Miranda Richardson

Azírafel, ángel que vigila la puerta del este del Jardín del Edén, conoce al demonio Azirafel, en el Paraíso, pero éste se convierte en la serpiente que tentó a Eva. Con el paso de los años se hacen amigos, tras lo que trazan un plan para evitar la destrucción del mundo cuando llegue el Apocalipsis, tutelando al Anticristo. Cuando éste llega a la Tierra por una confusión acaba habiendo un intercambio de bebés, por lo que acaba siendo educado por una familia inglesa de lo más corriente. Adaptación televisiva en seis capítulos de la irreverente novela coescrita en 1990 entre el gurú de los comics Neil Gaiman (American Gods), que ejerce como productor y guionista, y el ya fallecido Terry Pratchett, creador de libros cómicos como la saga de “Mundodisco”, más apreciado en el mundo anglosajón, por los numerosos juegos de palabras de sus libros, aunque no le faltan seguidores en el resto del mundo. Ha habido varios intentos de llevar el volumen al cine; entre otros autores interesó a Terry Gilliam, lo que no resulta del todo sorprendente, pues su humor irreverente y surrealista remite a los Monty Python, formación a la que éste perteneció al principio de su carrera, en títulos como la polémica La vida de Brian. Esta versión audiovisual resulta bastante fiel al material original, se ha añadido algún elemento innecesario y poco más. Visualmente tiene tramos potentes, y tienen gracia algunos golpes de humor, siempre negro, y bastante británico. Pero esta parodia del apocalipsis (básicamente parece una versión cómica de La profecía, de Richard Donner) no da para tantos episodios, acaba agotando, y sus giros acaban dando lugar a situaciones demasiado disparatadas, lo que acaba desinteresando al espectador de los personajes. La voz de Dios (Frances McDormand), en función de narradora, ofrece un discurso que resulta reiterativo, o que trata de subrayar el humor de pasajes que carecen de gracia. En el apartado actoral, Michael Sheen (Aziraphale) y Andy Tennant (Crowley) sostienen la mayor parte del metraje, pero pese a su carisma y la química entre ambos, resultan sobreactuados en demasiados pasajes. Aunque brilla algún actor, sobre todo la pizpireta Adriá Arjona (la bruja Anatema), se desaprovecha no sólo a la citada McDormand (que se limita a locutar), sino también a Jon Hamm (el arcángel Gabriel), Benedict Cumberbatch (que le pone la voz a un Satán que apenas sale), Brian Cox (como Muerte, uno de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis, que ni siquiera muestra su rostro), o Miranda Richardson (la episódica casera de un veterano cazador de brujas).

Como ocurre con los personajes reales de las obras de William Shakespeare, Oscar Wilde se ha convertido en alguien más grande que él mismo, un tipo humano de resonancias universales. Genial escritor, ingenioso e irónico, casado con su amada Constance y padre de dos hijos, homosexual, epicúreo y disoluto, converso al catolicismo, su vida resulta fascinante, y es lógico que atraiga a todo tipo de artistas, que tratan de recrearla de modo que ilumine a las nuevas generaciones. Se nota que para Rupert Everett, guionista, director y protagonista, y reconocido homosexual, este film es un proyecto muy personal, en el que se ha metido hasta los tuétanos. El cineasta vertebra la trama en torno al conocido cuento de Wilde “El príncipe feliz”, que se corresponde con el título original del film, mucho más atinado que el adoptado en la versión española. Porque la idea es subrayar la hermosura del amor imposible entre Wilde y su buen amigo Robbie, del que el cuento viene a convertirse en símbolo, mientras se subraya el contraste con la relación tempestuosa y pasional con Bosie, que dio pie a la acusación promovida por la familia de éste de sodomía, y que llevó a su estancia en prisión y consiguiente caída en desgracia. El film, triste, se centra en los años que siguen a la salida de la cárcel de Wilde, donde ha escrito en forma de carta a Bosie su “De profundis”, con su estancia en París, en que se bascula entre la atención que le prestan sus amigos, su encuentro con el cristianismo, sus adicciones, sus esfuerzos por suavizar la relación con su esposa y su promiscuidad autodestructiva. Destaca el esfuerzo de Everett por ofrecer una visión poliédrica del personaje, nada complaciente, y que maneja mucha de la información contrastada que se conoce sobre él, aunque siempre con su prisma personal. Logra componer con convicción a Wilde, y se ha rodeado de un plantel de buenos actores: Emily Watson y Tom Wilkinson, como la mujer y el sacerdote, son poderosos aunque tengan pocos minutos de metraje. Edwin Thomas y Colin Morgan saben ofrecer las dos caras del amor que profesan a Wilde, y Colin Firth el de la amistad difícil de otorgar cuando el otro ha caído en barrena.

