Marc Forster

Hace tiempo que Christopher Robin abandonó al oso Winnie the Pooh y al resto de amiguetes del Bosque de los Cien Acres, para estudiar en un internado. Concluida la Segunda Guerra Mundial, se ha convertido en un adulto gris, que ejerce como contable de Winslow, compañía de maletas en Londres. Durante un fin de semana debe elaborar un plan urgente para recortar gastos, lo que implica renunciar a salir de la gran ciudad, con Evelyn, su esposa, y Madeline, su hija. Una vez solo, un frasco de miel que se le cae provoca por arte de magia la visita del pequeño plantígrado de su infancia. En una filmografía de lo más variopinto, donde sobresalen la adaptación literaria Cometas en el cielo, el drama que le dio a conocer, Monster’s Ball, el film de zombies Guerra Mundial Z y el Bond Quantum of Solace, Marc Forster había integrado dos ejercicios metaliterarios de enorme interés sobre el valor de la imaginación, Más extraño que la ficción y Descubriendo Nunca Jamás. Ahora, completa una especie de trilogía añadiendo esta continuación de las peripecias de Winnie the Pooh, y el resto de personajes infantiles creados por A.A. Milne. Ha llegado al público meses después de Adiós, Christopher Robin, biopic de este escritor, centrado en la relación con su hijo, que inspiró al niño de sus libros. A diferencia del resto de revisiones de personajes clásicos de Walt Disney reconvertidos en personajes de imagen real, Christopher Robin no parece tener como ‘target’ al público familiar, como Maléfica, o La Bella y la Bestia. Entretendrá más o menos a los niños, pero se dirige más al público adulto, por su tono nostálgico, algo amargo en el arranque. También por el tema central del inteligente guión, coescrito por Tom McCarthy (Spotlight), que expone con frescura la necesidad de recuperar en la mediana edad lo que verdaderamente importa, sin dejar en segundo plano a la familia. Sin duda que Ewan McGregor ha sido una buena elección para el rol protagonista, pues no defrauda; tienen menos presencia pero no desentonan Hayley Atwell (la esposa) y Bronte Carmichael (la joven hija), aunque quienes cautivan por completo son los simpáticos Winnie, Tigger, Piglet y el resto de animales digitales, integrados mediante asombrosos efectos visuales, que pueden tomarse como metáfora de la inocencia perdida al dejar atrás la infancia. Su mezcla de elementos de Hook, Mary Poppins y el cine de Frank Capra va ganando en intensidad hasta desembocar en un emotivo desenlace.

Un thriller algo deslavazado, creado por el más bien desconocido Ben Watkins, que consiguió reunir bajo su ala a algunos directores de prestigio, empezando por el responsable del piloto de la serie, Marc Forster. Sigue las vicisitudes del juez Pernell Harris, considerado un hueso duro de roer en los tribunales, pero que parece algo obnubilado después de que su cuñada fuera violada, y su hijo esté en coma tras haber tratado de volarse la tapa de los sesos. En su confusión mental parece haber ingresado en una extraña iglesia, que más bien parece una secta, donde habría renacido en Cristo su fe en Dios. Pero los tejemenajes y chanchullos del reverendo creador de esa "Mano de Dios" no parecen demasiado celestiales. Falta verosimilitud a lo que se narra, la seducción de una dama que acompaña a un cura a un banco para cobrar un cheque al directivo de turno es risible; y los padres de PJ, el tipo en coma, que habla a su progenitor, o eso parece, con el pensamiento, son poco creíbles, no presentan el agobio que se espera en una situación así, ni tampoco la frialdad de quien "pasa", si de eso se trata. En general la cosa deja frío, quizá a Ron Perlman le viene grande ser protagonista dramático, si le falta el maquillaje de un Hellboy.

