Ramón Agirre

Khalil, joven emigrante procedente del Sáhara, sobrevive como puede en la periferia de una gran ciudad, al tiempo que acompaña en ocasiones a un pescador furtivo, de avanzada edad, que se adentra con su barca en las marismas, mientras una guardia forestal le sigue la pista. El anciano vive en la misma casona que su hermano, al que no habla desde hace años. Primer largometraje de ficción del hasta ahora especializado en documentales Koldo Almandoz (Kalebegiak), que se apunta a la nueva ola del cine vasco rodado en euskera, con Javier Agirre, presente en Handia y Loreak, las más representativas. Éste vuelve a realizar un buen trabajo, al igual que su hermano en la pantalla, el también veterano Patxi Bisquert (Tasio), del joven Laulad Ahmed Saleh, pese a que debuta en la gran pantalla, y de Iraia Elías (candidata al Goya a la actriz revelación por Amama). La propuesta tiene mucho de retrato social, al recoger la realidad de los jóvenes desfavorecidos, en contraposición a la de los ancianos que pese a las apariencias acaban teniendo mucho en común con ellos. Se habla del miedo a la soledad, que a veces se produce por rupturas familiares sin sentido, se denuncia la actitud arrogante con la que a veces se trata a las personas diferentes, y se describe un entorno en el que confluyen elementos rurales con otros de la gran ciudad. Pese a que el ritmo pausado le va bien a la historia, a veces la cámara se detiene demasiado en elementos superfluos que derivan en que los escasos 90 minutos de metraje se hagan largos.

La historiadira Lara Cabanes investiga sucesos acecidos en el siglo XVI en la Universidadd e Salamanca, cuando se produjo el asesinato del fraile agustino Antonio Román, y estaban en alza fragorosas disputas entre dominicos y agustinos. Telefilm producido por Radio Televisión Española a cargo del director de la casa Iñaki Peñafiel (El tiempo entre costuras), con motivo del octavo centenario de la Universidad de Salamanca. Se trata de un correcto thriller, a caballo entre la actualidad y el Siglo de Oro, que se centra en la figura de Fray Luis de León y toca temas eclesiales un tanto manidos con la idea de ejercer atractivo entre los espectadores. Al menos, el guión está algo cuidado y el reparto es sólido, con numerosos rostros conocidos del cine español, empezando por Leonor Watling, que da vida a la investigadora Lara Cabanes.

Marcos (Karra Elejalde), productor de cine en la ruina, pretende levantar su empresa gracias a la contratación para su próxima película de una estrella rutilante, el actor de origen cubano Ray Silvela (Jordi Mollà). Pero cuando éste rechaza su participación en el proyecto y el dinero de la principal inversora está a punto de esfumarse, Marcos y su equipo deciden estafar a la multimillonaria haciéndole creer que han conseguido a Silvela como protagonista. Para ello sólo necesitan un doble del actor. El andaluz Antonio Cuadri tiene una amplia trayectoria como guionista y director desde que se diera a conocer con diversos capítulos de la serie Al salir de clase. De entre su filmografía, con títulos que no han tenido demasiado relieve comercial, destaca Eres mi héroe, tierna visión de la infancia, y Thomas vive, sobre una compañía teatral que ensaya una obra de Shakespeare. Si en ese último film abordaba por dentro el mundo del teatro, ahora Cuadri se mete de lleno en los entresijos de la producción cinematográfica con Operación Concha, una comedia disparatada sobre unos cineastas de tres al cuarto que intentan sacar tajada sirviéndose de una estafa, un poco al estilo de las películas clásicas. El resultado es irregular, pero podría haber sido peor. Eso parecía en los primeros compases del film, pues el arranque presagia otra españolada cutre y casposa. Sin embargo, el guionista Patxo Tellería intenta equilibrar la cosa con una trama variada, con ciertas vueltas y revueltas, que hacia el final se espabila a base de bien, con giros inesperados más o menos apañados, aunque eso suponga que el conjunto se alargue innecesariamente. Subraya el film que el cine no es lo que parece, la farsa reina por doquier entre cineastas y estrellas que no son juego limpio. Es indudable que ese enfoque ofrecen algunos momentos divertidos, aunque no para tirar cohetes, generados gracias al carisma de Karra Elejalde o al oficio de Jordi Mollà, que aquí hace alarde de su talento para imitar acentos y adoptar diversas personalidades.

