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Biografía

Alice Braga

Alice Braga

37 años

Alice Braga

Nació el 15 de Abril de 1983 en Sao Paulo, Brasil

Talento heredado

24 Febrero 2011

Este bellezón brasileño ha demostrado que es mucho más que una buena presencia, con sus trabajadas interpretaciones en un par de películas para el recuerdo. A Alice Braga el talento le viene de familia.

Nacida en São Paulo, el 15 de abril de 1983, Alice Braga está vinculada al mundo del cine desde su infancia, cuando acompañaba habitualmente a los rodajes a su madre, la actriz Ana Maria Braga, y a su tía, la famosa Sonia Braga. No es de extrañar que desde niña participara en funciones escolares y rodara algún anuncio televisivo.

Aunque debutó en cine con el corto Trampolín, se concentró en sus estudios escolares hasta que Fernando Meirelles le dio el papel de Angélica, joven vecina de una violenta favela de Río de Janeiro en Ciudad de Dios, que tuvo una enorme repercusión internacional.

La joven actriz decidió dar prioridad a sus estudios universitarios, aunque esporádicamente aparecía en alguna cinta, como Cidade Baixa y Sólo Dios sabe, con Diego Luna, actor con el que se relacionó sentimentalmente durante una temporada.

Debutó en el cine de Hollywood en 2006, con El lado oscuro de la noche, thriller protagonizado por Brendan Fraser. Aunque obtuvo más éxito con Soy leyenda, donde era una superviviente a una plaga virulenta, que tras viajar con su hijo desde Maryland tras escuchar uno de los mensajes radiados del protagonista, el taquillero Will Smith, llegaba a tiempo para salvarle de una muerte segura.

Fernando Meirelles volvió a confiar en ella para un papel secundario en A ciegas, adaptación de una novela de José Saramago. La intérprete también rodó Cinturón rojo, Territorio prohibido y la cinta de ciencia ficción Repo Men. En Predators era una francotiradora israelí. También ha participado en El rito, un film sobre exorcistas protagonizado por Anthony Hopkins.

Alice Braga es conocida porque no tiene pelos en la lengua. En las entrevistas habla sobre sus opiniones políticas –estaba en contra del gobierno de Bush– o incluso critica su ciudad natal. " São Paulo tiene demasiado tráfico, demasiados edificios, demasiada gente concentrada en poco espacio. Estando allí, pierdo mi energía".

Filmografía
Los nuevos mutantes

2020 | X-Men: The New Mutants

Dani, una joven india cheyenne, se despierta en una extraña institución hospitalaria, atada a la cama. Pronto se dará cuenta de que se encuentra en un centro para jóvenes mutantes, al cargo de una doctora que trabaja con ellos para que puedan descubrir y dominar sus correspondientes poderes. Dani hará migas con Rahne, chocará de lleno con la arisca Illyana y se mantendrá más o menos al margen de los dos chicos, Sam y Berto. Sin embargo, el régimen semi carcelario y el ambiente sombrío y solitario de los edificios parecen sugerir que aquello es algo muy distinto de una escuela o de un hospital. Cuando uno termina de ver esta película adquiere la firme convicción de que los mutantes están al borde de la extinción, y no precisamente por la trama concreta del film, más bien se trata de que el frasco de las ideas parece agotado por completo, hasta el punto de que aquí el mundo de los X-Men está ausente y tan sólo se ofrece una tenue conexión con ese universo. En una atmósfera de thriller y casi de terror iremos conociendo a los cinco pacientes del lugar y es fácil prever cómo se desplegará el guión: cada uno deberá enfrentarse a sus propios poderes y exorcizar un pasado terrible a través de sus miedos. Esas secuencias vertebran toda una trama fragmentada, de escasísima entidad, que por lo demás ofrece muy pocos datos sobre sus protagonistas, por lo que la empatía del espectador con los jovenzuelos es también bastante inexistente. Tanta como entre los mismos personajes, si exceptuamos la relación lésbica que la protagonista establece con una de sus compañeras. Lo más destacado de Los nuevos mutantes es que el guión coescrito por el director Josh Boone aporta la enseñanza de fondo de que el miedo es el enemigo a temer. El enemigo real no está fuera sino dentro y no debemos alimentar los propios miedos si no queremos que poco a poco acaben por dominarnos. El mensaje es potente, pero otra cosa es cómo sean estos miedos (lo del obispo opresor es tan chusco que casi resulta humorístico) y cómo se muestren. Porque el aparatoso despliegue final con que se explicita esa idea carece de fuerza dramática por mucha lucha monstruosa y efecto especial que se precie y su puesta en escena fantasiosa e irreal lo aleja completamente del modo de proceder en la franquicia de Marvel. Por lo demás, la protagonista Blu Hunt hace un convincente trabajo, correctamente acompañada de una galería de jóvenes actores entre los que destacan Maisie Williams (Juego de tronos), Anya Taylor-Joy (Múltiple) y Charlie Heaton (Stranger Things), mientras que la adulta Alice Braga colabora tristemente con un papel de mera comparsa.

