Francesc Garrido

Tocho y Jean-Pierre, ya talluditos, deciden viajar a Tombuctú, en Mali, a visitar a su amigo enfermo Joseba, una forma de recuperar el espíritu aventurero de antaño. Embarcan en la aventura a la hija de éste, Ely, que nunca le ha perdonado que la abandonara siendo una niña. Y se van en el viejo 4 Latas veterano del rally Paris-Dakar, pues pretenden llegar a su destino cruzando el desierto, donde les toca superar mil y un obstáculos. Gerardo Olivares reincide en una trama dramática en un marco de naturaleza tras títulos como Hermanos del viento y El faro de las orcas, aquí con formato de road-movie, complicidad de colegas y algunos golpes humorísticos. Desgraciadamente no da con el tono, la narración se hace muy larga, y todo es previsible y se haya atravesado de clichés buenistas, como la ayuda a un polizón clandestino subsahariano que se había escondido en el maletero del vehículo. Incluye muchos elementos, relación padre-hija, inmadurez, corrupción, inmigración, picaresca, hasta la chatarra espacial de los americanos, y bromas de pedorreta. Pero la mezcla no es armoniosa, y los personajes son planos, ni siquiera se aprecia lo que parece exigir el guión, su evolución hacia una suerte de equilibrio o redescubrimiento personal. Además se banaliza el consumo de marihuana. Sin duda son bellas las imágenes del desierto con sus dunas interminables, donde el manejo de drones ha dado el resultado apetecido.

Miniserie navideña creada y dirigida por Pau Freixas, está compuesta por tres capítulos envueltos en su arranque en la voz evocadora de Victoria Abril, y que transcurren en tres tiempos. La idea está probablemente inspirada en los fantasmas de las navidades pasadas, presentes y futuras del célebre cuento de Navidad de Charles Dickens. La atmósfera es un poco de cuento, al transcurrir todo en una idealizada casa de campo en medio de la nada, repleta de adornos navideños, el árbol, el belén, el espumillón, la mesa puesta. Pero la trama está atravesada por traumas y secretos de familia muy representativos de las miserias humanas, y de ideas muy dominantes en el pensamiento contemporáneo. Unos años después de la guerra civil española. Adela, Ester y María son tres hermanas niñas muy unidas, que se aprestan a celebrar la Navidad con los padres y los abuelas. Pero en el bosque, recogiendo leña, se encuentra a un maquis con una adolescente herida, Valentina. El hombre les confía a su hija, asegurando que la recogerá junto al lago más tarde. Entretanto, sin decir nada a sus padres, intentan que el joven médico Juan cure a Valentina. El hogar va a conocer momentos de tensión cuando irrumpe en él Manuel, guardia civil que busca al fugitivo, y que se comporta de un modo arrogante y despótico. La idea es tejer el conjunto como una red de mentiras y secretos de familia, que pugnan por salir a la luz con ocasión de las reuniones de Navidad. De modo que tenemos una historia en que se mezcla lo pasteloso –con un aire a “mujercitas” no muy sutil–, con planteamientos en boga –la infidelidad disculpada, los rencores de la guerra fraticida, el patriarcado y los malos tratos, la convivencia entre dos mujeres que quieren casarse, batiburrillo maridado de un modo bastante obvio–, y el buenismo al fondo de que el amor nos hace cometer errores, pero claro, es amor, lo que debería hacernos preguntar si ese concepto de amor no está un tanto desorientado. Dentro del reparto de culpas en unos y otros, no deja de llamar la atención que si hay algunos malos de la función, estos sean guardias civiles, de los que se hace un dibujo dedicidamente tosco. La producción está muy cuidada, y el elenco actoral femenino es fantástico, incluidas las actrices que dan vida a las hermanas niñas, adultas y ancianas.

