Michael Gambon

1969. A la antigua superestrella Judy Garland la expulsan del hotel en que se aloja junto a sus dos hijos menores, Lorna y Joey, por no haber podido afrontar los pagos. Después de que su ex marido, Sidney Luft, le quite a los dos pequeños, acepta dar una serie de conciertos en Londres, donde aún ostenta el rango de mito, como primer paso para recuperar su vida. Allí encontrará inesperadamente el amor. Rupert Goold debutó en la dirección con la interesante Una historia real, sobre la auténtica relación entre un periodista y un asesino convicto. Ahora afronta otro capítulo de la vida real en su segundo trabajo como realizador, un biopic que en la línea de otros títulos recientes no trata de abarcar toda la vida del personaje, sino que se centra en un momento concreto, en concreto aquí se abordan los últimos días de Judy Garland. Adapta la obra teatral de Peter Quilter, traducida como “Más allá del Arcoiris” en España, donde estuvo protagonizada por Natalia Dicenta. Se han añadido numerosos elementos, sobre todo unos interesantes flashbacks con la artista en la época en que rodó El mago de Oz. Vender su alma al productor Louis B. Mayer, el león de la Metro, a cambio de protagonizar el musical más famoso de todos los tiempos, explicaría las adicciones y problemas psicológicos de la estrella. Se suma a otras cintas sobre el lado oscuro de la fama. Capaz de deslumbrar con su talento al público, éste sin embargo no tiene piedad para abuchearla, o incluso arrojarle objetos, si tiene un mal día. Así que se muestra a una Judy Garland vulnerable, que pese al cariño que tiene a sus hijos, no puede mantenerlos a su lado por su estilo de vida –nunca se le ha permitido comportarse como una persona normal–, por su dependencia del alcohol y las pastillas, y por estar en un mal momento profesional. Pero lo mejor de la cinta estriba en la interpretación de Renée Zellweger, que acierta al no mimetizarse del todo, mediante maquillaje protésico, para convertirse en un clon de su personaje, al estilo de Gary Oldman, como Winston Churchill en El instante más oscuro, y otros. Pero canta “Somewhere Over the Rainbow” y el resto de canciones y realiza un trabajo excelente en escenas de gran intensidad dramática, como cuando escucha por teléfono que su hija quiere quedarse con su padre, o su primera salida desmotivada al escenario, cuando de repente aparece la energía que la solía caracterizar. Parece que sabe lo que siente su personaje, una estrella en decadencia, pues ella misma ya no tiene el tirón de los tiempos de El diario de Bridget Jones, los medios sólo parecen hablar de su decadencia física. Quizás algún componente del reparto resulte discutible, como la adolescente Darci Shaw, que encarna a la protagonista en su juventud, pero en general Zellweger cuenta con el respaldo de sólidos compañeros como el gran Michael Gambon, como dueño de un night club, o Rufus Sewell, el ex marido, pintado con humanidad, cuando podría haber sido el malo de la película. La pareja de fans homosexuales, está bien interpretada por Andy Nyman y Daniel Cerqueira, pero parecen un guiño metido con calzador al público LGTB –que tiene a Garland como su estandarte–.

Minuciosa reconstrucción de los pormenores de un auténtico robo, perpetrado en Londres durante la Semana Santa de 2015, el objetivo eran las cámaras acorazadas de Hatton Garden, que albergaban diamantes, joyas, dinero y otros objetos preciosos. La particularidad principal de los cinco componentes de la banda de ladrones era su edad, se trataba de ancianos, su edad se movía en una horquilla entre 60 y 77 años, de hecho uno de ellos se desplazó al lugar del crimen en autobús, utilizando su abono de jubilado. Sólo uno de los asaltantes era joven. La película dirigida por James Marsh decepciona un tanto, sobre si tenemos en cuenta que hablamos del responsable de La teoría del todo. Aquí, a pesar de que el subgénero de robos perfectos resulta agradecido, y de que cuenta con un reparto de actores veteranos que da gloria verlos –Michael Caine, Jim Broadbent, Ray Winstone, Tom Courtenay, Michael Gambon– más el contrapunto juvenil de Charlie Cox, domina un punto de sosería. Y eso que se intenta ahondar un poco en lo personal de alguno de ellos, partiendo de sus diferencias, la viudedad que hace echar de menos a la esposa muerta, el choque generacional, o una suerte de relación paternofilial. Son elementos que podían haber dado juego, pero que apenas dan para intercambios dialógicos en que los intérpretes se esfuerzan en dar lo mejor de sí. Está claro que la opción escogida es la de dar todo el protagonismo a los ladrones, por lo que las averiguaciones policiales se entregan de un modo minimalista y sin palabras, son las imágenes las que hablan acerca de cómo los pasos en falso del asalto son detectados. El modo de hacer esto es hábil, pero el precio que paga es la frialdad, que contribuye a la falta de emociones genuinas.

Más grande, más espectacular, con efectos especiales aún más elaborados, no significa necesariamente mejor. En 2014 Matthew Vaughn aportó con Kingsman: Servicio secreto un poco de frescura al subgénero de las películas de espías estilo James Bond adaptando un cómic de Mark Millar y Dave Gibbons, con agencia secreta privada dedicada a salvar el mundo. La tapadera de la sastrería de trajes a medida Kingsman, una relación mentor-discípulo representada por un veterano agente y el recién llegado, hijo de un agente muerto en acto de servicio, y el tono iconoclasta y gamberro funcionaban razonablemente. Ahora se intenta repetir la jugada, y el resultado es, decididamente, menos brillante. La idea es jugar con Poopy (Julianne Moore), una maníaca lideresa de un cártel del narcotráfico, el Círculo de Oro, que tiene sus horteras cuarteles generales en la más recóndito de la selva camboyana, y ha ideado un maléfico plan para hacer legal su negocio, con un chantaje que podría acabar con la vida de millones de personas. El joven Eggsy (Taron Egerton), que sigue su noviazgo con la princesa sueca Tilde (Hanna Alström) y usa el alias Galahad de su antiguo mentor (Colin Firth), va a ser testigo de cómo su agencia es destruida casi al completo. Lo que le obliga a contactar, ayudado por Merlin (Mark Strong), con sus "primos" americanos de Kentucky, Statesman, otra agencia que usa como tapadera una destileria de whisky. Todos sumarán esfuerzos para afrontar la amenaza planteada por Poppy. El film arranca con una escena espectacular de persecución automovilística y pelea en el interior de un coche, que supone un verdadero alarde técnico. Pero éste es viene a ser el principal problema del film, la acumulación de escenas de acción brilantes, pero que acaban resultando cansinas, se trata de un barroquismo apabullante, que incluye perros-robots, látigos eléctricos, guantánamos de drogatas, brazos de cyborg... También hay un exceso de actores desaprovechados en roles de limitado interés, Channing Tatum, Halle Berry o Jeff Bridges, por citar a tres. Aunque en este sentido se lleva la palma Elton John interpretándose a sí mismo: la broma de un cameo habría podido pasar, pero su reiterada presencia no resulta muy divertida. Por otro lado, como el humor negro o las situaciones picantes dejan de ser una sorpresa, la escena de la hamburguesa, o la "delicada" misión de implantar un micrófono a una chica despampanante, parecen concebidas para plegarse al guión, introducidas por tanto sin demasiada habilidad o gracia. Entiéndase bien, la película es entretenida, y da más o menos lo que promete, pero sabe un poco a decepción, falta capacidad de riesgo, y desde luego arremeter contra el presidente de Estados Unidos a estas alturas no parece precisamente un acto de coraje.

1887. En Inglaterra se celebran las fiestas con motivo del cincuenta aniversario de la coronación de la reina de Victoria. Dos súbditos venidos de la India serán encargados de ofrecer un presente a la reina. A ésta le caerá en gracia uno de ellos, el joven y apuesto Abul Karim, un indio musulmán, optimista y bondadoso, que pronto se convertirá en su amigo y confidente, ante la desaprobación de la corte. Una historia sumamente adecuada para ser plasmada en pantalla por el británico Stephen Frears, debido al costumbrismo que desprende, y al respetuoso y a la vez realista y fresco retrato de la anquilosadas costumbres de la monarquía de Inglaterra, algo que ya ofreció con genialidad en La reina. Sabe mostrar así la aburrida y cuadriculada vida de una reina ya casi anciana, que ha de presidir todo tipo de eventos protocolarios con el espíritu de quien se siente sola, llevada de aquí a allá, esclavizada por su cargo y sus deberes, perdidos ya todos los alicientes políticos y sentimentales que podrían aliviar el tedio de sus obligaciones. Abdul será quien durante los últimos años de su vida le abra la puerta a la ilusión, a la naturalidad, quien ampliará su vista más allá de los ceremoniosos actos oficiales. Valiéndose del libro Shrabani Basu como material de apoyo, Frears logra una película emotiva y agradable, inspirada en hechos reales. El guión de Lee Hall (Billy Elliot) se muestra especialmente lúcido en algunos pasajes encaminados a perfilar los caracteres que ya quedarán definidos para el resto del film: la reina, Abdul, Mohammed, el secretario Sir Henry Ponsonby, etc. El inicio es modélico en este aspecto, además de incluir gags servidos por el director con sabio humor británico. Por el contrario, también se observa en el conjunto poca evolución argumental: una vez mostrada la unión especial entre la reina y Abdul (reducida a una especie de amor a primera vista, más que desarrollada en profundidad), y su no aprobación por los funcionarios de la corte (su hijo, su secretario y su médico, en primer lugar), la película se vuelve algo banal e insulsa, sin situaciones memorables. Correctamente rodada y ambientada, lo mejor de La reina Victoria y Abdul es sin lugar a dudas la composición de Judi Dench, que trabaja para Frears por cuarta vez en su carrera. No es la primera vez que se mete en el papel de la célebre monarca decimonónica, pues ya ofreció otra cautivadora interpretación de la reina en Su majestad Mrs. Brown, película de John Madden por la que fue nominada al Oscar. Aquí desde luego vuelve a ser dueña y señora del film, con escenas impresionantes –la confidencia de su soledad, la apología personal frente a sus tres estrechos colaboradores, sus palabras en el lecho de muerte– que confirman una vez más su talento y bien podrían ser merecedoras del Oscar.

