Tyler Bates

John Wick ha sido expulsado de The Continental, el hotel donde todos los mafiosos conviven en armonía, por haber roto la principal regla del lugar: matar. Declarado “incomunicado” por la organización mafiosa conocida como Alta Mesa, esto significa que nadie puede ayudarle a escapar, so pena de ser considerado también un traidor. Además, se ofrecen catorce millones de dólares por su cabeza, por lo que numerosos cazadores de recompensas tratarán de detenerle, mientras huye a la desesperada por las calles de Nueva York. John Wick (2014), dirigida por el hasta entonces especialista de cine de acción Chad Stahelski, lograba cierta frescura, pese a ser un refrito del cine de acción de serie B ochentero y las producciones orientales. El mismo cineasta se hizo cargo de la segunda entrega, John Wick: Pacto de sangre, más espectacular, aunque menos rompedora, y ahora de la tercera. Esta vez, las secuencias de acción parecen aún más elaboradas, si cabe, con los mejores profesionales ejecutando números que parecen imposibles, con retoques digitales que no se notan y un protagonista, Keanu Reeves, que parece haber estado implicado en parte de las mismas sin recurrir lo mínimo posible a los dobles. Por ejemplo, una persecución en moto deja boquiabierto al espectador, al igual que una en la que los personajes se lanzan cuchillos. Se abusa de la violencia explícita, aunque en cierta medida ésta se ve aligeradas por golpes de humor en muchos casos mejores que el de algunas comedias actuales de Hollywood. Por ejemplo, provoca hilaridad un instante en el que el personaje central vuelve a colocar en el estante de la biblioteca un libro de cuentos rusos con el que acaba de atizar a lo burro a varios adversarios. Quizás tantos mamporros resulten un poco interminables al público más exigente, que tendrá ‘la osadía’ de quedarse con las ganas de un mayor desarrollo de los personajes, y algo de trama, de hecho salvo porque desvela que el protagonista se formó con unos criminales rusos, apenas aporta nada a lo ya visto. Reeves consigue hacer expresivo a su lacónico personaje, pese a la falta de diálogos, en la línea del mejor Clint Eastwood en sus westerns con Sergio Leone. Por lo demás, aparecen brevemente diversas estrellas que suplen con carisma lo poco que se sabe de sus papeles, como Ian McShane, Laurence Fishburne, Anjelica Huston y Halle Berry.

Spin-off de la saga Fast & Furious o A todo gas, como fue conocida en España en sus inicios, que se centra en dos de los personajes, mencionados en el título, Hobbs y Shaw –encarnados por los especialistas en acción Dwayne Johnson y Jason Statham, con vocación de iniciar una subfranquicia. El argumento es más simple que el mecanismo de un botijo, pura excusa para orquestar impresionantes escenas de acción, adobadas con conflictos fraternales y familiares. Hobbs y Shaw son requeridos por los servicios secretos de sus países, tras el robo de un virus letal que estaba en manos del MI6, todo apunta a que ha sido una de las agentes, Hattie, la autora de la sustracción de un arma biológica peligrosa, que podría acabar con todo el planeta. Pero en realidad, la valerosa mujer de acción se ha inyectado en el cuerpo las cápsulas del virus para que no cayera en manos de Brixton, sicario de una organización que piensa que el futuro del planeta pasa por un paso evolutivo consistente en cargarse a casi todo bicho viviente con el virus, y confiar en la tecnología. De hecho Brixton, antiguo colega de Shaw, es medio cyborg, casi un terminator, equipado con sensores que le permiten evaluar a sus oponentes y dar letal respuesta adecuada a los mismos. David Leitch, bregado en el cine como especialista de escenas de acción, y director de segunda unidad en películas del género, pasó a director con Atómica y Deadpool 2. Su fuerte no estriba en pillar las sutilezas de un guion que carece de ellas –aquí firman el libreto Chris Morgan, habitual de la saga, y el recién llegado Drew Pearce–, sino en las escenas de acción y peleas, de las que hay un buen surtido, en su mayoría automovilísticas, faltaría más, destacan la de Londres y la de isla de Somoa. Son sin duda, vistosas, pero la película se alarga innecesariamente, dos horas y media resultan excesivas, y aún se atreven a incluir escenas post-crédito de dudoso interés. No faltan detalles humorísticos, un tono amable en general, y subtramas elementales sobre la rivalidad entre Hobbs y Shaw, obligados a formar equipo en contra de su voluntad, y la idea de recuperar las relaciones fraternales perdidas, ambos protagonistas tienen que hacer las paces con su pasado y redescubrir los lazos familiares y el cariño que importa. Al reparto se suman en esta ocasión dos actores con pedrigí, Idris Elba, el villano que es descrito en cierto momento como “un supermán negro”, y Vanessa Kirby, la princesa Margarita de The Crown. Lo de Helen Mirren, que repite como mamá de Shaw, es puro cameo, pero seguro que conlleva un sustancioso cheque.

Dexedrine Parios, llamada Dex, es una mujer joven, ex marine y ex combatiente en Afganistán, que vive en Stumptown, nombre coloquial con el que también se denomina a la ciudad de Portland, en Oregon. Sin trabajo fijo, con traumas personales debidos a la guerra y una vida disipada, en donde abundan el alcohol y las relaciones ocasionales, Dex es una mujer divertida, lista y expeditiva, con un encanto poco común. Además es una compañera ejemplar para su pequeño hermano Ansell, con síndrome de Down, un joven muy agradable que trabaja de camarero en el bar Bad Alibi (traducido por "mala coartada"), regentado por el mejor amigo de Dex, Grey McConnell, una relación que empezó en conquista amorosa y que derivó en una amistad a prueba de bombas. La desaparición de una jovencita de la reserva india cercana lleva a la jefa de ésta –vieja conocida de Parios– a pedir ayuda a la ex militar, pues conoce sus habilidades para investigar. En el curso de sus pesquisas conocerá además al agente de policía Miles Hoffman. La atractiva y empática Cobie Smulders (Cómo conocí a vuestra madre, Los vengadores) es la reina de la fiesta de esta entretenida serie de ABC que presenta a una serie de personajes con gancho y que acaban cayendo bien, aunque sus vidas no se puede decir que sean especialmente ejemplares. Estamos ante la forja de una detective aguda, pero llena de limitaciones personales que también la hacen altamente vulnerable. La cerveza es un aliado constante. Dos son principalmente esos talones de Aquiles: su relación con su hermano Ansell y el recuerdo doloroso de Afganistán, en donde murió un ser muy querido. En el caso de su hermano –a quien ella cuida con gran ternura– hay una necesidad grande de su cariño, el cual supone un caparazón contra la soledad de Dex, aunque exteriormente parezca al revés. Porque esa soledad también impide a la detective progresar en su vida, dejar atrás ciertas actitudes inmaduras y afrontar la vida adulta con todas sus consecuencias. En el plano emocional su vida se abre a multiples variantes debido a su bisexualidad, aunque principalmente intensos son sus vaivenes amorosos con Hoffman (Michael Ealy), el detective de la policía con quien compartirá sus casos. Importancia grande tiene el personaje de Grey (Jake Johnson), antiguo convicto a quien su pasado obligará a meterse en problemas en más de una ocasión. Importan también secundarios que enriquecen una comunidad social muy equilibrada, como el excéntrico chef Tookie (Adrian Martínez), la jafa india Sue Lynn Blackbird (Tantoo Cardinal) o la teniente de policía Cosgrove (Camryn Manheim). Creada por Jason Richman, Stumptown es una adaptación de la homónima novela gráfica creada por Greg Rucka con dibujos de Matthew Southworth. Los capítulos, de aproximadamente cuarenta minutos de duración, responden casi todos a diferentes casos que ha de afrontar Dex, aunque la trama general y ciertas subtramas pueden ir alargándose en la narración. La producción es estimable, sin abusar de espacios cerrados e incluyendo secuencias de acción y peleas cuerpo a cuerpo que resultan veraces. Gana la serie con el punto de humor que satina todo el conjunto, con los mordaces comentarios de la protagonista, etc., una ligereza que también se observa en la simpleza de muchas de las investigaciones, aunque no dejen nunca de entretener.

