber encontrado el reportaje de su vida sobre una adolescente que actúa en una página solo para adultos. Son desconocidos, vecinos y compañeros, y sus historias se cruzan en este thriller fascinante sobre gente corriente que lucha por formar parte del mundo interconectado de hoy.

La bicicleta verde

2012 | Wadjda

Wadjda es una niña de diez años que vive en las afueras de Riad, capital de Arabia Saudita. Es hija única y el matrimonio de sus padres pasa por un momento delicado, debido precisamente a la ausencia de un hijo varón. Un día Wadjda queda encandilada de una bicicleta verde que venden en una tienda cercana. Pero a la dificultad para conseguir el dinero, debe afrontar que socialmente está mal visto que las mujeres monten en bicicleta. Pero Wadjda está decidida a conseguirla. Un concurso escolar sobre recitación y significado del Corán podría hacerle ganar el dinero que necesita. Varios premios avalan este magnífico debut cinematográfico de Haifaa Al-Mansour, primera mujer que dirige una película en Arabia Saudita. A veces llegan a occidente producciones de Oriente Medio que se aúpan en un lugar destacado entre el maremágnum de películas europeas, y ésta es sin duda una de ellas. Película ejemplar, valiente y sobria, que hace un fenomenal retrato del mundo femenino en Arabia Saudita, país musulmán muy conservador, políticamente teocrático y donde se viven de un modo estricto las costumbres sociales respecto a las diferencias entre hombre y mujer. La trama es muy sencilla, la planificación muy clásica, el ritmo algo lento (como gusta en Oriente) y la profundidad de los planteamientos innegable. El guión de La bicicleta verde está meticulosamente medido, y Al-Mansour da una lección de narrativa, en su sabia definición de personajes, en el uso del tiempo, en el respeto que muestra por las tradiciones, por el Corán, etc. Pero este enfoque es compatible con la búsqueda de la necesaria justicia, que a veces brilla por su ausencia. Al modo de Vittorio De Sica y su Ladrón de bicicletas, la directora convierte también el vehículo de dos ruedas en símbolo de libertad, de autoestima, de la persecución de un sueño. Y todo con una sencillez apabullante, que incluye metáforas visuales muy logradas: las luces, la carretera, el árbol genealógico, etc.

7/10
Lore

2012 | Lore

Lore, la mayor de cinco hermanos menores de edad, incluidos dos gemelos y un bebé, debe reunirse con su abuela en los días en que el régimen nazi agoniza, tras el suicidio de Adolf Hitler. Sus padres pertenecían a las SS, y frente a la ingenuidad de los pequeños, ella está imbuida de la ideología mamada en casa y en las juventudes hitlerianas. Pero la realidad sucia de la guerra, y el encuentro con un joven judío que les ayuda, cuestiona de modo irremediable sus creencias. La duda es si todavía queda tiempo para cambiar, tal vez las huellas de una “mala educación” sean demasiado hondas. Dura y amarga película de la cineasta australiana Cate Shortland, que adapta un relato de Rachel Seiffer. La idea de Lore es abordar la pérdida de la inocencia, cómo el odio racista puede socavar los cimientos de la conciencia, que se niega a aceptar la verdad, incluso cuando evidencias incontestables asoman a la vista. Lo que ocurre especialmente cuando los referentes educativos -padres, profesores– han fallado estrepitosamente, no han sido buenos modelos. La guionista y directora juega al contraste entre la protagonista, aún no una adulta, pero sí una mujer casi hecha, y sus inocentes hermanos, más ingenuos, y por tanto con más posibilidades de superar el trauma de la guerra y el nazismo. Saskia Rosendahl tiene el mérito de humanizar a Lore, mostrar las secuelas del fanatismo, pero también su instinto maternal y de supervivencia, y su fragilidad, sabe encarnar esa sensación de persona descuajeringada, privada del referente del amor de los padres, y con incapacidad de darlo a otros, no sabe aún lo que es amar a un hombre, sólo le queda la ternura por los pequeños. Con un subgénero tan trillado como el de “películas de nazis” Shortland tiene en Lore cierta capacidad para sorprender, sobre todo en relación al ambiguo personaje del judío Thomas, sobre cuyas verdaderas intenciones sabe jugar la narración. El desenlace, que no es cuestión de desvelar aquí, resulta muy visual, y plantea esa tentación tan habitual del ser humano de hacer “como si no hubiera pasado nada”, cuando una deseable memoria histórica es necesaria para poder pasar página de verdad.