Winston Churchill es una de las grandes figuras políticas del siglo XX, no sólo de la escena británica, sino también del panorama mundial. En su larga carrera, jugó un papel principalísimo en las horas oscuras en que parecía que las hordas nazis de Hitler estaban destinadas a conquistar la Tierra. El film que nos ocupa sin embargo pone el foco de la atención en sólo dos días de la vida del premier inglés, las que precedieron al desembarco de Normandía. Y osa componer un retrato donde prima el lado más humano del mitificado Churchill. En efecto, la idea es mostrarle envejecido, y contrario a las ideas con que vienen los aliados americanos con Dwight Eisenhower a la cabeza, de pasar al continente por la llamada playa de Omaha, en una acción que sin duda tendrá un enorme coste en vidas humanas, y donde es crucial la discreción y que la climatología no juegue una mala pasada. El australiano Jonathan Teplitzky no es ajeno a la temática de la Segunda Guerra Mundial, en 2013 entregó Un largo viaje, que jugaba en dos tiempos con los traumas bélicos de los personajes de ambos bandos por su participación en la guerra del Pacífico. Su humanización del conflicto en aquella ocasión la traslada ahora al alto mando, para mostrar que el liderazgo y la determinación no están reñidos con las dudas y la conciencia de estar siendo relegado a un segundo término, una suerte de humillación, sentimientos que pugnan en el espíritu de Churchill, a quien trata de sostener Clementine, la gran mujer que tiene a su lado. Por parte de los americanos, Ike y otros oficiales, hay una mezcla de respeto al viejo mandatario, y la resolución de hacer lo que hay que hacer. Por eso resultan muy eficaces algunos planos en que los personajes se mueven con el telón de fondo de grandes escenarios, una interesante forma de subrayar los formidable problemas a los que se enfrentan los que dejan de ser simples seres humanos, con sus inevitables limitaciones. El guión de Alex von Tunzelmann que maneja Teplitzky es delicado, en ningún momento se cae en el dibujo grotesco del protagonista, algo a lo que ayuda la composición que hace de Churchill Brian Cox, imprimiéndole un fuerte carácter a pesar de su edad senil, con un enfoque diferente del que aportaba John Lithgow en The Crown, pero igualmente eficaz. Le respalda un buen reparto, con una convincente Miranda Richardson como su esposa, o el "mad man" John Slattery encarnando a Eisenhower.

Las vivencias de la escritora pacifista Vera Brittain en los años de la Primera Guerra Mundial, que plasmó con fuerza en su libro "Testamento de juventud", todo un referente del dolor que trajo consigo la contienda, y que es la base de la película. La cinta describe la fuerte personalidad de Vera, que se traduce en su deseo por ser admitida en la Universidad de Oxford, todo un reto en la época para una mujer, por los prejuicios existentes, también dentro de su adinerada familia. El estallido de la guerra supone un cambio de planes: por un lado viene la experiencia de que los hombres a los que está más ligado –su hermano y dos amigos, uno de ellos su futuro prometido– son llamados a filas, lo que produce un distanciamiento que ella procura salvar, con su cariño y sus cartas; y por otro su disposición a ser voluntaria como enfermera, lo que lleva a un inesperado destino, cuidar a los soldados enemigos alemanes. El director televisivo James Kent dirige con corrección una historia muy oportuna en el momento en que se cumple el primer centenario de la Primera Guerra Mundial. Sabe atrapar el desgarro de unas heridas físicas y morales, mayores de lo que se podía anticipar, sobre todo gracias a la interpretación de la protagonista, la siempre formidable Alicia Vikander. Hay momentos duros e impactantes, como el de la espera de la boda de la protagonista.

Estupenda adaptación televisiva de la celebérrima novela de Agatha Christie a cargo de la BBC, en un formato de miniserie de tres horas. La producción es impecable y cuenta con un reparto de aúpa, lleno de rostros conocidos. La historia sigue a un grupo de diez personas que se reúnen en la isla Soldier, próxima a las costas de Devon. Sobre cada una de ellas pesa un crimen e irán muriendo una a una.