Película que relata los últimos días de la India como colona británica, que le tocó tutelar a Lord Mountbatten. Lo que debía ser una fiesta de la independencia, resultó mucho más complicado y traumático, pues la convivencia pacífica de hindúes, sijs y musulmanes en una sola nación no era considerada como posible por todos. Gandhi deseaba la unidad, pero Neruh por parte de los hindúes, y Jinnah de los musulmanes, tenían otro punto de vista, y los que manejaban los hilos de la alta política lo hicieron según sus propios intereses, con la consecuencia de la partición y la independencia de India y Pakistán, y el consiguiente daño para millones de personas, que encontraron la muerte o sufrieron desplazamientos forzosos, en regiones como Punjab y Bengala. Podía ser una poderosa cinta histórica, que diera a conocer la trastienda de un proceso que no fue todo lo limpio que sería de desear, y que a la vez pintara conflictos personales concretos y emotivos, pues la directora Gurinder Chadha, británica cosmopolita de origen indio, desciende de una familia que sufrió el problema de la partición en carne propia. Sin embargo la película, escrita con su marido Paul Mayeda Berges, como es habitual, está lejos de nivel de otros de sus trabajos, como Quiero ser como Beckham y Bodas y prejuicios. Quizá les queda grande, el complejo lienzo se les escapa, y la letra pequeña podía ser más emotiva. Pues a pesar de algunos retazos aislados más o menos conseguidos –el drama de Mountbatten y familia, que se descubren utilizados–, falta un hervor, sobre todo en la historia de amor imposible entre hindú y musulmana, con padre ciego y prometido que vuelve de la guerra, donde ha luchado con los ingleses. De todos modos, es un film correcto, bien ambientado, que al menos estimula el conocimiento de la historia. Cuenta con un buen reparto, tanto de rostros occidentales (los televisivos Hugh Bonneville de Downton Abbey y Gillian Anderson de Expediente X) e indios (como el fallecido poco después de rodar el film Om Puri).

Las aventuras y desventuras de la familia March –los padres y cuatro hermanas– en la época de la guerra civil americana. Adaptación en forma de miniserie de la clásica novela de Louisa May Alcott, que ya ha contado con varias versiones de notable calidad. Ésta, coproducida por Estados Unidos y Reino Unido, mantiene el nivel y cuenta entre el reparto con veteranos de la calidad de Angela Lansbury o Michael Gambon.

El idílico pueblo de Pagford, en la campiña británica, no lo es. E importante botón de muestra son las disputas parroquiales en torno a un centro social ubicado en una vieja casa señorial: los más potentados quieren cerrarlo y convertirlo en un spa; pero los que tienen más conciencia comunitaria, encabezados por el concejal Barry Fairbrother, no están de acuerdo, piensan que es importante atender a los más desfavorecidos. La voz de Barry tiene mucho peso en la comunidad, pero su muerte repentina de un infarto propicia una lucha de ambos bandos por lograr que le reemplace alguien de la propia cuerda. Este miniserie, coproducida por BBC y HBO, adapta muy pulcramente la novela homónima de J.K. Rowling, a quien se le notan en exceso las ganas de quitarse por un rato la etiqueta de " creadora de los libros juveniles de Harry Potter". Porque seguramente el mayor defecto estriba en la búsqueda a toda costa de la categoría de "obra adulta", lo que se traduce en una división bastante simplista entre pobres y ricos, o adultos y jóvenes, o algunos pasajes un tanto escabrosos y poco "potterianos" por tanto. Los personajes no se hacen querer, y algunos rozan la caricatura, lo que al final es un lastre, no bastan la cuidada puesta en escena o las esmeradas interpretaciones.

Una serie de intriga creada por Simon Donald que da menos de lo que prometía su magnífica fotografía de los parajes helados de una remota isla noruega en el Ártico, con un centro de investigación científica. La gobernadora Hildur aspira a ponerla en el mapa del turismo con planes para construir un complejo hotelero. Pero un asesinato, el primero de la historia del lugar, de un científico, y el posible descubrimiento de restos paleontológicos de gran interés en el lugar donde debería ponerse el hotel  –un mamut para empezar, da la impresión–, pueden poner en peligro estos planes. A la historia de conspiraciones antes descrita, se suman elementos como la enfermedad que asalta al hijo de un matrimonio, donde el marido le es infiel a ella, se ha enredado con una camarera de origen español. A medida que la narración avanza se van conociendo las rarezas de carácter y complejos de variopintos personajes, con diversos secretos que ocultar, que no sorprenden al avispado y recién llegado inspector de Scotland Yard. Los británicos son muy apañados en sus series, y ésta tiene muy buena factura, y un reparto con veteranos de la talla de Michael Gambon y Stanley Tucci, éste con el personaje más apetitoso, por su punto de ironía y aires de sabelotodo. Pero el resto de los personajes están poco trabajados, por ejemplo la española Verónica Echegui no puede hacer gran cosa con el que le toca, bastante estereotipado.

Dustin Hoffman debuta como director en El cuarteto (Quartet), donde ha decidido no aparecer como actor. El tema que trata el film se diría que es toda una declaración de principios sobre el genio del artista que nunca muere, aunque envejezca, algo que en definitiva puede trasladarse a cualquier ser humano, independientemente de su dedicación profesional. No olvidemos que Dustin Hoffman ha hecho el film poco antes de cumplir los 75 años. Y el cineasta parece querer decirnos que hay que saber hacerse mayor, y aceptar las limitaciones propias de la edad, pero sin convertirse por propia voluntad en “muertos en vida”. Adaptación de una obra de teatro de Ronald Harwood, que se ha encargado también de escribir el guión, la historia de El cuarteto (Quartet) se sitúa en la Casa Beecham, una residencia que acoge a músicos ancianos. Allí siguen practicando su arte, la ópera o lo que se tercie, aunque la voz ya no sea la de antaño. Los residentes andan muy revolucionados por dos motivos: una gala para recaudar fondos para Beecham en el aniversario del nacimiento de Giusseppe Verdi, en la que actúan muchos de ellos, y la llegada de una nueva inquilina y diva de la ópera, Jena Horton, ex esposa de Reggy, que vive allí. La posibilidad de que con otros dos grandes profesionales ancianos, Wilfred y Cecily, formen un cuarteto para la gran gala se diría imposible, por la triste forma en que terminó el matrimonio de Jena y Reggy, y por los temores de ella a cantar en público a su edad. El cuarteto (Quartet) es una película pequeña y amable, un canto a la vida en cualquiera de sus etapas, drama con muchos toques de humor, y que también supone un reconocimiento al mundo de la lírica, y en general, a todos los artistas. Historia muy conveniente para Hoffman, que maneja bien en su condición de primerizo, sin intentar alardes innecesarios. El reparto es excepcional, están magníficos Maggie Smith y Tom Courtenay, el matrimonio que se rompió, el travieso y mujeriego Billy Connolly, y la ingenua y con señales de demencia senil Pauline Collins.

El apasionante mundo de las carreras de caballos. Los hipódromos y las cuadras son los principales escenarios de este drama en el que los engaños, las traiciones y las trampas están a la orden del día. El dinero, el poder y la ambición mandan.De la mano de Dustin Hoffman (Rain Man, Kramer contra Kramer) y un gran elenco de secundarios de la talla de Nick Nolte (El príncipe de las mareas) y Dennis Farina (Snatch. Cerdos y diamantes), Luck es un producto HBO y, tal y como nos tienen acostumbrados, es impecable desde un punto de vista técnico. Las carreras de caballos son totalmente espectaculares, consiguen trasladar la emoción al espectador que se ve, igual que los personajes, animando a su caballo desde el sofá de su casa. La luz, el ritmo, el poderío de estos animales, hasta la música de la cabecera, hacen que sea imposible apartar la vista de la pantalla.Con Michael Mann (Enemigos públicos, Collateral) en la dirección del episodio piloto y David Milch (Deadwood) como creador de la historia, la serie va camino de convertirse en título de culto, si este pura sangre ganador no se desfonda y sigue cabalgando en su arriesgada apuesta de hacer atractivo lo que para la mayoría es desconocido, gracias a que está urdido de forma irresistible, entre luces y sombras.No obstante, las cifras en EE.UU. no han acompañado. Y es que si hay que poner una pega a la serie es que el primer episodio es narrativamente complejo. Aparecen muchos personajes y no están claras las relaciones entre ellos o sus intenciones. Hay que sumar además que el mundo de las carreras de caballos tiene bastantes aristas y en algunos puntos de la serie el espectador puede estar preguntándose ¿qué es lo que está ocurriendo? Sin embargo a pesar de estas dificultades, la serie va avanzando y desvelando secretos, detalles y sorpresas que hacen que las piezas del puzzle vayan encajando. Ayuda mucho un plantel de actores que lo borda. Hoffman es siempre una garantía y en su primer trabajo en la televisión -74 años le contemplan- demuestra que sigue siendo uno de los mejores actores de nuestro tiempo. Sus acompañantes, entre ellos un Nick Nolte casi irreconocible, refuerzan el apartado interpretativo de una serie que hará las delicias de los aficionados a las historias con enjundia.

Johnny Worricker es un veterano agente del MI5. Cuando su colega y jefe resulta muerto repentinamente, un archivo inexplicable hace su aparición y su contenido amenaza la estabilidad de toda la organización. Por casualidad, Johnny contacta además con una activista política llamada Nancy Pierpan, que resulta ser su vecina... No le quedará otra al agente que ocultar su identidad durante un tiempo e intentar averiguar la verdad sobre lo sucedido. Moderna película de espías adecuada a los nuevos tiempos. Producida por la BBC directamente para la televisión, sorprende la presencia de un reparto de mucho renombre, encabezado por Rachel Weisz y Bill Nighy. El guión es interesante y la trama resulta entretenida en todo momento. Planificada con elegancia, dirige y escribe David Hare, de cuyas manos salieron los guiones de Las horas o El lector, entre otros.