3/10
We Are Who We Are

2020 | We Are Who We Are | Serie TV

Fraser, un joven tímido e introvertido de catorce años, se muda de Nueva York a una base militar en Véneto con sus madres, Sarah y Maggie, ambas en el ejército de EE. UU. Caitlin, de apariencia audaz y confiada, ha vivido con su familia en la base durante varios años y habla italiano. A diferencia de su hermano mayor Danny, tiene una relación más estrecha con su padre, Richard, y no se comunica bien con su madre Jenny. Caitlin es el eje central de su grupo de amigos, que incluye a Britney, una niña abierta, ingeniosa y sexualmente desinhibida; el alegre y afable Craig, un soldado de unos veinte años; Sam, el novio posesivo de Caitlin y el hermano menor de Craig; Enrico, un chaval juguetón de 18 años de Veneto, que tiene su punto débil en Britney; y Valentina, una chica italiana, parte del grupo de amigos.

La cabaña

2017 | The Shack

Tras el secuestro y asesinato de su hija menor durante una excursión familiar, Mack Phillips cae en una profunda depresión, y le carcome el rencor. Años después del terrible suceso, recibirá una enigmática carta firmada… ¡por Dios! El Creador le explica que como no hablan desde hace tiempo, quiere citarle en la cabaña perdida en los bosques de Oregón donde desapareció la niña. Como ninguna editorial quiso publicar su novela “La cabaña”, William P. Young decidió darle difusión fundando su propia compañía en 2009 con ayuda de sus familiares. Quienes le rechazaron se tirarían de los pelos, pues vendió más de 6 millones de ejemplares. Firma la adaptación al cine Stuart Hazeldine, autor hasta ahora de un único título, el poco conocido Exam. El material resultante está pensado principalmente para el público con inquietudes espirituales, que valorará más el fondo, disculpando que cuente con una puesta en escena sencilla o la desmesurada duración. También irá en gustos el aprecio de su surrealista recreación de la Santísima Trinidad, y que cuente con diálogos algo rimbombantes, muy metafóricos y supuestamente trascendentes, del estilo de los libros de autoayuda de Paolo Coelho. La interpretación de Sam Worthington, protagonista de Avatar, no pasa de correcta, quizás por defectos del guión, que no acaba de dar profundidad a su personaje, ni de mostrar bien las repercusiones de la tragedia en su vida. Se agradece mucho más el entusiasmo natural de Octavia Spencer, presente en esta producción al ser una entusiasta del libro original. Si la actriz oscarizada por Criadas y señoras (The Help) resulta creíble interpretando a Dios, podrá con cualquier papel. También realiza un trabajo acertado el israelí Avraham Aviv Alush (El balcón de las mujeres), que representa a un Jesús cercano, que sirve de guía. La cabaña (The Shack) discurre en torno a las crisis de fe, y los efectos destructivos del odio. Finalmente, ofrece una visión muy positiva sobre la capacidad del ser humano para perdonar.