Secuela de las andanzas del personaje más gamberro y políticamente incorrecto de la factoría Marvel, el superhéroe que se mofa cínicamente del modo en que encaran su profesión todos sus colegas dotados de poderes especiales y enfundados en mallas, él combate a los villanos de turno a su peculiar manera, y poniéndose en primerísimo lugar a sí mismo. De todos modos el enamorado Wade Wilson/Deadpool podría sentar cabeza, y formar una familia con su novia Vanessa. Sin embargo la desgracia llama a su puerta y Deadpool queda sumido en una profunda depresión, sólo piensa en morirse, pero tal deseo se le niega. Quizá lo que necesita es pensar un poco en los demás: así que Coloso le propone sumarse a los X-Men, y cuando tras diversas peripecias acaba en prisión, se le presenta la oportunidad de tutelar a un mutante adolescente, Puño de Fuego, gordito, resentido y lleno de ira. Como en el film original Deadpool, de nuevo resulta fundamental el guión cargado de bromas de Rhett Reese y Paul Wernick, al que se suma el propio actor protagonista, Ryan Reynolds. Conscientes de que el humor transgresor e iconoclasta, irónico con respecto a las convenciones de las películas de superhéroes y a sus intenciones primordialmente comerciales, ha sido celebrado por parte del público, exhausto ante la saturación del subgénero, se refuerzan las bromas y alusiones, con el protagonista dirigiéndose directamente al espectador. La paradoja consciente es que se utilizan para la trama esas mismas convenciones objeto de chanza, incluso permitiéndose dar la vuelta al argumento sin rubor, todo vale en el juego metacinematográfico, cabe proponer, y que cuele, cualquier “deus ex machina”. Sea como fuere, hay un buen puñado de gags tronchantes. No faltan de nuevo las frases zafias por su doble sentido, aunque en esta ocasión hay más contención, lo que se agradece. Sorprende la habilidad para fustigar la pederastia, haciendo al espectador cómplice de disfrutar del brutal castigo a los culpables de tan execrable crimen, y hasta se hace broma con la ideología de género –X-Force sería mucho más aceptable que el machista término X-Men–, y en la batidora de jugar a varias bandas no faltan una pareja lésbica de jóvenes mutantes, o las risas acerca de una suerte de atracción entre Deadpool y Coloso. Dirige la función David Leitch, conocido sobre todo como especialista y director de segunda unidad en películas de acción, y que hasta la fecha sólo había recibido crédito como director por la olvidable Atómica. Aquí se pliega a lo que demanda el film, humor servido con un ritmo razonable y una adecuada coreografía de las escenas de acción, con violentos desmembramientos, que evitan ser realistas.

Éramos pocos y parió la abuela. Por si no se hubieran hecho suficientes películas de la saga purgadora, que contaba con un buen punto de partida, pero que luego se limitaba a variaciones sobre el mismo tema, llega ahora la serie de televisión. Y no se caracteriza precisamente por un audaz afán innovador. De modo que como en sus predecesoras, tenemos que se acerca una noche de purga, en que se aplica la iniciativa de los Nuevos Padres Fundadores de Estados Unidos de no perseguir los crímenes cometidos durante doce horas, y así lograr que lo peor de lo peor de la sociedad se elimine con enfrentamientos mutuos, aunque en medio puedan estar pobres diablos desfavorecidos que sólo desean que les dejen en paz. Así que en una de éstas, tenemos múltiples historias de personajes que vamos conociendo poco a poco, aquí a lo largo de diez capítulos: el marine que busca a su hermana, para enterarse que ha caído presa de una secta compuesta por "bondadosos" suicidas que se autoinmolan dejándose matar durante la purga; una mujer broker que se cree segura trabajando en el edificio corporativo con su equipo, los mercados no cierran; un matrimonio que acude a una fiesta benéfica ligada a los Nuevos Padres Fundadores, aunque ellos no comulguen con sus ideas extremistas, y que podría ser bastante siniestra. El esquema de la serie creada por James DeMonaco es el habitual, de modo que realmente sólo puede interesar a los incondicionales, o a los que no conozcan las películas, y por tanto la idea les pueda sonar a nueva.

Nuevas andanzas de los Guardianes de la Galaxia, los personajes de Marvel ya llevados antes a la pantalla por James Gunn, director y guionista, que da la impresión de encontrarse muy a gusto con ellos. Este volumen 2 es fiel a las señas de identidad del film que le precedió, de nuevo tenemos al equipo de buscavidas con un gran ego individual, pero también un fuerte sentido del compañerismo, integrado por el líder a lo Han Solo de la saga de La guerra de las galaxias, Peter Quill –también conocido como Star-Lord–, a la alienígena Gamora, al mapache Rocket, al descacharrante árbol.ramita Groot y al tosco y grandote Drax, con rasgos acentuados por un particular y divertido sentido del humor y por la nostalgia ochentera bien presente en temas musicales y estética colorista. Tras el cumplimiento de una misión de guardianes galácticos que desata las iras de la dama dorada y sacerdotisa Ayesha cuando descubre que Rocket ha “distraído” unas valiosas baterías, se desata una persecución que permite que Ego, presunto semidios y padre de Peter al que éste nunca conoció, establezca contacto con su hijo y procure establecer lazos paternofiliales con intenciones poco claras. Aunque de nuevo con un metraje algo excesivo, Gunn logra entregar una película dinámica y muy entretenida, con una trama que teje bien lo grande –planes malvados del villano de turno para sojuzgar el universo mundial, que dan pie a comportamientos heroicos en quienes no parecían capaces de ellos– y lo pequeño –conflictos domésticos y familiares de los personajes bien trazados: la relación de Peter Quill con Ego, más quien hizo las veces de padre con él, el contrabandista Yondu, el encuentro de Gamora con su hermana Nebula con la que mantiene una enemistad mortal, los desahogos cómicos de Drax con la empática e inocente Mantis, comparables a los que comparten Rocket y Root...–, y donde una vez más da la sensación de que esta saga podía formar parte perfectamente del universo Star Wars, a modo de spin-off sobre el mundo de los contrabandistas y aventureros que pueblan la galaxia. Es cierto que los efectos de naves y rayos, cuando se acerca la destrucción total, pueden agotar a más de un espectador, pero ahí no falla en unas cuantas ocasiones el recurso a canciones marchosas de ayer y de siempre. A los actores presentes en el anterior film, presentes con voz o muy caracterizados (Chris Pratt, Zoe Saldana, Bradley Cooper, Vin Diesel, Dave Bautista, Michael Rooker), se suman nuevos valores (Elizabeth Debicki, que sorprendió en la serie El infiltrado) y veteranos como Sylvester Stallone y Kurt Russell.