Un tipo solitario camina por una carretera. A ambos lados se divisa un interminable paisaje, desolado, polvoriento. El mundo, tal y como lo conocemos, ha desaparecido. No hay nada, ni siquiera lo más necesario, y el agua y el alimento escasean. Todo desprende una luz cegadora, blanquecina, y el mundo parece no tener más color que el de la caliza. Pero la carretera es peligrosa y el viajero pronto se ve asaltado por unos bandidos. Mala suerte... para los bandidos. El misterioso caminante se muestra como un luchador implacable, mortífero con su enorme y afilado machete en la mano. El hombre sigue su camino hacia el oeste, impertérrito; por las noches se detiene, lee un rato de un libro que lleva consigo, un libro antiguo de pastas de piel, y luego duerme. Al despertar reemprende la marcha, siempre hacia el oeste. Un día entra en un pueblo de paso y se dirige al bar para beber agua. El lugar es regentado por un tal Carnegie, cacique insensible que domina el pueblo y lleva años buscando un libro muy especial. Carnegie sabe que con las palabras de la Biblia tendrá poder para someter a las personas. Muy pronto se dará cuenta de que el libro que busca está en poder del forastero... Lo primero que llama la atención de esta película es la cantidad de puntos en común con The Road (La carretera). Al igual que en la magnífica pelicula de John Hillcoat, también aquí un cataclismo ha hecho cenizas el planeta, el sol cegador ha quemado la vida sobre la tierra; el protagonista también se dirige incansable hacia una dirección, en este caso el oeste; la hostilidad entre las personas reina por doquier, nadie se fía de nadie; hay canibalismo, etc. Sin embargo, es sobre todo en la ambientación y en la puesta en escena en donde El libro de Eli parece deudor de la obra de Cormac McCarthy, en esa agresividad del entorno que aporta la fotografía de Don Burgess y que hace que el mundo sea irrespirable y que la esperanza sea el bien más anhelado. En El libro de Eli el argumento se despliega como si de un western se tratara, un western futurista, claro, pero que responde a la perfección a algunos parámetros del género (el solitario sin hogar, viajero incansable, el pueblo receloso, el sheriff-jefe sin escrúpulos, la chica, la persecución...), el cual se mezcla luego con la acción trepidante y la temática post apocalíptica con temas de fondo que invitan a la reflexión. Esta amalgama no siempre funciona del todo, a veces desconcierta, y también hay momentos en que el ritmo se precipita demasiado o se ralentiza sin motivo, al igual que se insertan escenas un poquito tramposas. De todas formas, el resultado es satisfactorio y más que entretenido. Y desde luego se trata de uno de esos filmes que, con planteamiento simple, sugieren muchas cosas. Llama mucho la atención el audaz guión del debutante Gary Whitta, porque no es normal encontrar en un film de estas características un planteamiento tan directamente religioso, decididamente cristiano aun con sus generalidades. Por eso puede comprenderse la película como una parábola con un evidente significado más allá de la pura acción. El film deja caer que el desastre fue provocado por fanatismos religiosos, y que esa corrupción siempre será un peligro, pero a la vez remacha con decisión la presencia de Dios entre los hombres, la realidad del pecado (“he dedicado tanto tiempo y esfuerzo en cuidar y conservar este libro que he olvidado vivir según sus reglas”, dice el protagonista) y afirma rotundamente el poder de la fe para superar todos los obstáculos y devolver la libertad y la esperanza a la humanidad. Los hermanos, Albert Hughes y Allen Hughes, responsables de filmes como Desde el infierno o Dinero para quemar, logran un producto más que digno gracias también a la poderosa presencia de Denzel Washington, quien está formidable en el papel protagonista (para el que aprendió expresamente artes marciales), y a su oponente Gary Oldman, en uno de esos papeles de psicópata violento (El profesional (León), Homicidio en primer grado) que tanto domina.

Década de los 30 del pasado siglo. Reina en Inglaterra Jorge V, y soplan aires de guerra. Su segundo hijo, Albert, padece una pronunciada tartamudez desde que era niño. Los muchos expertos que han tratado de ayudarle con su problema han fracasado. Lo que no tendría demasiada importancia, de no ser por la muerte de su padre y lo poco adecuado que es David, el heredero, para asumir la función de monarca. Los avatares del destino le obligan a llevar la corona... y sus súbditos, en tiempos difíciles, necesitan oír la voz del rey. Un heterodoxo logopeda, el australiano Lionel Logue, podría ser la solución a tan reales dificultades. Formidable película dirigida por el británico Tom Hooper, que tiene a sus espaldas un magnífico currículum de películas y series televisivas basadas en personajes auténticos, ya sean regios (Elizabeth I), presidenciales (John Adams) o futboleros (The Damned United). Tiene a su disposición un guión de lujo firmado por un sorprendente David Seidler, quien hasta ahora sólo había descollado, y eso muy relativamente, con libretos de películas animadas (El rey y yo, La espada mágica. En busca de Camelot), y con uno escrito para Francis Ford Coppola, el de Tucker, un hombre y su sueño. Los hermanos Weinstein, productores, vuelven por la puerta grande a la lucha por los Oscar, y desde luego el conjunto del reparto de este film es de los mejores que se han visto en los últimos tiempos. Los personajes son magníficos y los actores que los representan les sacan todo su jugo, está increíble, sensacional, Colin Firth, pero también Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Guy Pearce, Timothy Spall, Derek Jacobi, Michael Gambon, Jennifer Ehle, Anthony Andrews... Una trama basada en la relación profesor-alumno, por así decir, es algo muy visto. Caer en el tópico es muy, pero que muy fácil. Porque hay elementos que inevitablemente se repiten, ya sea el choque de caracteres, la no comprensión de lo que el profesor pretende, el no-respeto por las capacidades del alumno, etcétera. Pero Seidler y Hooper se las arreglan para sortear una y otra vez estas dificultades ascendiendo a cotas de brillantez excepcionales. Un elemento de originalidad lo introduce, obviamente, el hecho de que uno pertenezca a la realeza y el otro sea un plebeyo, y que éste, para aplicar con éxito su método, exija una relación de igualdad, e incluso de amistad. Pero la razón de que esta película sea casi un milagro no estriba sólo en eso, pues hay mil y un detalles, perfectamente cuidados, que contribuyen a reforzar lo que se cuenta. Así, podemos entender de dónde viene la inseguridad de Albert y la confianza de Lionel, aprendemos a conocer y contrastar los respectivos entornos familiares y sus distintas responsabilidades. Y hay escenas redondísimas, que producen emociones genuinas: no quisiéramos hacer el listado de las mismas, pero vale la pena destacar la de la primera consulta de Albert, la que tiene lugar en Westminster cuando ensayan la coronación y, por supuesto, la del climático discurso tras la declaración de guerra. Es muy inteligente la partitura musical, tanto los temas originales de Alexandre Desplat, como el uso de música clásica, Beethoven y su séptima sinfonía en un momento clave. Y la fotografía, con lentes cortas, y el recurso a picados y contrapicados, resulta muy apropiada para resaltar la soledad de la función real, aunque, paradójicamente, uno se encuentre en buena compañía.

Sexta entrega de las aventuras del famoso mago, y segunda dirigida por David Yates, responsable de Harry Potter y la Orden del Fénix, que además fue el artífice de la excelente serie televisiva La sombra del poder (2003). Curiosamente ha recuperado al guionista Steve Kloves, que se encargó de la adaptación de las cuatro primeras, es decir de todas menos de la anterior. Su tarea no era nada fácil, ya que estamos ante una novela extensa y compleja. Esta vez Harry Potter ayuda a Dumbledore, el director de Hogwarts a reclutar al profesor de pociones Horace Slughorn, que aunque está retirado, al ver al chico acepta, por su fama y su enorme potencial para la magia. Dumbledore pretende también que Harry le sonsaque a Slughorn sobre su participación en un oscuro hecho del pasado. El profesor Slughorn entrega a Harry Potter un viejo libro de magia que una vez perteneció a alguien llamado el Príncipe Mestizo, y que será muy útil para el joven mago. Mientras tanto, Draco Malfoy ha recibido instrucciones para llevar a cabo una misteriosa y malvada misión, bajo la protección del profesor Severus Snape. Harry Potter y el misterio del príncipe cuenta con todos los ingredientes mágicos que hicieron funcionar a las anteriores entregas: un gran presupuesto que permite reconstruir con todo lujo de detalles el universo de J.K. Rowling, un director bastante competente, convincentes efectos especiales y un nutrido plantel de actores de primera. Esta vez, se incorpora Jim Broadbent, que logra una sentida interpretación del atormentado Horace Slughorn. Destaca también el trabajo de los chicos protagonistas, que conocen al dedillo a sus personajes. Se luce especialmente Rupert Grint, pues esta vez Ron Weasley tiene mucho papel. Todo esto bastará para contentar a un amplio sector del público, pues es cierto que estamos ante una producción de cierta calidad. Sin embargo, Harry Potter y el misterio del príncipe está muy lejos del nivel de otros títulos de la saga, especialmente de Harry Potter y el prisionero de Azkaban, dirigida por Alfonso Cuarón, quizás la cinta más brillante hasta la fecha. Además, no se puede hablar de una buena adaptación literaria. David Yates no logra plasmar ni de lejos la tensión de la trágica novela, sobre todo por culpa de que el cineasta recurre en exceso al humor. Era difícil condensar la esencia de la obra original en las dos horas y media que suele durar cada film, lo que se agrava porque en las anteriores entregas ya se suprimieron detalles que luego cobraban gran importancia conforme se iban sucediendo las novelas. Se comete un grave error al hacer hincapié sobre todo en las relaciones adolescentes con el sexo opuesto. Ron se echa novia, para desesperación de Hermione, que se siente celosa al tiempo que intenta ocultar sus sentimientos. Mientras tanto, Harry se siente atraído por Ginny Weasley, la hermana de Ron. Todo esto proporciona en un primer momento varios gags divertidos, pero acaba agotando, y afectando gravemente al dramatismo de la cinta, que se convierte por momentos en una especie de culebrón juvenil estilo Sensación de vivir.

Adaptación a la pequeña pantalla de una de las obras más populares de Jane Austen, “Emma”, en esta ocasión en una suntuosa producción con el sello de la BBC. Fiel a la novela, cuenta la historia de la joven Emma Woodhouse. Hermosa, rica e inteligente, está convencida de que tiene un don especial para hacer de casamentera al conseguir un feliz matrimonio tanto para su hermana como para su institutriz. A pesar de que su entorno le asegura que ella no tiene nada que ver, Emma discrepa y entra en un peligroso juego junto a una amiga y su apuesto pretendiente, a los que también quiere encauzar por la senda del matrimonio.  Pero la realidad le hará ver que es tan difícil controlar los sentimientos ajenos como los propios. La miniserie de 4 capítulos nos traslada a una época llena de elegancia y exquisito gusto por los detalles, donde los personajes alternan entre el fino humor y el impulso romántico con la misma armonía que en un minueto de Mozart. El espíritu de la obra de la escritora inglesa es palpable en la delicada puesta en escena, que recrea una sociedad marcada por la diferencia de clases, desde el punto de vista de quienes viven rodeados de privilegios. Los actores dan la talla para encarnar a unos personajes con enjundia, especialmente Romola Garai (Expiación), una estupenda Emma,  y los secundarios Jonny Lee Miller (Cazadores de mentes) y Sir Michael Gambon (El discurso del rey).

