Lista de películas de Suecia

Ambiciosa serie televisiva danesa, concebida para su estreno en el 150 aniversario de los enfrentamientos bélicos entre Dinamarca y los prusianos del imperio austrohúngaro. Está narrada en dos tiempos, en la actualidad con un anciano recluido en su caserón y una joven obligada a realizar servicios sociales, que incluyen cuidarle; y en el pasado, con los antepasados de estos personajes, sobre todo dos hombres y una mujer, a los que separan las barreras sociales, ella es hija de familia noble, ellos de modesta condición, hijos de la servidumbre, y los que afectan de modo definitivo los acontecimientos históricos. Aunque el esfuerzo de producción de esta serie creada por Ole Bornedal es notable, se nota demasiado el "mensaje" de criminalizar a políticos y militares a los que les gustaría "jugar a los soldaditos", y las subtramas románticas tampoco son memorables. Es cierto que nunca se oculta la idea del revisionismo histórico, al plantear la serie en dos planos temporales, unode ellos  el contemporáneo. Pero lo cierto es que la conexión resulta algo forzada y distrae, y hace que miremos el pasado sin poder disfrutar de cierto tono épico o trágico, los personajes parecen tristes figuras a los que los sucesos que ocurren a su alrededor dictan su destino.

Cuando en 2003 Bent Hamer estrenó Kitchen Stories, cualquiera con ojos en la cara sabía que ahí había un cineasta a quien valía la pena seguir la pista. Sensibilidad para las pequeñas historias cotidianas y un innegable punto de originalidad, también en el aspecto visual, eran unas buenas señas de identidad. En A casa por Navidad adapta varios relatos de su compatriota Levi Henriksen. Está bien escogido el título de esta hermosa pequeña película, porque todas las historias que transcurren durante una Nochebuena tienen en común esa añoranza del hogar como remanso de paz, amor y felicidad. Además Hamer no renuncia, todo lo contrario, al origen cristiano de la fiesta, aunque no deje de señalar la pérdida de su significado religioso en la vida de tantas personas, de modo explícito en el relato del niño noruego y la niña negra musulmana. Entre las historias que contiene el film tenemos la del padre divorciado que quiere entregar los regalos a sus hijos en Nochebuena; el doctor que se resiste a formar una familia, y que es llamado para asistir al parto de un matrimonio de inmigrantes; el "sin techo" (y sin dinero) acogido por una mujer en su autocaravana; los ya mencionados niños que observan la noche estrellada con el telescopio; la mujer que tiene una intensa relación con un hombre casado que se resiste a dejar a su familia; el anciano con la mujer impedida. Cada una de las tramas que se nos presentan tiene fuerza, aunque la adúltera ofrece una explicitud sexual realmente innecesaria, y poco acorde con el espíritu de estos "modernos cuentos de Navidad". Y resulta muy inteligente que todas acudan de algún modo a la imaginería de lo ocurrido cierta noche de hace más de dos mil años, en una gruta en Belén: por supuesto, está la mujer a punto de dar a luz, pero también la contemplación del cielo en busca de una estrella, la carencia de un lugar donde pasar la noche junto a la incomprensión de algunas personas, el árbol, el belén, la misa de gallo... La vitalidad de Hamer como director se advierte ya en la escena de arranque con un francotirador, y el modo impactante en que encadena con la Nochebuena mediante un quitanieves. También en las imágenes del final, tan bellas, que el villancico que las acompaña no parece un pegote para nada. Tragedia, amor y humor se funden bien, he aquí una película lograda.