6/10
El duelo

2016 | The Duel

David Kingston, Ranger de Texas, es enviado a un pérdido pueblo de la frontera con México para investigar una serie de asesinatos. Cuando llega allí comprende que todo se debe a la presencia por aquel lugar del violento predicador Abraham Brant, a quien él conoce por un traumático episodio del pasado. Ahora Kingston tendrá que elegir si ponerse del lado de la ley o dar rienda suelta a su afán de venganza. Estiloso y violento western moderno que cuenta con dos intépretes de renombre, especialmente con el todotorreno Woody Harrelson. Detrás de las cámaras se coloca el australiano Kieran Darcy-Smith, que sorprendió gratamente con su film de terror marino El arrecife. Sin que el resultados ea memorable, aquí ofrece un tête à tête que mantiene su interés en todo momento.

5/10
By Way of Helena

2015 | By Way of Helena

Kill Me Three Times

2014 | Kill Me Three Times

Ardor

2014 | El ardor

Selva del Amazonas. En una pequeña e inhóspita hacienda de tabaco ubicada en medio de la espesura viven dos hombres y una mujer. Hasta allí llegará el indígena Kaí, para avisarles de que una banda de mercenarios está quemando porciones de selva y se dirigen también allí con la intención de hacerse con la propiedad de esos terrenos. El bonaerense Pablo Fendrik entrega una singular película en donde casi todo el peso lo lleva la atmósfera agobiante. Ambientada en las selváticas tierras amazónicas lindantes con el río Paraná, la lentitud narrativa, el exagerado laconismo de los personajes y el planteamiento argumental, aproximan la historia al género western, algo explícitamente mostrado ya en el último tramo del film, casi en claro homenaje a directores clásicos como Sergio Leone. Pero Fendrick, director y guionista, no se olvida de dónde está e incluye en su guión el elemento telúrico, en donde las leyendas míticas, ancestrales, y el misterio –con su punto de realismo mágico– se unen en el omnipresente verdor y densidad de la selva, para ofrecer contenido dramático y alguna dosis de aventura. En este sentido es meritoria la fotografía de Julián Apezteguia, sumamente cuidada. El mayor problema de Ardor es la falta de ritmo adecuado en los dos primeros tercios del metraje. Todo se desarrolla lenta, lánguidamente. Y sin apenas palabras, resulta difícil desvelar lo que está aconteciendo, y cuando los personajes conversan tampoco es fácil captar del todo el significado, hacerse una idea global. Cuando ésta llega por fin a la mollera del espectador todo resulta más fácil. Comprendemos, nos hacemos cargo. Es entonces cuando adquiere volumen la trama y cobran sentido las reconcentradas interpretaciones de los protagonistas, unos Gael García Bernal y Alice Braga más que convincentes. Al final queda una historia de tintes más clásicos que lo aparente, algo episódica quizá, pero de indudable intensidad dramática.