La malhumorada adolescente Jamie Mitchell siente que su nueva madrastra está arruinando su vida. Acaba de llegar a casa tras un viaje con ella, su padre y su hermano menor, obsesionado por los videojuegos, cuando se presenta su tío, Matt, que ha tenido un problema. Al llegar la hora en la que todos están a punto de irse a la cama, les sobresalta un ruido en la entrada. Acaba de irrumpir en el hogar un grupo de intrusos enmascarados que les propondrá un macabro juego. Los Mitchell ignoran que se transmitirá todo lo que ocurra por internet. Debut en el largometraje del poco ambicioso Sean Carter, que se apunta al carro de las películas de ‘metraje encontrado’ al estilo de El proyecto de la bruja de Blair. Esto significa que toda la acción, salvo un boletín de noticias que aparece al principio, está supuestamente rodada realmente por cámaras ocultas en el escenario donde transcurre el film, lo que ofrece cierta sensación de realidad, pero por otro lado no acaba de lograrse sensación de suspense, las imágenes resultan un tanto insulsas. Entre los actores, sólo la resuelta Bella Thorne (Amor a medianoche) aporta algo de realidad a su tópico personaje, los demás, incluido el experimentado Ioan Gruffudd (Los 4 Fantásticos), ni siquiera tienen mucho margen para poder dar a los suyos algo de humanidad. Se advierte cierta pretensión de que el film alerte del lado oscuro de internet, en la línea de advertencia sobre los peligros de las tecnologías de la serie Black Mirror. Quizás su principal escollo sea un desarrollo demasiado convencional. Pero tampoco ayuda que tenga que suspenderse demasiado la credibilidad, pues se supone que lo que sucede lo están viendo miles de personas, y hasta se apunta que se elige un hogar al azar de vez en cuando para repetir una transmisión similar, sin que parezca que la policía esté haciendo algo para evitarlo.

Tras vengarse de la muerte de su esposa y de su perro, el antiguo asesino a sueldo John Wick intenta regresar a la tranquilidad de su retiro. Pero un líder mafioso le hará una oferta que no podrá rechazar, así que irá a Roma para matar a la hermana de éste, que una vez desaparecida ocupará su sillón en una organización de capos. Tras varios años de capa caída, Keanu Reeves logró un extraordinario éxito en taquilla, sobre todo en Estados Unidos, con John Wick. Supuso el debut como realizador de Chad Stahelski, coordinador de especialistas de Matrix. El dúo vuelve a hacer tándem en la secuela, a la que se ha apuntado también –para un papel muy secundario– Laurence Fishburne, que fue Morfeo en la saga de ciencia ficción. Si en la anterior ya se notaba demasiado la procedencia del realizador, esta segunda parece concebida para enseñársela a los de su gremio, pues consiste en una sucesión de interminables secuencias de acción, y poco más. Quienes se aburran si éstas duran más de tres minutos no encontrarán mucho más en el film. Salvo por un par de golpes de humor, los diálogos son bastante lacónicos, por lo que se desaprovecha a actores tan solventes como Ian McShane, John Leguizamo o Bridget Moynahan. Si Reeves se hubiera rapado el pelo, John Wick. Pacto de sangre no se diferenciaría demasiado de cualquier film de Jason Statham, y si se deja coleta parecería una de Steven Seagal. Para alegría de los incondicionales, el final parece dejar abierta la puerta a una tercera entrega.

Adaptación del cómic de Antony Johnston y Sam Hart, su trama de espionaje transcurre en fechas próximas a la caída del muro de Berlín. Estructurada en torno al interrogatorio a que es sometida la agente británica del MI6 Lorraine Broughton por su superior y un colega de la CIA, ella explica en sucesivos flash-backs lo ocurrido días antes en Berlín, donde acudió a repatriar el cadáver de un colega, pero sobre todo a recuperar una lista caliente de espías que podría echar abajo toda la red de agentes que opera en el Este, de caer en manos de la KGB. A pesar de viajar de incógnito, nada más intentar el contacto con el jefe de estación David Percival intentan matarla, y eso es sólo el comienzo. Debut en la dirección de largometrajes del especialista en escenas de acción David Leitch. Se nota que es un experto en la materia, pues la película está atravesada de dinámicas escenas de acción, con abundantísima violencia desagradable, de milimetrada coreografía. Además hay un diseño de producción estiloso, a la hora de recrear el Berlín con el muro pintarrajeado en el lado occidental, distintos garitos nocturnos, incluso con escenas bajo el agua. Pero donde el film no funciona es en su historia, de cuyo guión es responsable Kurt Johnstad, que firmó los libretos de 300 y su secuela, adaptaciones de cómic, más la olvidable cinta de acción sobre los Navy Seals Acto de valor. Baste decir que los giros sorpresivos –sorpresivos hasta cierto punto–, dejan una pobre impresión, no impactan de verdad. Los personajes son planos, pese a estar interpretados por actores carismáticos, ya sean los populares –Charlize Theron, James McAvoy, John Goodman, Toby Jones–, la en alza Sofia Boutella, o los más exóticos pero eficaces Bill Skarsgård y Eddie Marsan. Y no hay emoción alguna en el amor lésbico de diseño de Lorraine por una francesita, ni en las tribulaciones del espía Spyglass que quiere pasar al Oeste con su familia. Además, falta verdadera gracia y sobre chulería a la pose cínica de algunos personajes.

Nueva York- Tras la violenta muerte de su familia, Frank Castle se ha convertido en un brutal justiciero, para el que todo vale con tal de aniquilar a los delincuentes. Cuando le envían una cinta con grabaciones de la Guerra de Afganistán, en donde se ve cómo se asesina y tortura a afganos por parte de un grupo estadounidense, todo el brutal pasado de Castle se actualiza; en su camino se cruzará además con la agente Madani, que también investiga la muerte de un policía de su equipo en Kandahar. Netflix concede una serie propia a The Punisher, personaje Marvel que tras varios intentos fallidos de traslado a la gran pantalla, fue aclamado cuando apareció en la segunda temporada de la serie de la plataforma Daredevil. Ofrece lo que se espera, por ejemplo reencuentros con personajes conocidos de las producciones hermanas de la casa, y aunque tarda un par de entregas en arrancar, después trae grandes dosis de acción, eso sí, más violentas de lo acostumbrado. De nuevo el protagonista vuelve a estar interpretado por Jon Bernthal, perfecto como un individuo ofuscado, lo que apasiona a los fans. Sin embargo, conforme se suceden los capítulos empieza a resultar evidente que no se aprecia ningún arco de evolución en su personaje. Así, a juzgar por los flash-backs del pasado, antes del suceso que cambió su vida ya estaba igual de loco, y posteriormente no muestra ningún signo de arrepentimiento tras masacrar a criminales. Otro punto débil reside en la falta de un villano de entidad, como Vincent D’Onofrio en la piel de Wilson Fisk, antagonista del héroe ciego, o David Tennant como Kilgrave, que se enfrenta a la protagonista de Jessica Jones. Al final todo esto acaba pesando.

Travis Conrad es un asesino a sueldo, uno de los mejores hombres de Wetzler, importante hombre de negocios, mafioso sin escrúpulos. En una misión Conrad caerá muerto, sin embargo sus socios usarán una técnica revolucionaria para devolverle la vida, con la intención de conseguir algo que sólo puede darles Conrad. Pero sólo tendrá 24 horas para cumplir su misión. Correcto producto de acción, con leve elemento de ciencia ficción, en donde, sin embargo, entre tanta persecución, explosión y tiroteos, no se escapa el bajo presupuesto del proyecto. Aun así el guión sobrevive mínimamente y se saca buen partido al tema de la redención del criminal. Cuenta además con la presencia de actores de cierto calado, entre ellos el protagonista Ethan Hawke, en uno de esos papeles tan suyos de desquiciado atormentado. Junto a él destacan Liam Cunningham como el mafioso y un ya talludito Rutger Hauer en un jugoso papel.

Decenas de trabajadores quedan atrapados en un edificio de la empresa Belko en Bogotá, cerrado herméticamente. Una voz les anuncia que se trata de un juego macabro en el que han de matarse unos a otros. Angustiante thriller de terror que parte de una premisa poco novedosa y que responde al clásico experimento sociológico acerca de las maldades que es capaz de cometer el ser humano cuando se ve en una situación límite. Destaca el reparto lleno de actores conocidos, aunque ninguno de los intérpretes sea una superestrella. La dirección por parte de Greg McLean (El territorio de la bestia) es eficaz.