Charlotte es una joven que abandona a su novio tras cuatro años de vida en común y se va a vivir a un piso de un barrio deprimido. Su vecino de abajo resulta ser “Verónica”, un joven tímido que está esperando una carta que le confirme su operación de cambio de sexo. Mientras Charlotte recibe visitas esporádicas de hombres, con los que pasa la noche, Verónica también se gana un dinero haciendo de prostituto en su piso. Un día Verónica se intenta suicidar con pastillas y Charlotte le salvará la vida. Atrevido y sórdido debut en el largometraje de la danesa Pernille Fischer Christensen, que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín. Se trata de un drama rebuscado, marginal, de esos que muestran los sentimientos sin tapujos en materia sexual. La directora y guionista retrata unos personajes solitarios, muy tristes, cuyas vidas insatisfactorias se vuelcan en la perpetua búsqueda del amor y de la propia identidad. Esto hace posible que provoquen cierta empatía y casi ternura en el espectador, pues parecen incapaces de superar sus limitadas y miserables vidas. Y es que lo que ellos buscan es un amor muy pobre, escaso al menos, ya que su visión plana de la existencia lo reduce casi todo a sexo. Aunque el film es sórdido, y muestra conductas inmorales y degradantes, es cierto que la directora procura no ser demasiado explícita o al menos no se detiene morbosamente en las escenas más degradantes, que las hay. El film está rodado muy a la manera nórdica. La trama se divide en cuatro actos, introducidos a modo de relato por un narrador externo, lo que recuerda a algunas películas de Lars von Trier. Y el sonido y la luz ambiental, la cámara al hombro, los espacios cerrados (toda la historia tiene lugar en dos pisos), lo planos cortos, etcétera, relacionan el film con la tradición de los modernos cineastas daneses y más exactamente con el Movimiento Dogma, aunque en este caso no lleve el sello característico. El hiperrealismo se nota también en las excelentes interpretaciones, sobre todo en la de Trine Dyrholm, que encarna a Charlotte con una extraordinaria y llamativa naturalidad.

Kaisa, abogada londinense de éxito, recibe una llamada de su madre, que vive en Aberdeen. Desea que regrese unos días a su ciudad natal. La madre le oculta que en realidad está a punto de morir, y desea ver a Kaisa por última vez y que ésta se reúna con su padre, al que no ve desde hace muchos años. Intenso drama sobre el alcoholismo, las relaciones paternofiliales y la aceptación de la muerte. Cuenta con actores de primera.

Sensible y poética parábola, que sigue la vida paralela del asno Baltasar, y la chica que le puso nombre, Marie. De una niñez feliz por parte de ambos, se pasa a una vida adulta, en que el animal sufre malos tratos cuando es empleado como bestia de carga, mientras que la chica padece por culpa de las penurias económicas de su familia, y del tosco joven al que ama. Amor paradójico e inconveniente, pues hay otro muchacho, con el que disfrutó horas y horas en su infancia, y que sería el novio perfecto, pero que no le atrae. El prestigioso director Robert Bresson se inspiró en un episodio de "Crimen y Castigo" de Fiódor Dostoyevski para ofrecer este personalísimo film, de curioso simbolismo. En efecto, en el apaleado asno Baltasar hay quien ha visto una metáfora de Jesús, que asume el sufrimiento de los hombre en su Pasión, de modo que el animal padece solidariamente con la desgraciada Marie. La dura película, que atrapa bien las contradicciones y limitaciones del ser humano, logró el premio OCIC del Festival de Venecia en 1966. Hay pasajes muy hermoso, en que apenas hacen falta palabras, como la etapa de Baltasar en el circo.

La película que cierra la filmografía del cineasta sueco Vilgot Sjöman, se trata de un pulcro biopic de Alfred Nobel. Y aunque el creador del premio que lleva su nombre inventó la dinamita, no puede decirse que la película invente precisamente la pólvora a la hora de adentrarse en su vida. Lo que no quita para que el espectador acabe conociendo más de un detalle sobre la trayectora del insigne personaje que se describía diciendo "soy un enigma", al que interpreta Sven Wollter.