Guerra Mundial Z adapta al cine la novela homónima de Max Brooks, hijo del cineasta Mel Brooks, publicada en 2006, que goza de gran consideración entre los apasionados del fantástico. El film ha pasado por diversas dificultades, al desbordarse el presupuesto (ha costado mucho más de lo inicialmente previsto), y alargarse el rodaje más allá de lo programado. Gerry Lane (Brad Pitt), empleado de la ONU, sobrevive con su mujer y sus hijos al advenimiento de una plaga que convierte a los contagiados en una especie de zombies violentos. Mientras su familia se queda a salvo en una embarcación militar, sus superiores envían a Lane a un viaje por diferentes ciudades, en busca de información que pueda ser útil para atajar la pandemia, que hace estragos a lo largo y ancho del globo. El film modifica radicalmente el tono documental y periodístico del libro y su carácter coral, pues está compuesto por los testimonios de numerosos personajes de diferentes puntos del planeta. Se le otorga todo el protagonismo al tal Gerry Lane, que allí se limitaba a recoger testimonios, pero ahora se convierte en un héroe activo que debe solucionar la situación. Marc Forster, capaz de salir airoso de filmes sencillos como Descubriendo Nunca Jamás (posiblemente su mejor trabajo) y superproducciones de acción al estilo de Quantum of Solace, logra un ritmo dinámico y secuencias bastante frescas a pesar de la sobreexplotación de los últimos años del subgénero zombie. Guerra Mundial Z acumula momentos de gran intensidad, como la huida inicial de la familia del protagonista, la invasión de infectados de Jerusalén, la lucha por la supervivencia en un avión, etc. Los efectos especiales están muy cuidados y evita los excesos sangrientos del cine de muertos vivientes, optando acertadamente por sugerir en lugar de mostrar. Guerra Mundial Z tiene algo de fondo, en torno a la importancia de la familia y cuenta con un gran trabajo del siempre eficiente Brad Pitt. Le rodean secundarios correctos a pesar de ser en general muy desconocidos salvo alguna excepción (Matthew Fox o David Morse intervienen en pequeños papeles). Pero se nota que es un film problemático. Tras los primeros pases de prueba, Paramount llegó a la conclusión de que el tramo final no acababa de funcionar. Se contrató a dos nuevos guionistas, Damon Lindelof, uno de los responsables de Perdidos, y Drew Goddard, que lo reescribieron, y se volvió a llamar a los actores para rodar nuevas secuencias. Se desconoce cómo acababa inicialmente Guerra Mundial Z, pero el desenlace definitivo parece metido con calzador, no acaba de funcionar, y hasta los diálogos parecen menos trabajados que los del resto del film. Se sale del cine con la sensación de que esta superproducción tiene grandes hallazgos pero podía haber dado mucho más de sí.

Sam Childers es una bala perdida. Tras salir de la cárcel regresa a su hogar, una caravana de mala muerte, situada en un pueblo de Pennsylvania, en donde viven su mujer Lynn y su hija Page. Al regresar comprueba que su esposa ha dejado su trabajo de stripper y ha experimentado una honda conversión religiosa. Childers regresará a las drogas y la violencia, pero cuando toca fondo, pedirá ayuda a su mujer y renovará por completo su vida. Se convertirá también al cristianismo y comenzará a dedicar su existencia a los demás. Más que interesante película, inspirada en hechos reales, que narra a las claras una honda historia de redención: cómo una persona procedente del más grande cenagal puede hacer de su vida algo precioso cuando la dedica a los demás. Pero no estamos ante un film acaramelado. Para nada. Muy avanzado el metraje veremos al protagonista en tierras africanas, allí donde la violencia más extrema se ceba con los niños. Él decidirá jugarse el cuello por ellos, con la ayuda en la lejanía de su esposa y su hija. Lo que hace de Soldado de Dios una película por encima de la media es también que está eficazmente dirigida por Marc Forster (Quantum of Solace), aunque su punto fuerte es Gerard Butler, un actor con una potente presencia y que resulta perfecto para el papel. Le acompaña la bella Michelle Monaghan.