5/10
Elysium

2012 | Elysium

Segundo largometraje escrito y dirigido por el sudafricano Neill Blomkamp también adscrito al género de la ciencia ficción, como su ópera prima, la sorprendente District 9, rodada tras una trayectoria de varios años como cortometrajista. La acción transcurre en el año 2154, cuando la mayor parte de la población vive en condiciones infrahumanas en la Tierra, gobernada por una élite despótica. Los pocos que pueden permitírselo viven a lo grande en Elysium, una estación espacial segura llena de urbanizaciones de gran lujo, y con el mejor sistema sanitario que quepa imaginar. A cambio de ser transportado ilegalmente allí, el desafortunado Max acepta la misión de secuestrar a un rico que visite el inframundo en que se ha convertido la Tierra por motivos de negocios; la idea es extraerle de su cerebro datos de sus cuentas bancarias. Algo no saldrá como se esperaba. Superior a otras superproducciones veraniegas, que anteponen la espectacularidad al contenido, Elysium está repleta de reflexiones de interés sin que por ello se descuide la acción, verdaderamente trepidante. Sobre todo, insiste en la crítica a la segregación de los individuos del primer film de Blomkamp, que era una clara metáfora del apartheid que se vivió en su país. En esta ocasión, todo está presentado de forma tan realista que parece plausible, pues por ejemplo la zona rica se llama Elysium, término que designa en inglés a los Campos Elíseos de París, mientras que en la paupérrima superficie de la Tierra y concretamente en Los Ángeles domina la presencia de latinos, que hablan en español. El film aborda temas como el despotismo a la hora de ejercer el poder, la solidaridad y la dignidad de cada persona, y el sacrificio, todo ello sin resultar pedante en ningún momento ni inaccesible para el público 'palomitero'. Además, Blomkamp aprovecha que cuenta en su primera cinta estadounidense con un presupuesto elevado, lo que le permite un diseño de producción vistoso y efectos especiales de primera. El aspecto de los robots, armas y naves resulta lo suficientemente fresco, frente a tantas producciones insulsas y convencionales que dominan las carteleras. No resulta sorprendente a estas alturas que tanto Jodie Foster –cada vez más selectiva en sus apariciones en la pantalla– como Matt Damon realicen trabajos de altísimo nivel. Pero además, el film cuenta con un elenco muy bien ensamblado de secundarios de diversas nacionalidades ideales para sus personajes, sobre todo el también sudafricano Sharlto Copley, protagonista de la anterior cinta del realizador, que en Elysium realiza un trabajo excepcional en un registro muy diferente, como villano psicótico. También brillan el estadounidense William Fichtner en el rol de ejecutivo de una megacorporación, la brasileña Alice Braga como amiga latina del personaje de Damon, el compatriota de esta última Wagner Moura (protagonista de Tropa de elite) como un contrabandista-pirata algo cínico pero carente de maldad, el tremendamente expresivo Diego Luna en el papel de inseparable socio del personaje central y la pequeña Emma Tremblay, que debuta como una niña enferma de leucemia.

7/10
El rito

2011 | The Rite

El sueco Mikael Håfström se labró un nombre entre los apasionados del terror, cuando dirigió en su propio país Drowning Ghost (El fantasma del lago). Luego pasó a Hollywood, donde rodó Sin control (2005) y 1408. Ahora, Håfström se supera a sí mismo con esta sorprendente cinta, basada libremente en hechos reales, y que parte del libro "The Making of a Modern Exorcist", de Matt Baglio, que trata con seriedad el tema de los exorcismos. Ejercen como productores dos especialistas en el tema, Tripp Vinson y Beau Flynn, que hicieron lo propio con El exorcismo de Emily Rose. El guión de Michael Petroni (Las crónicas de Narnia: La travesía del Viajero del Alba) tiene como figura central a Michael Kovak, joven seminarista que duda si continuar en el camino del sacerdocio por una profunda crisis de fe. Aunque llega a presentar su renuncia, el responsable del centro donde se forma ha sido testigo de su enorme valía para ofrecer ayuda espiritual a una víctima de un accidente, y se resiste a perderle. Le envía al Vaticano para estudiar el ritual de los exorcismos, y una vez en la Ciudad Eterna, Kovak acaba al servicio del padre Lucas, un veterano sacerdote que trata de ayudar a una adolescente embarazada poseída por un demonio... Håfström sortea a la perfección la principal dificultad de este proyecto: que el tema central está trillado, y dio objeto a la magistral El exorcista, con la que las comparaciones iban a ser inevitables. En lugar de tomar el camino fácil de la sobredosis de modernos efectos especiales, realizados por ordenador, el cineasta ha decidido jugar la carta de la verosimilitud, reduciendo la pirotecnia al mínimo. Esto desconcierta a los espectadores, y acaba teniendo efectos sobrecogedores, pues proporciona una enorme sensación de realismo, potenciada por detalles bien documentados del ritual católico (el film ha contado con el asesoramiento de Baglio, el autor del libro). Anthony Hopkins demuestra una vez más que es único para personajes carismáticos, y la joven Alice Braga se luce como joven periodista. Sorprende especialmente por ser un auténtico desconocido Colin O'Donoghue, realmente creíble como seminarista en crisis de fe, tema que se trata con una enorme sobriedad e inteligencia.