Tras ganar un merecidísimo Oscar a la mejor película extranjera con la redonda En un mundo mejor, la danesa Susanne Bier –también autora entre otros títulos de Hermanos y Después de la boda– cambia radicalmente de localizaciones, pues Amor es todo lo que necesitas transcurre casi por completo en majestuosas localizaciones de Italia. Cuando parece a punto de ganar la dura batalla contra el cáncer, Ida sufre un inesperado revés al descubrir in fraganti a su marido con otra. A pesar de la desesperación que le invade, decide acudir como tenía previsto a la boda de su hija en la pequeña ciudad italiana de Sorrento. Mientras conduce al aeropuerto colisiona con el coche de un amargado individuo. Resulta ser Philip, el padre del novio, un hombre amargado por la pérdida de su esposa, por el que sin embargo Ida empezará a sentirse atraída durante los preliminares de la ceremonia. Pierce Brosnan viaja a un idílico lugar europeo rodeado de mar para una boda filial. Aunque esta vez el actor no canta, casi se diría que Amor es todo lo que necesitas es el reverso de Mamma Mia!, porque con elementos que en otras manos habrían dado lugar a un film frívolo y ligero, quizás a una comedia romántica de las más bobaliconas, Susanne Bier construye un film sólido. En comparación con su filmografía precedente, viene a ser lo más parecido a un divertimento que quizás pueda llegar a rodar la danesa, que empezó su carrera con el dramón Te quiero para siempre y desde entonces ha dejado poco espacio a la carcajada. Pero aunque logra hacer reír en ocasiones, tiene un trasfondo de drama que da pie a la reflexión sobre las relaciones familiares, la enfermedad, la infidelidad y la necesidad del amor. Viene a ser como si la realizadora quisiera demostrar que su dominio de la realización da de sobra para rodar secuencias de comedia, pero no desea olvidar que la vida también es trágica. Quizás Amor es todo lo que necesitas no llega a ser tan redonda como las anteriores películas de Susanne Bier, pero ésta lleva al espectador hacia donde quiere con maestría. No sólo Brosnan está a años luz de otros de sus trabajos, más real y humano que de costumbre. Le rodea un reparto de lo más ajustado, en el que sobresale Trine Dyrholm, una de las grandes del cine escandinavo, cuyo personaje protagonista, Ida (fuerte frente a la enfermedad, pero necesitada de cariño), tiene muchos más matices y presencia en pantalla que aquella esposa separada del médico que interpretó en el anterior trabajo de la cineasta.

El noruego Roald Amundsen (1872-1928) es uno de los más importantes exploradores de la historia. Es conocido sobre todo por haber dirigido en 1911 la primera expedición que llegó al Polo Sur, venciendo en su carera al británico Robert Scott, casi tan célebre como él. Pero Amundsen no se paró en aquella hazaña y siempre quiso emprender cualquier aventura con tal de ser el primero en realizarla. Su arrojo era asombroso. Sin embargo, su personalidad era difícil y tenía un carácter individualista que con facilidad le distanciaba de las personas que tenía alrededor e incluso de sus seres más queridos. Esta película arroja luz acerca de las hazañas de Amundsen, llevadas a cabo en la segunda y tercera décadas del siglo XX. Tras la cámara se sitúa quizá el director noruego de mayor proyección internacional en la actualidad, Espen Sandberg, que tiene en su haber películas importantes como Max Manus o Kon-Tiki y que dio el salto internacional sobre todo con Piratas del Caribe: La venganza de Salazar. Ahora, como en las dos primeras películas citadas, vuelve a centrarse en un héroe de su país ampliamente conocido por el público. El guión de Ravn Lanesskog se centra en tres aspectos de la vida de Amundsen: sus viajes, su amor por distintas mujeres y la relación con su hermano. Es esta última cuestión la que proporciona las mejores claves para conocerle como persona y casi la que ejerce como columna vertebral del film. Funciona magníficamente en este sentido el arranque, con la sincera conversación nocturna entre el hermano y la amante, un buen modo de introducir la historia del héroe ausente y generar interés. Sin embargo, aunque la película es correcta, tiene en contra algunas particularidades que restan emoción. En primer lugar, la personalidad de Amundsen es poco atractiva, un tipo seriote y envarado, con modos de actuar poco agradables. La primera discusión en el Polo Sur con un hombre de su expedición o el desprecio que le hace a su hermano en una de las recepciones finales enmarcan ese aspecto que se repite en la narración. En segundo lugar, hay poco énfasis en las hazañas, se pasa por ellas de refilón, de modo que la escasa épica de lo que vemos no le hace ningún favor. Por último, aunque hay un cuidadoso y realista diseño de producción, la trama es siempre tristona, huye de momentos intensos, de planos o secuencias llamativas (qué poco partido se saca al ataque del oso, por ejemplo), lo que genera una sensación algo plomiza, más si cabe durante la última media hora. Destaca el tratamiento fotográfico de Pål Ulvik Rokseth y entre el reparto sobresalen especialmente Christian Rubeck y Katherine Waterston, en los papeles del hermano Leon y la prometida de Amundsen, Bess Magids. Mientras que el actor Pål Sverre Hagen logra de sobra el objetivo de hacer distante al protagonista.