Continúa el preceso de humanización de Bond, James Bond, en la nueva etapa de la franquicia del agente secreto, propiciada por la incorporación de Daniel Craig a la hora de encarnar al personaje, y del trío Paul Haggis-Neal Purvis-Robert Wade en la elaboración de las tramas. La cosa arranca apenas una hora después de los acontecimientos narrados en 007 Casino Royale, con Bond roto de dolor por la muerte de Vepper, la mujer de la que se había enamorado; 007 ha vuelto a convertirse en un hombre de hielo, que sólo piensa en vengarse, lo que no hace mucha gracia a M. En cualquier caso la organización a la que se enfrenta el MI6 es superpoderosa, pues logra infiltrar agentes incluso en los propios servicios secretos británicos, que quizá sólo operen despues de años de servicio aparentemente leal. Como es de imaginar, Bond irá dando brincos de un punto a otro del planeta, para enfrentarse a una conspiración que implica a generales golpistas de Bolivia, y a millonarios empresarios del sector de la energía con aparentes preocupaciones ecológicas. En el camino se encontrará con la hermosa mujer de turno, en este caso Camille, quien comparte con 007 la motivación de la venganza. Está claro que el tándem de productores Michael G. Wilson-Barbara Broccoli se siente muy seguro del cambio de rumbo emprendido por la saga, de lo que parece un síntoma la arriesgada elección de un director improbable para el film, Marc Forster (Monster's Ball, Descubriendo Nunca Jamás, Cometas en el cielo). El realizador es consciente de que se cuenta con él para insuflar vida a los personajes, dentro de lo que permite el molde Bond, y que a la vez tiene que entregar impactantes secuencias de acción. El resultado está a la altura de lo esperable, aunque quizá cabía esperar de Foster algo más emocionante en lo que a lo dramático se refiere. Diríase que la saga de Bourne ha creado escuela, ése parece el modelo a seguir. Y junto a los toques de humanidad, tenemos esas escenas impactantes que el espectador aguarda, de entre las que sobresale la persecución por los tejados de Siena, que culmina en el interior de la cúpula de una iglesia en restauración. En el reparto, Craig sigue afianzándose como Bond humano. Para casi todos los actores, la cosa es pura diversión, desde Judi Dench, a Giancarlo Giannini, o el hispano Fernando Guillén Cuervo. Olga Kurylenko es la chica Bond para la ocasión, se diría que las pelis de la acción se la rifan (ahí están Hitman y Max Payne), y aquí, además de belleza, aporta cierto toque de fragilidad a su personaje.

Sentida adaptación de la popular novela homónima de Khaled Hosseini. Curiosamente, aunque la obra original se escribió en inglés, y el guión de David Benioff también, la mayor parte de los diálogos del film son en dari y pastún, en aras del realismo. En esa línea los pasajes afganos resultan creíbles, no estamos ante un título exótico con decorados de cartón piedra y occidentales maquillados. Y las escenas en que se vuelan las cometas resultan excitantes, y ayudan a acometer (¿o habría que decir "acometar"? la dura trama.   San Francisco, año 2000. Amir, felizmente casado, recibe ejemplares de su primera novela; tal hecho coincide con una llamada desde Pakistán, lo que despierta recuerdos en parte sepultados, pero nunca olvidados. Corría 1978 y en Kabul, Afganistán, siendo un niño pastún, era amigo de Hassan, a pesar de que éste era de etnia hazara e hijo de Alí, un sirviente de su padre. Ya en esos años había empezado a apuntar su habilidad para imaginar historias, y los dos chicos disfrutaban sobremanera haciendo volar cometas. Pero un hecho traumático va a levantar un muro entre ellos, y el pasar del tiempo, como le previene a Amir su padre, su "Baba", va a pudrir las cosas. La invasión soviética de 1979 obligará a Amir y a su padre a intentar la huida del país, lo que tras varias peripecias conduce a Estados Unidos.   David Benioff y Marc Forster acometían una tarea ardua, pues la novela de Hosseini es rica en acontecimientos dramáticos y secretos vergonzosos, algo que dificultaba atrapar todos los conflictos sin minimizarlos y restarles entidad; y lo cierto es que en un metraje de dos horas salen bastante airosos del reto. Los cineastas atrapan las diferencias étnicas, las posiciones distintas que les toca vivir a Amir y Hassan; de modo que pintar su amistad y las ilusiones propias de la infancia, no impide reflejar en el primero su falta de coraje, el abuso del que puede hacer por su posición de superioridad, y en el segundo una lealtad a machamartillo, que incluso en algún momento podría parecer servil, aunque esté dictada por un amor que le llevaría a hacer lo que hace "una y mil veces", como se repite en varios momentos. Además, se evita que, por la acumulación de situaciones más o menos tremendas –el enfrentamiento de los chicos en la calle, la escena más fuerte de la novela, resuelta con elegancia, además del viaje a la frontera, las difíciles relaciones y la enfermedad del padre, o el regreso al Afganistán de los talibanes...– la película adquiera tintes folletinescos; hay una apuesta por la sobriedad y la contención muy de agradecer. El film habla de los errores –o siendo más claros, los pecados– que todo ser humano comete, junto al sentido de culpa, y la posibilidad de reparar por ellos y redimirse a través del perdón y la entrega al otro, y por la mirada a Dios, resumida en la frase "Hay un camino para volver a ser bueno". Resulta obligado referirse al reparto, perfecto, de actores desconocidos, casi todos reclutados en Afganistán. Los niños son muy naturales, y los adultos hacen un buen trabajo. De éstos sólo puede sonar, tal vez, el rostro de Amir adulto, Khalid Abdalla, a quien se pudo ver en United 93.