Una de esas películas a las que le va como anillo al dedo el adjetivo de "fallida". Y es una pena, porque su arranque resulta muy prometedor, pues se nos habla de una poderosa industria farmacéutica y del suicidio de un testigo que iba a declarar contra ella, por comercializar un fármaco a pesar del conocimiento de sus perniciosos efectos secundarios. De ahí saltamos a un despacho de abogados donde Tom, procurador haciendo méritos, es despedido sin contemplaciones. Pero quizá salve el día cuando se queda encerrado en la oficina, donde un matón de la mafia quiere hacer desaparecer pruebas que comprometen a su jefe en un juicio. Joe Johnston es un director apañado, que se ha adentrado con profesionalidad en los mundos de Capitán América y Parque Jurásico, pero aquí maneja una historia que da para rodar escenas de persecución e intriga desasosegantes, pero en el marco de una trama con más agujeros que un queso gruyere. De hecho el desenlace para improvisado, como si no hubiera una forma coherente de concluir, y se haya finalmente optado por una especie de broma barata. La breve duración de la cinta, y lo esquemático de los personajes, incluido el protagonista de Max Minghella, invitan a especular sobre posibles problemas de producción que han derivado en un montaje que trata de salvar los muebles, y poco más.

El hijo de un gángster ruso entra a robar con unos compinches en casa de John Wick, al que arrebatan su coche del 69, no sin antes matar a Daisy, la perrita que le regaló su mujer... ¡antes de fallecer! Grave error. Desconocen que el tal Wick antes de retirarse fue el matón más brutal e implacable de la mafia, por lo que no se va a tomar a broma precisamente su venganza... Keanu Reeves ha resucitado su carrera, al menos en Estados Unidos, con esta cinta, que supone el debut en la realización de David Leitch y Chad Stahelski, directores de especialistas y dobles de acción de su película Matrix, entre otros destacados títulos. Éstos se concentran en lo que mejor saben hacer, las coreografías de golpes. El film acaba resultando un poco cojo, pues el guión no sólo acumula todos los tópicos posibles del género de venganza, sino que tras el arranque no ofrece muchas más sorpresas. Recuerda mucho a los filmes de Liam Neeson en esta línea, aunque aquí todo resulta mucho más violento sin necesidad. Al menos, Reeves se lo ha tomado más en serio que en sus interpretaciones de los últimos años, por lo que por una vez vuelve a resultar convincente. Y cuenta con el respaldo de competentes secundarios como Michael Nyqvist, protagonista de la versión sueca de Los hombres que no amaban a las mujeres, padre del torpe villano, muy expresivo cuando su personaje se entera de la idiotez llevada a cabo por su hijo.

Tras la muerte de su madre, una joven sufre el odio de su malvado padrastro, que desquiciado por haber perdido la herencia, acusará a la joven injustamente de haber matado a su hermana pequeña. Finalmente, llegará a un acuerdo fraudulento con una institución mental para que den por loca a la joven y le practiquen una lobotomía. La chica tiene tres días para intentar escapar del horrible lugar e imaginará otras realidades paralelas para mantener intacta su libertad. En ese estado la joven adoptará el nombre de Baby Doll (muñequita).               Zack Snyder, uno de los cineastas modernos con mayor proyección debido a su impactante estilo visual, dirige este film de planteamiento rebuscado y efectos especiales apabullantes. Como ya hizo en 300 o Watchmen, Snyder se recrea –quizá excesivamente– en el envoltorio formal, ofreciendo imágenes de estilo muy personal, como si de un cómic realista se tratara, con una paleta de colores oscura, densa, irreal, que recuerda a la de otros filmes como Sky Captain y el mundo del mañana. Y la cámara lenta, las aceleraciones efectistas, la omnipresente música cañera a todo volumen, los movimientos de cámara a lo Matrix, etc., son el complemento a esas imágenes. Pero además Snyder se muestra muy audaz esta vez, pues el propio planteamiento le da la posibilidad de crear tres mundos distintos, cada uno con su look particular: el que se supone real, con su llegada a la institución mental; el imaginado por la protagonista, al transformar el manicomio en una especie de club de alterne en el que las reclusas reciben clases sobre el arte de entretener a los clientes; y finalmente, pero mucho más desconcertante y surrealista, el que Baby Doll imagina cuando actúa para los clientes, consistente en un inmenso escenario bélico, apocalíptico a lo Terminator, donde ella y otras reclusas, convertidas en guerreras expertas, deben cumplir con una misión para acabar con el enemigo, una especie de nazis en versión zombis-futuristas. Como se puede imaginar, el gran peligro de tal mejunje narrativo y visual es el desconcertar demasiado, de modo que el interés por el argumento acabe por desaparecer. Y eso ocurre, por desgracia. A mitad del film es inevitable preguntarse por qué esa parafernalia, por qué tantos fuegos artificiales para... nada. Snyder intenta, claro, rellenar la trama de sentido con algunas frases sugerentes, pero que suenan a eso, a puro relleno. Sólo se salva la idea principal, la de que, pase lo que pase, nadie nos puede arrebatar la libertad interior, el poder de nuestra imaginación para huir de la realidad. De cualquier forma, quizá el público más joven disfrute de este epatante espectáculo digital pero desde luego resulta un film vacío, fallido en su conjunto. También podría haber un serio fallo de casting en la elección de Emily Browning (Presencias extrañas) como protagonista; probablemente cualquiera de sus compañeras hubiera tenido más tirón: Abbie Cornish, Jena Malone, Vanessa Hudgens e incluso Jamie Chung.

Segundo trabajo como realizador de Chris Gorak, que dirigió la poco conocida En la puerta de casa, y anteriormente había sido director artístico de títulos como El club de la lucha y El hombre que nunca estuvo allí. Cuenta con el apoyo como productor del ruso Timur Bekmambetov (Guardianes de la noche). Los jóvenes Sean y Ben viajan a Moscú para ultimar un negocio de internet con Skylar, un empresario sueco. Pero éste les ha robado la idea y ni siquiera esperaba verles. Desilusionados, los chicos visitan un club nocturno de moda, donde hacen amistad con una pareja de americanas de viaje turístico, y también descubren que uno de los clientes es Skylar. En medio de la velada, la ciudad sufre la invasión de unas criaturas alienígenas que parecen ondas electromagnéticas, prácticamente invisibles, salvo porque su presencia se puede detectar mediante cualquier aparato eléctrico. Acaba siendo otra película de invasiones alienígenas, cuya única originalidad es que la trama tiene lugar en la capital rusa. La fotografía le saca mucho juego a localizaciones significativas de esta ciudad, y las imágenes de sus calles vacías, al estilo del Nueva York de Soy leyenda, resultan sugerentes. Cuenta también con un buen reparto encabezado por Emile Hirsch, Max Minghella y Olivia Thirlby, Sin embargo, desde el principio queda claro que transita por lugares comunes, y de hecho se estrena después de Skyline e Invasión a la Tierra, con las que guarda múltiples similitudes. Además, el guión es predecible, los personajes bastante planos y los diálogos desastrosos. Todo está supeditado a los efectos especiales, que si bien son aceptables, tampoco son especialmente rompedores.