Jordi reside habitualmente en Argentina, pero viaja a Valencia para asistir al entierro de su tío, importante Conseller del gobierno autonómico, en el que se reencuentra con el hijo de éste, su primo Diego. Ambos reparan en que asiste al sepelio una joven albanesa que siembra las dudas sobre el pasado del finado, así que deciden investigarlo juntos, y de paso tratar de saber qué ocurrió con el padre de Jordi, al que todo el mundo da por muerto, pues desapareció en los 90 sin dejar pistas. Primer largo en solitario del realizador valenciano Nacho Ruipérez, que filmó uno de los segmentos del poco conocido Blue Lips, rodado con otros cinco directores. Sabe aprovechar los arrozales y otros elementos característicos de su tierra para darle algo de originalidad a un architípico thriller. Ha tenido suerte al contar con dos buenos actores como protagonistas, el español Jan Cornet (Diego), ganador del Goya al actor revelación con La piel que habito, y el argentino Michel Noher (Jordi), poco conocido en estos lares, mientras que el compatriota del segundo Leonardo Sbaraglia, siempre solvente, tiene un papel secundario, así como Ana Torrent. Acaba robando la película Francesc Garrido (Smoking Room), interpretando a un turbio individuo. Quizás se va por caminos que no resulten del todo desconocidos, y tiene algún bache. Pero resulta interesante, sobre todo porque aborda el tema de la cultura del pelotazo y la corrupción que desgraciadamente suele copar la actualidad en los medios de comunicación.

Serie de intriga, que arranca con la aparición de un famoso abogado y profesor de derecho, Juan Elías, famoso por su falta de escrúpulos, que aparece en una carretera completamente amnésico, o eso dice. Se sospecha que podría ser culpable del secuestro y asesinato de su sobrina Ana, desaparecida en la actualidad. El caso es tremendamente mediático, y supone sentimientos enfrentados entre dos familias unidas por las esposas, que son hermanas. A medida que avanza la trama se intuyen turbios secretos, mientras que en el joven bufete que ejerce la acusación particular está la talentosa Eva, que tuvo una relación con Elías mientras hacía la carrera. El visionado del primer episodio de esta producción de Mediaset sirve para hacerse una idea de cómo se van a sumar clichés a la trama, en que los abogados se acuestan con las fiscales, o los niños y jovencitos son introducidos para alcanzar a un amplio espectro de edad entre los espectores. Diálogos poco trabajados, que en muchos casos no parecen creerse los actores mientras los dicen, y líos amorosos trazados con escuadra y cartabón, más música enfática, permiten vaticinar un producto poco imaginativo, para rellenar parrilla. Pau Freixas, aunque muy profesional, no muestra la frescura de los primeros pasos de Pulseras rojas, ni por supuesto de Héroes, su mejor film; aquí hay simple premura, rodar y empaquetar, aunque al menos se cuida el lenguaje legal, y Antonio Dechent sobresale en su naturalidad, frente al artificio de Francesc Garrido, Blanca Portillo y Aida Folch.

Un matrimonio español viaja a Lituania con la esperanza de llevarse a casa a un niño en adopción. Se supone que es el último paso de un largo y costoso camino, aunque han sido advertidos de que pueden todavía surgir complicaciones. Y en efecto, las negociaciones con funcionarios, intermediarios, amigos de conocidos que se supone que van a facilitar las cosas, no sólo son en sí mismas un verdadero calvario, sino que podrían poner en peligro lo que parecía una relación idílica entre marido y mujer. La argentina Daniela Féjerman ha dejado definitivamente atrás las comedias rancias que firmó con Inés París (A mi madre le gustan las mujeres, Semen. Una historia de amor), e incluso se eleva por encima de la más ambiciosa aunque fallida 7 minutos, en este film sobre una realidad social poco tratada en el cine. Está claro que el deseo de una pareja que no puede tener hijos por adoptar es una buena premisa para una cinta dramática, se puede jugar al contraste entre una sociedad occidental que cree que todo está a su alcance, y un país menos avanzado, con niños que nadie quiere, sobre todo si tienen algún problema físico o psíquico. Y una Lituania invernal, realidad cultural con un idioma distinto, resulta muy atractiva. De modo que el film contiene unas cuantas escenas con chispa. Sin embargo, le falta al film progresión, elementos que ayuden a mantener el interés. Féjerman y su coguionista Alejo Flah –que ya colaboró con la directora en un telefilm sobre la baronesa Thyssen– se asemejan un poco a los rumiantes: dan vueltas a las mismas ideas y situaciones –insensibilidad y corrupción en la población local, arrumacos seguidos de broncas monumentales en la pareja, ilusión y decepción–, provocando cierta fatiga, y haciendo que el espectador se pregunte si no habría sido mejor hacer con este material un mediometraje. Tanto la pareja protagonista (Nora Navas y Francesc Garrido), como los desconocidos actores lituanos están bien, pero un mejor desarrollo de sus personajes habrían mejorado el film y sus composiciones.