Harold, un tipo gris, inspector de hacienda, sigue su rutina diaria con precisión casi kantiana. Una voz en off femenina, con perfecto acento británico, nos informa del número de veces que su cepillo de dientes acomete la limpieza de la dentadura, o de los pasos que da cada mañana para tomar el autobús, siempre a la misma hora. Pero un día… ¡comienza a escuchar la voz de esa narradora! Algo de lo que no es consciente dicha narradora. Y según ella, el destino de Harold es la muerte inminente. Inicialmente, Harold cree que puede estar volviéndose loco, y acude a una psiquiatra. Pero su siguiente paso es consultar con un profesor universitario de literatura, que le va a iniciar en los mecanismos narrativos de la novela. Y trata de detectar la aplicación de esos recursos en su vida cotidiana, donde ha irrumpido la joven Ana Pascal, dueña de una pastelería que está inspeccionando. Original e inteligente película que aplica las ideas de la metaliteratura, de modo que realidad y ficción se acaban encontrando, dando lugar a paradojas que recuerdan a las que suelen darse en las películas de ciencia ficción con viajes en el tiempo. El desconocido guionista Zach Helm sigue las pautas de otros colegas ilustres que vienen arriesgando últimamente en sus libretos, mayormente las del sorprendente Charlie Kaufman (Cómo ser John Malkovich, Adaptation. El ladrón de orquídeas, ¡Olvídate de mí!), para ofrecer una de esas estructuras sorprendentes, que se gana la complicidad del espectador exigente. Y le sirve, a él y al director Marc Foster, para reflexionar sobre el sentido de la vida y apuntar a aquello que supone un aliciente: enamorarse, la amistad de un colega del trabajo, la realización de la tarea profesional planteada como servicio y no de modo burocrático, arriesgar la vida por el otro… Además supone un homenaje al duro proceso de la creación literaria, al desafío de enfrentarse cada mañana a la hoja en blanco que aguarda contener una historia. Aunque la narración está llena de matices, el tono, sí, es ligero, y le pesa un poco el que la novela de la escritora se suponga es una obra maestra, pues una cosa es decirlo, y otro que parezca realmente que lo es. A la hora de reflexionar sobre la muerte, hay cierto riesgo, aunque se interrumpa en aras de una apuesta por el optimismo; al menos se plantea el tema, lo que habla de la incertidumbre de la existencia humana, ante la seguridad de la propia muerte. El film deja abiertos muchos temas, incluido el de la trascendencia, del que podría detectarse un atisbo en el personaje de la excelente Emma Thompson; al igual que ella interviene en el destino del Harold –Will Ferrell, en quizá su mejor papel hasta la fecha– también Dios tendría protagonismo en la vida de las personas.

Sam Foster, un prestigioso psiquiatra, intenta convencer a uno de sus pacientes, Henry Lethem, de que no se suicide. Éste se encuentra completamente desesperado, porque sufre terroríficas alucinaciones. Pero Sam también empieza a ver cosas extrañas, lo que enturbia su relación con Lila, su novia, una antigua paciente. Marc Forster, responsable de Monster's Ball y Descubriendo Nunca Jamás, se adentra en el territorio del thriller psicológico. Aunque el cineasta filma con un impactante estilo visual, y cuenta con un reparto de "agárrate y no te menees", el film no tuvo el éxito esperado en su estreno en cines, quizá por el esfuerzo intelectual que exige.