“Retorno a Brideshead”, de Evelyn Waugh, es una de las obras maestras literarias del siglo XX. Su traslación a la pequeña pantalla, Retorno a Brideshead (1981) es una de las mejores series televisivas de todos los tiempos. Por ello hace falta cierto valor para abordar de nuevo material tan valioso. Julian Jarrold, el director de La joven Jane Austen, se atreve, con un guión de Andrew Davies y Jeremy Brock. Por desgracia, el resultado es bastante mediocre, y no cabe achacarlo sólo a los 133 minutos de metraje, que palidecen ante los 659 de que dispuso la serie de televisión. El film describe la toma de contacto de Charles Ryder, estudiante en Oxford, que desea ser pintor, con la familia Flyte. La cosa ocurre de modo casual, después de que Sebastian Flyte vomite en el alojamiento de Charles, suceso que les lleva a estrechar lazos. En una ocasión Sebastian lleva a Charles a su magnífica mansión en el campo, y éste queda fascinado, pese a que su amigo pone todo tipo de obstáculos para que no conozca a su familia. Existen diferencias, no sólo de clase social (Charles es un tipo normal, ellos son nobles y adinerados), sino de religión, pues los Flyte son católicos, y lady Marchmain, la madre, se toma los asuntos de fe muy en serio. En cualquier caso, Charles queda atrapado por la atmósfera encantadora que rodea al clan, pero hay muchas cosas que no entiende, además de producirse una colisión entre su amistad con Sebastian, y el atractivo que su hermana Julia ejerce sobre él. La nueva versión no atrapa nunca el espíritu de la novela de Waugh. Se puede entender el afán de simplificar, pero no el de vulgarizar. Y al final todo queda reducido a un elemental triángulo amoroso, cuyos vértices son Charles y los hermanos Sebastian y Julia. Sebastian sentiría una atracción homosexual por Charles, pero éste estaría más interesado en una relación con Julia, lo que va a producir la decepción y los celos del amigo. Esto se describe en las escenas del carnaval de Venecia, no demasiado inspiradas. La otra cuestión donde se yerra, es en el tratamiento de la religión, que pesa de modo trascendental en los personajes. Lo que en la historia original era un elemento esencial, incómodo a veces, quizá insoportable incluso, pero necesario, en el film se transforma en carga arrojada sobre los hombros de los hijos por una despiadada e integrista madre, presentada como poco menos que una arpía. Desaparece la idea de se trata de una historia que describe la acción de la gracia sobre unos personajes. Queda así reducida la fe a un elemento casi de superstición -todo el tratamiento del regreso de lord Marchmain a casa para morir allí, que lleva a absurdas promesas-, y hasta se escamotea la emocionante oración atea de Charles ante el moribundo. No, ciertamente Waugh es sometido a un triste ejercicio de reinterpretación, donde Charles sería el hombre que desea mirar a los nuevos tiempos, pero que queda atrapado por los últimos coletazos de un orden antiguo, destinado a desaparecer. Incluso lo que Waugh veía como mediocridad de los nuevos tiempos, simbolizada por la despreocupación y el atolondramiento del soldado Hooper, aquí se torna en esperanza ante una nueva generación que no estaría condicionada por la religión; el final de esa vela ardiendo ante la Virgen de la capilla, y que Charles opta por no apagar, puede ser más o menos ingenioso, pero se diría que habla de alguien que, magnánimo desde su posición de hombre ilustrado, deja un espacio para los crédulos, un simple guiño nostálgico a algo que ya es pasado. Quien no conozca la novela o la serie, tal vez disfrute con este film por su empaque, una historia de amor fatal. Pero lo cierto es que hay mucha torpeza narrativa y que le pesan sus referentes, algo que se nota en la decisión de emplear el mismo escenario para la casa de Brideshead, en el uso de un actor, Matthew Goode, que intenta evocar a Jeremy Irons, o en el intento de crear una partitura emotiva, cosa que ciertamente no se logra.

Martin Freeman es Gary, una estrella del pop en decadencia. Su nueva situación le hace plantearse la relación con su novia Dora (Gwyneth Paltrow). Harto de la vida que tiene en pareja, comienza a imaginarse cómo sería su relación perfecta, que personaliza en Anna (Penélope Cruz). Nueva película que reflexiona, aunque de manera no muy profunda, sobre la crisis de los adultos de mediana edad: ya no son tan jóvenes pero, desde luego, tampoco son unos abuelos. Como es habitual en los filmes de este tipo actuales, se da mucha importancia a las relaciones sentimentales y al sexo.

Han pasado cinco años desde que Harry Potter ingresó en el colegio Hogwarts de Magia y Hechicería, al que se accede desde el andén 9 y 3/4. Ya no es un niño, ni tampoco sus fieles amigos Hermione y Ron, y las aventuras y peligros con los que se tienen que enfrentar están más acorde con su mayor madurez. Después de la terrible aventura del pasado año, en la que Harry tuvo que enfrentarse al malvado Voldemort, la sorpresa del chico de la cicatriz es que a su vuelta nadie cree que “el que no debe ser nombrado” haya regresado al mundo de los magos para establecer su tiranía de terror. Por otra parte, el Ministro de Magia, temeroso de que el director de Hogwarts, Albus Dumbledore, le birle el puesto, nombra a una nueva profesora de Defensa contra las Artes Oscuras, Dolores Umbridge, que apenas enseña a defenderse a los alumnos. Al sentirse desvalido ante la inminente lucha, Harry comprende que tendrá que prepararse por su cuenta y decide fundar el llamado “Ejército de Dumbledore”. Tras la cuatro primeras entregas, un nuevo director –el inglés David Yates– toma el mando en la adaptación a la pantalla de esta quinta novela de J.K. Rowling. Además se despide el guionista Steve Kloves y debuta en la serie Michael Goldenberg, responsable de los libretos de Contact o Peter Pan. Yates ha seguido la estela de sus predecesores Mike Newell y Alfonso Cuarón, al imprimir un gran ritmo al film y dotarlo de una atmósfera muy oscura y tenebrosa. Destaca en este aspecto el espléndido y sobrecogedor comienzo en el parque despoblado y el posterior ataque de los dementores. Quizá pueden achacarse al guión algunos descuidos al dejar o sugerir cabos sueltos, y también que en torno al desenlace reine un poco la confusión respecto a la profecía y al papel que juegan algunos personajes. Por lo demás, es interesante comprobar las evoluciones en la vida de Harry: a la vez que nota que los años no pasan en balde y que se siente cada vez más atraído por la bella jovencita Cho Chang, descubrirá que en el amor no es oro todo lo que reluce. Y también se llevará una enorme sorpresa al descubrir ciertos aspectos desconocidos de la vida de su padre, en una original escena que arroja luz a la hora de comprender los modales del profesor Snape. Por otro lado, aunque Hermione y Ron tienen menos protagonismo en la aventura, su profunda amistad se revelará esencial para el mago de cicatriz. Y hay que elogiar a la actriz Imelda Staunton, que ofrece una fantástica, divertida y repelente composición de la profesora Umbridge.

El mundo de la Inglaterra victoriana nacido de la mano de la escritora Elizabeth Gaskell, sirve para ofrecer un amplio retrato costumbrista, no exento de crítica social, de los habitantes, cultura y modos de vida de una pequeña localidad, justo en el periodo en que la revolución industrial está cambiando el mundo. Aparte de la cuidada producción y de las logradas localizaciones, lo mejor es sin duda la presencia de actores y actrices de talento excepcional, como Judi Dench, Michael Gambon o Imelda Staunton.

Antaño había en Hollywood directores que eran maestros. También estaban los artesanos, que aportaban su indudable profesionalidad, para filmar cualquier historia. Se diría que John Moore ha inaugurado una nueva categoría: los clonadores. Tras revisitar en El vuelo del Fénix el clásico de Robert Aldrich, sin aportar apenas nada nuevo, vuelve a la carga con La profecía, de Richard Donner. No es exageración decir que el film es un calco del original, del que nadie debería hacer lecturas teológicas demasiado serias. Con el mismo guionista, David Seltzer, la idea es ofrecer sin rubor lo mismo, sólo que con mejores efectos especiales, y un sonido más inquietante, cara a las nuevas generaciones. Añadir copos de nieve a la escena del cementerio, o lluvia al encuentro en el puente, no parece el colmo de la originalidad. Por no hablar del prólogo y epílogo ‘vaticanos’, un cardenal explicando al Papa el cumplimiento de no se sabe qué profecía, y la agonía del Pontífice, algo grotescos. Sigue funcionando, claro está, la idea del Anticristo en forma de niño encantador, al que sus padres empiezan a temer. Y algunas escenas son ciertamente terroríficas, con un toque gore. Y el reparto funciona medianamente, aunque Liev Schreiber no es Gregory Peck, Mia Farrow parece tomarse su papel de niñera un poco en broma, y Pete Postlethwaite no cuadra como sacerdote iluminado.

Cine histórico de calidad, en la mejor tradición inglesa. Narra la titánica lucha conducida por William Wilberforce (1759-1833) en el Parlamento británico durante más de quince años, para lograr la abolición de la esclavitud. El film combina la narración en dos tiempos: la actualidad, que mostraría a un Wilberforce cansado, porque pese a las adhesiones logradas no ha alcanzado sus objetivos, y el pasado, en que se nos muestran sus primeras y juveniles escaramuzas oratorias en el parlamento, cuando sueña con su amigo William Pitt en cambiar las cosas en tantos órdenes, incluido el del tráfico de esclavos. Le sirve de inspiración John Newton, negrero arrepentido que lleva ahora una vida religiosa, y que compuso como acción de gracias el conocido himno que da título al film, "Amazing Grace", donde se dice aquello tan hermoso y tan evangélico de "Yo antes era ciego, y ahora veo". Michael Apted, que ya ha tratado antes historias auténticas –piénsese en Gorilas en la niebla– se pone completamente al servicio de ésta, poderosa, y sabe manejar bien el guión que le ofrece Steven Knight (Promesas del Este, Negocios ocultos). En efecto, funciona la narración en dos tiempos y están bien trenzados los sólidos mimbres de que se compone. Así se incide en el horror de la esclavitud; se muestran con tino las intrigas políticas y los duelos en la Cámara; se habla del dilema del protagonista entre una carrera política o una vida al servicio de Dios, donde tal vez puedan ser perfectamente conciliadas ambas posibilidades; y se entrega la historia romántica, que permite además algún leve desahogo de comedia. El reparto es excelente, aunque ciertamente los actores cuentan con unos sólidos personajes y sus relaciones interesan. Ioan Gruffudd demuestra que sabe hacer algo más que Los 4 fantásticos, y está rodeado de un magnífico elenco de secundarios: los veteranos Michael Gambon y Albert Finney, además de Toby Jones, Ciarán Hinds, Rufus Sewell, Youssou N'Dour, Benedict Cumberbatch, Romola Garai, cuyos rostros, si no también los nombres, sonarán seguramente al espectador avisado. Al igual que el título, esta película es una "asombrosa gracia", muy emotiva, perfecta para conmemorar el bicentenario de la esclavitud en Gran Bretaña.