Resulta difícil decir qué es exactamente Stella Cadente. A priori deberíamos catalogarla como cine histórico, que describe la impotencia del recién proclamado rey de España Amadeo de Saboya. Corre el mes de noviembre de 1870, y el nuevo monarca tiene grandes planes, pero los obstáculos son aún mayores, empezando por el asesinato del general Prim, su principal apoyo para lograr la deseada modernización del país. A partir de ese momento se convierte en un rey con escasa capacidad de mando, con un gobierno que hace y deshace, tremendamente solo, también por la ausencia de esu esposa. El caso es que los hechos históricos no parecen bastar a Luis Miñarro, que define su obra como “película libre y delirante que defiende la necesidad de gozo”. Al final, las críticas a la España atávica son casi una excusa o simple punto de partida para una historia minimalista y surrealista, desconcertante sobre todo en lo relativo a las atracciones amorosas, también de corte homosexual, y los juegos eróticos presentados festivamente, con ideas que parecen más propias de American Pie, aunque sea en versión “cultureta”. Que los actores hablen cada uno en un idioma sin justificación racional –español, francés, catalán– es otro elemento más de esta consciente locura exploratoria de no se sabe qué territorios. Resulta difícil tomarse el fillm en serio, y se ve que Miñarro no lo prentende, aunque apunte ideas como la de la ruptura de barreras sociales, el rey se entiende mejor con una mujer de clase baja que con la camarilla que le rodea y le aisla del pueblo.  

El tiempo entre costuras adapta la novela homónima de María Dueñas, sorprendente debut literario de la autora, que se convirtió en un gran éxito de crítica y público. Se encarga de la realización Ignacio Mercero, hijo del mítico Antonio Mercero, que ya tiene enorme veteranía al frente de capítulos de numerosas series españolas de ficción, como La chica de ayer o Los protegidos. Con pequeños cambios puntuales, como alguna escena añadida que no traiciona al original, El tiempo entre costuras sigue al pie de la letra el argumento del libro. Meses antes del inicio de la Guerra Civil, Sira Quiroga, jovencísima empleada de un taller de costura madrileño, abandona a su novio funcionario, con el que está a punto de casarse, para viajar a Tánger con Ramiro Arribas, el hombre del que se ha enamorado. Pero éste la deja abandonada, embarazada, llevándose todo su dinero... Logrado relato del paso de la inocencia a la madurez, el guión de Susana López Rubio (Física o química, Hospital central) y Carlos Montero (El comisario) aprovecha el enorme potencial de la trama, bien urdida por la novelista. La miniserie sorprende por el despliegue de producción, atípico en la televisión española, que permite localizaciones en ciudades de diversos países (Madrid, Tánger, Tetuán, Lisboa), vestuario de la época más que convincente, y atrezzo adecuado. El tiempo entre costuras está rodada con una enorme elegancia, que parece tomar como punto de referencia los clásicos de Hollywood, y su retrato histórico –centrado en las desigualdades femeninas de la época– es más inteligente de lo habitual. Logra atrapar más o menos desde su inicio. Además, Adriana Ugarte realiza un gran trabajo mostrando la evolución de la protagonista, y está en medio de un plantel solvente, en el que destacan Raúl Arévalo (el novio funcionario) y Elvira Mínguez (la madre).