Martinón, trampero que vive en las montañas, sólo tiene ocasionales contactos con otros humanos cuando bajan las nieves, para comerciar con las pieles de lobos que ha logrado abatir, y proveerse de algunos útiles. Un día se lleva consigo a la molinera Joxepi, a la que trata con extrema rudeza, que le sirve para satisfacer sus instintos más primarios, pero resulta estar embarazada y enferma, y muere al dar a luz. Tras acusar al padre de la fallecida de haberle ocultado la verdad, éste propone que tome a su otra hija, como sustituta. Ambicioso debut de Samu Fuentes, asistente del director en diversas series, y películas como La torre de Suso o El secreto de Marrowbone. Parece haberse propuesto rodar una versión de Las aventuras de Jeremiah Johnson, en Asturias, pero las comparaciones son odiosas. Pese a lo arriesgado de la propuesta, que se distingue por su escasez de diálogos, consigue interesar en el arranque, sobre todo por sus impresionantes secuencias de parajes montañosos. Pero al final su ritmo premioso acaba agotando. Pese a su esfuerzo interpretativo, Mario Casas gruñe demasiado a la hora de reflejar el salvajismo de su personaje, y sigue demostrando graves problemas de dicción. Le supera con creces Irene Escolar, muy expresiva a pesar de que tampoco tiene muchas frases, y tampoco decepciona Ruth Díaz, pese a la brevedad de su aparición.

La historia del gigante de Altzo, un personaje histórico. Se trata de una película esforzada de Jon Garaño y Aitor Arregi, pero que no resiste la comparación con Loreak, que compitió en San Sebastián hace tres años y se quedó sin premios. Ésta en cambio se ha llevado el Premio Especial del Jurado. Interesa el drama de este hombre de descomunal tamaño, y el cuadro de un País Vasco pobre, donde una familia hace lo que puede para salir adelante. Pero le falta gancho a la relación fraterna, hay cierta arritmia en la narración. De entrada cae simpática esta saga familiar basada en hechos reales acaecidos en el siglo XIX, la historia del gigante de Altza, de nombre completo Miguel Joaquín Eleizegi Arteaga (1818-1861), rodada en euskera. La narración se estructura episódicamente, arrancando con las guerras carlistas y el alistamiento forzoso de uno de los hijos de la familia Eleizegi. Hay que escoger entre Martín y Joaquín, los mayores, y acaba yendo al combate el primero, quien a su regreso va a descubrir que el otro se ha convertido en alguien de desmesurada estatura, más de dos metros veinte, y creciendo. En un contexto de pobreza, en que no resulta fácil sacar adelante el caserío familiar, la propuesta de un empresario local, José Antonio Arzadun, para exhibirlo como fenómeno de feria, resulta muy tentadora. Y en efecto, empiezan a llover los ingresos, con motivo de las giras por distintas ciudades, españolas y europeas. Pero no faltan por desgracia las situaciones humillantes, y ciertas rencillas. Tiene algo de legendario la trama, y el esfuerzo de producción es importante. El paisaje rural de los valles y montañas deviene en un personaje más, e ideas como el deseo de prosperar, que choca con la realidad que impide hacer lo que uno quisiera, sirven para armar el relato. Pero éste resulta algo deslavazado, con una relación entre los hermanos que podía estar mejor desarrollada, o convirtiendo en cuestión secundaria los planteamientos de uno y otro para formar su propia familia; también se peca de reiterativo en los momentos de presentación circense, y se cae en lo grotesco en el encuentro con la reina. Hay momentos mágicos, como el encuentro de Joaquín con otro gigante, e incluso con una mujer algo más baja que él. Pero algo falla cuando a las personas les toca interactuar, una falta de entendimiento que no es sólo la que podría formar parte de la narración, por la rareza del gigante, sino algo que no se ha logrado contar, o eso, me parece. Eneko Sagardoy hace un meritorio trabajo como el “gran hermano”, pero resulta menos expresivo y más distante Joseba Usabiaga.