Acercamiento a cómo nacieron y se consolidaron los servicios secretos estadounidenses, primero durante la Segunda Guerra Mundial, en forma de la OSS, y finalmente bajo el apelativo popular de “la Agencia”, o sea, la CIA. La narración pivota sobre Edward Wilson, un agente de aspecto gris y taciturno, pero muy bueno en su trabajo; y transcurre básicamente en dos tiempos: años 60, con la fracasada invasión de Cuba en Bahía de Cochinos; y prolegómenos de la guerra, cuando Wilson, miembro de una fraternidad y universitario idealista, recibe la propuesta de sumarse al incipiente servicio de inteligencia. Con una estructura de idas y venidas temporales compleja pero bien trabada, que se diría inspirada en El padrino II –¿habrá dado ideas el productor ejecutivo Francis Ford Coppola al guionista Eric Roth, y al director Robert De Niro, que intervino precisamente en ese film?–, se consigue transmitir una idea bastante cabal de las duplicidades que marcan la vida de los espías, cuyas consecuencias pagan, a un precio demasiado alto, sus familias, y por supuesto, ellos mismos. Gran parte del mérito de Roth y De Niro es que, a través de las andanzas de su protagonista, consiguen dar una visión del conjunto: en este caso se puede decir que las ramas no sólo no impiden ver el bosque, sino que ayudan a ello. Hay resonancias de gran tragedia en el destino fatal que aguarda a Wilson, con una vida marcada por el suicidio paterno, y cuyos sentimientos, siempre guardados para sí mismo, le han conducido a sacrificar lo que le dictaba el amor, y a hacer daño a sus seres queridos. En ese sentido el modelo ‘padrinesco’ de soledad en la inmoralidad ha sido perfectamente asimilado –Matt Damon parece tomar como referencia de su difícil y frío personaje al Michael Corleone de Al Pacino–, pero sin caer en mimetismos evidentes que le hagan perder fuelle. Incluso la escena de montaje paralelo en que la identidad de un ‘topo’ es puesta al descubierto, homenaje evidente a la saga de Coppola, está tratada con originalidad, pues se trata de planos, no sólo separados espacialmente, sino también temporalmente. Se nota que De Niro es actor, y además un gran actor. Curiosamente, muestra una virtud que bien podría haberse aplicado a sí mismo en los filmes de su última etapa actoral: controla a sus intérpretes para que entreguen unas actuaciones muy contenidas y realistas, sin lugar para el histrionismo. Y así, a un reparto maravilloso, perfectamente escogido, donde conviven los actores conocidos (Damon, Angelina Jolie, Alec Baldwin, el propio De Niro…) con los repescados (Joe Pesci, Timothy Hutton, William Hurt, Keir Dullea, John Turturro…), los que prometen y uno nunca acaba de saber cómo se llaman (Billy Crudup, Martina Gedeck...) y los ‘descubrimientos’ (Oleg Stefan, John Sessions...).

Colección de cortos, reunidos por el débil nexo de su condición de historias de almas perdidas, protagonizados por actores de más o menos campanillas. Como suele ocurrir en este tipo de elencos, algunas interesan más que otras. Quizá la más graciosa es la del supermercado, que dirige e interpreta haciendo de sí misma Illeana Douglas. Muy retorcidilla es la de Cate Blanchett, y un aire surrealista a lo Marc Caro de Delicatessen presenta la que coprotagoniza Josh Hartnett. Un aire de broma tienen las historias con James Gandolfini, Paul Bettany y Hugh Jackman. Y cierta elaboración presenta la que acontece en Nochevieja, con la presencia de Keira Knightley.

Harry Potter asiste con sus amigos al Campeonato Mundial de Quidditch, donde aparecen los mortífagos, crueles seguidores de Lord Voldemort, que proyectan en el cielo la marca de su señor. Poco después, los chicos vuelven a Hogwarts, donde empieza el curso académico. Y el profesor Dumbledore anuncia una novedad: este año Hogwarts es el escenario elegido para el Torneo de los Tres Magos, una competición tradicional entre hechiceros. Con ayuda de un oficial del ministerio de Magia, Dumbledore pone en marcha un curioso objeto, el cáliz de fuego, que elige tres estudiantes (uno de Hogwarts y los restantes de otras escuelas de magia) para participar en una sucesión de pruebas. Curiosamente, escoge a Harry Potter, a pesar de que tiene sólo catorce años y se supone que los participantes deben tener diecisiete. Las pruebas consisten en eludir a un dragón que escupe fuego, sumergirse en un lago para rescatar a un ser querido y entrar en un misterioso laberinto. Pero Harry se enfrenta a una prueba que para él será aún más difícil: pedir a Cho Chang, una encantadora estudiante que le hace ‘tilín’, que sea su pareja en el baile de Navidad. La cuarta entrega del mago más famoso del mundo, con permiso de Tamariz, suponía un reto sin precedentes. Por un lado, el listón estaba muy alto, y aunque Mike Newell, director de Cuatro bodas y un  funeral, ha demostrado ser un correcto artesano, parecía menos indicado para este proyecto que sus predecesores, el director de Solo en casa y el de La princesita. La novela de J.K. Rowling no sólo está considerada de los mejores, sino que es una de los más cruciales. Y su argumento es tan complejo, que se suponía una enorme dificultad condensarlo en un film de unas dos horas y media. De hecho, Newell barajó dividir la historia en dos películas distintas, aunque esta idea se desechó, porque chocaba con la intención inicial de los productores de rodar una película por libro. Tan oscura como la entrega anterior, trata sobre el fin de la inocencia de los personajes, su iniciación amorosa y las inseguridades propias de esta etapa. También gira en torno a la superación personal y el mantenimiento de la amistad por encima de las adversidades. El desarrollo de la trama sorprenderá a quienes no hayan leído el libro, pero el punto fuerte son las espectaculares recreaciones de escenarios y criaturas, y sobre todo, las vistosas secuencias de acción, como el impagable partido de quidditch.

Un tipo sin nombre (Daniel Craig), con aspecto de hombre de negocios en algún área anodina, se dedica realmente al tráfico de estupefacientes, actividad que le ha generado pingües beneficios. Cree que, ahora que está a tiempo, es el momento de desaparecer sin hacer ruido: debe cortar lazos con todos sus contactos sin previo aviso, largarse a algún país exótico, y gozar de su fortuna para el resto de sus días… Pero las cosas no son tan sencillas. Su jefe, ignorante de estos planes, le hace antes dos encarguitos, con idea de promocionarle: localizar a la hija drogadicta de otro criminal, y arreglar una compra de éxtasis. Y las cosas se van a enredar, y mucho, cuando delincuentes de todos los colores, incluido un señor de la guerra serbio, se enfrenten en un violento juego hiperviolento de consecuencias imprevisibles. Matthew Vaughn, productor de Lock & Stock y Snatch. Cerdos y diamantes, debuta en la dirección con un thriller que se mueve en las mismas coordenadas: negocios turbios, abundante violencia, lealtades traicionadas, coincidencias fatales, diálogos más o menos ingeniosos, salpicados de expresiones procaces. De hecho, la idea era que dirigiera Guy Ritchie, quien declinó el ofrecimiento. Escrito por J.J. Connolly, a partir de su novela, el autor simplificó y suprimió personajes para centrarse en el tipo encarnado por Craig. De éste dice Connolly: "Interpretó el papel casi como un personaje sacado de un film de Clint Eastwood. Sin nombre, sin antecedentes, sin pista alguna, sin indicio alguno acerca de su procedencia, y esto exige gran arrojo." "Me pareció", afirma Daniel Craig, "que era un hombre muy normal haciendo un trabajo muy poco común. La vieja idea que se tenía de la forma en que los delincuentes y los comerciantes de drogas hacen negocios ya no es la que era; hacen negocios como se hacen los negocios; tienen el mismo aspecto que los agentes de bolsa, hablan igual. Comercian con cocaína por pura casualidad y, según mi personaje, no es peor que vender acciones y valores en el centro financiero de Londres."

Harry Potter crece. La saga del niño mago también. Estrena nuevo director, el mexicano Alfonso Cuarón (Chris Columbus quedó agotado con las dos primeras entregas), aunque manteniendo al guionista Steve Kloves, y contando con el necesario "placet" de J.K. Rowling, la madre de la criatura. Tercer curso en Hogwarts. La incorporación de Harry, Hermione y compañía trae consigo una novedad. Ha escapado de prisión Sirius Black, un poderoso mago relacionado con la muerte de los padres de Harry. Las medidas de seguridad en la escuela se han extremado, sobre todo con los dementores, siniestras criaturas policiales, capaces de introducirse en la cabeza del que tienen delante, y cuyos interrogatorios mentales Harry no soporta nada bien. Como puede verse, la imaginación de Rowling depara nuevas sorpresas, y sólo presentamos la punta del iceberg. Cuarón asume el mundo de Potter, utilizando lo mejor de su capacidad de cuentacuentos (recuérdese que dirigió La princesita), y evitando el error de pasarse de listo (su fallida adaptación contemporánea de Grandes esperanzas de Dickens); apunta lo justo la entrada en la adolescencia de Harry (la rabieta con sus tíos, que le lleva a hacer magia en el mundo de los "mugles", algo archiprohibido), y da un toque un pelín más oscuro a la saga. Los personajes más mimados son Harry y Hermione entre los niños, y el profesor Lupin (estupendo David Thewlis) entre los adultos. Donde el mexicano se gana un diez es en el capítulo visual. El autobús que recoge a Harry, el sortilegio de conjurar los miedos con un pensamiento ridículo, la clase sobre el hipogrifo, el viaje en el tiempo o los terroríficos dementores, resultan deslumbrantes. También hay asombrosas transformaciones (atención al hombre lobo, o las sorpresas que depara Scabbers, la rata de Ron), y hechizos que dan pie al humor, como aquel con que Harry castiga a la tía Marge, conviertiéndola en una auténtica mujer-globo. Concretamente Cuarón se esforzó en la creación de los dementores, según explica el productor, David Heyman: “Alfonso quería que los dementores tuviesen una cualidad completamente distinta de las restantes criaturas míticas de la historia. Comenzó el proceso de diseño experimentando con movimiento a cámara lenta. Y luego reprodujo el movimiento a cámara lenta al revés, como si los dementores fueran por delante de un personaje al entrar en una habitación, en lugar de seguirlo.” Y sí, dan miedo estas criaturas, que recuerdan un poco a los Jinetes Negros de El Señor de los Anillos.