6/10
Repo Men

2010 | Repo Men

Primer largometraje como director de Miguel Sapochnik, hasta ahora cortometrajista y realizador de videoclips. Adapta la novela “The Repossession Mambo” de Eric Garcia, que tiene muchos puntos en común con el film Repo! The Genetic Opera, un musical con un punto de partida muy similar, aunque al parecer es todo fruto de la casualidad, y no existe ninguna conexión entre ambos trabajos. Remy y Jake son recuperadores que trabajan para The Union, empresa especializada en fabricar y colocar órganos humanos que han incrementado la esperanza de vida de las personas. El problema es que la compañía no tiene piedad con aquellos que se retrasan en sus pagos. Remy y Jack son los encargados de lidiar con estos "morosos" portadores de órganos de una forma brutal e indiscriminada. Tras un accidente en acto de servicio, Remy está a punto de morir. Para salvarle, le implantan uno de los corazones artificiales que él mismo suele recuperar, y que le quitarán si no hace frente a las letras. Podría haber dado lugar a un film futurista que reflexionase sobre lo que puede ocurrir si se perpetúa algún problema del presente, como la selección genética, en la línea de la muy superior Gattaca, por poner un ejemplo. En este caso se critica la ambición desmedida en el ámbito empresarial-tecnológico. Cuenta el film con dos grandes actores principales, Jude Law y Forest Whitaker, que salen airosos con aparente sencillez de dos personajes que sufren una evolución total. Lo malo es que el debutante realizador no da con el tono. Intenta imitar el dramatismo de Blade Runner en algunos momentos y en otras ocasiones el suspense de Minority Report, pero se queda muy lejos de sus modelos originales. Que abuse del humor negro y de la violencia explícita no ayuda a que el espectador se pueda tomar la trama en serio. Aunque los efectos especiales están bien hechos, y las secuencias de acción funcionan, carecen por completo de originalidad.

4/10
Predators

2010 | Predators

Poco después de ser reclutado por Hollywood, Robert Rodriguez escribió de forma espontánea, sin que los propietarios de los derechos le contrataran previamente, un guión para una secuela de Depredador. Su trabajo se quedó archivado hasta hace poco, cuando algún ejecutivo de Fox ha decidido resucitar la franquicia y llamar a Rodriguez. Éste se encontraba inmerso en otros proyectos, pero decidió ejercer de productor, y dejarle la realización a Nimród Antal, responsable de Blindado y Habitación sin salida. Royce, mercenario estadounidense, es lanzado en paracaídas sobre una jungla situada en un lugar desconocido. No recuerda cómo llegó hasta allí. Pronto se reencuentra con otros individuos similares que también sufren amnesia y que deciden seguir sus directrices, tomándole como una especie de líder. Descubrirán que son perseguidos por los Predators, siniestros alienígenas, y que en la zona habita Noland, un veterano marine que lleva años evitando a los cazadores. Quinta aparición cinematográfica de los Predators, tras Depredador, Depredador 2, Alien vs. Predator y Alien vs. Predator 2. Transcurre en la jungla como la primera parte, la única realmente interesante de toda la saga. Pero Nimród Antal no tiene el talento de John McTiernan, el director original, por lo que es incapaz de disimular que no se aporta nada nuevo a la saga, y que el guión es totalmente hueco y carente de sorpresas. Ofrece más o menos el suspense y la acción esperados, y tiene a sus órdenes actores con oficio, como Adrien Brody, que resulta lo suficientemente creíble en un inusitado registro de héroe de acción, y el siempre eficiente Laurence Fishburne (el marine Noland).