Creado en 1932 por el escritor Robert E. Howard, Conan el bárbaro, es un personaje emblemático del subgénero de espada y brujería. Alcanzó la popularidad, sobre todo por las adaptaciones al cómic, de Marvel y muy posteriormente Dark Horse. En 1982, John Milius fue el responsable de una notable versión cinematográfica que lanzó a la fama al entonces desconocido Arnold Schwarzenegger, que tenía un aspecto físico idóneo para interpretar al personaje. Richard Fleischer dirigió en 1984 Conan, el destructor, una desmejorada secuela. La madre de Conan da a luz en plena batalla cuando está herida de muerte. El chico crecerá junto a su padre en un pueblecito cimmerio cuyos habitantes ocultan un fragmento de una antigua corona que posee grandes poderes. En busca de este objeto acude al lugar un codicioso individuo acompañado de su hija bruja y de un ejército que aniquila a la población, incluido el padre de Conan. Éste se convertirá años después en un musculoso guerrero, que arriesga su vida para liberar esclavos y otras causas justas. Encontrará el rastro del hombre que masacró a su pueblo, tras reencontrarse ocasionalmente con uno de sus secuaces. La película recupera el esquema del film de Milius, también en torno a la venganza, aunque la trama es completamente diferente. Pero no resiste ni de lejos la comparación, ya que su predecesora tenía un tono épico que no logra en ningún momento el anodino experto en remakes Marcus Nispel (Viernes 13, El guía del desfiladero). Es posible que los menos exigentes y los incondicionales del personaje se conformen con la sucesión de coreografías aceptables, y efectos especiales logrados, a ritmo ‘videoclipero’, pero el film tiene un guión predecible y poco trabajado, y todo resulta excesivamente insulso, ya visto en otras películas, como una batalla contra monstruos de arena que recuerda a Spider-Man 3. Tampoco resultan convincentes las interpretaciones, especialmente por parte de Jason Momoa, que se limita a poner gestos de bruto. Puesto que no logra hacer olvidar a Schwarzenegger, produce la sensación de estar viendo un Tarzán sin Johnny Weissmuller. Si a principios de los 80 chocaba la crudeza de la cinta de Milius, el realizador se limitaba a no ocultar los aspectos más sórdidos, ni el erotismo de ciertas secuencias, pero nada resultaba forzado ni se alargaba en exceso. Llama la atención que esta nueva versión se regodee en excesos violentos, con detalles propios del cine gore, lo que le quita realismo. También parece que el film se detiene para recrearse en la exhibición de la anatomía femenina, y en una alargada y morbosa secuencia de sexo.

Hank Moody ha acabado en la cárcel. Decide que si quiere recuperar a su esposa deberá cambiar radicalmente de estilo de vida. Mientras contrata a una abogada para que le defienda, un director de cine y un productor quieren llevar al cine su novela robada. La protagonizará Sasha Bingham, atractiva actriz interesada en seducir a Hank Moody. La cuarta temporada de la serie subida de tono de David Duchovny cuenta con recién llegados como Carla Cugino, que interpreta a la abogada de Duchovny.

Tom es un maduro oculista viudo, afincado en Estados Unidos, feliz en su pequeño mundo donde el máximo aliciente vital lo ofrecen sus partidos de golf. En cambio su hijo tiene ganas de ver mundo, y precisamente en su aventura de hacer el Camino de Santiago muere en un accidente. Tom debe acometar la ingrata tarea de viajar a Francia a hacerse cargo del cadáver. Pero una vez allí, decide tomar el relevo de su hijo, y con sus cenizas hacer el Camino juntos. Van a ser varias semanas en que va a sufrir una transformación, el suyo es un viaje no sólo físico sino interior, donde le enriquece el contacto con otras personas que también tienen sus razones para peregrinar a Santiago de Compostela. Agradable película de Emilio Estevez, con su padre Martin Sheen como protagonista. No tiene la complejidad y riqueza de Bobby, aunque comparte con este título la presentación de una amplia galería de personajes, descritos con rasgos que los humanizan. No son perfectos, pero todos anhelan la paz interior y la felicidad, las buscan no saben dónde ni cómo, y su peregrinación es una forma de encauzar esos buenos deseos. Del film se agradece la falta de pretensiones y que logra trasladar la vivencia única de lo que es hacer el Camino de Santiago: variadas razones personales, incluidas por supuesto las espirituales, y la camaradería que surge entre los que se conocen con esa ocasión. El reparto es magnífico, con algún momento dramático intenso –sobre todo en el personaje de Deborah Kara Unger–, aunque se echan en falta más emociones genuinas; prima la normalidad, lo que está bien –los histerismos o la visión grotesca de otras cintas sobre el Camino son un poquito insoportables–, pero hasta cierto punto. Es buena la selección de canciones, pero en algunos momentos da la sensación de que estamos ante una película eminentemente promocional del Camino en su aspecto turístico –la Xunta de Galicia ha ayudado en la financiación–, y esto lastra la cinta, distrae innecesariamente.