Álava, siglo XIX. Cuando va a ser fusilado por las tropas carlistas, el herrero Patxi hace un pacto con el diablo y salva la vida. Años después, el herrero vive aislado en una oscura casa en el bosque que él ha transformado en fortín y en el pueblo se le tiene por un loco peligroso. Es entonces cuando se presentan allí las fuerzas del infierno para cobrarse su alma. Meritorio y sólido debut como director y guionista de largometrajes del vasco Paul Urkijo Alijo, que ha contado con el inestimable padrinazgo de Álex de la Iglesia, un cineasta que siempre ha tenido querencia por temas oscuros con diablos, brujas y demás seres terroríficos, no hay más que ver El día de la bestia o Las brujas de Zugarramurdi. Rodada enteramente en euskera (en una variante lingüística ya extinguida procedente de Álava, el euskalki), la historia adapta un cuento popular que responde al dedillo al clásico relato oral que acaba convirtiéndose en parte de la cultura autóctona de una tierra ávida de mitos y leyendas tenebrosas. Paul Urkijo dota a la narración de un aura de terror muy convincente sobre todo en los primeros compases, una sensación que se acrecienta gracias a una formidable ambientación rural, campestre pero opresiva, servida con una cuidadosa y nublada fotografía de Gorka Gómez Andreu y una inquietante banda sonora de Pascal Gaigne. Casa a la perfección esa puesta en escena con la presentación del protagonista, el “errementari” (herrero) del título, un ser monstruoso en boca de los lugareños y que el director acierta a no mostrar demasiado y a generar así el correspondiente interés. Cambia un poco el tono a mitad del relato, que deriva propiamente al territorio del cuento barroco, fantasmagórico, con introducción de algunos elementos tópicos, pero con un guión que no deja nunca de ser imaginativo y que introduce incluso un punto de humor (el aspecto antropomórfico del demonio Sartael, los garbanzos, los cepos) y ofrece una vuelta de tuerca respecto a la maldad de los seres del averno. Sí puede achacarse, sin embargo, una excesiva audacia en la secuencia del infierno, que resulta seguramente excesiva. El reparto hace un trabajo adecuado, con un Kandido Uranga que da la talla como el fornido y atormentado errementari, y un siempre correcto Ramón Agirre. También destaca la niña Uma Bracaglia, en su estupenda encarnación de la huérfana Usue.

Las películas colectivas que reúnen cortos de diversos directores son irregulares casi por definición. Kalebegiak, o sea, "Caleidoscopio", un proyecto impulsado con ocasión de la capitalidad cultural de San Sebastián, no es la excepción. Una docena larga de cineastas de la tierra, algunos veteranos, otros supuestas jóvenes promesas, hacen propuestas muy diferentes: algunas tienen su gracia, otras son una tontadita, y el resto son completamente prescindibles. Si hay que destacar alguna historia, nos quedamos con "La ballena real" de Julio Medem, con Marta Etura como la reina María Cristina dispuesta a avistar una ballena, y que acabará en el agua; el corto-gag de Borja Cobeaga, acción trepidante de una ambulancia con broma inesperada; y "Los Angeles Observer", del bastante desconocido Luiso Berdejo, la inesperada amistad que surge en Los Ángeles entre un ladrón y un anciano por la conexión San Sebastián. Es reconocible en "Txintxorro" a Gracia Querejeta, que involucra a tres niños que hacen una embarcación para navegar. Daniel Calparsoro se pone con el testimonio de una víctima del terrorismo en el aula de un colegio, e Imanol Uribe hablando de los indigentes. Del resto, el "Septiembre" del arranque es impactante, pero unisituacional, juega demasiado con el pescador y su inminente ahogamiento, sin lugar para que el relato avance. Mientras que el narcisismo de "Narciso" llama la atención por su simple narcisista existencia, delirante, no por el interés o la habilidad narrativa; y su alto voltaje sexual hacen que una película que deberia aspirar a llegar a todos los públicos, no sea recomendable para los más jóvenes.

Segundo largometraje del bilbaíno Mikel Rueda, responsable del tenebroso film sobre la Guerra Civil Estrellas que alcanzar. Compitió en la sección oficial en el Festival de Málaga. A escondidas transcurre en la ciudad natal del realizador, donde Rafa, quinceañero que estudia en el instituto, se siente desorientado, especialmente porque sus compañeros empiezan a interesarse por las chicas, mientras que él está incómodo cuando se convierte en el objeto de atención de una compañera. Por contra, empezará a manifestar sentimientos hacia Ibrahim, un inmigrante marroquí que reside en un centro de menores. En su retrato del despertar homosexual de un adolescente recuerda hasta cierto punto a la francesa La vida de Adèle, Palma de Oro a la mejor película en Cannes, en variante masculina. Aunque en este caso prescinde de las imágenes gráficas de sexo, mientras que el origen étnico de uno de los dos protagonistas da pie a añadir un alegato contra la discriminación de los extranjeros. Sus pretensiones de realismo resultan torpes, sobre todo en lo que se refiere a las interpretaciones de los jóvenes protagonistas, excesivamente artificiales cuando intentan aparentar cotidianeidad. Los veteranos Ana Wagener y Álex Ángulo (que rodó esta película poco antes de su prematuro fallecimiento en accidente de tráfico), intentan subir el listón con sus esforzados trabajos como asistentes sociales, pero sus personajes son muy secundarios y maniqueos. No ayudan tampoco los diálogos, excesivamente pobres, ni la poco imaginativa puesta en escena. Además, al autor de A Escondidas ya no le queda mucho por contar a partir de la segunda mitad del film, por lo que abusa de secuencias con largos silencios de los protagonistas, lo que llega a resultar bastante tedioso. Al montaje le falta inspiración, hasta el punto de que al principio un flash-forward adelanta por dónde va a transcurrir la trama, sin que esto contribuya a nada, salvo a reforzar la sensación de tedio.