Los buenos y los malos. El chico, la chica, la rival y el amigo. Y todos, dispuestos a salvar al mundo de cuantos villanos haga falta. Aventuras de toda la vida, vaya. Las típicas de los seriales, que se proyectaban en las animadas sesiones matinales de los sábados, destinadas a un público joven ávido de ser entrenido con imágenes en movimiento. Eso sí, las de este film están servidas con un ‘look’ diferente, y recurriendo a técnicas digitales usadas a una escala nunca abordada hasta la fecha. He aquí la original propuesta de Sky Captain y el mundo del mañana. El film arranca en un estilizado Nueva York, en el año 1939. Una seria amenaza se cierne sobre el mundo mundial: los científicos más prestigiosos del planeta están desapareciendo misteriosamente. A lo que poco después sigue una invasión de la Gran Manzana por parte de enormes robots, y extraños fenómenos climáticos. A la hora de enfrentarse al peligro, y desvelar el alcance de la conspiración, juega papel principal un prestigioso piloto de avión: Joseph H. Sullivan, más popularmente conocido como ‘Sky Captain’. Y éste no tiene más remedio que asociarse con un antiguo amor: la intrépida Polly Perkins, reportera del Chronicle, quien cree que tiene aquí el 'scoop' de su vida, si se pega a los talones de Sky. Porque ella tiene algo que interesa a su ex novio, y que podría conducirles hasta el misterioso Dr. Totenkopft; y si quiere su colaboración, le debe dejar estar junto a él. Como se ve, la trama se inscribe plenamente en el género de aventuras. Tenemos un ritmo trepidante, con un montón de situaciones límite, un enigma por aclarar, y unos personajes algo elementales, pero con diálogos ingeniosos, no exentos de humor. ¿El peligro de este esquema de juego? Que la parafernalia tecnológica que ha rodeado la producción del film saca al espectador un poquito de la historia. Ese mismo aspecto visual, de imágenes como desvaídas, parece que obligan al espectador a contemplar la historia un poco desde fuera. Estamos en un mundo de nebulosa, lejos de la realidad, pero tampoco completamente inmerso en la pura fantasía. Pero a cambio vemos tanto mimo en la composición de cada plano, que el resultado sólo puede ser descrito con un adjetivo: deslumbrante. Hay mucha cinefilia detrás de cada imagen, e influencias del cine negro, del expresionismo, del mundo del cómic, de las novelas conocidas como 'pulp fiction'… Los hermanos Kerry y Kevin Conran son tan forofos del mundo imaginario que han creado, que han plagado todo el film de detalles primorosos, como el zeppelín que atraca en el Empire State Building. Eso sí, se han obligado a no descuidar la historia. Como dice Kevin, “la gente puede quedarse impresionada por el solo hecho de que se haya realizado la película, pero no van a cambiar ese quedarse impresionados por entretenerse.” Algo muy sencillo da idea de lo convencidos que están los Conran de esta afirmación: aunque usan en cada fotograma el ordenador, han escogido una historia de aventuras que bien podían haber disfrutado nuestros abuelos, y los abuelos de nuestros abuelos. Y al fin y al cabo, ¿no está haciendo lo mismo Peter Jackson con su nueva versión de King Kong, o con su trilogía de El Señor de los Anillos?

Adaptación de una novela del británico Somerset Maughan, el film sigue a una actriz en la cumbre de su carrera. Bella y con talento, radiante en su madurez, Julia tiene un pacto no escrito con su esposo, empresario de teatro: en plan muy ‘british’, displicente y tolerante, cada uno hace lo que le viene en gana a la hora de mantener relaciones íntimas con otras personas. Pero la llegada de Tom, un joven admirador americano, va a alterar este orden de cosas. Julia, halagada por su cortejo, empieza a dar mucho qué hablar en los círculos de sociedad. Y un viejo amigo, que la aprecia, trata de hacerle ver, con delicadeza, que está siendo protagonista de una farsa, donde la vieja que tiene relaciones con el joven sólo puede ser objeto de las risas del público. Y en efecto, cuando entra en liza Sybil, una jovencita aspirante a actriz que querría actuar junto a Julia, Tom inicia con ella una aventura. Exploración del mundo del teatro, al estilo del clásico Eva al desnudo, donde un punto clave de sabiduría es ‘saber envejecer’. El film juega entre el paralelismo evidente entre lo que se representa en el escenario teatral y lo que es ‘el gran teatro del mundo’, la vida misma, en que cada persona interpreta un papel; y ahí, tantas veces, conviven una aparente sinceridad, a veces histérica, con el deseo de guardar las formas. El film, que dirige el húngaro István Szabó, cuenta con brillantes interpretaciones, sobre todo la de Annette Benning. Tiene buen ritmo, y si bien el derrotero de los dos primeros tercios del film resulta previsible, e insiste demasiado en las citas de alcoba, el quiebro que se produce hacia el final es de tal envergadura, que la historia se eleva a alturas insospechas. Nueva y magnífica mirada al mundo de la farándula, donde el humor no oculta las pequeñeces del corazón humano, cuando sigue la aguja del capricho momentáneo.

Miniserie sobre la vida del príncipe John de Inglaterra. El niño era epiléptico por lo que se le apartó de la vida pública y se le aisló en una casa de campo para que no "estorbara". Miranda Richardson fue nominada al Globo de Oro por su interpretación de la reina Mary.

Sylvia Plath y Ted Hughes. Ella americana, él inglés, ambos poetas. Se conocen en Cambridge en 1956 y tras un rápido flechazo, se casan. Tendrán dos hijos. Pero su apasionada relación no estará exenta de negros nubarrones. El duro y deprimente film, basado en personajes reales, toma inspiración de los poemas "Ariel" (de Sylvia) y "Cartas de cumpleaños" (de Ted). Y se esfuerza en describir una relación complicada, donde pesa el éxito de él y las dificultades de ella para escribir. La infidelidad, los celos y los trastornos mentales conducirán a un duro final. Meritorio trabajo interpretativo de Gwyneth Paltrow.

El joven abogado Joe, mormón, y su esposa Harper, son un matrimonio en crisis que no sabe cómo afrontar la situación, en parte, por las dudas que tiene él respecto a su condición sexual. Ella se consuela tomando Valium, lo que le provoca alucinaciones que le ayudan a escapar de la realidad. Mientras, Roy Cohn, un reputado abogado que lleva en secreto su homosexualidad, ofrece a Joe un puesto en su bufete. Por otro lado Prior y Louis son una pareja de homosexuales que llevan como pueden la enfermedad de sida de Prior, pero para Louis es tan inaguantable la situación que decide dejarle. En estas circunstancias, un ángel mensajero que se parece mucho a la enfermera de Prior baja del cielo para ofrecerle ser un profeta en la muerte. O tal vez sea una alucinación producto de su enfermedad. Miniserie dramática-fantástica de 6 capítulos, dirigida por Mike Nichols (A propósito de Henry) que se ambienta en los 80, con el auge de la conexión sida-homosexualidad, como inquietante problema en los ambientes gays. Adapta una obra teatral de Tony Kushner, quien luego escribió para Steven Spielberg los guiones de Munich y Lincoln. Producida por HBO con generoso presupuesto, y equipo artístico y técnico de lujo, resulta bastante hija de su época por sus planteamientos ideologizados, en su esfuerzo por autojustificar a los homosexuales enfermos de sida y de ajustar cuentas con la era Reagan, incluso fustigando a los gays republicanos, que serían unos hipócritas de tomo y lomo, frente a los que viven su condición sin complejos. Introduce el elemento religioso en clave de realismo mágico pasado de rosca e incluso irreverente, con una mirada profundamente pesimista, pues presenta a un Dios que ha abandonado a los hombres a su suerte. Llama la atención el auténtico terror que tienen los enfermos a la muerte, temen el vacío que va a seguir a unas vidas bastante vacías, pero que es lo único que tienen dentro de sus estrechísimos horizontes vitales. Cuenta con actores de la talla de Al Pacino, Patrick Wilson, Mary-Louise Parker, Emma Thompson, Jeffrey Wright o Meryl Streep, algunos incluso interpretando a varios personajes, jugando con el aire mágico con que se aborda la acción. Ganó varios premios Emmy en 2004 incluyendo mejor actriz (Streep), mejor actor (Pacino), o mejor director (Nichols), y una nominación para los efectos visuales. Se nota quizá en exceso el origen teatral, con diálogos de gran brillantez formal para lucimiento de los actores.

O'Malley y Tom son dos actores que deciden probar suerte con los negocios sucios. Las cosas no van muy bien y una serie de circunstancias les brindan la posibilidad de conocer a unos gángsters, la llave perfecta para llevar a cabo su estafa. La película nace de una historia del cineasta Neil Jordan, poco propenso, en general, a las historias cómicas.

Cuatro hombres transportan ganado por la ancha pradera. Su relación se basa en la confianza, como aprende Button, el más joven, de origen mexicano, casi sacado del arroyo, e incorporado al grupo del que forman parte Mose, grandullón con aspecto de oso, que mantiene un trato entre paterno y fraternal con Button; Boss, que está al mando, hombre sabio y moral; y White, tipo duro y taciturno, leal, que esconde un pasado dejado atrás gracias al ejemplo de Boss. En un viaje que no debería ser problemático, se topan con la intransigencia de un ganadero que no admite su presencia, y que piensa emplear a un sheriff corrupto para acabar con ellos y robarles el ganado. Se plantea entonces el dilema de entregar o no sus reses para salvar la vida. Pero por una cuestión de principios (hay situaciones en la vida en que no se puede ceder), defenderán su posición, aunque resulte suicida. Kevin Costner vuelve al western. Como director y como actor. Quizá no con la originalidad que exhibió en Bailando con lobos, pero sí con idéntico sentido de la épica y del clasicismo. Grandes espacios, la frontera entre el salvaje oeste y la pujante civilización, música vibrante, hermosos parajes… Todo ese paisaje mítico que construyeron directores como John Ford, Howard Hawks, Georges Stevens y Fred Zinnemann, citados profusamente en el film (Centauros del desierto y Raíces profundas en el secreto anhelo de un hogar, Río Rojo en el transporte del ganado, Río Bravo con la cárcel del sheriff, Solo ante el peligro en la actitud de los habitantes del pueblo…), asoma en todo su esplendor. Pero Costner lo presenta con personalidad propia, dándole nuevas vueltas de tuerca, sin caer en el mimetismo. Y hace una apuesta por la opción de responder con medios proporcionados a la injusticia del otro, junto a una negación radical de la venganza. Se aleja aquí de modelos recientes como Sin perdón; esa ausencia de cinismo puede chirriar en los tiempos que corren, pero resulta una bocanada de aire fresco muy necesaria. El film aprovecha las posibilidades técnicas actuales para presentar las escenas de tiroteos con realismo inusitado, que evitan al tiempo el regodeo en la violencia. Por otra parte, Costner sabe crear personajes de entidad: por ejemplo, Robert Duvall es perfecto para el hombre cuya sabiduría se acrecienta con los años. Incluso los pequeños personajes tienen su atractivo, como el tipo que les guarda los caballos, que se diría un homenaje a los que encarnó el inolvidable Walter Brennan.

Ali G es un personaje cómico de la televisión británica, que convirtió en celebridad al actor Sacha Baron Cohen (Borat) En su paso a la pantalla grande, Ali G se encadena en una estación de autobús para salvar el centro de ocio de su barrio, que va a ser clausurado por las autoridades. Así llama la atención del primer ministro, que busca un joven intelectual como asesor sobre los problemas de la gente de su edad. El doblaje español es obra de Gomaespuma.