Maravilloso documental dedicado al genial cineasta ruso Andrei Tarkovsky, autor de obras maestras como La infancia de Iván, Andrei Rublev, Nostalgia o Sacrificio. El hijo del artista, Andrei A. Tarkovsky, ofrece un repaso completo a su obra artística, manejando muchas declaraciones, algunas inéditas, donde explica su filosofía vital y el espíritu que aletea en cada una de sus películas. Tarkovsky hijo acierta al atrapar el aliento poético tan característico del cine de su progenitor, quien a su vez lo heredó de su padre, poeta en el sentido habitual del término, de hecho el film utiliza alguno de sus poemas. Resulta curioso que se recorra la filmografía del cineasta, y el espectador no tenga la impresión de asistir a la clásica enumeración de títulos por orden cronológico. Más bien logra que entendamos cómo bebe de los recuerdos de infancia, y su planteamiento artístico, que no concibe que se pueda crear sin ser plenamente espirituales, movidos por la gracia de Dios, y por las grandes preguntas acerca de la existencia y el sentido de la vida, el dolor y el amor que se encuentran misteriosamente entrelazados en el sacrificio, a las que a partir de cierto momento halla respuesta también en el cristianismo. Para el genial director, hacer una película es, sencillamente, rezar, pronunciar una plegaria en celuloide. De modo que procuró rodearse de colaboradores, también los actores, que le entendiera, para que de este modo pudieran ofrecerle su mejor trabajo con absoluta libertad. Precisamente Andrei Tarkovsky es un gran adalid de la libertad, que piensa que nadie puede arrebatar a las personas, en el peor de los casos le privarán de sus derechos. Fue su caso en la Unión Soviética, cuando en Cannes las autoridades de su país boicotearon su Nostalgia, lo que le llevaría a su exilio italiano. Tarkovsky padre explica conceptos como la necesidad de pasar a la acción, y la nostalgia que añora una plenitud que se diría que no está al alcance de nadie, pero a la que se puede intentar llegar con un discurso no convencional sino poético. Y en tal sentido se alude a la “locura” de los grandes artistas, Tolstoi, Shakespeare, Leonardo, que intentan lo imposible, como él.