Ana tiene 28 años y trabaja de auxiliar en una ambulancia. No acaba de superar la ruptura con su novio, y las personas que tiene alrededor no acaban de ser conscientes de su enorme padecimiento interior. Sus padres están separados, ella vive con su madre, con la que no hay conexión. Habla con sus colegas, va a algunas fiestas, está atento a un paciente, pero... Su única forma de desahogarse es precaria: mantener un chat en internet con un desconocido, ante el que admite sus numerosos intentos de suicidio, aunque no ha sido capaz de reunir la fuerza suficiente para llevarlos a cabo hasta el final. Deprimente película del debutante Fernando Franco, que presenta con gran realismo el estado anímico de la protagonista (la esforzada Marian Álvarez, premiada en San Sebastián con la Concha de Plata), que padece sin saberlo bien un trastorno límite de la personalidad o síndrome borderline. El planteamiento del director, que coescribe el guión con Enric Rufas, consiste en meter al espectador dentro de la cabeza de Ana y hacer que de este modo sufra con ella y la comprenda. El problema es que La herida no deja ni un instante de respiro, ni es capaz de abrir mínimamente una ventanita a la esperanza, de modo que todo es dar vueltas y más vueltas a lo que se diría una situación sin salida. Ella está fatal, la gente que tiene alrededor va a lo suyo, la vida es un asquito, no hay alicientes, y poco más. Aunque pueda ser encomiable describir el estado mental extremo de quien está a punto de hacer “crack” –no infrecuente en los países opulentos en crisis de la sociedad contemporánea–, para concienciar del problema, Franco no ofrece el mejor enfoque para vender entradas y que el espectador salga mínimamente estimulado, pensando “qué bello es vivir, a pesar de todo”, o algo así. Se diría que el simple pintar un cierto estado de las cosa no es suficiente.

El valle navarro de Baztán. Los avatares cotidianos de los lugareños, junto a los de alguna gente del cine que van a rodar una película, se alternan con los sucesos históricos a recrear, acontecidos en el siglo XVII, cuando un enviado del rey investiga a unas personas que se asegura que son "agotes", o sea criaturas del diablo, lo que obligaría a intervenir a la Inquisición. El cortometrajista Iñaki Elizalde debuta en el largo con un guión concebido por él mismo y Michel Gaztambide, autor entre otros libretos del de Vacas, film citado expresamente. Se trata de una historia excesivamente localista y contada desmadejadamente, con largas parrafadas de algunos personajes como el escultor, que parte del folklore de la zona para describir tipos humanos y modos de ser, también el choque de mentalidades de navarros y vascos con la de los castellanos. La idea de Baztan sería subrayar que a pesar del paso del tiempo, la gente en el fondo hoy es muy parecida a la de antaño. Pero ello se hace con una historia no demasiado apasionante.

