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Biografía

Eric Gautier

Eric Gautier

Eric Gautier

Filmografía
The Eddy

2020 | The Eddy | Serie TV

Miniserie ambientada en el actual mundo multiétnico del jazz. Gira alrededor de “The Eddy” un club de jazz parisino del que son copropietarios Elliot, afroamericano neoyorquino pianista, y Farid, de origen magrebí. En el local toca una talentosa banda, con la cantante Maja, intermitente novia de Elliot; él está separado desde que perdió a su hijo, y ahora le va a tocar lidiar con su problemática hija adolescente Julie, que acaba de venirse a vivir a París. A los problemas habituales a los que toca enfrentarse en el entorno musical y artístico, se suman los desconocidos trapicheos que se lleva Farid con el mundo criminal. Estamos ante una cuidadísima producción de origen singular, pues primero fueron las cerca de 50 canciones que toca la banda, compuestas por Glen Ballard, para que las tocara una banda. Ballard se las mostró a Alan Poul, quien también las compartió con Damien Chazelle, naciendo así la idea de crear una serie que transcurriera en el París de hoy en día, mostrando las dificultades de una banda de jazz por dar rienda suelta a su talento. De modo que se incide en un mosaico multicultural, donde los artistas son de procedencias muy diversas, y casi nunca, por no decir nunca, de origen occidental más o menos acomodado. Se quiere mostrar así un caldo de cultivo artístico algo marginal, donde los protagonistas viven al día, esperando que algún pez gordo les descubra, y entretanto tocando, también aceptando encargos como los de amenizar el convite de una boda. Para estructurar la serie, cada capítulo se centra sobre todo en un personaje, para concluir con uno que los unifica a todos en el club. Chazelle, responsable de Whiplash y La la land, sabe manejar las canciones origen del proyecto, e imprimir a la narración el ritmo no convencional que se suele asociar al jazz. El realizador se ha ocupado de los dos primeros capítulos –de los otros se encargan Poul, Laïla Marrakchi y Houda Benyamina–, y se empeña en hacer suyo el proyecto, con la ilusión de rodar en una ciudad que fue la suya en sus años mozos. Pero el tono realista y desabrido se aleja de sus trabajos anteriores, y aunque hay un claro trabajo de documentación para crearlo, el resultado trasluce cierta frialdad. Y eso que hay espacios para la emotividad, como el del funeral. Hay mucha cámara en mano, algo de cinéma verité, realismo sucio, pero se pierde la magia. Para entendernos, esto no tiene el gran vigor de Los miserables, por citar un ejemplo casi coetáneo que también transcurre en zonas marginales de París. De todos modos, la narración se sigue con interés, las vibrantes canciones interpretadas en vivo están muy bien rodadas, y se crean conflictos de interés entre los personajes, muy bien interpretados por un reparto de actores no muy conocidos, que cuando corresponde, se nota que son también músicos. Resulta muy creíble la relación padre-hija que componen Andre Holland y Amandla Stenberg, y nos creemos la sensibilidad de la cantante Joanna Kulig a la que vimos en Cold War, o al matrimonio que componen al igual que en la vida real Tahar Rahim y Leïla Bekhti.

6/10
La verdad

2019 | La vérité

En su primera película con actores internacionales, rodada en francés e inglés, y de sencilla puesta en escena, el cineasta japonés Hirokazu Koreeda opta por una trama de cine dentro del cine, aunque sin renunciar a su habitual interés por dibujar las relaciones familiares. Describe una reunión familiar en París, Fabienne, una célebre actriz ya anciana acaba de publicar sus memorias, lo que propicia el encuentro con su hija Lumir, guionista en Estados Unidos, casada con el actor Hank, con el que tiene una niña encantadora, Charlotte. El momento coincide con una breve colaboración de Fabienne en el rodaje de una película, donde pueden detectarse reminiscencias de la relación ambigua que mantiene con su hija, y en que asoman los celos por una actriz rival ya fallecida. Koreeda plantea una trama sutil, quizá demasiado– el espectador poco atento puede considerarla insulsa–, en que se pregunta por la verdad como actitud vital, ya sea en las relaciones afectivas o laborales, o en un texto autobiográfico supuestamente sincero. Incluso con las personas con las que supuestamente existe más confianza se puede evitar la franqueza, hasta dejarse dominar por el temor a la hora de pedir perdón, o pasar página, y encontrar más sencillo el recurso a la mentira y el disimulo; mientras que otras veces el comentario mordaz y peyorativo que se ajusta a la realidad, puede ser otra forma de adulterar la verdad, o hacerse con el escudo de que la otra persona no domina tu idioma, no te entiende. El trabajo de actriz o de guionista se presenta en este contexto como el arte de la impostura, en que se pronuncian o idean frases que pueden responder, o no, a lo que aletea en la conciencia de las personas. Las palabras pueden expresar sentimientos sinceros, o servir de disfraz que oculta lo que bulle verdaderamente en el interior. También la mención a un clásico del cine y la literatura juvenil, El mago de Oz, sirve para aludir a la cuestión. Los actores parecen encontrarse muy cómodos en sus papeles, con la gran dama del cine francés Catherine Deneuve y su hija en la ficción Juliette Binoche bien conjuntadas, apoyadas por estupendos secundarios donde rebosa naturalidad la niña debutante Clémentine Grenier.

6/10
Un océano entre nosotros

2018 | The Mercy

En los últimos años abundan en la pantalla los personajes que tienen que arreglárselas ellos solos a bordo de un barco, en títulos como En solitario, Cuando todo está perdido o A la deriva. Se suma a la lista este drama biográfico, que se desarrolla en 1968, cuando Donald Crowhurst trata de ganarse la vida vendiendo un aparato de invención casera para que los navegantes puedan conocer su posición en medio del mar. Para asegurar el futuro de sus hijos, y de su esposa, Claire, decide participar, pese a su inexperiencia marítima, en la Golden Globe Race, competición que premia al primero que logre dar la vuelta al mundo en una embarcación sin escalas, y también al más rápido. Se disfruta mucho más si se desconoce la historia real que ha escogido esta vez para llevar a la pantalla el realizador James Marsh. En el arranque, parece que las piezas que se colocan sobre el tablero darán lugar a un relato con el mismo esquema que su anterior trabajo, La teoría del todo, también sobre un hombre que lucha por lograr sus sueños, venciendo a sus propias limitaciones, con la ayuda indispensable de una mujer fuerte. Pero pronto da un giro radical, hasta el punto de que acaba resultando una historia opuesta, mucho más oscura. Como resultado, aquí no se habla ni mucho menos de superación personal; no acaba siendo una cinta inspiradora, más bien tiende a resultar un poco indignante. Se habla, eso sí, de las consecuencias de la soledad –el ser humano es social, necesita tener cerca a otros, sobre todo a la familia–, de sacrificio para sacar adelante a los vástagos, de la lucha del hombre contra la naturaleza, y sobre todo del lado oscuro del orgullo, y de la dificultad para hacer frente a las decepciones. Buena reconstrucción de la época, pese a que el presupuesto parece ajustado. De nuevo Colin Firth se trabaja a su personaje, tiene el mérito de sostener él solo la mayor parte del metraje. Durante gran parte de la narración, no se entiende del todo que una actriz de la talla de Rachel Weisz haya escogido un papel que no tiene la cancha que debería, pero se desquita con un intenso discurso final. Del resto del reparto destaca David Thewlis como director de un diario.