La historia de las aventuras de Peter Pan en su país de Nunca Jamás es considerada una de las cumbres de la imaginación humana; su idílica visión de la infancia perdida, de sus deseos y quimeras, junto con la huida de la responsabilidad que exige la madurez, son ideas vertebrales de una obra inmortal, considerada un hito de la literatura moderna. Cómo surgió este mundo, qué lo desencadenó, qué pensaba y sentía el escritor J.M. Barrie y, en fin, todo lo que rodeó su proceso creativo es el tema de esta sensible película dirigida por Marc Forster con exquisito refinamiento. La película comienza con un Barrie en horas bajas. Sus obras teatrales le han dado renombre y han obtenido un considerable éxito en los círculos pudientes de la Inglaterra del incipiente siglo XX, pero lleva tiempo sin inspiración y su alma se está anquilosando: necesita algo nuevo. Un día soleado, mientras se encuentra en los jardines de Kensington, halla por casualidad lo que buscaba. Se trata de la familia Llewelyn Davies: cuatro niños revoltosos y su madre, una viuda guapa y joven. James se hace amigo de ellos. Durante meses, los chavales se divierten con sus ocurrencias, sus trucos de magia, sus imaginativos juegos, y Barrie aprende a quererlos, a disfrutar de su compañía, al tiempo que algo comienza a fraguarse en su imaginación. Con el tiempo, su íntima relación con los Llewelyn Davies agudizará su crisis matrimonial y provocará habladurías, pero también fructificará en una obra inolvidable que remite a la infancia e invita a los adultos a creer de nuevo en los sueños. Forster (Monster's Ball) adapta la obra teatral “El hombre que era Peter Pan”, escrita por Allan Knee, y es sorprendente el ingenioso modo de plasmarla en imágenes. Los planos desprenden una belleza melancólica enorme, acentuada por una ambientación muy natural, gran variedad de estampas idílicas y una cálida y preciosa luminosidad. Johnny Depp, nominado al Oscar, compone un Barrie comedido y realista, pero todo el reparto está fantástico, especialmente Kate Winslet y el pequeño y expresivo Freddie Highmore. Aunque exquisita en su aspecto formal y con una deliberada y notable carga de emotividad, la película no es, sin embargo, un simple cuento de hadas: hay drama serio, conflictos afectivos profundos, una egoísta y condescendiente ruptura matrimonial, dolor y lágrimas. Es decir, mucha dosis de realidad.

Alrededor de la casualidad y de tres muertes violentas, concentradas en un breve lapso de tiempo, han construido Milo Addica y Will Rokos el guión de esta película. El romance que se produce, entre la esposa negra de un condenado a la pena capital y el guardián blanco del corredor de la muerte, es el punto adonde se dirige la compleja trama. Y ahí el director, Marc Forster, echa toda la carne en el asador, para hacer creíble lo increíble. Billy Bob Thornton y la oscarizada Halle Berry, protagonistas absolutos del film, procuran inyectar credibilidad a una relación que empieza inspirada por la compasión, y se serena tras una “terapia” de sexo compulsivo. Consciente quizá Forster de los elementos excesivos que maneja, apuesta por la sobriedad en el desenlace, con una mirada al nocturno cielo estrellado que recuerda, aun siendo filmes muy diferentes, a Una historia verdadera.

Cuatro amigas están embarazadas por la misma época. Angie está muy contenta porque otra de las futuras mamás la ha elegido para ser madrina de su hijo. Pero cuando da a luz a su propio bebé, éste muere, a consecuencia de la llamada “muerte súbita infantil”. Para colmo de males, Angie y su marido sienten que sus amigos les dan de lado, para evitar enfrentarse ellos mismos al dolor de la pérdida de un hijo. Segundo trabajo de Marc Forster, rodado justo antes de que el cineasta se consagrara con Monster's Ball y Descubriendo Nunca Jamás. Se trata de un prometedor drama donde ya estaban presentes algunos de los temas favoritos de Foster, como la pérdida de un ser querido en la familia. Además, está protagonizada por Radha Mitchell, actriz que saltó al estrellato con Pitch Black.