Alentados por Dominic Badguy (Ricky Gervais), los Muppets emprenden una gira por varios países europeos, en donde darán a conocer su divertido show. Sin embargo, lo que Dominic desea es en realidad servirse de esa treta para realizar una serie de robos a gran escala en esas ciudades. Para ello idea un maquiavélico plan: sustituir a la rana Gustavo por el malvado Constantine, de casi idéntica apariencia, que acaba de escaparse de una cárcel siberiana. Los Muppets son una pandilla de marionetas animadas que han tenido un enorme éxito especialmente en la televisión, desde que fueran creados por Jim Henson allá por los finales de los años 60 del pasado siglo. Entre ellos los más conocidos son la rana Gustavo, la cerdita Peggy y el oso Fozzie, los cuales junto a otros muchos forman una especie de compañía dedicada al mundo del espectáculo, una especie de gran familia un tanto variada donde entre tiras y aflojas, amores y discusiones, finalmente acaba reinando la armonía y el amor. A lo largo de su trayectoria han participado en muchas producciones, a menudo interpretadas junto a actores de carne y hueso, casi siempre de género muy cómico, aunque a veces hayan tenido su punto de drama, como en Los teleñecos en Cuentos de Navidad. El Tour de los Muppets –que igual podría haberse titulado en “La gira de los teleñecos”, pues de ese modo fueron siempre conocidos en España estos personajes– es la secuela cinematográfica de Los Muppets, la más reciente versión para el cine de las aventuras de estos muñecos. Vuelve a estar detrás de las cámaras James Bobin y mantiene el nivel, si no supera a su predecesora. El propio Bobin ha ejercido como coguionista con Nicholas Stoller y ambos han pergeñado una trama de aventuras y acción criminal bastante animada, llena de momentos divertidos, con numerosas localizaciones reales en ciudades como Berlín, Madrid, Dublín o Londres y un toque un poco “vintage” que recuerda a la época de la guerra fría, con esas tronchantes escenas en el Gulag siberiano. Se usan asimismo los tópicos referentes a los distintos países, algunos un poco pasados de rosca (esos guardias civiles custodiando el Museo del Prado), aunque sirven para situar las diferentes idiosincrasias culturales sobre todo para los niños. La película es también un homenaje claro al mundo del Entertainment, de la época clásica de los musicales de Broadway o Hollywood, y en este sentido los números musicales están muy presentes y quizá sean lo mejor, empezando por ese prólogo de un clasicismo que se remonta hasta la época de Busby Berkeley hasta llegar a números más modestos pero muy efectivos como “I’m Number One” (interpretado por Ricky Gervais) o “The Big House”, con una graciosa Tina Fey (Noche loca). Por lo demás sorprende la enorme variedad de estrellas reales que aparecen en esta cinta, algunos con cameos que duran un suspiro (James McAvoy, Salma Hayek, Frank Langella, Hugh Bonneville, Zach Galifianakis, Christoph Waltz, Stanley Tucci, Chloe Moretz, Tom Hiddleston, Tony Bennett y hasta Lady Gaga, por citar uno pocos) y otros con más minutos y bastante desparpajo, como es el caso de los ya mencionados coprotagonistas Ricky Gervais y Tina Fey, pero también de Ty Burrell (Modern Family), Danny Trejo (Machete), Ray Liotta (Narc) o incluso Céline Dion, quien se marca una canción a dúo con la mismísima cerdita Peggy.

Si Jane Austen hubiera escrito sobre la esclavitud, la historia que habría entregado no sería muy diferente a la que narra Belle, un interesante drama basado en hechos históricos, una de esas "muescas" que permitieron que, poco a poco, la esclavitud fuera abolida en Gran Bretaña. En efecto, el escenario donde transcurre la mayor parte de la acción en claramente "austeniano": se trata de la casa de campo del presidente del tribunal supremo que debe fallar un importante caso relacionado con el tráfico de esclavos. Ahí se crían desde niñas, con sus tíos abuelos, dos primas de la misma edad: una, Bette, blanquita pero segundona, lo tiene difícil para hacer un buen matrimonio; y la otra, Dido, que hereda una buena asignación para el resto de sus días, se enfrenta al inconveniente del color de su piel, es mulata, aunque goza de la ventaja de que pese a ser ilegítima, su padre, un almirante de la Royal Navy, la reconoció. La actriz de ascendientes africanos Amma Asante dirige su segunda película, una trama escrita por la casi primeriza Misan Sagay con la que parece haber conectado enseguida, por su condición de mujer negra, y porque aborda un tema tan interesante como el del ejercicio de la libertad, incluso cuando pesan, y tanto, las circunstancias sociales y culturales. El modo incompleto en que la protagonista participa en la vida familiar no dejará de producir asombro en el espectador. Aunque el ritmo es algo desigual, se trata de uno de esos filmes que se ven con agrado, tanto por cómo se desarrollan los enredos amorosos –matrimonios pactados y búsqueda del amor verdadero–, como por el entorno familiar –el matrimonio mayor sin hijos, la tía solterona, la amistad fraterna de las dos primas– y la figura del idealista hijo del vicario, paladín luchador contra la injusticia., que abre los ojos a le intuye Belle, o sea, Dido. Protagoniza el film la televisiva Gugu Mbatha-Raw, que tiene la responsabilidad de soportar sobre sus hombros el peso casi entero de la película. Aguanta el tipo, aunque quizá le falta un poco de chispa. Dentro de la galería de maravillosos secundarios -donde vemos sin ir más lejos a Emily Watson y Penelope Wilton–, quien sin duda está grandioso en Tom Wilkinson, formidable en su papel de juez que ha terminado encajando en el sistema, pero teniendo que ceder, al menos en parte, en lo relativo a sus ideales de juventud, para escalar socialmente. El caso del barco negrero Zong, y la consideración como mercancía de sus esclavos arrojados al mar para sobrevivir el resto de los viajeros del barco, le ponen antel el dilema moral de aplicar la ley, sin dejar de pensar que esa "carga" asegurada por una compañía, eran personas.