Tras el asesinato de John F. Kennedy, Lyndon B. Johnson accedió a la presidencia americana. Además de intentar aguantar el paso del tirón de JFK, le tocó tomar decisiones nada populares, como las relacionadas con la guerra de Vietnam. Último film de John Frankenheimer, fallecido el 6 de julio de 2002. El director de El tren y Siete días de mayo se encuentra como pez en el agua en este film de intriga política, que pone buen colofón a una carrera impecable.

Corren tiempos difíciles. Ha estallado la Segunda Guerra Mundial, y en Inglaterra las están pasando canutas. Pero Charlotte Gray es feliz, porque está enamorada, lo que hace las cosas más llevaderas. Su novio es piloto de la RAF, y ella se enorgullece de él. Pero, caray, el avión de su chico es abatido, y Charlotte, que sabe francés a la perfección, acepta colaborar con el servicio de espionaje británico, y ayudar a la Resistencia. Si de paso puede ayudar a su novio, atrapado en Francia, pues mejor que mejor. Nadie mejor que una mujer, la australiana Gillian Armstrong, para describir las andanzas de una fémina intrépida, pero de carne y hueso, que sabe lo que es el miedo. La directora ya se adentró en el alma femenina en la adaptación del clásico de Louisa May Alcott Mujercitas (1994). Aquí combina los elementos melodramáticos con la emoción de saber si los nazis van a descubrir la verdadera identidad de la intrépida heroína.

Una familia de la alta sociedad inglesa se reúne en un un hotel donde se revelarán más detalles de sus vidas de los que esperaban. Pequeña miniserie de 3 episodios, también conocida como "Almost Strangers". Sus grandes actuaciones mezcladas con un guión original y con distintas intrigas llenarán de entretenimiento al espectador.

Méritos no le faltan al veterano director Robert Altman, aunque sólo sea por su habilidad para componer este enorme puzzle costumbrista de tan numerosas piezas. Estamos en 1932, en algún lugar de la campiña inglesa, donde se emplaza la enorme finca de Gosford Park, con la suntuosa mansión –un palacio en toda regla– de Sir William McCordle. Allí tiene lugar una concurrida reunión de caza de amigos y parientes –algo que recuerda a La regla del juego, del maestro Jean Renoir–, los cuales, acompañados cada uno de sus sirvientes, conforman la flor y nata del dandismo. Pero entre los invitados no reina precisamente la amistad; más bien se llevan otros vicios “elegantes” como la envidia, el rencor o la hipocresía. En fin, que da igual que se trate de un apolillado conde adinerado o de la última cocinera de la lista: todos arrastran su personal baúl de miserias secretas. Pero la encantadora reunión de sociedad se pondrá patas arriba cuando un asesinato llene de estupor a todos los invitados. La película tiene su punto fuerte en la cuidada ambientación y en la esmerada planificación para mostrar la alteridad de entre siervos y señores. Gracias a un montaje vivo y preciso se hace imposible relajarse. La expectación ante el inmenso reparto de personajes –un verdadero laberinto de nombres– acaba diluyéndose en el enorme tapiz de formalismo presente en Gosford Park, hasta dar lugar a una obra coral de sutiles reacciones psicológicas, gestos y miradas. A todo eso contribuye eficazmente el envidiable reparto: un elenco de actores y actrices que encarnan perfectamente la gélida flema británica que el experimentado Altman traslada con virtuosismo a la pantalla. La película ganó el premio al mejor guión en la última ceremonia de los Oscar.

Plunkett y Macleane son dos salteadores de caminos, uno de los cuales se hace pasar por caballero. El plan de ambos es robar lo suficiente para iniciar una nueva vida en América. Pero se cruza en su camino una bella damisela: Lady Rebeca, de la que Macleane se enamora. Este film británico recupera las historias de bandoleros "simpáticos", al estilo Dick Turpin, o Curro Jiménez. La diferencia estriba en algunos detalles anacrónicos: un tipo que lleva la oreja perforada con varios adornos, música moderna, un estilo de vida de los personajes muy actual… O sea, que aventuras a todo trapo.

A lo largo de su filmografía, Tim Burton ha plasmado en la pantalla personajes increíbles... Pee Wee, Eduardo Manostijeras, Jocker, Catwoman, Pingüino, Bitelchús, Ed Wood, Jack Skellington... son algunos de ellos. Una galería de tipos estrafalarios, marginales, que configuran su muy particular mundo fantástico. Sleepy Hollow cuenta también con un personaje, el del jinete sin cabeza, que encaja a la perfección en el universo burtoniano. Burton presenta poco a poco los elementos con que arranca la inquietante e intrigante película. Ichabod Crane es un investigador policial, que ha de resolver los crímenes que acontecen en Sleepy Hollow. Las fuerzas vivas de la villa no ayudan mucho en sus primeras indagaciones. Son pasajes tranquilos, hasta que se desata la tempestad. Uno de los conflictos más interesantes del film es el que se plantea el investigador Ichabod, entre el racionalismo a ultranza al que se apuntó tras un trauma infantil, y la fe necesaria para encarar el caso que le ocupa. El guión de Andrew Kevin Walker, quien trató este mismo tema en su libreto de Seven, sabe preparar la cuestión, sin sacar desde el principio los ases que guarda en su manga. Mención aparte merece el trepidante final de la historia, que funciona con la precisión de un mecanismo de relojería. Johnny Depp –que ya había trabajado con Burton en Eduardo Manostijeras y Ed Wood– da muestras otra vez de su buen hacer interpretativo, al dotar a su personaje de variados matices. Lo exagera cuando es necesario –véanse las autopsias con instrumentos de su invención–, muestra su determinación y, al tiempo, su fragilidad; su carácter frío en apariencia, y su ternura; su apego a la razón y su creciente espíritu romántico. Todo el reparto resulta muy ajustado pero Depp es, sin duda, la estrella.

Jeffrey Wigand es jefe del departamento de investigación y desarrollo de Brown & Williamson, una importante empresa tabaquera. Como resultado de sus estudios entrega un informe que demuestra que la nicotina produce adicción. A partir de ese momento el informe desaparece de la empresa, y cuando Jeffrey revela su contenido a Lowell Bergman, célebre periodista del programa televisivo 60 minutes, su vida se convierte en un infierno, donde no faltan las amenazas. El caso acaba enfrentando al estado de Mississippi con Brown & Williamson. Esta película lleva a la pantalla hechos reales que aparecieron narrados con talento en un apasionante artículo de Marie Brenner en Vanity Fair bajo el título 'El hombre que sabía demasiado'. El film muestra unos villanos distintos a aquéllos a que nos tiene acostumbrados el cine: las grandes multinacionales, que tienen detras a personajes poco conocidos por el gran público, pero que acumulan toneladas de poder, ejercido a veces de un modo, ¿cómo diríamos?... poco ortodoxo. Se ha procurado ser muy fiel a los hechos auténticos. El Fiscal del Estado de Mississippi Michael Moore  , que llevó el caso, creyó revivir los acontecimientos al ver el detalle con que se habían reproducido los escenarios. El propio Fiscal se permitió un cameo en el film, interpretándose a sí mismo. De todos modos se advierte que el personaje de la esposa de Jeffrey es algo esquemático, con lo que sus problemas familiares pierden peso dramático. No es la primera vez que Al Pacino trabaja con el meticuloso director Michael Mann. Ambos coincidieron en el emocionante thriller Heat, donde había un duelo interpretativo de primera magnitud entre Pacino (el policía) y Robert De Niro (el ladrón). Pacino comenta que Mann es de esos “directores en los que adivinas su trabajo antes de verlo, porque sabes que están haciendo, de verdad, una película.”

Verano de 1936. Un pueblecito irlandés. 5 hermanas preparan el regreso a casa de su hermano mayor, sacerdote misionero. Los años pasados en África le han transtornado el juicio, lo que acaba afectando a toda la familia. Film costumbrista con un reparto de primera: destaca Meryl Streep, actriz camaleónica que aquí da vida a una solterona algo amargada.

A principios de siglo la hija de un pobre viudo drogadicto es acogida por su millonaria tía. Se apasiona por un periodista de segunda fila, que no es de su clase. De modo que urde una trama para que él enamore a una joven rica y mortalmente enferma: si logra su fortuna, podrán casarse en el futuro. Las intrigas de salón de la novela de Henry James son adaptadas con esmero por Iain Softley. Destaca Helena Bonham Carter, que tuvo una merecida nominación al Oscar.

Alan no está de suerte: ha perdido el trabajo, a su mujer y la autoestima. Se ha convertido en un auténtico vagabundo. Una noche es testigo de un horrible crimen. Al día siguiente la prensa habla de suicidio. Pero él sabe la verdad. Un thriller pasablemente entretenido, donde se puede reconocer a John Hannah, uno de los protagonistas de La momia. Se inspira en el caso del célebre banquero italiano Roberto Calvi.

El ex espía Harry Palmer abre un despacho de investigaciones privadas con algunos compañeros. Uno de sus colegas, Kim, intenta convencerle de que abra una delegación en San Petersburgo para poder pasar más tiempo con su novia, la bailarina Tatania. De repente, Tatania desaparece y Harry Palmer sospecha que los culpables son miembros de la Mafia Rusa. Nueva entrega de las aventuras de Harry Palmer, personaje creado por el novelista Len Deighton y que vuelve a estar interpretado por el excelente Michael Caine.

En un momento de la historia en que los filisteos oprimían a los israelitas, un ángel se apareció a Manoa y le avisó de que el hijo que tendría liberaría a los oprimidos israelitas, pero que el muchacho debía cumplir la condición de no cortarse el pelo. El joven creció y se convirtió en un hombre musculoso y fornido, con una fuerza  capaz de matar a un león con sus propias manos. Dicha fuerza provenía de su largo cabello. Poco después conoció a Dalila, la cual le seduce por orden de sus enemigos, con el objetivo de que le desvele el secreto de su poder. Sansón se muestra reticente pero acaba confesándoselo, por lo que los filisteos le cortan el pelo y le sacan los ojos, haciéndole prisionero en Gaza. Atractivo capítulo de "La Biblia", aclamada serie de televisión que cuenta en esta ocasión con actores de la talla de Dennis Hopper, Paul Freeman o Elizabeth Hurley, ésta última en el papel de la sensual Dalila.

La escritora Valerie Martin reimaginó la inmortal historia de "El doctor Jekyll y mister Hyde" desde el punto de vista de su doncella, Mary Reilly. Stephen Frears la traslada a la pantalla con un colaborador habitual, Christopher Hampton. Y lo cierto es que la cosa no acaba de funcionar. Sobre todo por que se pierde la inconfundible nitidez moral de la obra de Robert Louis Stevenson, la distinción entre el bien y el mal, con la exploración de los abismos de degradación en que puede caer uno si se decanta por lo segundo. Así, la cosa queda en puro ejercicio de estilo, con dos buenos actores, John Malkovich y Julia Roberts, a los que les falta algo llamado "personaje", que poder llevarse con gusto a la boca. La atracción que siente Mary, sencillamente, es incomprensible.