6/10
La ceniza es el blanco más puro

2018 | Jiang hu er nü

Sensible retrato de una mujer de carácter, en dos tiempos, antes y después de su estancia en prisión, por defender y sacrificarse por el hombre que ama. Esta estructura la maneja con mano férrea el cineasta chino Jia Zhang Ke, director y guionista, que se beneficia del maravilloso trabajo que realiza su actriz principal y habitual de su cine, Zhao Tao, con la que está casado; ciertamente su complicidad es perfecta, como ya ocurriera previamente en títulos como Naturaleza muerta o Más allá de las montañas. Zhang Ke sabe dar a las dos partes de su film el tono adecuado, que se manifiesta también en las interpretaciones, y sin que el pase de una a otra se realice bruscamente. Al principio Qiao es una mujer hermosa y sofisticada, que se maneja con desparpajo ante su amado, el gángster Bin. Pero corren nuevos tiempos, y jóvenes violentos rechazan los modos de hacer de los mafiosos a la vieja usanza, invadiendo el territorio de Bin, e incluso atacándole directamente. Uno de estos enfrentamientos es el que da pie al ingreso carcelario de ella, y a su salida es una mujer distinta, con el rostro endurecido, despojada de todo maquillaje. Lo que sí se mantiene es su amor incondicional a Bin, pero puede que él no esté a la altura, tras su fachada criminal hay una personalidad nada segura de sí misma. El simbólico título que apela a la pureza del blanco de las cenizas, resulta muy apropiado para expresar esta idea.

7/10
La aparición

2018 | L'apparition

Jacques Mayano es un avezado reportero de guerra, en crisis por la muerte de su mejor compañero y amigo, de la que se siente algo culpable, pues no le acompañó en el que sería su último trabajo. En tal tesitura recibe una insólita propuesta del Vaticano, ya que el prefecto de la congregación para la doctrina de la fe, es un gran seguidor de sus reportajes: investigar unas supuestas apariciones marianas, que habrían acontecido en un pueblecito de Francia. Él no es creyente, pero por eso y por su prestigio profesional como periodista, las autoridades eclesiásticas piensan que podría aportar una mirada fresca a la comisión teológica que indaga los hechos. Al cineasta francés Xavier Giannoli le fascinan las historias sobre presuntas verdades, autoconvencimientos y fingimientos, como demostró en Crónica de una mentira, sobre los engaños en torno a la construcción de una carretera, y Madame Marguerite, acerca de una cantante de ópera que creía cantar divinamente. Reincide en tales cuestiones con una trama apasionante y abierta al misterio, que dibuja con insólito rigor los procemientos de la Iglesia en torno a hechos sobrenaturales. El desenlace puede desconcertar un tanto, pero resulta respetuoso con las cuestiones hipersensibles tratadas y es coherente con la citada filmografía de Giannoli. El rigor que muestra el director puede hacer pensar en Lourdes, de Jessica Hausner, también por el verismo de algunas imágenes en torno al lugar de las apariciones, donde los figurantes que encarnan a los devotos resultan muy auténticos. Aunque de ritmo premioso, nada chirría en la narración, que logra intrigar. Destaca la humanidad de todos los personajes, cada uno con su personal camino. En primer lugar sobresalen la vidente y el reportero –qué bien está construida la relación entre ambos–, pero alrededor hay una buena pléyade de personajes: los distintos miembros de la comisión, el sacerdote y un comunicador que arropan a la vidente y tratan de difundir su mensaje, un misterioso contacto en un centro comercial que entrega cartas provinientes de África a la vidente. Hay un gran trabajo actoral de Vincent Lindon y Galatéa Bellugi, y se hace un inteligente uso de la música del gran compositor estonio Arvo Pärt.

7/10
Deep Water

2016 | Deep Water

Aloha

2015 | Aloha

Cameron Crowe prometía mucho tras entregar Jerry Maguire y Casi famosos. Y aunque su filmografía posterior es pasablemente entretenida, no está a la altura de estos títulos. Es lo que le pasa con Aloha, que a priori cuenta con todos los ingredientes que le gustan, dramedia romántico y nostálgico, pero que no acaba de funcionar. El film sigue a Brian, ingeniero aereoespacial desencantado, que llega a Hawai con un supuesto trabajo, aunque en realidad tiene un encargo de una empresa contratista del ejército americano, ligado a un satélite militar. El tipo, algo cínico, se reencuentra con Tracy, una novia que ahora está casada pero que despierta en él antiguos sentimientos. Al tiempo, le guía una piloto de cazas americana, Allison, con sangre hawaiana. Con los citados elementos, Crowe, que escribe el guión y dirige, entrega un batiburrillo que no logra el necesario equilibrio, a pesar del esfuerzo de los actores por hacer medianamente creíbles a sus personajes. Concedamos que Emma Stone trata de componer una mujer de carácter al hacer de militar, pero su "mística" hawaiana y los comentarios telefónicos con mamá "rajando" de su jefe quedan raros, y el conjunto no resulta creíble. También lo tiene difícil Rachel McAdams, encarnando a la ex novia con un marido con el que no se acaba de llevar bien y con una maraña de sentimientos que no acaba de controlar, tal vez porque resultan poco creíbles, el dolor que le quedó cuando se fue Brian, junto a una ilusión poco clara por su retorno. Tampoco entendemos las motivaciones del protagonista encarnado por Bradley Cooper, mientras que John Krasinski como el marido poco tiene que hacer, su personaje resulta bastante plano como alguien que ejerce, por así decir, de propietario de linda esposa que teme perder. A esta tipología humana confusa se suma la relamida espiritualidad hawaiana y el intento de criticar la presencia de empresas privadas en la defensa nacional de un país, con ideas algo increíbles, que encarna Bill Murray, quien a espaldas del ejército pretende colocar en el satélite armas no autorizadas.

4/10
Hitchcock / Truffaut

2015 | Hitchcock / Truffaut

Hace casi 50 años, en 1967, vio la luz uno de esos libros que todo amante del cine he leído y releído varias veces, sin duda que creó afición y ayudó a conocer mejor el lenguaje fílmico, y a valorar más la figura del director. "El cine según Hitchcock" era fruto de una larga conversación de varios días entre dos cineastas, el británico entonces ya afincado en Hollywood Alfred Hitchcock y el francés representante de la nouvelle vague François Truffaut. Este documental hace que el espectador comprenda mejor cómo se gestó esa obra que derivó en una honda amistad entre ambos personajes, pues incluye fragmentos de audio de dicha entrevista y fotografías de ese encuentro, además de fragmentos de las películas que ilustran las ideas que el mago del suspense desgrana tomando pie de las cuestiones que le hace Truffaut. La idea que uno saca del film de Kent Jones es que el director galo, por su exhaustiva preparación y dedicación, empleó las mismas energías o casi que las que habría requerido una de sus propias películas. Jones tiene la virtud de ser ágil y entretenido en la exposición, su trabajo debería poder llegar a un público amplio, incluido el que se está iniciando en el Séptimo Arte. También juega con algunas de las grabaciones en que Hitch dice algún exabrupto o pide que se detenga el magnetofón; y pone en valor la admiración y aprendizaje mutuo gracias a la obra del otro cineasta. Además, lo que amplía la visión de libro y alrededores de que parte el documental, ha contado con comentaristas de lujo que comparten con el espectador la influencia que ha tenido en ellos sir Alfred, nada menos que David Fincher, Martin Scorsese, Wes Anderson, Richard Linklater, Kiyoshi Kurosawa, Peter Bogdanovich, Paul Schrader, Olivier Assayas, Arnaud Desplechin y James Gray.