Ricardo es un tipo amargado por una enfermedad que le tiene clavado en una silla de ruedas. Su cuidadora rumana Dana tiene que tener una paciencia infinita a la hora de hacer su trabajo. El caso es que se supone que Ricardo tuvo una vida estupenda en el pasado en la India, era su época hippy. Y ha decidido vender todo lo que tiene, dejar España e ir a morir a ese país. Chema Rodríguez, director y guionista de Anochece en la India, debuta en la dirección de largometrajes de ficción con esta fallida irregular road-movie; antes había coescrito el guión de La gran final, que también transcurría en países exóticos. A pesar de contar con un actor con tantas tablas como Juan Diego, no logra despertar el necesario interés narrativo. El personaje de Ricardo es decididamente antipático, casi odioso, el gracejo que le pone el actor con el “no me jodas, no me jodas”, puede despertar una sonrisa una, dos veces, pero acaba siendo cansino. Su decisión de viajar a la India no emociona, porque realmente faltan referentes para entenderla. Aunque más grave es todo lo relativo al personaje de Dana, empeñada en acompañar a su insoportable jefe, las motivaciones que se nos apuntan –enamoramiento, cierto detalle relacionado con su maternidad...­– resultan escasamente convincentes. Poco puede hacer la esforzada Clara Voda para remediarlo. Ni siquiera el viaje responde a una mínima lógica narrativa. De pronto estamos en Rumanía, sin que nada nos prepare para ello, o nos encontramos en la frontera con Irán... Entran y salen personajes de nulo interés como el que fuera marido de Dana, o la enfermera rubia maciza... Escuchamos canciones lánguidas en inglés… En fin, quiere ser cine trascendente, importante, pero no llega demasiado lejos. Así hasta esa estancia en solitario en medio de ninguna parte de la pareja protagonista, que precipita un final que deja frío, pese a sus pretensiones emotivas.

Resulta difícil reseñar una película como Anticristo, de Lars von Trier. Sobre todo desde el momento en que su responsable admite que la rodó a modo de terapia, tras sufrir una depresión. Sin reglas, sin razones, sin entusiasmos, asegura el director: “No tengo ninguna excusa para Anticristo, sólo mi profunda fe en la película, la más importante de toda mi carrera profesional”.Estructurada con un prólogo, cuatro actos -“Desconsuelo”, “Dolor”, “Desesperación” y “Los tres mendigos”- y un epílogo, todo arranca una noche en que, mientras un matrimonio hace el amor, su niño se mata accidentalmente al caer desde una ventana. Rotos ambos de dolor, la peor parte la lleva ella, sumida en una profunda depresión. Él, que es psiquiatra, opta porque los dos solos se retiren a una cabaña que tienen en el bosque, donde ella estaba escribiendo un extraño libro sobre la mujer y los prejuicios religiosos. Allí saldrán a flote los temores y reproches mutuos, en lo que parece una lucha entre el tranquilo raciocinio y el salvaje que late dentro de todo ser humano.Lars von Trier tiene una gran capacidad visual, por ejemplo en sus pasajes a cámara lenta, de rara belleza, acompañados de la preciosa música de Händel, y sí, logra un film inquietante. Pero también caótico, peculiar ejercicio de estilo, con pasajes muy explícitos que entran dentro de lo pornográfico, y otros de violencia inaudita, que parecen más propios de la saga Saw que de la filmografía del danés. Hay metáforas ocurrentes, una mirada al lado oscuro de la naturaleza, el reverso tenebroso del paraíso terrenal con unos protagonistas que parecen un trasunto actual de Adán y Eva. No teme el director ofrecer una imagen transgresora y políticamente incorrecta de la mujer, como tentadora irracional e histérica, que lleva al abismo a su esposo. Tampoco importa demasiado la lógica interna de la trama, la alusión a la naturaleza como santuario de Satán, porque se quiere jugar con miedos inefables, lo que el subconsciente esconde. Y aunque al final Von Trier dedica su film a Andrei Tarkovsky, recuerda más a las películas más crípticas de Ingmar Bergman, no a Secretos de un matrimonio, que el danés ha citado en entrevistas, sino a otras tan oscuras e irracionales como La hora del lobo. La película produjo un gran desconcierto en el Festival de Cannes, lo que no impidió que su protagonista femenina, Charlotte Gainsbourg, fuera premiada como mejor actriz.