Georges y Anne son un matrimonio octogenario, padres de una hija casada, ambos cultivados profesores de música, que se llevan estupendamente, y que disfrutan de sus días de retiro plácidamente. Un día ella sufre una breve pérdida de conciencia, lo que motiva una visita al médico y un diagnóstico de obstrucción de las arterias que aconseja una intervención quirúrgica. La operación sale mal y Anne queda semiparalítica. Georges se desvive amorosamente por cuidarla, pero ella no encaja bien su situación de dependencia y progresivo deterioro, e incluso querría morir; aunque, también por amor, se esfuerza en no poner las cosas demasiado difíciles a su marido. Impactante película de Michael Haneke, realizada con 70 años a sus espaldas, sobre la ancianidad y sus achaques, la enfermedad y el sufrimiento, el modo en cómo se encaran; Amor ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, tres años después de que Haneke hiciera lo propio con La cinta blanca. La situación que Haneke describe en su film es sencilla, un anciano cuida a su esposa, ella está cada vez peor, y a él le cuesta más prodigarle su atención; la hija sufre pero tiene su vida en otra ciudad, la atención de las enfermeras no siempre es la mejor, el vigor de un pupilo de antaño puede deprimir más que animar. Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva están soberbios como marido y mujer, mientras que Isabelle, el breve papel de hija, también da lo mejor de sí. El cineasta austríaco sabe crear en Amor la atmósfera de cansancio, agotamiento e impotencia, ante una situación en la que no cabe otra cosa que dar amor; imágenes como la de la paloma, los momentos de intercambio con el portero, etcétera, ayudan a ello. Sólo que en Haneke y sus personajes tal concepto amoroso es esquivo, y ante una situación limite puede conducir a la desesperación. La película ya anuncia lo que va a ocurrir en el impactante arranque, en que la policía y los servicios médicos irrumpen en una casa, en un dormitorio sellado, para encontrar el cuerpo amortajado de una anciana rodeado de pétalos de flores. El resto se dedica a explicar cómo se ha preparado tal escenario fúnebre. Sería un error considerar que Amor es una película militante a favor de la eutanasia, porque ciertamente no lo es. Lo que sí hace es describir un caso concreto de unos personas básicamente buenas, que se siguen amando tras muchos años de matrimonio; y se presenta una situación, donde el dolor y la enfermedad carecen de sentido, y el peso del día a día aplasta, deprime, rompe los nervios. Haneke no juzga, sino que ofrece su historia de decadencia y caída, e invita a pensar.

Más que curiosa producción española, que aúna personajes reales con animación digital, dentro de una atmósfera apocalíptica y fantasiosa a más no poder. Se trata de la primera película española rodada íntegramente en pantalla verde. El argumento es demasiado enrevesado y poco atractivo. En una época pasada, en un mundo dominado por las sombras, tres magos consiguen vencer al mal e introducirlo en tres cajas:  la guerra, la peste y el hambre. Cada mago deberá guardar y proteger con su vida cada una de las cajas. Si los espectros lograran liberarse, se abrirían las puertas del infierno que conducen a la muerte. Un acto de torpeza de Eldyn libera al señor de la guerra, que avanza sobre la Tierra para unirse a sus hermanos (la peste y el hambre). La desesperación y el horror se apodera de sus habitantes. El final de los tiempos está cerca. Eldyn, un aprendiz de mago; Fira, una hada descarada; y Evaristo, el dragón, deberán salvar al mundo.

Divertida comedia dirigida al alimón por los jóvenes vascos Asier Altuna y Telmo Esnal. Sin ser una gran maravilla, se pasa bien, hay ritmo y situaciones divertidas en esta comedia algo esperpéntica. La familia Etxebeste se va de vacaciones a Marbella. Pero antes de salir, el cabeza de familia, Patricio, recibe una tremenda noticia del banco: todos sus bienes han sido embargados y se ha quedado sin un céntimo. El plan familiar de urgencia será entonces encerrarse de incógnito en su casa, mientras amigos y vecinos creen que están de vacaciones.

Kirik es un alienígena que se apodera de Neuronia, una extraña esfera con la que el tirano Ramakor tiene sometidos mentalmente a los habitantes del planeta Sondak. En su huida llega a la Tierra, y confundido por la televisión, adopta el aspecto de un gallo de dibujos animados, pensando que así parecerá un terrícola más. Tremendo error: pues los chavales que están pasando unos días de vacaciones en un campamento lo adoptan de mascota y le quitan la esfera. El cine español no es pródigo en “películas familiares”. Por eso sorprende agradablemente El rey de la granja, insólita y bastante lograda combinación de imagen real y animación al estilo de ¿Quién engañó a Roger Rabitt? y El guardián de las palabras. Muro y Zabala juegan con Neuronia como si el Anillo único de Tolkien se tratara: un objeto tentador, que puede ser usado caprichosamente para satisfacer el propio ego. A la aventura trepidante, se añade un sano sentido del humor, y moralejas sencillas para los chavales.