7/10
Grace de Mónaco

2014 | Grace of Monaco

La actriz hollywoodiense Grace Kelly está viviendo su particular cuento de hadas tras contraer matrimonio con el príncipe Rainiero de Mónaco. Ha tenido dos hijos, Carolina y Alberto, deberían ser felices y estar comiendo perdices todo el tiempo... Pero las cosas no son tan sencillas. Grace no se adapta al rígido protocolo de palacio, y no ha logrado ganarse a su pueblo. Y le tienta volver a actuar, ahora que tiene entre sus manos el guión de Marnie, la ladrona, el nuevo proyecto de Alfred Hitchcock. El distanciamiento con su esposo, y una grave crisis con Francia por el especial estatus de Mónoco como paraíso fiscal, llevarán a Grace de Mónaco a replantearse cuál es el papel que debe interpretar en la película de su vida. “Una ficción basada en hechos reales”. Así se describe en un letrero inicial lo que cuenta Grace de Mónaco, de Olivier Dahan, quien ya siguió antes a otra celebridad en la pantalla en La vida en rosa, la inolvidable cantante Édith Piaf. En efecto, la familia real monaguesca, o sea, los hijos de Grace, no han quedado muy satisfechos con lo que cuenta la película, que no se ajustaría a la realidad. Y esa sensación también la puede tener el espectador, pues la mezcla entre la peripecia de Grace para hacerse a su nueva vida, y su intervención para superar la crisis diplomática con Francia, no acaban de casar bien. Entendámonos. La película es entretenida, se sigue con agrado su oferta de amor y lujo. Pero se diría que en los últimos tiempos las princesas no tienen suerte ante la crítica, pues Diana fue vapuleada recientemente, y Grace de Mónaco parecer estar corriendo idéntica suerte. Sea como fuere, Nicole Kidman logra hacerse pasar por Grace Kelly, lo que no es poco, y resulta convincente tratando de aprender el papel de princesa, con las distintas máscaras que debe aprender a llevar. Pero a veces da la sensación de que ciertos pasajes no están bien engrasados, como los referentes a las diferencias con Rainiero, o la última y brusca escena con el padre Tucker, su consejero espiritual. Y la parte que podríamos describir como detectivesca, aunque tenga la buena intención de homenajear a Hitchock, resulta un tanto postiza. En cualquier caso se puede decir a favor del film que presenta a un Hitchcock normal y agradable, casi paternal con su actriz, todo un logro sin comparamos con la imagen casi de psicópata que dieron las recientes películas Hitchcock y The Girl.

5/10
Believe

2014 | Believe | Serie TV

Hace casi 25 años, en los inicios de su carrera, Alfonso Cuarón hizo sus pinitos en la televisión mexicana, firmando episodios de la serie de misterio Horas marcadas. Ahora, tras una carrera triunfal en el cine, y coronado con el Oscar al mejor director por Gravity, vuelve a la pequeña pantalla con una intrigante serie creada por él y por Mark Friedman, y con la colaboración en la producción del mismísimo J.J. Abrams. El episodio piloto de Believe exhibe brillantez visual, y en sus dosis de acción y mundos de conspiración con elementos fantásticos responde plenamente a los esquemas “jotajotabramsianos”. El film sigue a la pequeña Bo, una niña que tiene asombrosos poderes telekinéticos y una increíble capacidad para penetrar en los pensamientos más íntimos de los que están cerca de ella. Dos bandos se enfrentan a causa de ella, unos, “creyentes”, para protegerla y poner sus dones al servicio de la humanidad, los otros con intenciones no tan limpias. Los “creyentes” toman una decisión por motivos no muy claros: liberar a Tate, un recluso que espera ser ejecutado en el corredor de la muerte a pesar de su inocencia, y confiarle su custodia. Entre él y la pequeña se establecerá una relación muy especial. Aunque todavía es pronto para aplaudir esta serie, el hecho es que contiene elementos prometedores en su intrigante trama, y la pequeña Johnny Sequoyah resulta prometedora, se nota la buena mano del responsable de La princesita dirigiendo a niños.  

6/10
Vous n'avez encore rien vu

2012 | Vous n'avez encore rien vu

Antoine d'Anthac, famoso autor dramático, convoca desde el otro mundo a todos sus amigos que interpretaron su pieza "Eurídice". Estos actores tienen como misión ver una grabación de esta obra interpretada por una compañía joven, La Compagnie de la Colombe. ¿El amor, la vida, la muerte o el amor después de la muerte siguen teniendo sentido sobre el escenario de un teatro? Son ellos quiénes deben decidir. Y las sorpresas apenas acaban de comenzar...

Después de mayo

2012 | Après mai

Una mirada agridulce a los lodos que trajeron los barros de mayo del 68. Estamos a principios de la década de los 70, los ideales del movimiento siguen en vigor, aunque también empieza a detectarse su corto alcance en cuanto a cambios reales en la sociedad se refiere. Gilles es un joven activista político al que no te interesa mucho lo que le enseñan en las aulas. Tiene una relación con una artista cuyo espíritu sin ataduras el agrada, pero también le atrae otra chica que querría algún tipo de compromiso. A él le gusta el cine, y querría rodar historias que ayudaran a la causa revolucionaria, con un nuevo lenguaje que rompiera con las convenciones habituales propias del orden burgués. Su presencia en una acción violenta con un cóctel molotov, de la que es víctima un guardia de seguridad, hace prudente tomar distancia durante el verano, yendo a otro lugar, para que se calmen las revueltas aguas. Y en efecto el tiempo lleva a que su trayectoria y la de sus amigos evolucione, tomando nuevos derroteros, de modo que cada uno trata de encontrar su lugar en el mundo. Olivier Assayas logra en Après mai recrear no sólo una época, sino el estado anímico de una generación que aspiraba a cambiar el mundo y que ni siquiera se pudo cambiar a sí mismo, en todo caso se embarcó en una nave sobre las aguas de la incertidumbre y la satisfacción. Está claro que en 2012 los anhelos de mayo del 68, y su decadencia que ya empezaba a adivinarse poco después, suenan a anticuados y ya superados, con un comunismo que yace enterrado -a excepción de los peculiares casos chino y cubano- en los libros de historia. Pero en el contexto histórico de crisis económica y moral resuena con cierta potencia la propuesta de Assayas en Après mai, aunque sea para constatar con cierto desánimo que el cambio social es poco menos que imposible, y que entretanto siempre quedarán las relaciones humanas, el amor que nace, y a veces perdura, mientras que otras veces muere. Aunque en Après mai todo suena a leve y trazado con pinceladas impresionistas, el guión de Olivier Assayas fue premiado en el Festival de Venecia. Suena a excesivo, aunque es cierto que el film fluye como un río tranquilo, sin aspavientos, hacia un final a lo Lampedusa, todo cambia para que nada cambie. Y acierta el director con un reparto de desconocidos, que ayuda a dar al relato cierto valor de documento histórico, el acta de un testamento.

6/10
El capital

2012 | Le capital

Un cineasta con las señas de identidad del griego afincado en Francia Costa-Gavras estaba obligado a tratar una crisis económica donde su país de origen ha dado tanto que hablar. Lo hace en El capital, con una historia escrita por él en colaboración con Jean-Claude Grumberg y Karim Boukercha, partiendo de la novela de Stéphane Osmont, y demuestra el dominio narrativo del veterano curtido ya en mil batallas cinematográficas, no en balde rueda el film a punto de cumplir los 80 años. Costa-Gavras asegura que “nos hemos convertido en rehenes de los mercados y de la coyuntura”. Y por ello sigue en El capital la trayectoria de Marc Tourneuil, un tipo al que precisamente las circunstancias -un cancer de próstata del presidente- le colocan en la cúspide del Banco Phenix. Aunque se supone que se encontrará en tal posición muy poco tiempo, el ambicioso Marc nadará entre tiburones -los miembros franceses del consejo de administración, los agresivos accionistas americanos de Miami...- para así agarrarse a su poltrona, y ello con el propósito de lograr lo único que parece valer la pena en este mundo: dinero, dinero, dinero. El sólido director logra atrapar con su mirada cínica el vértigo del poder, habla de juego sucio y puñaladas traperas. No falta en El capital algún personaje que denuncia tales excesos -el episódico personaje del tío de Marc-, o la ejecutiva experta en el mercado asiático que advierte de los peligros de cierta operación de adquisición de un banco en Japón; pero serían como “enanos” en medio de una dinámica imposible de alterar, porque en gran medida se han dejado fuera los referentes éticos o morales. El modo compulsivo en que el casado Marc se mueve, atraido por una despampanante top model, puede rozar lo grotesco, pero habla al fin de eso que llega a decir su personaje, “son como niños”; y él no quiere dejar de probar esa “golosina”; y ello aunque sepa que su esposa es mil veces más valiosa, pero al final es sólo una pieza de su partida de ajedrez, aunque se trate de la dama. Puede sorprender ver como protagonista en El capital a un actor cómico, Gad Elmaleh, conocido por títulos como El juego de los idiotas, pero resulta perfecto en el papel protagonista, y como él mismo recuerda, Costa-Gavras fue justo el que recurrió al comediante Jack Lemmon para una de sus mejores películas, la dramática denuncia política Desaparecido.