Tras la muerte de Dumbledore, y la caída de la ‘careta’ de Severus Snapes, las cosas están más oscuras que nunca, tanto en el mundo de los magos como en el de los muggles. La vida de Harry Potter corre serio peligro, y sus amigos están dispuestos a arriesgar las suyas para ponerle a salvo, pues saben que él es la única opción para derrotar a Valdemort. Con la ayuda de Hermione y Ron tratará de dar con los horrocruxes, pedazos del pasado de tan poderoso enemigo, cuya destrucción resulta vital. Serán herramientas poderosas en tan desigual combate las que Dumbledore ha legado a los tres amigos en su testamento. Séptima entrega de la saga Harry Potter en cine, y primera parte de la última novela de J.K. Rowling “Harry Potter y las reliquias de la muerte”, pues se ha tomado la decisión de extraer de ella dos películas. A estas alturas resulta evidente que la adaptación al cine tiene a una legión de incondicionales que irán a verla, los fans de los libros, pues con unos actores ya conocidos y una trama de la que es celosa guardián la propia Rowling, muy mal deberían pintar las cosas para que se produjera una deserción de estos espectadores. Y es claro que básicamente el film cumple, hay una cuidada producción y elementos para entretener y atrapar el interés, gracias a un libreto del guionista habitual Steve Kloves. En el haber del film está una atmósfera que sigue creciendo en oscuridad, con la escuela Hogwarts dejada en el baúl de los recuerdos y los protagonistas puestos seriamente a prueba. De modo especial Ron, con su complejo de inferioridad y sus celos –le gusta Hermione, pero cree que ella le desprecia a favor de Harry–, que le invitan a dejar a sus amigos en la estacada. Y hay pasajes logrados, como a añagaza de un conjuro que nos muestra a múltiples Harry Potter, para proteger al auténtico. Sin embargo, continúan los síntomas de agotamiento en la saga, que ya se detectaban en Harry Potter y el misterio del príncipe. El director David Yates da la impresión de ser un director ‘a las órdenes de lo que digan los jefes’, y no resulta muy imaginativo en el uso de la parafernalia de efectos digitales –véase la enésima persecución fílmica en autopista en sentido contrario, sin nada vibrante que aportar–, además de empantanarse en los pasajes en que los personajes se encuentran como perdidos, como si él mismo se hubiera contagiado de dicha desorientación. De modo que aburre. Tampoco ayudan los personajes fugaces, con los que resulta difícil empatizar, de modo que ciertas muertes no producen el deseado efecto dramático; concretamente una casi se nos comunica de pasada, de modo que a la mayoría del público le importará sencillamente un bledo. Curiosamente, si Ron adolece de complejo de inferioridad, los impulsores de este film parecen estar aquejados del complejo de película no-adulta. Así parece explicarse la introducción de una imagen amorosa, fantasía y tentación provocada por los celos de Ron, suavizada y transfigurada eso sí, para evitar protestas de los que no la vean demasiado adecuada para la saga.