Durante los años de la dictadura argentina, desde 1976-1983, miles de personas contrarias al régimen fueron asesinadas y torturadas en secreto por representantes del gobierno, en una de las mayores atrocidades contra civiles cometidas en los últimos tiempos del siglo XX. Las víctimas fueron llamados "Desaparecidos", pues jamás se encontraron sus cuerpos. El director Paco Cabezas se refiere a esta horrenda realidad para entregar un film de terror, cuyo título juega, por una parte, con la referencia a aquellos sucios hechos políticos y, por otra, a la atmósfera fantasmagórica de su película. Dos hermanos, Malena y Pablo, llegan a Argentina procedentes de Barcelona, con el objetivo de firmar los papeles de defunción de su padre, clínicamente muerto pero aún conectado a las máquinas del hospital. Sin embargo, cuando llegan allí Pablo, que no conoció a su padre, desea saber algo más de él y desoyendo la opinión de su hermana, la empuja para que viajen hacia el sur en el cohe de su padre, hacia el lugar en donde vivió la familia cuando eran pequeños. A partir de aquí, el guión sigue los hechos recogidos en un macabro diario encontrado en el vehículo: la captura, tortura y muerte de una familia. El crimen se repite una y otra vez, y Pablo piensa que puede intervenir en el pasado y salvar a esas personas. Paco Cabezas imprime una ambientación excelente a la película, con una cuidada fotografía y una música de altura, tanto que incluso la partitura de Óscar Araujo no parece muy acorde con el género del film. Hay momentos aislados logrados y algunas imágenes muy impactantes, como la muerte de la niña en el bar, de ejecución magnífica. Sin embargo, el guión es un absoluto disparate y el afán de denuncia política del film resta mucha fuerza a la historia, que guarda ciertas similitudes con El diablo sobre ruedas y otras películas de muertos que buscan justicia (The Messengers, Premonición, etc. ). Además, Cabezas se deja llevar por burdos lugares comunes cuando el sanguinario asesino habla de religión, Dios e Iglesia, o cuando mete con calzador el relato de un personaje que sufrió las torturas de la dictadura. Esto va degradando el intrigante comienzo hasta un más o menos original thriller político de aires fantásticos. Por lo demás, aunque la dirección de actores es por momentos desconcertante, pues sobre todo algunas reacciones del hermano resultan poco creíbles, los actores Javier Pereira (Heroína) y Ruth Díaz (El ciclo Dreyer) hacen un esforzado trabajo.

Una serie sueca en la línea de Por trece razones o Élite, pero con algo más de rigor y menos morbo. Arranca con el tiroteo que tiene lugar en un aula de un instituto de Estocolmo, aunque sólo escuchamos los disparos que se producen detrás de una puerta cerrada. Después de esto Maja es detenida y mantenida en prisión incomunicada, y la información se proporciona al espectador de manera deliberadamente confusa, jugando también con el estado mental de conmoción de la protagonista. Cuando al fin habla con su abogado, y se produce el primer interrogatorio, se empiezan a dar los primeros datos acerca de cómo se ha llegado a esa situación, con los necesarios flash-backs. Seguimos entonces el devenir de un grupo de jóvenes de buena posición, a punto de terminar sus estudios y pensando en cuál será su carrera universitaria. Maja vive con sus padres y su hermana pequeña, y es muy buena estudiante. Inseparable de su amiga Amanda, despierta el interés de Sebastian, hijo único que vive con su padre, un importante hombre de negocios, y que le introduce en el vértigo de una vida lujosa, cuando la invita a pasar las vacaciones en su yate privado. Pero no es oro todo lo que reluce. La relación padre-hijo no es buena, y Sebastian tiene mucha rabia en su interior, lo que se manifiesta también en su desprecio por Samir, un compañero de origen árabe al que le gusta Maja, y en su estilo de vida de excesos, con el recurso inmoderado al alcohol y a las drogas, y su afición a las armas. Compuesta de seis capítulos, se trata de la adaptación de una novela de Malin Persson Giolito, que muestra la alienación que se produce en unos jóvenes en cuyo futuro los adultos ponen muchas expectativas, pero a los que no educan adecuadamente, convirtiéndolos en unos inmaduros con dificultades para enfrentarse al mundo. Les toca, como señala el título desplazarse sobre arenas movedizas, que se los pueden tragar en cualquier momento, como ya les ha ocurrido a algunos adultos, que sería poco menos que zombies o muertos vivientes. Está bien realizada por el tándem Per-Olav Sørensen-Lisa Farzaneh, que alternan las escenas primero carcelarias y luego del juicio, con Maja profundamente deprimida, con las de la vida de instituto y el progresivo enrarecimiento de los caracteres de los jóvenes personajes. Éstos y los mayores están bien interpretados por un buen elenco actoral. De todos modos, resulta algo artificial el ocultamiento al espectador de parte de la información que todos los personajes conocen, es decir, quién estaba en el aula, quién ha muerto y quién ha sobrevivido al tiroteo, y por tanto quién va a testificar en el juicio