6/10
El gángster (2011)

2011 | Edwin Boyd

Perfect Sense

2011 | Perfect Sense

Los habitantes de todo el planeta están siendo rápidamente infectados por un extraño virus en plena mutación que va atacando uno a uno todos los sentidos. Primero el olfato, luego el gusto... En medio de todo el caos Susan, una experta viróloga que estudia el suceso, conoce a Michael, un talentoso chef, de quien se enamorará inmediatamente. Mientras los sentidos se desvanecen a su alrededor ambos lucharán por salvar su creciente pasión

Impardonnables

2011 | Impardonnables

Francis (André Dussollier) es un escritor que se traslada a Venecia para poder escribir. Allí conoce a Judith (Mélanie Thierry), su agente inmobiliaria, de la que se enamora y con la que comienza una relación. El problema es que Judith esconde un secreto que no quiere contar a Francis. Sospechas y falta de confianza son temas que le van como anillo al dedo al cine de André Téchiné, de parsimoniosa narrativa. Pero en esta adaptación de la novela de Philippe Djian la cosa deriva hacia el morbo y no acaba de interesar demasiado. Buen elenco actoral.

5/10
Womb

2010 | Womb

Siendo pequeña y durante una visita a su abuelo, Rebecca conoce a Tommy. Nace entonces entre ellos una amistad que va madurando durante este tiempo de aventuras vacacionales. Pero el cuento de hadas termina cuando ella debe seguir a su madre hasta la remota ciudad de Tokio. Doce años después, Rebecca, convertida ya en una joven mujer vuelve para asentarse en casa de su abuelo, fallecido tiempo atrás. Una vez allí busca a Tommy su amigo de la infancia, ahora un independizado estudiante universitario. El reencuentro está marcado por una fuerte atracción mutua y según se van conociendo mejor, Rebecca descubre que Tommy siempre ha albergado profundos deseos hacia ella, incluso desde que eran pequeños. Sin embargo, esta apasionada relación tiene los días contados y Tommy fallece en un insólito accidente de coche. Desolada, Rebecca que siente un fuerte deseo por tener a Tommy de nuevo con ella, acude en busca de ayuda al controvertido Departamento de Duplicación Genética. Los padres de Tommy, aún conscientes de las potenciales repercusiones, acceden a dar a Rebecca el ADN necesario para crear un nuevo Tommy, que ella lo lleve en su útero y lo traiga al mundo de nuevo.

La llave de Sarah

2010 | Elle s'appelait Sarah

Historia narrada en dos tiempos separados por 60 años. Ambos arrancan inicialmente en París. En 1942, una familia judía es detenida por los gendarmes del gobierno de Vichy, y deportados a un campo de concentración. Dejan escondido en un armario cerrado con llave al niño pequeño, circunstancia que deja especialmente angustiada a Sarah, que tuvo la idea de ocultar así a su hermano. Mientras, en 2002, la periodista americana Julia Jarmond, casada con el francés Bertrand Tézac, prepara un artículo sobre el sexagésimo aniversario de esa redada de judíos, en que para vergüenza francesa no intervinieron los nazis, toda la operación fue orquestada por la gendarmería gala. Julia va a descubrir que el piso al que va a trasladarse con su esposo, fue el lugar donde estuvo emparedado el hermano de Sarah, y que los Tézac tienen alguna relación con su trágico destino. Adaptación de la exitosa novela de Tatiana de Rosnay, hay habilidad en el entrelazamiento de la historia pretérita y la actual, y logra despertar el interés sobre qué fue del niño enclaustrado y de su hermana, y su relación con los acontecimientos presentes. Además se atreve a adentrarse en un tema tabú en Francia, la colaboración del gobierno de Vichy en la deportación de los judíos, de la que es máxima expresión el caso descrito, enmarcado en hechos reales dirigidos por la gendarmería sin intervención nazi. De hecho una opción audaz del film es no mostrar siquiera una esvástica, la presencia de los nazis queda reducida a la mínima expresión. Dicho lo anterior, la película dista de ser perfecta. Aunque cuenta con grandes intérpretes -siempre es una gozada ver actuar a Kristin Scott Thomas-, algunos vericuetos argumentales no quedan bien explicados. Cierta decisión de Sarah no se entiende, y quita validez a los sacrificios que tantas personas han hecho por ella; y, sobre todo, la subtrama de la periodista embarazada es casi más un obstáculo que una ventaja para el conjunto de la película. En efecto, el planteamiento de un aborto por la avanzada edad de ella y su esposo es tremendamente superficial, como si se tratara de una legítima posibilidad desembarazarse del niño en camino; sobre todo en el contexto de una película sobre la tragedia del holocausto, donde se incide precisamente en el terrible destino de criaturas inocentes.