El reputado espía británico Harry Palmer se encuentra sin trabajo tras el final de la Guerra Fría. Acepta una nueva misión en Rusia, contratado por un hombre que tiene tantos enemigos que no puede fiarse de nadie. Necesita que Harry le ayude a recuperar una temible arma letal, en un país controlado por la mafia. Muchos años después de la última entrega de la serie, el veterano actor Michael Caine recupera el personaje de Harry Palmer (que le dio fama en Ipcress), espía británico que fue creado como la antítesis de James Bond, cuyas aventuras iban a ser tratadas de una forma mucho más realista.

Bucarest, la capital de Rumanía, vive tiempos difíciles, convulsionada por grandes agitaciones sociales. Son los días de la caída del regimen dictatorial de Ceaucescu. En este contexto el profesor Daniel Pavenic invita a un grupo de antiguos amigos a una cena en su casa. Durante la noche les presenta a su esposa, y les cuenta su peculiar historia de amor, producto de una desordenada pasión erótica. Nicolas Roeg dirige este, en ocasiones, agobiante film, en el que predominan los espacios cerrados, y una fotografía nocturna. Sonia Braga y Michael Gambon son los dos principales intérpretes, correctos ambos en sus respectivos papeles. La película se resiente del carácter obsesivo de la historia, lo que en ocasiones la convierte en un producto difícil de digerir.

Dana Carvey, popular cómico en Estados Unidos gracias al programa Saturday Night Live, dio el salto a la pantalla grande con relativo éxito gracias a Wayne’s World. Ahora protagoniza una comedia de parecidas características, en la que un detective privado que sufre amnesia debe averiguar quién es él mismo; a la vez, ha de recobrar pronto la memoria, pues es el testigo principal del juicio que se sigue contra un capo de la mafia. Mick Jackson, el director del popular film El guardaespaldas, es el responsable de esta historia disparatada y frívola, con demasiadas caídas de ritmo y pocos momentos realmente divertidos.

Alfie, un cobrador de autobús irlandés, gran admirador de Oscar Wilde, tiene una orientación homosexual que no sabe cómo encarar. Del film sobresale el reparto, con un Albert Finney que lo borda.

Película singular, cuyo camino puede facilitar El club de los poetas muertos. De nuevo un film insiste en el valor de la educación, en la capacidad del hombre para apreciar la belleza de las cosas. Nunca se hará bastante ante determinadas reformas escolares, que convierten a los alumnos que las sufren en poco menos que en "peleles", incapaces de pensar por sí mismos. Mike Figgis dirige y pone al día con gran acierto esta adaptación de la obra teatral de Terence Rattigan, llevada ya a la pantalla en 1951 por Anthony Asquith. Andrew Crocker-Harris (Albert Finney) es profesor de lenguas clásicas en un colegio de Oxford, obligado a jubilarse antes de tiempo so pretextos de salud. Con el fin de curso se desvelarán los hilos que han ido tejiendo el fracaso vital del profesor. Se casó con Laura (Greta Scacchi), una mujer a la que quería. Pero ambos son muy distintos y se han distanciado. Ahora ella le es infiel. Estaba ilusionado con su vocación docente pero no siempre logra transmitir el saber que querría. Además sus alumnos le tienen pavor. Pero Taplow (Ben Silverstone), que tiene con él clases particulares, le hará cambiar. Es éste un film de detalles que no sobran, y que funcionan muy bien en contraste unos con otros. La ambientación es magnífica, el tono casi siempre elegante. Y los numerosos personajes secundarios sirven a la historia: la mujer, que arrastra una vida frustrada; el simpático profesor de ciencias, que sin embargo engaña a Andrew y a Laura; un rector incapaz de conocer a profesores y alumnos; el sustituto de Andrew, nervioso ante la perspectiva de enfrentarse a los alumnos en las aulas; y el joven Taplow, un chaval muy normal con un corazón de oro. Albert Finney hace del profesor una interpretación magistral. Hay muchos matices en la descripción de su personalidad. Severo, con dotes para la enseñanza, amante de su especialidad y de la cultura, incapaz de rebelarse cuando sus superiores le pisotean. La versión Browning rezuma una amargura sutil. Al principio es imperceptible y no involucra al espectador, pero poco a poco le envuelve por completo, al percibirse lo que ha sido la vida del profesor. El engranaje narrativo es perfecto y prepara el camino a secuencias conmovedoras, capaces de mostrar lo mejor y lo peor del ser humano, y que hacen evolucionar positivamente a todos los personajes. Quizá lo que más sorprende del film es su defensa apasionada del latín y el griego en la enseñanza. La hace de un modo inteligente, mostrando la satisfacción que supone comunicar, en uno de cada cien casos, una sabiduría y un gozo por la belleza que hasta entonces se disfrutaban en solitario. La satisfacción es mayor si se consigue con un muchacho que tiene pensado estudiar ciencias el próximo curso. El paralelismo entre la infidelidad que sufren el protagonista del "Agamenón" de Eurípides y el profesor no es sólo un recurso más o menos hábil. Es una demostración del alcance universal de la obra del dramaturgo griego. No se critica el valor de las ciencias experimentales, o la popularidad del deporte –hay un profesor jugador de criquet que es el ídolo de los alumnos–. Se trata de recordar algo que hasta hace poco nadie ponía en tela de juicio: que sin humanidades no hay civilización que merezca ese nombre.

Siglo XVII. Un guerrero indio es capturado y llevado desde Estados Unidos, entonces colonia británica, hasta la hostil Inglaterra. Allí el indio estará desconcertado, asustado y se sentirá amenazado, pero por sí mismo emprenderá una heroica huida. Entretenido film de aventuras de la factoría Disney, que cuenta con un impresionante reparto de actores, con protagonismo para el entonces muy joven Adam Beach (Windtalkers). El guión es ameno y ágil, por lo que la historia se sigue con interés.

Un fabricante de juguetes lega el negocio a su hermano general. El hombre tiene la disparatada idea de aprovechar la fábrica para producir armas muy particulares. Pero su sensible sobrino Leslie (el gran Robin Williams) impedirá esos criminales propósitos. Barry Levinson entrega una película decididamente diferente, con estupenda música y una dirección artística de quitarse el sombrero. A la vez lanza un mensaje sobre los juguetes bélicos y la adicción a los videojuegos, sobre el cual debería tomar nota algún que otro padre.

En un restaurante de lujo, un cocinero observa impasible la relación entre los componentes de un triángulo amoroso, formado por un ladrón, su mujer y su amante. En un principio se mantiene distante, pero poco a poco decide intervenir en los acontecimientos. La historia desembocara en la más absoluta violencia. El mayor éxito comercial del peculiar realizador Peter Greenaway (El vientre del arquitecto, Conspiración de mujeres), considerado por parte de la crítica como uno gran artista de cine, moderno y precursor de lo que este arte será en el futuro. En España se mantuvo durante años en algunas carteleras. De su cine destaca, sobre todo, el aspecto visual, formado por unas impactantes imágenes que, a veces, homenajean famosos cuadros de la historia de la pintura y, otras, se permiten extraños experimentos o juegos visuales. Este título basa su argumento en una extraña mezcla de erotismo y un humor un tanto macabro. Su mayor cualidad es que está impecablemente interpretado por Richard Bohringer y la veterana Helen Mirren.

Adaptación de la obra de Henrik Ibsen, con un reparto sencillamente excepcional, donde se puede ver a actores jóvenes entonces desconocidos como Kenneth Branagh y Natasha Richardson, junto a veteranos como Michael Gambon y una Judi Dench que empezaba a despuntar. Pegados siempre al texto original, interpretan las vicisitudes de una familia que comanda Helene, que acaba de enviudar, y que aconsejada por el pastor de la comunidad soportó los devaneos de su esposo con infinita paciencia. Aunque ella envío al hijo Osvald lejos de casa para evitar la mala influencia paterna, se va a descubrir que padece de una sífilis heredera. No es la única desgracia que recorre la trama, pues la joven doncella de la que Osvald se enamora, forma parte de un oscuro secreto de familia.

William y Harriet son dos personajes alienados. Él trabaja en una librería, ha perdido a su familia por estar en sus cosas, y vive en un pisito una vida gris. Mientras que Harriet es una autora de libros infantiles con bloqueo creativo. Ambos van a coincidir en el acuario de un zoo, y entre bromas y veras pergeñarán un plan para liberar unas tortugas marinas. John Irvin maneja un guión de Harold Pinter (que hace un cameo), a su vez basado en una novela de Russell Hoban. Con tono tragicómico bastante excéntrico, se juega con la simbología de que la liberación de esas tortugas puede ser también la liberación de los protagonistas, unos entonados Ben Kingsley y Glenda Jackson.

Un excéntrico millonario, Tom Newcliffe, reúne en su mansión rodeada de bosques a seis personas, entre las cuales él sospecha que se esconde un hombre o una mujer lobo. Durante esas noches habrá luna llena y todo está preparado para que el licántropo se manifieste. En la mansión también se encuentra la mujer de Tom, Caroline, así como un hombre contratado para vigilar las cámaras escondidas por todo el perímetro. Producto de terror setentero producido en Reino Unido y que intentaba emular los éxitos de la clásica Hammer. Los resultados son pésimos. El planteamiento inicial falla notoriamente y los ataques del lobo son desastrosos, pues se renuncia a cualquier efecto especial y la poca pericia del director no logra hacer verosímil la acción. Entre el reparto se encuentra el veterano Peter Cushing, claramente fichado para atraer a un público que de otra manera nunca se habría sentido atraído por el film. También tiene un pequeño papel un joven Michael Gambon.

En un orfanato donde reinaba la calma, comienzan a producirse una serie de extraños sucesos. En misteriosas circunstancias, aparecen unos cadáveres de varios individuos brutalmente asesinados. La sucesión de muertes parece no tener fin, y la policía se ve obligada a tomar cartas en serio en el asunto. El médico que atendió a una de las víctimas antes de morir, y un audaz periodista, están dispuestos a colaborar con la investigación oficial. Varios pruebas les llevan a la conclusión de que los verdaderos asesinos son los niños que habitan el orfanato. Antes de constatar este terrible indicio, los investigadores prefieren atar todos los cabos. De esta manera, descubren horrorizados unas causas mucho más perversas. Se trata de una película de terror en toda regla, con dos leyendas del género, que hará las delicias de sus admiradores, pero que al resto puede dejar indiferente. El ritmo de la acción va in crescendo, hasta el angustioso descubrimiento final.