Comedia dramática de Laura Mañá, más conocida como actriz, aunque como directora ha sido responsable de algún título esforzado, como Palabras encadenadas. Ahora dirige a un reparto coral hispano-argentino, en el que predominan los actores veteranos, en un film que gira casi por completo en tono al tema del sexo, en la tercera edad. Entrecruza los periplos de varios ancianos que asisten a clases de sexo. Olga, la profesora, les anima a tener en cuenta que sus cuerpos han envejecido, y les manda hacer ejercicios, como escribir acerca de sus fantasías eróticas. Juanita, una viuda sin hijos con problemas auditivos, vive con el recuerdo constante de su marido. Herminia es una mujer coqueta que conoce en un bar a un viudo argentino que acaba de instalarse en la casa de su hijo sin preguntar previamente si podía hacerlo. Pepe es un hombre casado que se acaba de jubilar y acaricia la idea de dejar a su esposa para irse a vivir con su amante, pero ésta no acepta, y decide romper con él. Lo único salvable son los actores principales, cuyas sentidas interpretaciones logran salvar por momentos un film con muy poco interés. Todo es frívolo, absurdo y surrealista, y la supuesta “gracia” consiste en mostrarnos a los ancianos protagonistas utilizando vibradores, material erótico diverso, ataviados con parafernalia “sado”, etc. La subtrama argentina promete en un primer momento, y se sustenta en los trabajos de Eduardo Blanco y Osvaldo Santoro, pero da un giro hacia la chabacanería, en las secuencias del anciano masturbándose con su nieto, y pierde fuelle por completo.

Dos familias bodegueras rivales en la Rioja, los todopoderosos Cortázar, y los más modestos Reverte. El patriarca de los primeros, don Vicente, ha decidido poner al frente del negocio a Miguel, lo que provoca reacciones dispares en los otros hijos. Sabedor de se ha ido al traste un importante pedido que tenían, en favor de los Reverte, Miguel presiona al otro patriarca, don Jesús, para que le venda la bodega, a lo que el otro se niega en redondo. Misteriosamente don Jesús muere asfixiado en su bodega en lo que parece un accidente fatal. Sus hijos Daniel y Lucía, a pesar de las presiones externas, deciden seguir adelante con el negocio familiar.Ambiciosa serie televisiva producida por Bambú con Televisión Español. Su concepto podría resumirse como El padrino en los viñedos de La Rioja. Pues hay modos “padrinescos” en la relación entre don Vicente y Miguel, en sus procedimientos mafiosos y en las debilidades de algunos miembros de la familia. Lo que está acentuado por el tratamiento fotográfico de Jacobo Martínez, que se diría quiere emular al de Gordon Willis en la trilogía de Francis Ford Coppola.Se trata de una producción digna e intrigante, creada por el activo Ramón Campos, que sabe plantear y desarrollar abundantes subtramas que implican a un múltiples personajes, encarnados por un acertado reparto. Eso sí, hay algo de culebrón elemental en las infidelidades, complejos y engaños de unos y otros.

Kay es una joven timadora que sobrevive robando coches con una amiga. Durante uno de sus golpes está a punto de ser detenida por un guardia civil, pero escapa gracias a la intervención de Abel, un tipo que pasaba por allí, y que resulta ser un cobrador profesional de deudas, que usa métodos violentos para ello. Kay se enamora de Abel, con el que inicia un idilio, al tiempo que ayuda a su padre a robar unos diamantes a unos policías corruptos que le han pedido que los venda. Esforzado pero fallido thriller que supone el debut como director de Patxi Amezcua, coguionista de El viaje de Arián, de Eduard Bosch. De tono violento, el director parece haber encontrado su inspiración en el Tarantino de Reservoir Dogs. En un panorama de cine español marcado por la mediocridad y la recurrencia a temas como la guerra civil, se agradece que el tal Amezcua intente hacer una película de género, pero las buenas intenciones no son suficientes. Es indudable que tiene cierto talento visual, que podría dar lugar a películas de interés. También se agradece que intente aportar algo de fondo a la narración, porque sus personajes solitarios, marginales y amorales intentan buscar apoyo en las relaciones familiares, lo que podría haber dado mucho más de sí. Kay siente necesidad de estar con su padre, aunque éste es un pobre diablo que se empeña en tirar su vida a la basura, mientras que Abel fue abandonado por su mujer, e intenta poder sacar adelante a su hijo, cuidado por los abuelos... Pero Amezcua es incapaz de sacar interpretaciones creíbles a sus actores, algunos de ellos con posibilidades, como los protagonistas, Francesc Garrido y Aida Folch. En general, el reparto intenta que parezcan espontáneas sus frases, pero suenan impostadas. Además, a pesar de que el presupuesto es mínimo, se empeña en componer un par de secuencias de acción que no funcionan, y habrían quedado mucho mejor ‘en off’.