6/10
On the Road (En la carretera)

2012 | On the Road

Sal Paradise es un aspirante a escritor que busca su propia voz a finales de los 40, tras haber perdido a su padre. Queda fascinado por la arrolladora personalidad de Dean Moriarty, que casado con un espíritu libre, Marylou, les gusta llevar una vida alejada de los convencionalismos, sin pensar en el mañana, evitando todo lo que pueda suponer preocupación que quita el sueño. Los tres junto se lanzan a la carretera en un periplo a través del cual buscan no tanto un lugar como a ellos mismos y la prolongación de los momentos en que disfrutan en libertad y sin responsabilidades. Adaptación, por fin, de la emblemática novela de Jack Kerouak. Los derechos de “On the Road” los tenía hace años Francis Ford Coppola, de quien se esperaba hiciera algún día la versión fílmica perfecta. No ha sido así, al menos con el papel de director, aunque a través de su compañía American Zoetrope ha producido el film que firma el brasileño Walter Salles, que ya ha hecho otros títulos de viajes y carreteras, véanse Estación central de Brasil y Diarios de motocicleta. El resultado es bastante irregular, y hace a uno preguntarse si la novela “On the Road” no fue sobrevalorada en su momento. El film, que como el original, pinta la vivencias de Kerouac y sus compañeros de la generación beat con los nombres cambiados –Neal Cassady, LuAnne Henderson, Allen Ginsberg, William S. Burroughs, Al Hinkle–, tiene el interés de acercarnos a una época, poco después de la Segunda Guerra Mundial, donde el vacío existencial, y los nuevos hábitos en relación a las drogas, el alcohol y el sexo, o en la mirada a la sociedad establecida, ya anticipaban lo que luego trajo la revolución del 68. Pero resulta pesado y reiterativo, no se alcanza a plasmar el sentido de “experiencia única” que se supone vivieron Kerouac y compañía; más lograda está la captura de la “contradicción”, cómo al actuar con una supuesta libertad, se hace daño a otras personas, o la imposibilidad de compatibilizar la formación de una familia con ciertas actitudes vitales. La prosa del escritor está presente algunos momentos mediante la voz en off, y hay algún pasaje vibrante, sobre todo cuando viene el talento con la máquina de escribir, para plasmar, tinta sobre papel,lo que se ha vivido. Los actores están bien, aunque ninguna composición es memorable.

5/10
Rosas a crédito

2010 | Roses à crédit

Una década en la vida de un matrimonio francés, que trata de superar las heridas de la Segunda Guerra Mundial. Amos Gitai adapta una novela de Elsa Triolet, y cuenta con el protagonismo de una actriz que empezaba a descollar, Léa Seydoux.

4/10
Las malas hierbas

2009 | Les herbes folles

A Marguérite Muir le roban el bolso. George Palet encuentra su cartera en el parking de un centro comercial. Y se desata un deseo irracional en este cincuentón casado y sabelotodo por conocer a esa mujer de su misma edad, que tiene un carnet de piloto privado. Así que a pesar de entregar su hallazgo en la comisaría, comienzan las llamadas telefónicas de uno y otra, una serie de encuentros y desencuentros, el anhelo de la aventura.En vísperas de cumplir noventa años, el francés Alain Resnais demuestra ser un maestro del cine. Sólo alguien de su categoría es capaz de tomar esta trama ligera y caprichosa, como una mágica composición musical, y entregar un maravilloso film, divertimento que al tiempo sienta cátedra sobre el estado anímico de tantos, cansados de su aburrida vida, no en balde llega a decir en un momento el protagonista “Estoy cansado de esta mierda de vida”.El director adapta con excelente pulso una novela de Christian Gailly y la dota de una maravillosa musicalidad, maneja perfectamente una fotografía muy luminosa y quemada. E igual se atreve a usar profusamente la voz en off de un narrador y distintos personajes, que a jugar a la intriga de quién es quién, y a las dudas de hasta qué punto es todo una fantasía, a hacer una declaración de amor por la lectura y el cine, o a usar la aventura de volar como metáfora de un utópico estado de dicha absoluta. Otro símbolo potente son las hierbas, más locas que malas –la precisión corresponde al título original–, que se empeñan en crecer de modo sorprendente en el asfalto.En Las malas hierbas hay toda una serie de decisiones estéticas brillantes –no mostrar el rostro de Marguérite en los primeros minutos de cinta en que compra zapatos y le roban, la visita de los policías con sus preguntas a George reverberando con un eco que parece no tener fin...–, riesgos que se puede permitir quien tiene un perfecto dominio de la narración fílmica. Los actores, y de modo especial André Dussollier y Sabine Azéma, apoyan a la perfección la motivación de unos personajes que, según el director, “despliegan una vitalidad increíble en lo que puede considerarse una carrera hacia el error”.

7/10
Destino: Woodstock

2009 | Taking Woodstock

El Festival de Woodstock, celebrado los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969 en White Lake, estado de Nueva York, “tres días de paz y música” que congregaron a más de medio millón de jóvenes, más los que se quedaron en el camino, se ha convertido en icono de una época política convulsa, en que Estados Unidos perdió definitivamente su inocencia y en que el movimiento hippy preconizaba aquello de “haz el amor, y no la guerra”, un deseo despreocupado e ingenuo de alcanzar cierto estado de “nirvana”, difícil de tener luego una encarnación en el mundo real. El taiwanés Ang Lee, con la colaboración de su guionista habitual James Schamus, sitúa Destino: Woodstock en ese contexto, aunque su punto de vista es el del joven Elliot Tiber, cuya intervención fue tan decisiva como inesperada para que pudiera tener lugar el evento. En efecto, las autoridades de la cercana localidad donde se iba a celebrar retiraron el permiso, y Tiber, presidente de la Cámara de Comercio de su pueblo, aprovechó la ocasión de contar con la aprobación de un evento de esa categoría, pero de diminutas dimensiones, para ofrecer el lugar a los promotores del Festival. La idea era ayudar a sacar adelante el cutre motel regentado por sus padres, pero las repercusiones serán mucho mayores, no sólo en lo que se refiere al histórico concierto, sino a las vidas personales de hijo y progenitores. Lee y Schamus intentan algo harto difícil, y no les sale del todo, pese al empaque de su producción. Pueden justificarse señalando que ellos sólo cuentan una pequeña parte de la historia, pero se esperaba una radiografía más perfecta de lo que fue Woodstock. Su visión resulta demasiado idílica y parcial, la de quien añora un espíritu que sería necesario recuperar, sin admitir su falta de sustancia. La define bastante bien la metáfora de la llegada del hombre a la Luna, acontecida un mes antes de celebrarse el Festival, y que viene a hablar de seres que se adentran en territorio desconocido, que hollan por primera vez, una aventura cuya influencia posterior en sus vidas es difícil de vaticinar; por otro lado, también existe otra lectura, la del modo de decir popular “estar en la Luna”, o sea, no enterarse. Y en efecto, ver a esos ríos de jóvenes en busca de algo, que no saben lo que es, búsqueda que les lleva a la desinhibición sexual, a revolcarse en el barro o a la experimentación con alucinógenos, parece apuntar a un desnortamiento vital. En realidad el film cuenta con un personaje principalísimo, Tiber -en un libro escrito por él se basa la película-, se nos ofrece su mirada, la del 'descubridor', parecida a la del protagonista de Casi famosos de Cameron Crowe. Lo encarna con acierto el desconocido Demetri Martin, aunque Lee y Schamus hacen algo de trampa al ofrecernos su evolución, especialmente en el descubrimiento de su homosexualidad -tema recurrente en la filmografía de Lee-, que en la realidad ya conocía previamente. A los padres, aunque tengan rasgos esquemáticos, les insuflan poderosa vida Henry Goodman e Imelda Staunton. En cuanto a los demás, no es exagerado decir que son meros comparsas, desde el tronado veterano de Vietnam encarnado por Emile Hirsch al ex marine travestido de Liev Schreiber, pasando por el jefe de la compañía teatral vanguardista Dan Fogler, o al productor musical de Jonathan Groff. Envuelve el conjunto, como es de suponer, la música que jugó papel principal en el Festival -aunque no tanto como en Woodstock, el célebre documental de Michael Wadleigh oscarizado de 1970-, pero también la banda sonora original, muy acertada, de Danny Elfman.