5/10
La extraña (Die Fremde)

2010 | Die Fremde

Umay ya no soporta más los malos tratos que le inflige su marido. De modo que abandona el hogar en Turquía con su hijito Cem, con la esperanza de que sus padres y hermanos, que viven en Alemania, sabrán acogerla con cariño y comprensión en este momento desgraciado. Pero el recibimiento es frío, se impone la dureza de corazón porque al fin y al cabo y más allá de sus razones Umay ha roto su compromiso matrimonial, y eso en la comunidad islámica supone una deshonra que pesa como una losa sobre toda la familia. Dura película escrita y dirigida por una mujer actriz debutante tras la cámara, Feo Aladag, que describe sin acritud pero evitando cualquier tentación de edulcoración, las penalidades de alguien que ha llegado al límite en una situación de violencia doméstica. Arrancar con Umay que acaba de abortar sin que su esposo supiera siquiera de su embarazo, da idea de ese punto de no-retorno, pues resulta evidente que acabar con el hijo que habitaba en sus entrañas es una decisión terrible. Pero quizá donde Aladag pone el acento, a modo de columna vertebral de la narración, es en la tensión desgarradora a la que está sometida Umay por el esfuerzo de iniciar una nueva vida, y los reproches y desaires de los de su sangre, con los que ella se ve incapaz de cortar. Porque lo cierto es que existe un afecto mutuo, pero pesan más las consideraciones sociales y de tradición, frente al amor que obliga a ocuparse de los demás, actúen o no acertadamente. Aunque domina un toque fatalista, la cineasta sabe apuntar a la idea del perdón amoroso como la única capaz de restañar heridas dolorosas. En La extraña (Die Fremde) -premio Lux en 2010- vemos personajes de carne y hueso, que sufren en su búsqueda de la felicidad, y que son prisioneros de sus contradicciones. Entre los actores destaca la protagonista, Sibel Kekilli, que conjuga en su rostro el miedo y el temor, con la convicción que desearía asentar de que todo va a salir bien, porque ella sólo busca ser feliz sin hacer daño a nadie.

6/10
Vals con Bashir

2008 | Vals Im Bashir

Ari Folman está una noche en un bar con un amigo que le cuenta una pesadilla que le asalta cíclicamente, en que le persigue una jauría de 26 perros rabiosos. Ambos lo relacionan con la época en que estaban en el ejército israelí a principios de los 80, en la guerra contra el Líbano. Curiosamente Folman detecta que ha olvidado la mayor parte de su experiencia bélica, como si hubiera activado un mecanismo de bloqueo de sus recuerdos. De modo que habla con distintas personas con las que compartió los sucesos de esa época. Esta película contra el sinsentido de la guerra del cineasta israelí Ari Folman, se ha beneficiado de dos circunstancias que la hacen única... hasta cierto punto. Es el primer título de animación –o al menos el primero de entidad, aunque Persépolis iba en esa misma dirección– que adapta las técnicas del cine documental al género, en una reivindicación de la memoria histórica; y en tiempos en que no se ha olvidado la reciente escalada militar de Israel en Gaza, resulta toda una novedad una cinta de ese país, donde se admite que algo no se está haciendo bien, y que determinadas prácticas bélicas recuerdan a desgraciados hechos sufridos por el pueblo judío en la Alemania nazi... aunque a la hora de “vender” el film localmente se echan balones fuera, culpando de determinadas matanzas en el Líbano a las milicias cristianas, siendo los israelíes testigos pasivos, e incluso impidiendo que la cosa crezca todavía más de grado. De modo que el film ha gozado de una buenísima acogida más por lo que entrega y el modo y el momento en que lo hace, que por el resultado final en sí, algo cansino, con declaraciones de nueve personajes no muy diferentes de las que veríamos en cualquier documental. La animación, de acertados colores y trazos que recuerdan a los cómics de Hugo Pratt, el creador de Corto Maltés, combina técnicas de flash, animación clásica y 3D, y el aspecto final de las imágenes encaja bien con el buscado tono documental. A la vez, permite incluir escenas oníricas, o de las acciones de guerra, que no podrían tener presencia en un documental convencional. La más destacable es la del "vals" que da título al film, un soldado israelí repeliendo el ataque de invisibles francotiradores.

5/10

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