4/10
Cinturón rojo

2008 | Redbelt

Mike, profesor de jiu-jitsu, regenta una academia donde enseña a sus alumnos la teoría y práctica de este arte marcial. Cien por cien comprometido con la filosofía del jiu-jitsu, Mike vive alejado de los combates y lleva una vida basada en el código de honor que aprendió de su maestro. Una serie de desafortunados acontecimientos pondrá patas abajo la vida de Mike. La acuciante falta de dinero le obligará a plantearse la necesidad de cambiar de estilo de vida. David Mamet plantea una interesante y muy atípica película de artes marciales. Tiene elementos básicos del género como el aprendizaje o la lucha hombre a hombre en un clásico combate final, pero quien espere ver una cinta como Karate Kid se llevará un chasco. Cinturón rojo es ante todo un drama. Una reflexión sobre el ser humano, la codicia y la ambición, temas recurrentes en la filmografía de Mamet. Sin embargo, esta cinta sí cumple con el típico “happy end” de las películas de artes marciales pues el mensaje que ofrece es totalmente optimista. El personaje de Mike defiende durante toda la cinta que no hay situación de la que no se pueda escapar y es precisamente esta visión positiva de la vida la que acaba triunfando frente a un mar de maldades. Algo también típico en el cine de Mamet, es que las cosas no sean lo que parecen. Esto también sucede en Cinturón rojo y el espectador deberá estar atento para no perder dato, pues se producen bastantes giros que complican la trama. En el oscuro mundo de los combates, de las estrellas de Hollywood –tema que ya trató en State And Main–, de los clubes nocturnos, etc., brilla de una manera especial Chiwetel Ejiofor, quien interpreta al heroico y quijotesco Mike. Ejiofor está secundado por Joe Mantegna y Rebecca Pidgeon, dos habituales del cine de Mamet. Como dato curioso, añadir que el propio cineasta es cinturón azul de jiu-jitsu.

6/10
A ciegas (Blindness)

2008 | Blindness

Un día cualquiera en una gran ciudad. En medio del intenso tráfico, un conductor pierde repentinamente la vista. Sólo es capaz de ver una gigantesca luz. Un desconocido se presta a ayudarle a regresar a casa, aunque en realidad pretende robarle el coche. Pronto empiezan a ocurrir casos semejantes de ceguera, se desata una peligrosa epidemia. Un oculista atiende a las víctimas, pero finalmente se contagia. Las autoridades se lo llevan a un centro donde permanece aislado junto con otros afectados. Su esposa finge que no puede ver, para que le dejen acompañarle. Interesante y dura cinta que inauguró el Festival de Cannes. El brasileño Fernando Meirelles adapta fielmente la novela más conocida del Nobel portugués José Saramago, publicada en 1995. El guión del estadounidense Don McKellar (actor de El liquidador y Exótica) le saca mucho jugo a la idea principal del texto original, que utiliza la ceguera como metáfora del individualismo extremo y el egoísmo que inunda la sociedad moderna. El imaginativo director de Ciudad de Dios vuelve a lucirse en la parte visual, con encuadres arriesgados de gran belleza, y una extremada utilización del blanco, justificado por la espesa luz blanca que es lo único que perciben los afectados por la ceguera. Como ya demostró anteriormente, Meirelles es también un gran director de actores, que consigue cohesionar a un reparto formado por actores de procedencias diversas, pues cuenta con estadounidenses (Julianne Moore, Mark Ruffalo, Danny Glover), japoneses (Yusuke Iseya, Yoshino Kimura) y el mexicano Gael García Bernal. Entre todos sobresale Julianne Moore, una actriz que demuestra nuevamente su gran talento con un personaje –la esposa del médico–, que sin duda es el más interesante, al ser la única persona capaz de ver, y por tanto de observar la degradación. Esto la conduce a un complejo dilema moral, pues intenta solucionar problemas aunque en realidad se da cuenta de que va a sucumbir ante la extrema situación. En la línea de Saramago, el argumento es bastante surrealista, pero el film describe con autenticidad la degeneración moral del ser humano, y las extremas bajezas en las que éste es capaz de incurrir. Ello deriva en una secuencia extremadamente desagradable de chantaje que deriva en una violación colectiva, que no acaba de resultar creíble (¿por qué los maridos de las víctimas apenas hacen un amago de resistencia ante la intimidación?). Es cierto también que es el único momento extremo, pues en general Meirelles apuesta por mostrarlo todo con contención y elegancia. No escatima detalles sórdidos pero suelen estar sugeridos. Aunque es una película oscura y por momentos desesperanzada, apuesta claramente por la bondad del ser humano y su capacidad para salir a flote y recuperar la dignidad.