Jordi es un fracasado empresario catalán que decide viajar a Buenos Aires para hacer fortuna. Es el mes del corralito argentino y Jordi aspira a que se haga realidad aquello de que ‘a río revuelto, ganancia de pescadores’. Una vez allí, se implica con una serie de personas de las altas esferas, muchas de las cuales están lejos de ser ‘trigo limpio’. La película utiliza los duros días del corralito como contexto para contar una historia. El interés de Ramón Térmens ha sido el de desarrollar una trama con personajes reales que despierte el interés, y es que se trata de un thriller que quiere mantener en vilo al público. Lo que no quita para que esta intención se complemente con un intento de llamar la atención sobre la corrupción tanto a nivel político como empresarial.

Manuel (Alberto San Juan), un tipo que abandonó su pasado y se dedicó a trabajar de gigoló, decide volver a contactar con sus amigos. Entre ellos se encuentran Fernando (Javier Gutiérrez), un ser patético que no tiene un duro y se hace pasar por militar, la inestable ex novia Osiris (Maribel Verdú), que está liada con José Luis (Francesc Garrido), que ha perdido todo su dinero en una inversión, el peluquero deprimido Andrés (Fernando Tejero) y su esposa Mónica Carmen Ruiz), Lola (Pilar Castro) y su esposo adúltero David Antonio Molero), que van a adoptar a un niño africano, etc. El film es un retrato coral y zafio de la relación –llamarla amistad sería sencillamente absurdo– entre este grupo de patéticos personajes, a cual más penoso y deplorable. Cada uno de ellos es un compendio de los peores vicios y facetas que puede tener un ser humano con respecto a os demás: egoísmo, falsedad, hipocresía, adulterio, etc. Todos ellos se mueven solamente por los más puros y básicos (o bajos) sentimientos y en ningún momento hay el más mínimo afecto sincero por el otro. Juan Cavestany (El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo) entrega por tanto una película necesariamente deprimente y también muy monótona y aburrida (la comedia es casi inexistente), a la que además parece faltarle una intención clara, como no sea la simpleza de mostrar un grupo de vidas sin sentido. Así las cosas, no hay mucha originalidad en el conjunto, y es una pena que se desaproveche un grupo de espléndidos actores. El chiste es demasiado fácil, pero también irresistible: la película tiene la misma calidad que la gente del título.

Se nota que no es exactamente una ópera prima, pues aunque se trata del primer largo de ficción como cineasta de la actriz Silvia Munt, lo cierto es que ha adquirido poco a poco una gran experiencia como directora. Ganó el Goya al mejor corto con Lalia, y además tiene en su haber varios telefilmes y el documental Elena Dimitrievna Diakonova “Gala”. Y su amplia experiencia como intérprete se refleja en las intensas interpretaciones de un reparto que ha sabido escoger muy bien. Munt se ha reservado también el papel protagonista, Viena, directora teatral que sufre una crisis en su matrimonio con Daniel, médico de un geriátrico. Ambos tienen la necesidad de estar juntos, pero no pueden evitar continuas discusiones. Mientras que Viena toma como confidente al actor principal de la obra que está a punto de estrenar, Daniel se refugia en sus conversaciones con Eva, una de las enfermeras que trabajan con él. El personaje central, Viena, que tiene una madre cinéfila, se llama así en honor de Vienna, interpretada por Joan Crawford en Johnny Guitar, el gran clásico del cine, al que Munt cita en varias ocasiones. Incluso se permite incluir en un par de ocasiones el célebre tema central de la banda sonora. Estas referencias no son casuales, pues Munt comparte temas con la inmortal cinta de Nicolas Ray, como la necesidad de sentirse amado como pieza clave de la búsqueda de la felicidad. También recuerda al estilo de Ray la sutilidad con que la directora dibuja los conflictos de los personajes, a través de miradas, de gestos, de detalles. Munt logra secuencias muy llamativas, de enorme intensidad, y bastante originalidad, como cuando su personaje pone un disco en el que su hijastro ha grabado conversaciones de diferentes personas, que en conjunto resumen todo lo que el espectador ha visto hasta entonces. Se pueden sacar ‘defectillos’, pues el hijastro de la protagonista sirve de contrapunto dramático pero se antoja desdibujado. Además, algunas escenas son tan excesivamente teatrales, que parece que estamos ante la filmación de un montaje escénico. Pero sin duda estamos ante una nueva componente del valioso grupo de directoras femeninas que actualmente rueda en España, integrado por cineastas tan valiosas como Icíar Bollaín y Gracia Querejeta.