Dagenham, Inglaterra, 1968: en la fábrica de coches Ford local, Rita O’Grady (Sally Hawkins) es una de las 187 mujeres en una plantilla de 55.000 hombres. Enfrentándose a una oposición abrumadora en este ”mundo para hombres”, Rita une a todas sus compañeras de trabajo para luchar por un sueldo equitativo - una postura que desafía el statu quo empresarial, pone en peligro su matrimonio y a la larga conllevará un precio trágico. Pero con el apoyo del delegado sindical (Bob Hoskins) la secretaria de trabajo del gobierno (Miranda Richardson), las mujeres causan sensación en todo el país, sirviendo de catalizador para un momento decisivo de la historia.

El reverso de la moneda mostrada hace unos años por Su majestad Mrs. Brown. Si la película de John Madden mostraba el desconsuelo de una reina Victoria talludita por la muerte de su esposo Alberto, y su particular relación con el plebeyo John Brown, la que nos ocupa sigue a una Victoria adolescente, con derecho a suceder al rey Guillermo, su tío. Circunstancia que tratan de explotar su madre, la duquesa de Kent, y lord John Conroy, para lograr una hipotética regencia. Entretanto el rey Leopoldo de Bélgica también conspira para controlar a la heredera al trono, y su juego es promover a su joven y apuesto hijo Alberto, para que seduzca a la inexperta Victoria. Y el rey Guillermo, consciente de que su mala salud le deja poco margen de maniobra, confía en el primer ministro Melbourne para traer a su sobrina a la Corte, y liberarla de una influencia materna que considera perjudicial.La trama del film dirigido por el canadiense Jean-Marc Vallée (C.R.A.Z.Y.) adopta principalmente el punto de vista de Victoria, atrapada en esta telaraña de intrigas palaciegas, y que ignora por completo el significado de las palabras “existencia normal”. Obligada a soportar presiones de unos y otros, al inicial recelo que siente por Alberto sigue una paulatina confianza y atracción, también porque observa que, por encima de la misión que le ha encomendado su padre, establece una relación personal y le da consejos bastante razonables. Uno de ellos, que se convierte en metáfora del film, es que, en la especie de ajedrez donde Victoria se siente pieza, manejada por unos otros, ella ha de aprender, si desea sobrevivir, las reglas del juego.El guión de Julian Followes -que ganó un Oscar por su libreto de Gosford Park- tiene hechuras clásicas, y está traspasado por un cierto tono humanizador que se agradece. Cierto que las luchas de poder despiertan bajos instintos, pero también hay espacio para demostrar la lealtad de unos, e incluso en otros cierta grandeza de ánimo para reconocer que llega un momento en que los hijos “vuelan”, ya no se pliegan a ciegas a los planes que han trazado para ellos sus progenitores. El reparto, dominado por la Victoria de Emily Blunt, quien ya había llamado gratamente la atención por su papel en El diablo viste de Prada, cuenta con un buen coprotagonista, Rupert Friend, y un excelente plantel de secundarios, algunos casi irreconocibles, como Paul Bettany, un estupendo Melbourne, Jim Broadbent, el estridente monarca Guillermo, y Mark Strong, el oscuro Conroy. La película, muy bien ambientada, sufre un pequeño bache, curiosamente, cuando triunfa el amor, pero en general mantiene un tono muy correcto, típico de ese buen cine histórico en el que los ingleses son expertos consumados.

Extraña película basada en una inquietante novela de Fay Weldon. Liffey es una joven arquitecto que se muda a un misterioso valle en donde pretende construir una casa. Las cosas se ponen feas cuando resulta estar embarazada, ya que su vida correrá peligro debido a que los lugareños no ven bien la llegada del niño a su localidad. Lo mejor del film, de retorcida trama y excesivo en imágenes morbosas, es el reparto encabezado por Kelly Reilly (Last Orders) y la más veterana Miranda Richardson. Dirige Nicolas Roeg (La maldición de las brujas).

Interesante película dramática en torno al racismo, protagonizada por Sarah Jessica Parker (Sexo en Nueva York), que aquí se pone seria. La actriz interpreta a la decana de un 'college' de Nueva Inglaterra en donde tiene lugar un execrable crimen de tintes racistas. La situación le obliga a examinar sus propios prejuicios y sentimientos sobre el racismo, a la vez que ha de mantener una postura oficial políticamente correcta. Se trata del debut en la dirección de Mark Brokaw, el cual cuenta con un reparto secundario apañado, con intérpretes tan experimentados como Beau Bridges (Los fabulosos Baker Boys) o Miranda Richardson.