Madrid, noviembre de 1936. Primeros y cruentos compases de la guerra civil. En un bombardeo la joven Carmen pierde a toda su familia. Destruida su casa, vaga sin rumbo, no sabe adónde ir. Manuel, celador del Museo del Prado y gran admirador de la obra de Goya, además de ingenuo anarquista, salva un autorretrato del maestro, el lugar no se ha librado de los efectos de un ataque, coincidente con los preparativos para trasladar las principales obras de arte a Valencia. Una y otro se encuentran en el metro, y Manuel, compadecido de Carmen, le hace hueco en la pensión que regenta su tía Flora. Aunque Manuel desea devolver el cuadro, el ambiente de represión de la retaguardia, y en general, el caos de una ciudad con los artículos de primera necesidad racionados, impiden que pueda hacerlo, de modo que se convierte en su fiel custodio. Aunque un huésped de la pensión, que opera en el mercado negro, echa el ojo al autorretrato. Aunque el tiempo pasa, y los españoles deberían ser capaces de mirar a su pasado con perspectiva histórica y sin ira, la realidad es que cuesta hacerlo, también en el cine. En el caso que nos ocupa, el director y coguionista Antonio Mercero, con su habitual colaborador Horacio Valcárcel, hacen un esfuerzo por orquestar un punto de vista equilibrado, donde se recuerda que se cometieron tropelías en uno y otro bando. Al transcurrir la mayor parte de la narración en el Madrid republicano, se abordan los registros y delaciones, y la persecución religiosa con asesinatos de sacerdotes, pero también se menciona por ejemplo la ejecución del marido de Floro en la represalia sangrienta de Badajoz, ocurrida en el lado nacional. Y se pintan situaciones típicas en tiempos de guerra, como el mercado negro y la usura, donde los que tienen negocios de almoneda se enriquecen aprovechando la penuria ajena. En esta ambiente, se propone el arte como expresión de lo imperecedero, por encima de odios e ideologías destructoras. Las intenciones son loables, pero el desarrollo de la película es irregular. Funciona bien a la hora de plantear la trama y las vicisitudes de los personajes, con buenos momentos como el del registro en que podrían encontrar el cuadro. Pero una vez se afianza la atracción amorosa entre Carmen y Manuel, no se sabe muy bien por dónde tirar, y la marcha del segundo al frente no tiene la necesaria fuerza. La presencia de niños, sobre todo Pepito, hijo de Flora, sirve para apuntar como los chavales pueden convertir en juego inocente incluso los horrores de la guerra, como cuando simulan un fusilamiento. De todos modos, la secuencia en que encuentran una bomba no está bien resuelta, su inclusión resulta bastante forzada; lo mismo cabe decir del desenlace, homenaje incluido al cuadro de los fusilamientos de mayo. Hay acierto en la definición de los personajes, con buenos trabajos de Gabino Diego y Leonor Watling, pero también de Adriana Ozores como la digna viuda –ganó el Goya a la mejor actriz de reparto–, de Luis Cuenca como el simpático abuelo Melquíades, e incluso de los que encarnan a los más villanos de la función, Héctor Colomé y Josep Maria Pou.

Cuando Guillermo Carrión, ex-policía y proxeneta, sale de la cárcel, lo primero que hace es buscar a Bruno, con la intención de que vuelva a trabajar para él. Angel, un médico forense, es el reciente amigo de Bruno. En extrañas circunstancias, Angel se ve envuelto en un oscuro asunto que acaba con la vida de Guillermo. Angel tendrá que utilizar sus conocimientos profesionales para simular el suicidio, pero Bruno no se quedará tranquilo hasta aclarar las cosas. Por su parte, el comisario Montero tiene indicios de que se trata de un asesinato. Un thriller extraño en el cine español por la complejidad de sus personajes. Narra, siguiendo las pautas del género policíaco, una turbia trama que gira en torno a la prostitución. Una película turbadora y dura, con unos actores correctos.

Daniel, escritor, se sumerge en una crisis vital que coincide con el inesperado éxito de su mujer como actriz. Daniel viajará a la tierra de su infancia, en el País Vasco, en donde se reencontrará con su hermana y con los fantasmas del pasado. Drama sensible que nos introduce en el viaje no sólo físico, sino psicológico del protagonista, que incluye elementos oníricos, aunque también un potente toque realista. El reparto es estupendo, aunque la propuesta es exigente.

Ander sale de la cárcel en donde ha estado preso por tráfico de drogas. Al volver a su ciudad se encuentra con que su mejor amigo, compañero de seminario, ha ingresado en ETA, y precisamente los comandos terroristas han recibido la misión de enfrentarse a los traficantes de droga. Drama poco reconfortante escrito y dirigido por Ana Díez (Algunas chicas doblan las piernas cuando hablan), quien presenta una oscura visión costumbrista del País Vasco y sus gentes. Cuenta, eso sí, con unos actores notables.