El imaginativo director Zack Snyder obtuvo un gran éxito con 300, adaptación de un famoso cómic de Frank Miller. Ahora, se atreve a llevar a la gran pantalla Watchmen, la cumbre del género de superhéroes, una obra maestra elaborada en 1986 por el guionista Alan Moore y el dibujante Dave Gibbons, que muestra de forma realista cómo sería el mundo si los enmascarados justicieros existieran. La obra conectaba con el público adulto, pues supuso una ruptura con lo que se publicaba por aquel entonces, casi siempre historias con mucha acción y nulo contenido, para adolescentes. Desde el mismo momento de su publicación se empezó a hablar de su versión cinematográfica, un proyecto que ha estado a punto de ser llevado a cabo por grandes nombres como Terry Gilliam, Darren Aronofsky y Paul Greengrass. Al final el film ha llegado en un buen momento, pues su vuelta de tuerca desmitificadora de los superhéroes desembarca en los cines cuando están de moda en la pantalla las peripecias de este tipo de uniformados con poderes. Sin ánimo de entrar en odiosas comparaciones, Watchmen se disfruta mejor si se conoce el género, como Sin perdón si se han visto antes los grandes westerns, por citar un ejemplo. Una de las principales pegas a priori es la complejidad de un argumento que se extiende a lo largo de más de 400 páginas, y que tiene muchas subtramas y personajes. Snyder ha logrado una gran concisión narrativa, ayudado por un buen libreto de David Hayter (X-Men) y el debutante en cine Alex Tse, que han apostado por la claridad expositiva, incluso en pasajes deliberadamente crípticos de su modelo. Aún así, es posible que al espectador neófito –que no conozca previamente la historia– le cueste asimilarlo en un primer visionado. La acción se desarrolla en 1986, en Estados Unidos. Pero el mundo no es tal y como lo conocemos en la realidad, por una serie de sucesos que han cambiado la historia. Por ejemplo, Richard Nixon sigue siendo el presidente de los Estados Unidos, sobre todo porque este presidente ganó la guerra de Vietnam con la intervención del Dr. Manhattan, un científico que tras sufrir un accidente obtuvo poderes sobrehumanos que le permiten manipular la materia a voluntad. Años atrás, surgió una oleada de vigilantes (watchmen) enmascarados, que alarmados por el aumento de la delincuencia, decidieron patrullar las calles. Ninguno de ellos tenía superpoderes, como el Dr. Manhattan, pero usaban sofisticados vehículos, variados artilugios y vistosos uniformes. Antes del acta gubernamental que prohibió las actividades superheroicas en los 70, varios de estos vigilantes formaron los Minutemen, un famoso grupo de superhéroes. Ahora, uno de sus miembros, Edward Blake, conocido en su momento como El Comediante, es brutalmente asesinado por un desconocido. Investiga el asunto Rorschach, un psicópata que sigue ejerciendo de justiciero en la clandestinidad. Rorschach está convencido de que alguien está eliminando a los superhéroes enmascarados, y decide advertir a varios de ellos: Ozymandias, Búho Nocturno, Espectro de Seda II y al propio Dr. Manhattan. Su tono oscuro, violento y descarnado aleja esta desesperanzada cinta de los espectadores más sensibles, pero Snyder muestra su habilidad para crear imágenes potentes, muy fieles a las viñetas originales, que no dejarán a nadie indiferente, aunque no les interese la historia. Y las ha sabido aliñar con una banda sonora muy acertada, compuesta por clásicos del rock –de Leonard Cohen, Bob Dylan y hasta Simon y Garfunkel–, que subrayan a la perfección los momentos más dramáticos. No sólo se luce en muchos momentos –el asesinato inicial, las rebeliones callejeras, la guerra de Vietnam, el motín en la cárcel, el paseo por Marte del Dr. Manhattan, y tantos otros– sino que además le saca partido a los numerosos símbolos que había en el original –la sonrisa ensangrentada, los omnipresentes relojes, las manchas del test de Rorschach, etc–, que tienen mucho que ver con la historia. Como Snyder logró un gran éxito de taquilla con 300 sin necesidad de grandes estrellas –por aquel entonces Gerard Butler y Lena Headey eran prácticamente desconocidos–, ha vuelto a apostar por actores correctos, pero que carecen por sí mismos de tirón en las taquillas. Resulta especialmente convincente Patrick Wilson –en un personaje, Búho Nocturno, algo tímido y apocado–, Malin Akerman –una mujer, Espectro de Seda II, acomplejada por el recuerdo de su madre, que mantiene una relación sentimental bastante inusual con el Dr. Manhattan– y Matthew Goode –cuyo personaje, Ozymandias, es el que tiene una postura más compleja de defender en escena–. Transformado por los efectos especiales, Billy Crudup es un convincente Dr. Manhattan. En general, todos hacen un buen trabajo, aunque otros actores superiores le habrían podido sacar más tajada dramática a la historia. Pesa un poco la obsesión de Snyder por reconstruir en la pantalla los dibujos originales, pues demasiado a menudo da la impresión de que sus actores están posando para el dibujante, o adoptan posturas que parecen irreales. Al tiempo que se recrea en varios detalles de brutalidad un tanto abruptos, resultan un poco fantasiosas sus secuencias de acción al estilo del cine moderno, y ha optado por mostrar imágenes de contenido sexual explícito. También abusa del croma, fiel a su propio estilo, lo que no acaba de resultar del todo convincente, si bien en esta ocasión –a diferencia de 300– acierta al combinar esta técnica con decorados reales. Al condensar la enorme variedad temática de las viñetas, el film puede resultar excesivamente pretencioso, pues trata de abarcar asuntos tan variopintos como el tiempo –de ahí sus numerosos relojes–, los sentimientos humanos, la capacidad de empatizar con los demás y sobre todo el idealismo y el heroismo, y su choque con la realidad. La principal aportación de Snyder es que logra actualizar el argumento, que se había quedado desfasado en lo referente a la carrera nuclear entre Estados Unidos y la URSS, pues aún existían las dos superpotencias cuando se editó la obra. Consigue –sin cambiar ningún elemento esencial– adaptar sus advertencias contra el peligro de los avances armamentísticos a la era post 11 de septiembre. Además, ha sabido subrayar lo que para muchos es lo más valioso, las complejas reflexiones del cómic ante el relativismo moral, representado por las diversas posturas de los protagonistas ante las injusticias del mundo. Mientras que Rorschach es un radical, algo fascistoide, que defiende la necesidad de tomarse la justicia por su mano y aplastar a los delincuentes, El Comediante poco a poco es descrito como un hedonista cercano al nihilismo, capaz de las mayores atrocidades en beneficio propio, y Ozzimandias resulta ser un utilitarista que justifica acciones dudosas si traen consigo el bienestar de la mayoría de la población.

Escocia, año 2008. Un virus letal asola a la población. Su capacidad mortal es tal que se piensa que puede ser el inicio del fin de la raza humana, por lo que se aísla a Escocia con toda su población. Han pasado 25 años y en Londres se detectan nuevos casos producidos por el ya conocido como virus Segador. Para evitar el desastre, la comandante Sinclair es enviada junto a un equipo a la aislada Escocia, donde esperan encontrar un remedio para la epidemia. El arranque de la historia es bastante prometedor. Una madre y su hija se unen a la multitud para abandonar Escocia antes de ser contagiados con el virus. La dureza de estas primeras imágenes es brutal, pues la desesperación se ha hecho presa de los seres humanos que cometen todo tipo de atrocidades. Sin embargo, la película va perdiendo interés poco a poco. Lo que sí es constante durante todo el metraje es la violencia, los ríos de sangre y el gusto por mostrar cuantas y variadas maldades es capaz de hacer el ser humano, incluido un banquete caníbal no apto para los estómagos más sensibles. Eso de que el hombre es un lobo para el hombre se queda en un juego de niños, pues al lado de Doomsday, el lobo es un simpático animal de compañía. Panoramas tan desoladores los hemos visto en otros títulos como en la reciente Hijos de los hombres. De hecho, esta cinta guarda ciertas similitudes con el buen trabajo que firmó Alfonso Cuarón. Y he aquí el gran fallo de la película. Ha tomado tanto prestado de otros títulos, que el resultado se ha convertido en un amasijo de estéticas y situaciones que rozan el ridículo. Las calles desérticas y la presencia del virus recuerdan a títulos como 28 días después o 12 monos; los rebeldes habitantes de Escocia tienen un aire a Mad Max aderezado con un toque Escape de Absolom; la verde campiña escocesa y el castillo del cacique Kane son de chiste, pues parece que en cualquier momento va a aparecer Martin Lawrence para convertirse en un moderno Lancelot en El caballero negro. Por no hablar de que el look de Rhona Mitra es sospechosamente parecido al de Kate Beckinsale en Underworld. Curiosamente, el director y los productores reconocen que querían rendir homenaje a películas de toda la vida tipo la trilogía creada por George Miller. Pero lo cierto es que la cosa se les ha ido de las manos y han creado una película en la que casi cualquier cosa es posible. Y esto no siempre es bueno.

El patetismo de unas vidas dedicadas sólo al sexo. Segunda temporada de la serie muy subidita de tono producida por Showtime y protagonizada por David Duchovny. La cosa arranca con su personaje Hank y su novia Karen marchando a Nueva York, dispuesto a que él se haga una vasectomía. En otro episodio se montará un escándalo con despido laboral porque circulan unos vídeos de Charlie masturbándose.

Ultimátum a la Tierra (1951) es uno de los grandes clásicos del cine de ciencia ficción. En su primera incursión en el género, Robert Wise advertía de los riesgos del peligro nuclear mediante la historia de un extraterrestre, Klaatu, que aterriza en Washington. Su misión, advertir de que si continúa la proliferación nuclear, los humanos se convertirán en una amenaza peligrosa y el resto de planetas se verán obligados a destruirles. El mensaje pacifista era tan sencillo como contundente. Ahora, el director Scott Derrickson, responsable de El exorcismo de Emily Rose, acomete la tarea de adaptar el film a los nuevos tiempos, y de hecho cambia el fondo nuclear por un mensaje ecológico. Keanu Reeves ha heredado el papel de Klaatu (Michael Rennie) en el original, que esta vez aterriza en Central Park, en pleno Nueva York, junto con Gort, un robot letal que le sirve de guardaespaldas, y que se desactiva con la orden ‘Klaatu barada nikto’. Herido por el ejército, Klaatu es transportado a un hospital, donde le reaniman. Tras advertir a los humanos de que van a ser eliminados, escapará del centro ayudado por Helen Benson, una científica viuda, y su hijo. Helen averigua que Klaatu está en la Tierra para evaluar si los humanos –que van a ser eliminados por destruir el planeta– tienen alguna posibilidad de cambiar, pero realmente no cree que sean capaces. Tras un inicio prometedor –la científica es reclutada con gran misterio junto con otros científicos, en unas secuencias que recuerdan muchísimo a Encuentros en la tercera fase–, lo cierto es que la historia se estanca tras la fuga del hospital. Derrickson se ha dejado seducir por las posibilidades de los modernos efectos especiales, y se decanta por mostrar grandes destrucciones, en detrimento de la historia. Quizás ha sido alentado por los productores, pues en algunos momentos parece que el objetivo es una exhibición de efectos al estilo de cintas catastrofistas como El día de mañana. Éstos no están a la altura del film de Roland Emmerich, pero son lo bastante eficaces. Tanto Jennifer Connelly como el jovencísimo Jaden Smith, hijo del Príncipe de Bel-Air, son bastante expresivos. Por contra, esta vez Keanu Reeves parece bastante perdido con su personaje. Se supone que Klaatu tiene una pinta amenazadora, aunque en realidad es un personaje con un fondo bondadoso. Hacia la mitad, la trama es un tanto confusa, y no se sabe exactamente cuáles son las verdaderas intenciones de Klaatu, lo que ha debido desconcertar bastante al protagonista de Matrix.