Dos tipos, aparentemente policías, vigilan a un hombre de cuarenta años, en el exterior de su residencia. Por lo visto no ha cometido ningún delito, pero uno de los dos está convencido de que lo cometerá. El hombre al que observan se obsesiona con una silla que encuentra en un anticuario. Pero cuando consigue el dinero para comprarla, se le ha adelantado otro, que no está dispuesta a desprenderse de ella. Decide arrebatársela y salir corriendo. Primer largometraje en solitario de Julio Wallovits, codirector de la sorprendente Smoking Room con Roger Gual, que también emprendió su carrera en solitario con Remake. La premisa argumental es muy sencilla, pues sólo narra el citado robo de una silla, que John Ford habría contado en 25 segundos. Pero Wallovits se pierde en secuencias surrealistas sin ningún interés, repletas de un sentido del humor trasnochado, y una voz en off agotadora en la que un protagonista sin carisma ninguno expresa sus opiniones sobre temas que podían haber dado su jugo, como la felicidad, el materialismo y la soledad. Aparentemente, intenta ser una crítica a la sociedad de consumo, pero se nota que no tiene ningún interés nada más empezar.

Venía precedido el estreno de este film de declaraciones polémicas de su director y guionista, el escritor Ray Loriga. Pero se ve que ofende no quien quiere, sino quien puede. Y a Loriga la vida y figura de santa Teresa de Jesús le viene grande, muy grande... Dice que ha leído todo lo que ha caído en sus manos sobre ella. Tal vez, pero... La película arranca con un prólogo que, se supone, intenta situarnos en la época. Lo que significa referencias a los desmanes de la inquisición e imágenes de orgías que vienen a cuento de no se sabe qué... De ahí pasamos a una Teresa de Cepeda y Ahumada coqueteando y algo más, con un apuesto caballero... Pero no, lo suyo no son los amores de este mundo, e ingresa en un convento carmelita. De ahí pasamos a un acercamiento más fiel a la historia, en que la candidata a monja se somete a un régimen de vida muy austero... Se nos sugieren sus experiencias místicas en clave sexual –hay algunos que parecen no poder ver la vida por otro prisma que el erótico, ya se sabe...–, y somos testigos de sus deseos de santidad y unión con Cristo, que le llevarán a su idea de reformar el Carmelo. El film tiene un despliegue de producción más que notable... Podría haberse hecho algo muy digno. Pero los complejos de Loriga le llevan a quedarse entre dos aguas, lo que seguramente no contentará a nadie. El cineasta es consciente de que el público objetivo de su film es el cristiano al que interesa la vida de la santa, motivo por el cual intenta no ser demasiado ofensivo en su aproximación al personaje... Por otro lado, no puede dejar de alimentar sus ínfulas de artista de vanguardia, que aborda la vida de una mujer que se sobrepuso a su época y bla, bla, bla... Y así, incluye secuencias oníricas trufadas de pedantería, con Teresa embuchada en un espléndido vestido rojo diseñado por la japonesa Eiko Ishioka, que no debía tener bastante con los hábitos de las monjas, y que hace parecer a la santa un trasunto de novia recién salida del Drácula de Coppola... El resultado de las componendas de Loriga es un film frío, que ha dejado escapar aspectos básicos del carácter de Teresa de Jesús, como su proverbial sentido del humor. Ella, encarnada por una esforzada Paz Vega, aparece como una mujer terca y decidida en sus propósitos, con deseos de amor de Dios. Pero se pierde el sentido de lo que hace, por ejemplo en su exigente uso de las disciplinas, o en sus ayunos... En el dibujo de personajes eclesiásticos hay de todo. Si Eusebio Poncela compone un Gaspar Daza más convincente de lo que cabía esperar, el dominico inquisidor de Manuel Morón es absolutamente risible, mientras que a la doña Guiomar de Leonor Watling se la dota de una extraña ambigüedad, que da que pensar, y el Pedro de Alcántara de José Luis Gómez es un santón al que falta humanidad. Ay, esos corros de personajillos, pensando en reformar la Iglesia, si les dejan... La película queda muy lejos de logros de la serie televisiva de Josefina Molina Teresa de Jesús, o del moderno, éste de verdad, acercamiento de Rafael Gordon, en forma de entrevista televisiva, en Teresa, Teresa.