5/10
Las horas del verano

2008 | L'heure d'été

Tres hermanos adultos, Frédéric, Adrienne y Jérémie, pasan el verano con sus hijos en la casa familiar, actualmente habitada por la anciana madre. Ella, pariente de un célebre artista ya fallecido, tiene varias obras de arte y la propia casa, y querría prever la disposición de estos bienes en previsión de su muerte. Frédéric, el hijo mayor, no quiere oír hablar del tema; él es partidario de no vender la casa en el futuro, pensando en el verano de sus hijos; pero los otros dos hermanos tienen sus vidas hechas en Estados Unidos y China, y la mejor opción para ellos sería la venta. Cuando al poco tiempo fallece la madre, deben ponerse en marcha, tomar decisiones. Lo que produce en ellos sentimientos agridulces, como la amputación de parte de su entrañable pasado. Olivier Assayas logra que parezca simple lo que es harto complicado: atrapar la nostalgia por el tiempo que se va, los recuerdos que se desdibujan, y que acaban desapareciendo ante la llegada de las nuevas generaciones. Los hermanos se quieren, aunque discrepen sobre cómo manejar su herencia. Hay lágrimas contenidas, añoranza por la madre muerta, consuelo por las palabras que oyeron en la iglesia, desconsuelo porque se verán menos a menudo. Hay secretos apenas vislumbrados, de los que no se tenía la menor idea. Y está esa lealtad de Éloise, la doncella anciana que cuidó de la casa, y que se llevará a casa un jarrón que le gusta, del que sólo estima su valor sentimental, aunque se trata, y ella lo ignora, de una valiosa pieza de coleccionista. El cineasta francés da con el tono y el ritmo precisos para su historia, y cuenta con un reparto sensacional.

7/10
Un cuento de Navidad (2008)

2008 | Un conte de Noël

Junon Vuillard, madre de familia francesa de clase media-alta, padece una grave enfermedad, que en el pasado también sufrió un hijo que falleció prematuramente. Junon está necesitada de un transplante de médula ósea, aunque tiene muchas posibilidades de que éste no sirva de nada. La familia decide reunirse en Navidad, en un caserón que les pertenece, donde también acudirá Henri, un hijo conflictivo que siempre se metía en líos. Su hermana Elizabeth, reputada autora teatral, aceptó pagarle sus deudas –por las que había sido llevado a juicio– a cambio de que no volvieran a verle jamás. En la práctica, Henri ha quedado prácticamente desterrado, pero acepta volver con su nueva novia, ante la enfermedad de la madre, y también ha decidido someterse a las pruebas que determinarán si es un donante compatible. Arnaud Desplechin – director francés desconocido fuera de su país – es el responsable de este drama sobre las relaciones familiares. Parte de una estructura curiosa, pues está dividido en capítulos que comienzan con los personajes reencuadrados en círculos negros como en las películas mudas. Aunque se trata de un drama descarnado, Desplechin ha optado por suavizarlo ligeramente, con oportunos golpes de humor y algún detalle surrealista que acaba resultando, eso sí, un tanto pretencioso. Se decanta Desplechin casi siempre por un tono poético en su tratamiento de los desencuentros familiares y la reconciliación. Por ejemplo, compara el regreso del hijo pródigo a su familia con el transplante de médula que necesita la madre, un órgano que tiene muchas posibilidades de ser rechazado por el resto del organismo, pero es la única esperanza de salvación. Estamos ante un film de grandes contrastes. Momentos descarnados dan paso rápidamente al humor; la banda sonora está compuesta por temas de estilos muy distintos; a veces los personajes se tratan con crudeza (la hija que destierra a su propio hermano, la madre que asegura que no le guarda rencor a la nuera, porque le ha quitado precisamente al hijo que no quiere) pero también hay lugar para varios momentos emotivos y entrañables. A pesar de que dura dos horas y media, el ritmo tiene cierta agilidad –gracias al imaginativo montaje–, y los personajes van ganando en matices, por lo que se sigue con interés. Como es una historia coral, propicia el lucimiento de todos los actores, aunque sobresale el veterano Jean-Paul Roussillon –el patriarca–, la ilustre Catherine Deneuve y su hija en la vida real, Chiara Mastroianni.

6/10
Hacia rutas salvajes

2007 | Into the Wild

Extraordinario y poderoso film del carismático actor y director Sean Penn, que recrea una impactante historia real. El guión escrito por el propio Penn está basado en el libro de Jon Krakauer, y supone la cuarta película de Penn como director, tras Extraño vínculo de sangre, Cruzando la oscuridad y El juramento. El archipremiado actor elige en este caso una aventura de superación, búsqueda, perdón y redención, para realizar una obra magna, de mucha mayor entidad que sus anteriores filmes. Penn se aleja asimismo de sus películas más fatalistas, porque, aunque no abandona del todo el territorio de la tragedia y su particular visión desgarrada de la existencia, recarga el film de toneladas de esperanza en el ser humano. El resultado es un film difícil de olvidar, emotivo, triste y alegre, tan bello como implacable. Pero aún contando con tan excelente material, seguramente el resultado habría sido inferior sin la ayuda de los actores, desde la adolescente Kristen Stewart hasta Catherine Keener o la colosal actuación del veterano Hal Holbrook, pasando claro está por el joven protagonista Emile Hirsch (Los amos de Dogtown), un actor con un futuro muy, pero que muy halagüeño. Y si el reparto es bueno, la dirección de actores por parte de Sean Penn se antoja absolutamente perfecta. Cuando contaba veintidós años Christopher McCandless se graduó en la Emory University y, en contra de cualquier previsión de futuro, decidió hacer algo inaudito. Dejó de lado su carrera de derecho, donó todo su dinero ahorrado (24 mil dólares) a la organización Oxfam, y emprendió un camino en solitario hacia las inmediaciones del monte McKinley, en Alaska, con el objetivo, lleno de idealismo, de encontrar el sentido y la verdad de la existencia. Durante los dos años que duró su experiencia recorrió variadísimos lugares y conoció a multitud de personas. Estamos ante un viaje espiritual, ante la particular odisea interior de un joven desesperado, desubicado interiormente, que ha perdido el norte de su existencia. Con la radicalidad del empuje juvenil decide romper con todo al no poder convivir por más tiempo con la mentira que reina a su alrededor: el engaño de sus padres y la relación con ellos, el afán de bienes materiales, las necesidades impuestas por la sociedad, etc. Chris es un magnífico estudiante, que, como el mismo dice creer, "tiene la cabeza en su sitio", y es un ávido lector de una serie de autores íntegros, radicales y valientes, escritores cuyas obras memoriza y que son sus verdaderos padres espirituales: Lev Tolstoi, Henry David Thoreau, Jack London o Boris Pasternak, entre ellos. Y un buen día Chris desaparece. Necesita nacer de nuevo, y para eso tiene que dejar atrás el pasado, incluso su nombre verdadero. Ni cartas, ni teléfono, ni dinero. Sólo lo puesto. Abandona Atlanta y emprende una vida errante hacia el oeste y luego el norte de Norteamérica, en un periplo en el que recorre miles de kilómetros durante dos años. "Antes que amor, dinero o fama, dadme la verdad", repetirá con Thoreau. El film, fantásticamente estructurado, sitúa la acción en tres tiempos y lugares distintos: la primera, la del último punto de destino de Chris en Alaska, en Fairbanks, en donde vive como un héroe de novela de Jack London, de lo poco que caza con su rifle y de la contemplación de la naturaleza; la segunda, la de las diversas etapas de su trayecto (Dakota del sur, Colorado, California, Oregón, etc.), lo cual supone un hondo y fructífero itinerario espiritual gracias a las personas con las que coincide, con las que convive, a las que ayuda; y en tercer lugar, Penn inserta momentos de incertidumbre y dolor de la familia ignota, padre y madre que lloran a su hijo desaparecido, y de la voz en off de la hermana, cómplice en el fondo del camino emprendido por su hermano. Quizá puedan achacarse algunos pequeños defectos al conjunto, como el de que todas las personas que encuentra Chris sean tan buenas, tan dispuestas a ayudarle, tan, digamos, sabias, o de que sus padres estén escasamente dibujados, pero son detalles que se pierden ante la grandiosidad del resto. Penn dirige con mano sabia y pulso narrativo notable, y la fotografía y la música ayudan a recrearse en los maravillosos paisajes de Estados Unidos. Hay muchos momentos de serena belleza, de contemplación, de autenticidad, en esta historia que remite a clásicos que van desde "La odisea" de Homero, hasta "En la carretera" de Kerouac. Sin embargo, menos importancia tiene el trayecto geográfico que el camino espiritual, porque, como en el "Walden" de Thoreau, Chris busca la verdad, la verdad desnuda, desprovista de artificios. Es como un asceta en busca de la Verdad, con mayúsculas. Por eso las conversaciones que tiene con la gente que encuentra a su paso –memorable la maravillosa relación con el anciano Ron– resultan tan claves para su iluminación interior. De todas formas, esos "pilares" del camino no impiden que, como el protagonista de Las aventuras de Jeremiah Johnson, Chris se sienta empujado obsesivamente hacia las montañas, hacia rutas salvajes, hacia el lugar ideal para encontrarse a sí mismo y entrar en la sabiduría anhelada: "La batalla culminante para matar lo falso y concluir la revolución espiritual".