Tercer largometraje del músico y especialista en terror Rob Zombie, tras las prescindibles La casa de los 1000 cadáveres y Los renegados del diablo, muy influidas por las películas setenteras de Tobe Hooper, Wes Craven y John Carpenter. Precisamente, Carpenter fue el  responsable de La noche de Halloween, film que ahora revisita Rob Zombie, de forma particular, pues por una parte es un remake del film, pero también es una precuela, que muestra detalles de la juventud del asesino Michael Myers, en una línea similar a Hannibal. El origen del mal, La matanza de Texas: el origen, Batman Begins o  La venganza de los Sith. De esta forma, el film comienza mostrando la desdichada infancia de Myers, en el seno de una familia desestructurada. Su padrastro tiene problemas con el alcohol, la madre es bailarina de striptease y la hermana está obsesionada con mantener relaciones sexuales con su novio. Tras asesinar brutalmente al padrastro y a la hermana, Myers es recluido en un psiquiátrico, donde le atiende el Dr. Loomis, que apenas puede hacer nada por él. Pero años después, Myers escapa del psiquiátrico y regresa a Haddonfield, su pueblo natal, donde desatará el terror. La principal aportación de Zombie es el nuevo look de Myers, con su máscara deshecha y el cabello largo, y además, añade mucha más sangre. Aunque recupera muchas secuencias de asesinatos del original, las filma de forma más violenta, y su asesino es más salvaje y agresivo. Como en sus anteriores películas, Zombie no se autocensura precisamente a la hora de mostrar los detalles más escabrosos. Y sin embargo, no es capaz de producir suspense en ningún momento, pues el espectador sigue el metraje con frialdad, porque apenas tiene tiempo de identificarse con las víctimas. Los actores no son especialmente memorables, aunque cumple con eficacia el veterano Malcolm McDowell, que interpreta al  Dr. Loomis, personaje que bordó en su momento Donald Pleasance.

Adaptación del conocido cómic de Frank Miller, que narra el enfrentamiento de los 300 guerreros espartanos del título, comandados por el rey Leónidas, contra las numerosísimas tropas del decadente monarca persa Jerjes, en la Batalla de las Termópilas, acontecida en el 480 a.C. El film ofrece un montón de combates bestiales, con el telón de fondo del amor ardiente de la reina Gorgo, las intrigas palaciegas en Esparta alentadas por un tipo vendido, y la traición de otro personaje feo, feísimo, que se diría un cruce de Gollum y el jorobado Quasimodo. Muy vistosa... Muy, muy violenta... Y muy, muy, muy hueca. Después de tropezar en el cine que intentaba seguir la estela de Gladiator con Troya y Alejandro Magno, Warner, sin saber cómo, ha arrasado en taquilla con esta nueva incursión en el cine épico. Eso sí, escarmentada la productora, había contratado a un director desconocido y un reparto baratito, por si las moscas. No hay mucho que contar sobre el film. Mucho efecto digital y fotografía irreal, que son resultones pero empiezan a cansar; batallas con todo tipo de guerreros crueles y deformes; mucha flecha al estilo 'martirio de San Sebastián' y mucha cabeza decapitada; unos cuantos discursos supuestamente vibrantes; subtrama romántica, a ver si el público femenino entra al trapo... ¡Y hala!, a ver qué pasa. Y el 'qué pasa' es un film donde al heroísmo le falta consistencia, capacidad de conmover: no se sabe muy bien qué ideales son esos que mueven a los espartanos; pero que se ha estrenado en el momento adecuado para hacer diana en la taquilla.

Hank Moody fue un escritor de éxito. Sin embargo, lleva años sin escribir una nueva novela porque no le llega la inspiración. Aunque sigue enamorado de su ex mujer, Karen, a punto de casarse con otro hombre, Hank es un seductor que conquista a cuanta mujer se le pone a tiro. David Duchovny interpreta a un cínico adicto al sexo en esta serie nihilista, pero con cierto toque romántico que sin duda fue clave en el éxito cosechado.

Bill, sheriff de Wheelsy, típico pueblecito americano, investiga la asombrosa desaparición de diversas reses y animales. Descubre que asola el lugar una plaga de repugnantes gusanos de pequeño tamaño, que se introducen en el interior del cuerpo humano. Uno se mete dentro de Grant Grant, un tipo adinerado, que se transforma en una especie de monstruo. James Gunn ostenta un curioso récord. Al parecer fue el primer guionista americano en ocupar dos semanas seguidas el número uno de las listas de recaudación, cada una con una película diferente: El amanecer de los muertos y Scooby Doo 2. Ahora, debuta como director con una cinta de pequeñas criaturas asquerosas, que recuerda a títulos como Slugs, muerte viscosa o Vinieron de dentro de, de David Cronenberg. Se nota que Gunn procede del gore, por sus toques de humor negro y porque conserva un tono algo salvaje. Cuenta como protagonista con Nathan Fillon, correcto actor que descubrió en Serenity, dirigida por Joss Whedon, íntimo amigo de Gunn, que comparte con él el gusto por las referencias a clásicos del cine fantástico en clave de humor.

Es habitual que de forma consciente o no, los directores de cine de terror revisiten Psicosis, una de las cumbres del género. No es difícil rastrear elementos de este film en Viernes 13, obra de referencia para el gore más sangriento de los 80, con una madre posesiva y su hijo asesino, y en la reciente Hostel, su equivalente del nuevo milenio, que transcurre en un hostal-trampa. Homenajea también a la cinta de Hitchcock Gregory Dark, que se pasa al terror tras una larguísima trayectoria como director de porno duro. Con semejantes antecedentes, no es difícil adivinar que lo que en Hitchcock era contención, aquí es puro exceso, pero su película incluye un hotel desierto, la madre posesiva que ha convertido en un psicópata a su hijo y hasta un homenaje a la escena de la ducha. El tal Gregory Dark parte de un esquema bastante trillado. Ocho internos de un correccional aceptan colaborar en la reforma del hotel Blackwell, abandonado desde que un incendio destruyó los edificios superiores. A cambio, se les reducirá sustancialmente la condena. Acuden al edificio un fin de semana, acompañados por dos guardianes, y son recibidos por Margaret, la supervisora de las obras, que les asigna trabajo. Mientras se instalan, alguno de los chicos se aventura por las habitaciones superiores, donde les espera un gigantesco asesino descerebrado que les irá escabechando uno por uno, después de arrancarles los ojos. Cara a la taquilla, el principal atractivo es la presencia de Kane, luchador de wrestling famoso en Estados Unidos, totalmente inexpresivo, pero sin duda ideal para interpretar al asesino, una mole de pocas palabras. El resto del reparto tampoco parece proceder de representaciones de obras de Shakespeare, precisamente. Ofrece alguna secuencia de suspense más o menos eficaz, y el conjunto está filmado con solvencia, aunque sus esfuerzos por recrearse en los detalles más truculentos lo convierten en un subproducto únicamente destinado a los incondicionales más insensibles.