Félix, joven arquitecto, trata de recuperarse de la ruptura con su novia. Una noche recibe la visita en su domicilio de un desconocido que le pide hacer una llamada. Éste desaparece cuando Félix le deja a solas. A partir de ese momento, una serie de sucesos inexplicables hacen pensar a Félix que aquel individuo sigue viviendo en su casa, observándole desde los rincones. Debut de Guillem Morales, nominado al Goya al mejor director novel. El arranque es original, aborda los males causados por la soledad y además el joven cineasta logra imágenes perturbadoras que siguen los caminos marcados por David Lynch o Roman Polanski.  Al final los giros del guión acaban rondando el surrealismo y dejan abiertas varias interpretaciones.

Una película sobre la violencia doméstica puede ser arma de doble filo. Tema de rabiosa actualidad, acapara desgraciadamente titulares en los medios de comunicación; la cuestión preocupa, hay un público interesado. Pero por otro lado, se presta fácilmente a los didactismos facilones, a la truculencia barata. Por eso hay que reconocer el virtuosismo de Icíar Bollaín (Hola, ¿estás sola?, Flores de otro mundo), que entrega una película medida equilibrada y con matices, con distintos puntos de vista. La historia se centra en la deteriorada relación de Pilar y Antonio (magníficos Laia Marull y Luis Tosar), casados y con un niño, que viven en una ciudad de provincias. Una noche, ella se presenta en casa de su hermana con el crío, llorosa y en zapatillas. Ha sufrido un episodio más de malos tratos, que le empuja a una separación temporal. Bollaín, coautora del guión con Alicia Luna, se detiene en la descripción de los dos personajes principales: ambos siguen enamorados, se quieren de verdad; ella apenas puede dominar el miedo cuando adivina el inicio de un arrebato de violencia de él; airearse, trabajar fuera de casa en un museo, hacer nuevas amigas, da a Pilar nuevas alas; mientras, Antonio se esfuerza en seguir una terapia, escucha al psicólogo, anota en un cuadernito lo que pasa por su cabeza cuando le domina la ira; pero sus estrechos horizontes, un querer y no poder, configuran un pesado lastre. El cuadro se completa con los alrededores de la pareja: la madre que aguantó junto a su marido hasta el final de sus días (“lo hice lo mejor que supe”, asegura), la hermana indignada, que no entiende que Pilar lo intente de nuevo, las amigas del trabajo (presentadas con unas pinceladas algo simplistas, como prototipo de independencia bien llevada), el terapeuta que trata de dar pistas, los compañeros de la terapia de grupo, que presentan un abanico de mayor o menor aprecio a sus mujeres.

Si a Gary Cooper nadie le acompañaba para hacer frente a los forajidos en Solo ante el peligro, el mismo problema sufre Ramírez. Y eso que lo que le pide a sus compañeros de trabajo es tan simple como razonable: que le apoyen con una firma para que la empresa habilite una habitación para fumadores. Por el momento, a los riesgos del tabaco, los trabajadores de su oficina tienen que añadirle el del frío al salir a la calle en pleno invierno. Paradójicamente, todos están de acuerdo en la petición, pero nadie se atreve a hacer algo que hipotéticamente podría contrariar a unos superiores, que no conocen, de una multinacional que ha adquirido la compañía. Premiados con el Goya a la mejor dirección debutante, los creativos publicitarios Julio Wallowits y Roger Gual han filmado una de las cintas más originales del cine patrio en los últimos años. Rodada con un estilo cercano al documental, los cineastas formaron para financiarla una cooperativa entre los actores. Todos ellos, por cierto, están sobresalientes en sus interpretaciones naturalistas y cotidianas, especialmente Eduard Fernández y Antonio Dechent. Aunque parezca lo contrario, no es una cinta sobre los peligros del humo, sino que habla de las relaciones humanas, de la crispación y las manías que a todos nos afectan, y que nos empujan, desgraciadamente, a la deshumanización.