Simpática comedia navideña, apta para toda la familia, cuya mayor originalidad es haber inventado un supuesto hermano mayor de Santa Claus, el malhumorado Frederick, que vive en plena ciudad de Nueva York y no quiere ni oír hablar de su familia. La causa de esa separación es una mezcla de recuerdos infantiles aciagos –Nick (luego Santa Claus) era idolatrado por su madre y Fred cada vez más olvidado; uno lo hacía todo bien para sus padres y el otro era invitado perpetuamente a imitarle; alguna torpeza de Nick que Fred no ha podido olvidar, etc.– junto con un poco de desfachatez y pereza por perdonar y superar las pataletas de la infancia. De todas maneras, Fred cae bien al espectador, porque seguro que cualquiera hubiera sentido lo mismo en su situación. Ahora en plena vida urbana, sigue siendo un vividorcillo de tres al cuarto, aunque de buen corazón, que da largas a su novia y no se compromete por falta de madurez. Sin embargo, ante la necesidad de conseguir 50.000 dólares para montar un negocio lucrativo, decide humillarse y llamar a su hermano Santa Claus al Polo Norte. El bonachón de Santa le promete el dinero a condición de que vaya a visitarle y trabaje con él unos días, hasta la fecha límite para cerrar el negocio. El filme de David Dobkin (De boda en boda) sigue en todo momento las pautas del subgénero navideño, con risas y momentos emotivos, entregados con los ingredientes típicos de la comedia familiar: los hermanos desunidos, las dificultades entre enamorados, el malo que intenta acabar con Santa Claus, el amor por todos los niños del mundo, etc. Al final triunfará el amor y cada uno se volverá mejor persona. Todo muy clásico y navideño, si no fuera por el extraño empeño que parecen tener los guionistas (al menos en la versión española) de eliminar cualquier mención a Dios por pequeña que sea, pues incluso dejan a medias un refrán popular para no citarlo: “A quien madruga…”, y ahí se quedan. Pero, en fin, es sólo una apreciación singular y anecdótica sobre una película amable y plagada de buenos sentimientos. Y entre medias hay tiempo para algunas divertidas escenas, como la de la macrodiscoteca que monta Fred en la fábrica de juguetes, o, sobre todo, la de la terapia grupal formada por los hermanos de los famosos (con apariciones estelares de personajes reales, como Frank Stallone, hermano de Sylvester; Roger Clinton, hermano del ex presidente Bill; y Stephen Baldwin, el hermano del también actor Alec). Aparte de la eficaz interpretación de Vince Vaughn, sorprende el espléndido plantel de secundarios –aunque algunos están muy desaprovechados–, entre los que destacan un enormemente gordo Paul Giamatti, en el papel de Santa Claus, y Kevin Spacey en uno de esos papeles de malvado que tanto le gustan.

Kiranjit Ahluwalia deja la India para casarse con un hombre de buena posición que vive en londres. Kiranjit se encuentra muy ilusionada ante las perspectivas de su nueva vida en Europa, sin problemas económicos. Pero su marido resulta tener muchos problemas con el alcohol y la someterá a maltratos físicos y psicológicos. La bellísima actriz india Aishwarya Rai (Bodas y prejuicios) protagoniza esta reconstrucción de una espeluznante historia real que sentó precedentes en la jurisprudencia británica. Dirige el indio Jag Mundhra (La sombra de Gray).

Drama ambientado en la Inglaterra de 1997, en la convulsa época recordada por el triunfo Laborista de Tony Blair y por la trágica muerte de Diana de Gales. Bill Nighy (Underworld) interpreta a un hombre de éxito que tendrá que replantearse su modo de vivir cuando su hija intenta suicidarse debido a sus continuas infidelidades. Por su parte, Miranda Richardson (Kansas City) también ha de sobrellevar su futuro con mucha pena y dificultades, después de morir su hijo. Producción televisiva, de estimable calidad, que fue galardonada con dos Globos de Oro para Bill Nighy y la guapa Emily Blunt (El diablo viste de Prada). Dirige con buena mano el inglés Stephen Poliakoff (El príncipe perdido).

1959. Ralph Compton narra las vicisitudes familiares en la zona del este del sur de África, lo que luego sería Swazilandia, justo en una época convulsa en donde las tropas británicas están a punto de abandonar el lugar. La historia responde de algún modo a la autobiografía del director Richard E. Grant, actor en películas como La edad de la inocencia o El pequeño vampiro, que aquí debuta en los apartados de guión y dirección, narrando sus recuerdos de infancia. La película, agradable de ver, cuenta con un sólido reparto y con una excelente banda sonora del compositor Patrick Doyle.