6/10
Territorio prohibido

2008 | Crossing Over

Drama escrito y dirigido por el sudafricano Wayne Kramer, en cuya breve filmografía destaca The Cooler. En esta ocasión entrecruza diversas historias, todas ellas relacionadas con la inmigración. Al parecer, había un personaje más, interpretado por Sean Penn, que sin embargo fue finalmente eliminado sin que se sepa muy bien por qué. Max Brogan (Harrison Ford) es un agente de inmigración que se encariña con los individuos a los que debe deportar. Una abogada (Ashley Judd) intenta evitar que deporten a una chica de 15 años musulmana que parece interesada en el terrorismo islámico, pero sin que haya pruebas que lo justifiquen. Un joven judío (Jim Sturgess) trata de conseguir trabajo. Un funcionario de inmigración (Ray Liotta) abusa de su posición para acostarse con una modelo australiana (Alice Eve) que necesita la tarjeta de residencia... El realizador y guionista tiene loables intenciones, y cuenta con un reparto desigual, pero que incluye a actores muy conocidos como Ford, Judd (últimamente de capa caída), Sturgess y Liotta. Tomando como punto de referencia la muy superior Crash, su objetivo consiste en mostrar la cruda realidad de las personas que tratan de lograr la nacionalidad estadounidense desde una perspectiva poliédrica. Intenta representar a todos los sectores implicados –policías de inmigración, inmigrantes que llevan tiempo en territorio estadounidense, abogados, funcionarios, etc.– y también están representadas todas las minorías: musulmanes, hispanos, asiáticos y judíos. Se supone que los personajes deben ser tridimensionales como en el film de Haggis, donde el mismo personaje puede comportarse en un momento dado de forma mezquina, pero después convertirse en un héroe. Por desgracia, los personajes de Kramer acaban siendo demasiado estereotipados, y algunos muy poco creíbles. Por ejemplo, está metida con calzador la historia de Ray Liotta, que tras colisionar casualmente con Alice Eve, le propone sexo como si tal cosa a cambio de la 'Green Card'. La reacción de ésta no se comprende muy bien, ya que a veces parece que ha accedido sin problemas y en otras secuencias está horripilada. Además, la relación se muestra con un exhibicionismo que parece fuera de lugar. La resolución de la historia de la joven estudiante musulmana resulta efectista y sensiblera. Y la secuencia teóricamente más emotiva, un atraco en un supermercado, está muy forzada y no resulta creíble. Otras no están mal llevadas. Destaca especialmente el relato del joven (Jim Sturgess) que finge ser un devoto judío para conseguir trabajo cuando no ha pasado en su vida por la sinagoga. Su cómico desenlace es lo más brillante del film.

5/10
Soy leyenda

2007 | I Am Legend

La humanidad está de enhorabuena. Parece. Porque los científicos liderados por el doctor y coronel Robert Neville han desarrollado un retrovirus que parece ser el remedio definitivo contra el cáncer. Pero tres años después, en 2010, el panorama es muy diferente. La mayor parte de los hombres ha muerto a causa del virus de marras, y los infectados que viven son una especie de zombies rabiosos, que no deben exponerse a la luz, y que atacan a los pocos supervivientes sanos. En tal tesitura, Neville es el único hombre sano que queda en la zona cero de la infección, un Nueva York desolado. Sólo tiene como compañía a un perro pastor alemán, Sam, y cada día radia un mensaje dirigido a posibles supervivientes, para que se reúnan con él en cierto muelle de la ciudad; pero nunca nadie acude a la cita. En esos tres años de soledad, Neville ha continuado investigando para hallar una posible solución a la enfermedad que ha desatado; y de un modo muy disciplinado, ha ideado medios para combatir la forzada soledad y la tentación de la desesperanza.Notable adaptación de la clásica obra de ciencia ficción de Richard Matheson, que en sendas versiones cinematográficas anteriores tuvieron el protagonismo de Vincent Price y Charlton Heston, dos actores que han frecuentado el género fantástico. Ahora es otro amante del género, Will Smith (Men in Black, Yo, robot), quien acepta el reto de permanecer solo en pantalla gran parte del metraje. Y sale airoso, atrapa con matices la situación extrema de su personaje, con momentos estupendos como en su esfuerzo por cultivar "la vida social" en el videoclub. En una lograda conjunción de interpretación, guión y dirección, se consigue insuflar humanidad y dramatismo a la trama, no estamos sólo (que también) ante una espectacular cinta futurista y catastrofista con estupendos efectos especiales. Además de la cuestión de la soledad, también se apuntan los límites de la ciencia, su pretensión de ser causa de esperanza para el hombre; y la ayuda y la necesidad de la fe, para sobrellevar situaciones que, simplemente, nos superan. En esa línea se apunta el miedo a un futuro incierto, una idea que parece explotada por muchas películas recientes de zombies, como 28 días después y su secuela, 28 semanas después.La estructura narrativa del film lleva a intercalar la soledad neoyorquina del protagonista, y sus enfrentamientos con los terroríficos zombies, con flash-backs que reconstruyen cómo se ha llegado a la situación actual, y que subrayan la terrible pérdida de Neville, la ausencia de su querida familia. Hay un gran acierto en introducir enseguida las escenas de la desolación de Nueva York, su sobrecogedor estado de abandono.