El espectador medio tiende a considerar el documental como género menor. De acuerdo, es cine, pero… es otra cosa. Los elementos son menos controlables, falta emoción, los modos narrativos son siempre muy parecidos… El relato auténtico de la singladura de la nave “Endurance” rompe el tópico. La suerte que aguarda a su tripulación, comandada por el explorador Ernest Shackleton, y encallada en el hielo en su intento de alcanzar el Polo Sur, logra un suspense que ya quisieran para sí muchos filmes de ficción. George Butler maneja con garra una historia apasionante, situada en vísperas de la Gran Guerra, y menos conocida que la del explorador Robert Falcon Scott. Y ha sabido combinar el magnífico material filmado en la época, con imágenes actuales de la Antártida, y testimonios de parientes de los tripulantes.

Película basada en el bestseller homónimo de la escritora sueca Åsa Larsson, está claro que el cine nórdico se está abonando al thriller desasosegante con elementos morbosos, del que tan representativas son las adaptaciones, fílmicas y televisivas, de la obra de Henning Mankell y Stieg Larsson. La trama arranca con la aparición del cadáver, con las manos mutiladas, de un popular predicador. Su hermana ha encontrado el cuerpo en la iglesia de la pequeña población sueca de Kiruna, y pronto se convierte en principal sospechosa del crimen. Ella llama a su amiga Rebecka, abogada, que estuvo saliendo con su hermano, para que cuide de sus hijitas. Más allá de lo rocambolesco y poco creíble de la trama, que explota elementos actualmente escandalosos en la Iglesia –y también en otros ambientes–, y da una imagen reduccionista y negativa de la religión -todos son fanáticos, manipuladores e hipócritas-, lo peor de esta película es su inexistente pulso narrativo. La trama está plagada de pasajes torpemente resueltos, hasta la pirueta final del desenlace, que parece es el único 'conejo' con el que cuenta el director Leif Lindblom en su pobre 'chistera'.

Anna y su hijo Anders se instalan en un nuevo domicilio tras la orden de alejamiento del padre de Anders, después de que quisiera matar a su hijo. Sin embargo, Anna no puede olvidar los sucesos del pasado y es muy sobreprotectora con el niño, hasta el punto de comprar intercomunicadores para escucharle por la noche, no llevarle al colegio, etc. Su existencia ve un rayo de luz cuando conoce al bondadoso Helge, un joven dependiente de una tienda, sin embargo, Anna recibe como un mazazo la noticia de que el juicio contra el padre de Anders será reabierto, al tiempo que comprueba que los asitentes sociales que llevan su caso empiezan a desconfiar de ella. Tras la trilogía iniciada con Los hombres que no amaban a las mujeres, basada en las novelas de Stieg Larsson, la actriz danesa Noomi Rapace protagonizó este inquietante drama, entre el thriller y el terror psicológico, que hace hincapié en el maltrato infantil. Hay que reconocer que Rapace logra angustiar con su personaje, aunque al comienzo la trama resulta demasiado gris y tenga pocos atractivos ya que se toma su tiempo en coger cuerpo. Como el tema no es precisamente de los que te alegra el día, el director Pål Sletaune decide jugar al despiste con una puesta en escena sobria y una narración tramposilla que crea mucha confusión. Al menos logra con ello atrapar al espectador hasta el efectista desenlace.