Harry Potter asiste con sus amigos al Campeonato Mundial de Quidditch, donde aparecen los mortífagos, crueles seguidores de Lord Voldemort, que proyectan en el cielo la marca de su señor. Poco después, los chicos vuelven a Hogwarts, donde empieza el curso académico. Y el profesor Dumbledore anuncia una novedad: este año Hogwarts es el escenario elegido para el Torneo de los Tres Magos, una competición tradicional entre hechiceros. Con ayuda de un oficial del ministerio de Magia, Dumbledore pone en marcha un curioso objeto, el cáliz de fuego, que elige tres estudiantes (uno de Hogwarts y los restantes de otras escuelas de magia) para participar en una sucesión de pruebas. Curiosamente, escoge a Harry Potter, a pesar de que tiene sólo catorce años y se supone que los participantes deben tener diecisiete. Las pruebas consisten en eludir a un dragón que escupe fuego, sumergirse en un lago para rescatar a un ser querido y entrar en un misterioso laberinto. Pero Harry se enfrenta a una prueba que para él será aún más difícil: pedir a Cho Chang, una encantadora estudiante que le hace ‘tilín’, que sea su pareja en el baile de Navidad. La cuarta entrega del mago más famoso del mundo, con permiso de Tamariz, suponía un reto sin precedentes. Por un lado, el listón estaba muy alto, y aunque Mike Newell, director de Cuatro bodas y un  funeral, ha demostrado ser un correcto artesano, parecía menos indicado para este proyecto que sus predecesores, el director de Solo en casa y el de La princesita. La novela de J.K. Rowling no sólo está considerada de los mejores, sino que es una de los más cruciales. Y su argumento es tan complejo, que se suponía una enorme dificultad condensarlo en un film de unas dos horas y media. De hecho, Newell barajó dividir la historia en dos películas distintas, aunque esta idea se desechó, porque chocaba con la intención inicial de los productores de rodar una película por libro. Tan oscura como la entrega anterior, trata sobre el fin de la inocencia de los personajes, su iniciación amorosa y las inseguridades propias de esta etapa. También gira en torno a la superación personal y el mantenimiento de la amistad por encima de las adversidades. El desarrollo de la trama sorprenderá a quienes no hayan leído el libro, pero el punto fuerte son las espectaculares recreaciones de escenarios y criaturas, y sobre todo, las vistosas secuencias de acción, como el impagable partido de quidditch.

Brillante adaptación del célebre musical de Andrew Lloyd Webber, basado a su vez en la romántica historia del escritor Gaston Leroux. El film arranca con un magnífico prólogo en blanco y negro, donde un viejo visitante, Raoul, recorre los pasillos del abandonado patio de butacas de la ‘Ópera Popular’, donde no hace mucho tiempo brillaban las mejores representaciones musicales de la noche parisina. Al hilo de sus recuerdos retrocedemos en el tiempo para asistir a una trama bien conocida y colorista: la del hombre con el rostro desfigurado que se oculta tras una máscara, y que habita en los laberínticos sótanos del teatro; un ‘fantasma’ que, atormentado por sus penas, desea estrenar una nueva obra, que debería interpretar su protegida Christine, en detrimento de la diva titular, la insoportable Carlotta. Christine es pretendida amorosamente por el joven Raoul, lo que provoca los inevitables celos del Fantasma. Romanticismo a raudales. El rostro inocente de Christine –perfecta la elección de una Emily Rossum de 16 años para el papel–, que echa de menos sobremanera a su padre, y reza en su capilla pidiendo la asistencia del ‘Ángel de la música’. La presencia del misterioso fantasma, con su semimáscara de diseño. Las preciosas canciones de Webber, que recomendamos encarecidamente escuchar en su versión original, a las que se añade un tema inédito, “Learn To Be Lonely”, que fue candidato al Oscar. Todo contribuye al resultado final de una gran película, repleta de emociones, vibrante. El film era un viejo proyecto de Webber, que tan encariñado estaba con él que firma el guión y escogió personalmente al director, Joel Schumacher. Arrancar en un realista blanco y negro, para pasar al color de los recuerdos, es una argucia fantástica, que justifica además que los personajes se pongan a cantar. En 1990 la idea era que los intérpretes originales de versión teatral, Michael Crawford y Sarah Brightman, hicieran la película. El divorcio de Webber y Brightman lo impidió, y la cosa se fue retrasando, mientras sonaban para el papel del Fantasma nombres como los de John Travolta y Antonio Banderas. Al final sería el desconocido Gerard Butler quien se llevaría la máscara al rostro, por así decir. Para Christine sonaron los nombres de Katie Holmes y Keira Knightley, pero al fin el papel sería para Rossum. Una condición puesta por Webber fue que los actores fueran capaces de cantar sus canciones, y así ocurre en todos los casas menos en el de Minnie Driver, que no tiene formación operística, aunque para compensar canta la canción de los títulos de crédito.