6/10
El lado oscuro de la noche

2006 | Journey to the End of the Night

Intenso thriller que cuenta con un protagonista de excepción, pero no muy dado a películas de este género: Brendan Fraser. La historia se centra en un padre y un hijo que regentan un mugriento y viejo burdel situado en un barrio deprimido de Sao Paulo, en Brasil. En torno a aquel tugurio los actos criminales y la corrupción están a la orden del día. Pero de repente tienen la oportunidad de olvidar para siempre ese negocio, cuando encuentran un maletín lleno de cocaína. Sin embargo, algo ocurre en el negocio de venta y padre e hijo se ven envueltos en una guerra criminal.El desconocido Eric Eason escribe y dirige esta oscura y violenta película sobre los bajos fondos de la inmensa urbe de Sao Paulo. La cosa se deja ver, hay ritmo, personajes atractivos y una trama truculenta e insana propia del más turbio cine negro. Sorprende gratamente el gran elenco de actores con los que ha contado Eason, como Scott Glenn (Silverado), la colombiana Catalina Sandino Moreno (María llena eres de gracia) y Alice Braga (Ciudad de Dios), además, claro está, del “aven­turero” Fraser.

4/10
Cidade Baixa

2005 | Cidade Baixa

Ciudad de Dios

2002 | Cidade de Deus

Durísimo film brasileño sobre la vida en Cidade de Deus, uno de los suburbios más deprimidos de Río de Janeiro. Fernando Meirelles parte de una novela de Paulo Lins, que incorpora elementos de su experiencia personal, cuando vivía entre favelas miserables. Con múltiples personajes, casi todos negros y mulatos, muchos niños y adolescentes, la mayoría de menos de 20 años, el hilo conductor es el personaje de Buscapé. A través de su mirada en tres tiempos –finales de los 60, los 70, principio de los 80– asistimos a la degradación por el narcotráfico de una barriada ya de por sí miserable. Meirelles rueda sin concesiones. Ni un miligramo de sentimentalismo, nada que tranquilice la conciencia de un público ya de por sí aletargado ante las tragedias del mundo. Domina un estudiado aire documental. De la época, narrada con clasicismo, en que Buscapé es un crío y aún se atisban en él y sus compañeros vestigios de inocencia, se pasa a los años, contados con cámara nerviosa, en que se convierte en adolescente, cuando la droga campa a sus anchas y la violencia alcanza extremos inauditos. En la película caben todos los excesos: el uso de armas a temprana edad, la promiscuidad sexual, las lealtades mal entendidas, la venganza… Y ahí pugnan por salir algunos rasgos de humanidad. Pero faltan las oportunidades de alfabetización o aprendizaje de un oficio, capaces de salvar a los que podríamos denominar “niños del infierno”. Sólo Buscapé parece tener a su alcance una tabla de salvación, gracias a su afición a la fotografía. La intención de Meirelles, que el espectador mire directamente al horror, está lograda. Aunque sea a veces a costa de herir, su mazazo no deja indiferente.

8/10

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