8/10
Asuntos privados en lugares públicos

2006 | Coeurs

El octogenario maestro del cine francés Alain Resnais se hace de rogar teniendo en cuenta que desde su gran éxito On connaît la chanson, de 1997, sólo había rodado una película, Pas sur la bouche, inédita en muchos países, entre ellos España. Con esta adaptación de la obra teatral “Private Fears in Public Places”, de Alan Ayckbourn, el cineasta ganó el León de Plata al mejor director en Venecia en 2006, mientras que Laura Morante se hizo con el premio Pasinetti a la mejor actriz. Entrecruza las andanzas de media docena de vecinos del barrio parisino de Bery, que se interrelacionan a partir de la cita de Thierry, un maduro agente inmobiliario, con Nicole, a la que le enseña un piso en esa zona. Thierry, que vive con una hermana mucho más joven que él, se siente atraído por su compañera de trabajo en la inmobiliaria, Charlotte, una mujer teóricamente muy religiosa. Ésta, en sus ratos libres, acepta cuidar a un enfermo terminal cascarrabias, a petición de su hijo, Lionel, que la deja a su cargo mientras trabaja como barman. Uno de sus clientes, que le usa como confidente, es Dan, que bebe de más para olvidar que le han echado del ejército, suceso que amenaza con dar al traste a su relación con Nicole (la mujer anteriormente citada que buscaba piso). Laura Morante (Nicole) borda su papel, breve pero intenso, de novia desencantada que no acaba de encontrar al hombre ideal. Además, esta comedia dramática se engrandece aún más con la presencia, entre otros actores de primera, de Pierre Arditi y la esposa del propio cineasta, Sabine Azéma, que ya habían demostrado su química en dos redondos filmes del realizador: On connaît la chanson y Smoking, no smoking. El texto teatral tiene su interés, pues a través de diálogos de gran calidad abarca un amplio abanico de asuntos. Trata sobre todo de la tenacidad, para resolver las situaciones difíciles de la vida, como en el caso de la mujer que tiene que cuidar al anciano que ahuyenta a sus enfermeras tirándoles la cena encima, o el del soldado expulsado que, incapaz de aceptar su situación, se refugia en el alcohol. Aborda también la soledad de unos personajes que parece que no acaban de encontrar a quién contar sus problemas. Y ofrece apuntes sobre los anuncios de contactos amorosos, el alcoholismo y la fe. Pero no profundiza en nada, y el personaje de Sabine Azéma, la mujer católica que tiene una doble moral y se dedica al ‘striptease’ se antoja bastante disparatado, si se realiza un análisis a posteriori. Y es que cualquier defecto que se le pueda señalar a esta película, sólo sale a la luz cuando ha terminado la proyección. Durante el visionado, todo es convincente, gracias a los actores, y al dominio maestro del lenguaje fílmico del veterano Resnais. Esa iluminación que cambia mágicamente para dar lugar a una conversación ‘especial’, esos muros que desaparecen por arte de magia para dar lugar a un encuadre mejor, y otros toques de autor fascinarán a los más cinéfilos.

6/10
Paris, je t'aime

2006 | Paris, je t'aime

Mosaico formado por dieciocho historias cortas, rodadas por cineastas excepcionales, que giran en torno al amor. Cada una transcurre en un barrio de París diferente, que sirve como título a cada segmento. El principal escollo es que los cineastas tienen entre cinco y seis minutos por corto, lo que supone un reto para muchos de ellos, acostumbrados a desarrollar sus historias. Sintetizar un relato no es tarea fácil, menos en el cine moderno, en el que por ejemplo son necesarias tres horas de King Kong para contar lo mismo que la película clásica, de 100 minutos. Esta dificultad deriva en que pocos de los autores son capaces de desarrollar una historia de entidad, y los que salen mejor parados son en su mayor parte los que se decantan por narrar una anecdotilla. Es el caso de Joel y Ethan Coen, que mezclan suspense y comedia en ‘Tuileries’, aunque no muestran París, pues transcurre en su totalidad en la estación de metro. Steve Buscemi interpreta a un turista que descubre a una pareja magreándose en el andén de enfrente, lo que causará imprevistas reacciones de los observados. Tiene también su gracia ‘Tour Eiffel’, en la que Sylvain Chomet reivindica el derecho a la diversidad, a través de la historia de amor de dos mimos. Isabel Coixet realiza su primera incursión en el género cómico, pues en ‘Bastille’ parodia sus propios dramones lacrimógenos, a través de la historia de un hombre a punto de dejar a su mujer por una amante más joven. Resulta al menos curiosa ‘Père Lachaise’, en la que el especialista en terror Wes Craven  cuenta con simpatía la visita de una pareja a la tumba de Oscar Wilde. El propio Craven interviene brevemente como actor en ‘Quartier de la Madeleine’, donde Vincenzo Natali convierte a Elijah Wood en protagonista de una historia de vampiros. Esto no significa que no hayan tenido éxito algunos cineastas que han optado por la vía dramática. Destaca Gurinder Chadha, con ‘Quais de Seine’, que apunta con pocos trazos una historia de amor interracial. En ‘Loin du 16ème’, los brasileños Walter Salles y Daniela Thomas han elegido una entrañable historia de amor maternal, recordando que el amor puede ser de diferentes clases. Frédéric Auburtin se ha encargado de rodar imágenes de París, que sirven de transición entre los cortos, y de ‘Quartier Latin’, homenaje al cine de John Cassavetes, con dos de los actores habituales del neoyorquino, su esposa Gena Rowlands y Ben Gazzara. Como en todos los trabajos colectivos, es inevitable que el nivel sea desigual. Desentonan parcialmente algunos pasajes, como ‘Porte de Choisy’, relato surrealista en torno a unas peluquerías chinas. Lo mismo le ocurre a ‘Le Marais’, pues a pesar de la fuerza visual de Gus Van Sant, su narración de un encuentro que podría dar lugar a una relación homosexual no acaba de arrancar. 