Al frente de un equipo de hombres armados, el sheriff Wydell cerca a casi todos los miembros de la familia Firefly en la residencia en la que éstos han cometido múltiples asesinatos. Se desata un tiroteo brutal, en el que mueren varios policías y la madre de los Firefly, pero Otis y su hermana, Baby, logran abrirse paso y escapar. Escondidos en un hotel de mala muerte, Otis y Baby contactan con su padre, el capitán Spaulding, que les pide que le esperen en ese lugar. Mientras, el sheriff les pisa los talones. En su segunda película como director, el músico Rob Zombie continúa las andanzas de los brutales psicópatas de La casa de los 1000 cadáveres. Si el film original era un descarado tributo a La matanza de Texas (1974), en esta ocasión imita la estética de Grupo salvaje (1969), La huida (1972) y el estilo del cine de Sam Peckinpah. Supera en brutalidad a su predecesora, lo que resulta desaconsejable para paladares sensibles.

La enfermera Ana Clark es atacada en su casa por una niña zombie. Consigue escapar, pero descubre que en la calle reina el caos y que innumerables muertos vivientes siembran el pánico. Encuentra también algunos supervivientes: Kenneth es un oficial de policía negro; Michael, un joven vendedor de electrodomésticos; André es un tipo duro de la calle que protege a su esposa embarazada. El grupo se refugia en un centro comercial donde encuentran a otros humanos ocultos, con los que deben unir fuerzas para hacer frente a la horda que intentará ir a por ellos continuamente. Debut en el largometraje de Zack Snyder, un director publicitario de talento, a juzgar por la tajada que le saca en esta ocasión a un guión que en otras manos podría parecer trillado y vacío. Con sus impactantes imágenes, Snyder logra mantener el interés en una historia muy similar a la de cualquier película de zombies, que encima es un remake de una secuela. Se trata de una nueva versión de Zombie, la segunda parte de La noche de los muertos vivientes, que dirigió al igual que el original George A. Romero, que fue seguida de El día de los muertos, la tercera parte. A pesar de los excesos sangrientos al estilo “gore”, la cinta funciona por su oscura ambientación, su excelente reparto y la crítica al consumismo desmedido que se puede interpretar del hecho de que los personajes se queden atrapados en un centro comercial que pronto se revela como un inhóspito y desangelado lugar. También se puede ver como una metáfora de la actual sociedad estadounidense, unida ante el miedo por la amenaza exterior del terrorismo.

Elgin y David son dos amigos inseparables que continuamente dan rienda suelta a su pasión por el baile, en los callejones del barrio marginal en el que viven. Un día les reta un grupo rival a una competición, por lo que los chicos deciden crear los movimientos más impactantes para ser los ganadores. Si 8 millas retrataba los duelos entre raperos, esta cinta recoge otro fenómeno similar, las competiciones entre bailarines de hip-hop y de breakdance. Los protagonistas son jóvenes estrellas de la música, con cierta fama entre los aficionados, que son los que realmente disfrutarán esta cinta, por sus cuidadas secuencias de danza.

Emily llega a New Orleans y pronto conce a un joven con el que se compromete. Pero de repente empieza a tener unas raras visiones fantasmales. En ellas observa a una joven herida, la cual le irá llevando a descubrir una horrible verdad. Barato telefilm fantasmal con escaso interés. Destaca sin embargo el reparto, en donde aparecen rostros femeninos muy familiares, como los de Eva Longoria (poco antes de ser conocida) o Anne Heche.

Pocas personas entrarían en la cárcel voluntariamente. Sin embargo, esto es lo que hace un tipo llamado Donny, dispuesto a lo que sea para que uno de los presos le cante, antes de ser ejecutado, dónde escondió el botín de un atraco, doscientos millones de dólares en oro, nada menos. Si de la misma puede cargarse a unos miembros del Tribunal Supremo, que están visitando la prisión, pues miel sobre hojuelas. Menos mal que anda por ahí, convenientemente camuflado, un agente del FBI, dispuesto a desbaratar tan siniestros planes a bofetada limpia. Nuevo vehículo de lucimiento para el karateka Steven Seagal. Las peleas a todo trapo son el principal bagaje de este film carcelario, que tiene como escenario una vieja prisión tipo Alcatraz, remodelada para mantener a sus inquilinos a raya. El film se rodó en una prisión auténtica fuera de uso, pero no EE.UU. sino en Alemania: era una cárcel de la Stasi en el Berlín oriental.

Maleek Bishop es el mejor en el ramo de los asesinos a sueldo, una auténtica máquina de matar. Pero aunque un poco animal, el tipo tiene su corazoncito (por no decir más), y se enamora de la chica de su jefe, a la que le han encargado custodiar. Lo que va a traer cola. Esta peli de acción trepidante está concebida para lucimiento del rapero Treach, que demuestra ser un tipo duro.

En el sureste asiático, un joven timador busca a su jefe, que tras una estafa huyó dejándole en la estacada. La pista le lleva a Camboya, donde se enamora de una arqueóloga. Debut como director de Matt Dillon en la pantalla grande, pues ya dirigió un telefilm titulado Oz. Al actor se le ocurrió la idea durante unas vacaciones en Camboya, y coescribió el guión con el novelista Barry Gifford, autor de la novela en la que se basa Corazón Salvaje, de David Lynch.

No, no es el anillo único, de cuya destrucción debe encargarse Frodo en El señor de los anillos. Se trata del anillo de la suerte de Kevin, ladrón profesional que es pillado in fraganti en la casa de Max, un multimillonario. Éste, más chulo que un ocho, no sólo consigue la restitución de lo robado, sino que aduce que un anillo que lleva Kevin es también suyo. De modo que se queda con la joya, creyendo quizá aquello del refrán “Quien roba a un ladrón, tiene cien años de perdón”. Pero la cosa no va a quedar así, no señor. Y empieza una guerra sin cuartel entre los dos. Sam Weisman, responsable de ese “tarzán” de pacotilla llamado George de la jungla articula una comedia con algunos momentos hilarantes. Para lograrlo tiene a dos actores auténticos especialistas en comedia: Martin Lawrence (Condenados a fugarse, Dos policías rebeldes) y Danny DeVito (La guerra de los Rose). Asegura el director que “hay una escena en la película (y no voy a decir cuál es) en la que mi risa se oye en la pantalla”. Así que, ¡atentos!

Hagitha, una intrépida reportera de Empty-V, investiga los asesinatos ocurridos en Bullemia Falls, el típico instituto estadounidense. Según todos los indicios, el culpable es un individuo bastante patoso. Dawson Deary, uno de los estudiantes, es el principal sospechoso. Comedia que parodia todos los tópicos del género de terror, sobre todo de films para adolescentes como Sé lo que hicisteis el último verano y Scream. Está muy en la línea de Scary Movie y secuelas.

La historia real de los hermanos Artie y Jim Mitchell, que al introducirse en la industria del porno en EE.UU, cayeron en una espiral de droga, sexo y violencia que les llevó al enfrentamiento mutuo. La dura e impactante película la protagonizan dos auténticos hermanos, Charlie Sheen y Emilio Estevez, ambos hijos del actor Martin Sheen. Uno de ellos, Emilio, es el director del film. Pero que nadie crea que es novato en estas lides, pues se trata de su quinto título como director.

Carter es un matón de la mafia de poca monta: hace lo que le dicen y no hace preguntas. Pero descubierto el asesinato de su hermano, está dispuesto a llegar hasta el fondo de la cuestión, caiga quien caiga. Se trata de un "remake" del film protagonizado por Michael Caine en 1971, sustituido esta vez por Sylvester Stallone. Pese a todo, Caine cuenta con un pequeño papel.