5/10
Another Gay Movie

2006 | Another Gay Movie

En American Pie cuatro imberbes estudiantes se proponían perder su virginidad antes de que acabara el curso. Esta comedia repite más o menos el mismo argumento, con la variación de que los cuatro protagonistas son homosexuales. Andy Wilson es un homosexual que no esconde su condición, y que durante la fiesta de graduación en el instituto se da cuenta de que todos han conseguido emparejarse y practicar el sexo, menos él y sus tres amigos gays. Deciden que tendrán su primera experiencia homosexual durante el verano, antes de que empiece el curso universitario. Salvo por su variante homosexual, no se aparta demasiado de su modelo, que al fin y al cabo era una comedieta disparatada, frívola y chabacana sobre jóvenes inmaduros. Se queda en una sucesión de desnudos masculinos, conversaciones sobre sexo y cameos de famosos salidos del armario, desde presentadores televisivos hasta ganadores de concursos.

1/10
Memorias de Queens

2006 | A Guide to Recognizing Your Saints

Película basada en las memorias del director y guionista, Dito Montiel, que publicó en Estados Unidos en 2003 bajo el título “Una guía para reconocer a tus santos”. Aunque ese libro se componía de una sesentena de relatos basados en sus recuerdos de juventud, aquí se centra en un par de ellos, que no pretenden contar literalmente su vida, sino captar el ambiente en que se desenvolvieron sus años mozos en Astoria, un distrito del barrio neoyorquino de Queens, antes de marchar a Los Ángeles. El film entrecruza las escenas de un Dito Montiel ya adulto, que vuelve a su barrio ante el empeoramiento de la salud de su padre, con las de su juventud en un determinado verano, en que hizo amistad con un recién llegado al barrio, Mike, mientras deambulaba por las calles con sus amigos Antonio y Nerf, y departía con su ‘novieta’ Laurie. El esquema narrativo, que incluye el propio esfuerzo de Montiel por guionizar su historia y convertirlo en película, alimenta la intriga acerca de los motivos por los que dejó el barrio para irse a la costa Oeste cuando apenas tenía diecisieta años. Afloran así recuerdos traumáticos del pasado, que convierten el film en un ejercicio de exorcismo de los demonios que había querido olvidar, sin conseguirlo, tiempo atrás. Montiel logró que el laboratorio del Festival de Sundance respaldara su guión, lo que permitió la realización del film. Luego este mismo festival acabaría dando un premio a la película por el conjunto de su reparto. Aunque el cineasta ha hecho sus deberes, y el resultado desprende autenticidad, no deja de ser algo desequilibrado, con cierta tendencia a divagar. Hay mucho costumbrismo, escenas callejeras sobre peleas entre bandas y relaciones chico-chica que no conducen a ninguna parte. Resulta valioso el acercamiento a la figura de los padres, el señalar las dificultades de comunicación y entendimiento, a pesar del cariño innegable entre éstos y el hijo. Y el desenlace, sobrio, resulta acertado, muestra sin aspavientos como la huída de ciertas obligaciones no tenía excesivo sentido, es sintomático de cómo a veces magnificamos los problemas por no afrontarlos.

6/10
Noise

2006 | Noise

El "Festival Art Rock" de Saint Brieuc es un festival de música de los más diversos estilos y géneros que permite a los artistas experimentar todo lo que quieran. Solo apto para aquellos capaces de disfrutar de la música experimental. Olivier Assayas, fanático del rock y el espíritu que lo rodea, dirigó este documental en 2006, prueba irrefutable de que la música es una de las pasiones de este cineasta.

6/10
Gabrielle (2005)

2005 | Gabrielle

Un texto de Joseph Conrad sirve al francés Patrice Chéreau (La reina Margot) para indagar acerca de la indolencia y el fracaso matrimonial. Francia, principios de siglo. Jean Hervey es un multimillonario hombre de negocios que vive una existencia al parecer apacible en su enorme mansión. El silencio y la tranquilidad de su casa sólo se rompe los jueves de cada semana, cuando los numerosos amigos de Jean y de su mujer, Gabrielle, son recibidos en la cena. Todo parece idílico, pero la realidad es muy diferente. La cosa promete y el espectador comienza a ver esta película como si de una moderna Gertrud se tratara... hasta que la cosa se estanca y se queda en... nada. Pero, eso sí, una nada envuelta a la francesa, llena de diálogos y reproches, de silencios y aspavientos, de verdades a medias. Al cabo, un hombre y una mujer que no se aman y han dejado pasar el tiempo hasta que sus vidas en común dejan de tener sentido es lo único que ofrece Chéreau, que hace alarde además de una pretenciosidad a veces insoportable. Le pesa a la película un guión demasiado discursivo, irreal, que se acaba convirtiendo en un dramón monolítico y a la postre muy poco original, con un ritmo premioso y una ambientación demasiado tristona, siempre dentro de las paredes de la mansión, con luz artificial... Todo sería horrible si no fuera por el trabajo de los actores, especialmente de la Huppert, que verdaderamente ofrece una intensidad –la escena del baño es un ejemplo– muy difícil de igualar.

3/10
Clean

2004 | Clean

Emily vive desde hace años con Lee, un músico que obtuvo una gran popularidad en los 80, pero después su estrella se fue extinguiendo poco a poco. La pareja atraviesa grandes problemas económicos, lo que les ha obligado a dejar al hijo de ambos al cuidado de los padres de Lee. Además, ambos han caído en el infierno de las drogas. Cuando Lee aparece muerto por sobredosis en un motel, Emily es arrestada por posesión de drogas, y acaba con sus huesos en la cárcel. El director francés Olivier Assayas (Las horas del verano, Finales de agosto, principios de septiembre) describe el mundillo de la música, e incluye cameos de músicos importantes como Tricky. También aborda el desconcierto de personajes influidos por el mayo del 68 francés, que dejó funestas consecuencias. La actriz de Hong Kong Maggie Cheung –ex esposa del director, que destacó por su trabajo en Deseando amar (In the Mood for Love)– ganó con esta película el premio a la mejor actriz en Cannes en 2004.

4/10
Diarios de motocicleta

2004 | Diarios de motocicleta

Mirada a la juventud del carismático líder revolucionario Ernesto Guevara de la Serna, más conocido como ‘el Che’. El guión de José Rivera toma como referencia los libros "Notas de viaje", del propio Che, y "Con el Che por Sudamérica", escrito por su amigo Alberto Granado. Es decir, de los protagonistas de un intenso viaje a lo largo del continente americano. Lo que empieza como pura aventura juvenil de los muy buenos amigos Ernesto y Alberto, ambos de familia acomodada, se convierte en experiencia iniciática. Al principio la idea es conocer nuevos lugares, ver mundo, pasarlo bien. Pero la constatación de una situación injusta, de pobreza y miseria, que afecta a millones de personas, conduce al despertar de la conciencia social del Che. Pues ve en su camino buena gente, llena de virtudes, pero cuyas precarias condiciones claman al cielo. Walter Salles rueda con corrección esta muesca más en la mitificación del héroe. Presenta a un personaje humano, al que afecta lo que ve y le conduce a la acción. A lo largo del camino surge una galería de personajes, personas sencillas y muy humanas, que se hacen querer. Esto contrasta un tanto con el dibujo antipático (aunque Rivera y Salles tienen suficiente talento para no cargar la mano) de la comunidad de monjas que atiende una leprosería: los guantes que impiden el contacto físico directo devienen en metáfora de algo indefinible que les separa de la pobreza, como si la religión, fuera un lastre que impide atajar con eficacia el problema de la miseria. El film está muy bellamente fotografiado, y su música es excelente. Los actores están muy bien, tanto Gael García Bernal como el hasta ahora desconocido Rodrigo de la Serna, que borda el papel de Granados.

7/10
Reyes y reina

2004 | Rois et reine

Reyes y reina es una sucesión de historias paralelas que se desarrollan en torno a dos personajes principales: Nora e Ismael. Este “collage” argumental sirve para reflexionar sobre la relación que existe entre los dos protagonistas, ella encargada de una galería de arte y él violinista. La película estuvo nominada a siete premios César de la Academia de Cine francesa, aunque, finalmente, sólo se llevó un galardón a casa. El afortunado fue Mathieu Amalric, reconocido con el premio al mejor actor.

5/10
Rois et reine

2003 | Rois et reine

La ‘reina’ del título es Nora, una treintañera que dirige una galería de arte y está a punto de casarse con un hombre muy adinerado. Pero su viaje a Grenoble para reunirse con su hijo Elias, que está de vacaciones con su padre (o sea, el abuelo del chico), sirve para recordar a los ‘reyes’ de Nora: además de su hijo y su padre, está Pierre, el padre del chico, ya fallecido, e Ismaël, recluido para observación en un centro psiquiátrico. En esos días saldrán a la luz oscuros secretos de familial Como es típico en el cine de Arnaud Desplechin, el director presta mucha atención a las relaciones familiares complejas. Y logra mantener el interés, a pesar del excesivo metraje, también gracias a las interpretaciones de Emmanuelle Devos y Mathieu Amalric, entre otros.

5/10
Su hermano

2003 | Son frère

Dos hermanos estrechan lazos cuando a uno le toca cuidar del otro, gravemente enfermo. Hasta entonces se habian distanciado, entre otras cosas por la homosexualidad del que está sano. Retrato minucioso de las molestias de la enfermedad, para el que la padece y los familiares. A este respecto es ilustrativa la agotadora escena del afeitado del vello, para una operación. Patrice Chéreau (La reina Margot, Intimidad) retrata unos personajes a los que mueve únicamente un cierto sentido del deber y del afecto. Sin apertura a la trascendencia, el suicidio se presenta como salida lógica ante una vida que resulta insoportable.

3/10
Intimidad

2001 | Intimacy

Islotes de tensión dramática en un mar de carnalidad. Momentos de lucimiento actoral, junto a escenas rayanas en lo pornográfico. Intimidad es de esos filmes que hacen preguntarse cuáles son los límites donde el actor deja de ser actor para ser... otra cosa. El francés Patrice Chéreau parece defender que una relación basada sólo en el sexo, resulta imposible a la larga. El modo en que lo hace es, cuando menos, cuestionable.

2/10
Las almas fuertes

2001 | Les âmes fortes

Fermin y Therese fueron una joven pareja que huyó para poder estar solos, afincándose en Chatillón. Therese empezó a trabar una buena amistad con la familia Numance, una de las más distinguidas de la ciudad, y la joven comenzó a valorar la libertad de su vida y la voluntad de sus propias decisiones. Esto no gustó a Fermín, quien acaba por trastocar el carácter de Therese. Película presentada fuera de la muestra en Cannes, y protagonizada por la modelo Laetitia Casta, cosa que no gustó demasiado y por ello la acogida no fue la deseada. El director Raúl Ruiz presenta una historia a base de flash-backs donde una Therese anciana recuerda su pasado. El carácter de Therese es el alma fuerte del título; una mujer joven que se niega a ser gobernada y toma las riendas de su vida aunque tenga que escapar o engañar a sus seres más cercanos. Casta hace lo que puede como actriz pero es más gratificante la presencia de John Malkovich que andaba por ahí.

4/10
Esther Kahn

2000 | Esther Kahn

Esther Kahn (Summer Phoenix) es una adolescente judía que vive en la Inglaterra de finales del siglo XIX. No tiene más aspiraciones que las de heredar la fábrica de costura familiar, hasta que un día ve una obra de teatro con sus propios ojos y empieza a replantearse su vida. Una película muy bien acogida por la crítica, que incluso compitió en Cannes por la Palma de Oro. El largometraje logra una gran ambientación y unos personajes muy creíbles.

6/10
Los destinos sentimentales

2000 | Les destinées sentimentales

Historia de amor y adulterio ambientada a finales del siglo XIX. Jean es un pastor protestante casado, padre de familia y marido resignado. Un día, en un baile en Barbazac, conoce a Pauline, una joven de veinte años de la que se enamora perdidamente. Rompiendo las reglas de la sociedad puritana del momento, ambos comienzan un romance juntos.  

6/10
Pola X

1999 | Pola X

Oscura y retorcida adaptación de una novela de Herman Melville, “Pierre o las ambigüedades”, a cargo de un cineasta, Leos Carax, que no se prodiga demasiado tras las cámaras, aunque suele dar que hablar entre los amantes del cine de autor, por títulos como Los amantes del Pont-Neuf. El film sigue a un Pierre, un escritor que ha conocido el éxito con una novela publicada anónimamente. Prometida con su prima Lucie, el inesperado descubrimiento de la existencia de una hermana, Isabelle, abandonada por el padre, le lleva a romper con su familia. Se trasladará a París, donde ahonda en el lado más oscuro del ser humano, mientras su relación con Isabelle va bastante más allá de lo fraterno, y comienza a escribir un nuevo libro. Gran reparto.

4/10
Tykho Moon

1996 | Tykho Moon

Una colonia del futuro que imita a París, y que está dividida en sectores. La gobierna la familia McBee, formada sólo por varones, que padecen un extraña enfermedad por la que necesitan urgentemente trasplantes de órganos. Un tal Tykho Moon sería el donante perfecto, pero se dice que ha muerto. Enki Bilal es bien conocido por los aficionados a los cómics de ciencia ficción. Aquí traslada su imaginería a una película que imagina un paisaje de Francia postapocalíptico. La verdad es que los decorados son poco creíbles, y no ayudan a la credibilidad de la trama de acción.

4/10
Love, etc. (Amor y demás)

1996 | Love, etc.

Benoît es el mejor amigo de Pierre desde sus tiempos de la escuela. Ahora ambos son treintañeros, pero muy distintos. Mientras que Benoît es un hombre convencional, tímido con las mujeres, y no logra establecer una relación seria, Pierre es un conquistador, tipo gracioso y caradura, con cierto desenfado vital. Un día benoît conoce a Marie, una restauradora de arte, lista, despierta, simpática, sencilla. Y se enamoran rápidamente. Comedia dramática francesa, basada en la novela "Love, etc.", del autor inglés Julian Barnes. La baza de la interpretación de los tres personajes principales es convincente, probablemente lo mejor del film, que habla del amor, de la amistad y de sus traiciones a tres bandas (adulterio incluido). Aunque no resulta verosímil ni satisfactorio el idílico desenlace, hay algunos momentos logrados, como la cena en que salen a relucir los trapos sucios. Destaca la bella música de Alexandre Desplat.

5/10
Irma Vep

1996 | Irma Vep

Rene Vidal es un director en declive obsesionado con la idea de hacer el remake de una serie francesa llamada "Les Vampires". Sin embargo, no logra encontrar a una actriz francesa capaz de interpretar el papel de Irma Vep, la protagonista de la historia, por lo que recurre a Maggie Cheung, una asiática que no sabe una palabra de francés. Problemas, malentendidos, ridículos. Dentro y fuera del plató. Al igual que Tom DiCillo en Vivir Rodando y Woody Allen en Un final made in Hollywood, Olivier Assayas se adentra en los problemas de rodaje de una obra ridícula y sin sentido. Cine dentro del cine, sátira del séptimo arte y su manía de revisar los clásicos.

7/10
Las cien y una noches

1995 | Les cents et une nuits

Monsieur Cinema (Michael Piccoli) es un anciano centenario, que vive solo en una enorma villa. Como la memoria empieza a jugarle malas pasadas, requiere los servicios de una joven que debe refrescar sus células grises, contándole historias de películas de todas las épocas y lugares. También vienen a visitarle personajes varios relacionados con el cine, estudiantes y empresarios sin escrúpulos. La película se concibió para celebrar el centenario del cine, pero Agnès Varda se excede en el metraje, es de esos trabajos donde el ejercicio más placentero es reconocer al desfile de actores que pululan por los fotogramas. Nostalgia para cinéfilos.

4/10

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