Edvar es un príncipe joven, y elegante, heredero del trono de Dinamarca. Pero parece más interesado en los coches de carreras y en las mujeres que en formarse como futuro rey. Para alejarse de sus padres y responsabilidades, decide ir a estudiar a una universidad de Wisconsin. Allí, oculta su verdadera identidad, haciéndose llamar Eddie; y tendrá que buscarse un trabajo en una hamburguesería cuando sus padres le retiran la financiación. Acabará enamorándose de Paige, una muchacha estudiosa, hija de granjeros, que lo tiene todo previsto para trabajar duro y convertirse en médico. Ahora que la realidad muestra a periodistas enamoradas de príncipes, la directora Martha Coolidge nos ofrece un cuento de hadas muy similar. Se basa lejanamente en la historia del príncipe de Dinamarca y su reciente esposa, una joven plebeya australiana llamada Mary Donaldson. Aunque el argumento no deja de ser la típica revisión cursi de La Cenicienta, cuenta con Julia Stiles, que ya demostró su talento en cintas como State and Main y logra momentos con cierto encanto a lo Sissi Emperatriz. Especialmente impagable es el diálogo en el que el príncipe protagonista explica que va a pedir su “isla privada” al rey Juan Carlos para su luna de miel. ¿A qué se referirán los guionistas?

Miniserie sobre la vida del príncipe John de Inglaterra. El niño era epiléptico por lo que se le apartó de la vida pública y se le aisló en una casa de campo para que no "estorbara". Miranda Richardson fue nominada al Globo de Oro por su interpretación de la reina Mary.

O'Malley y Tom son dos actores que deciden probar suerte con los negocios sucios. Las cosas no van muy bien y una serie de circunstancias les brindan la posibilidad de conocer a unos gángsters, la llave perfecta para llevar a cabo su estafa. La película nace de una historia del cineasta Neil Jordan, poco propenso, en general, a las historias cómicas.

Placid es un joven muy peculiar. Es casi un genio, pero sus rarezas son casi tan destacables como su inteligencia. El caso es que un buen día se harta de ser el raro de turno y decide convertirse en alguien "normal", lo que supondrá todo un reto. Cabe destacar como curiosidad la presencia en el reparto como secundario de Nicholas Hammond, que no sólo fue Friedrich -el hijo mayor del capitán von Trapp- en Sonrisas y lágrimas, sino que fue el primero en enfundarse las mallas de Spider-Man en una serie de televisión: The Amazing Spider-Man.

La película narra la historia de tres hermanas que tienen que lidiar con familia muy peculiar a la vez que conflictiva. La escritora Barbara Gowdy dice que la inspiración de su obra vino de la idea de crear una familia canadiense que viviera durante la Guerra Fría y que tuviera un refugio por si estallaba la Tercera Guerra Mundial.

Con su habitual elegancia siniestra, el canadiense David Cronenberg nos propone un desasosegante viaje al interior de la mente de un esquizofrénico. Dennis Cleg, conocido como Spider por su extraña afición a tejer telas con hilos, como si de una araña se tratase, está a punto de ser dado de alta, tras pasar años en una institución psiquiátrica. Pero antes tiene que recluirse una temporada en un hospicio. Allí es ignorado por la gobernanta, lo que provoca que no se tome la medicación que le impedía recordar los trágicos sucesos de su infancia que le empujaron a la locura. Cuando era un muchacho de mente frágil, su madre fue asesinada por su padre, que la reemplazó por una prostituta. No se trata de una película convencional, su atmósfera es oscura y propia del cine de terror, y obviamente resulta imposible identificarse con el protagonista, pero tampoco con ningún otro personaje. Sin embargo, el espectador quedará atrapado por su original narrativa, que poco a poco le va alertando para que se pregunte: ¿es cierto lo que estoy viendo o producto de la mente enfermiza del protagonista? Interpretar a tan singular personaje suponía todo un reto, del que sale airoso el siempre impresionante Ralph Fiennes.

La filosofía vital de Virginia Woolf en tres tiempos y a lo largo de unas horas, a través del devenir de tres mujeres. Una de ellas es la propia escritora, retirada en su casa a las afueras de Londres en 1929, mientras escribe 'La señora Dalloway', una de sus obras emblemáticas: apática y deprimida, temerosa de la servidumbre, cuyo rostro se ilumina con la visita de su hermana y sus sobrinos. Las horas de las otras dos, a quienes influye de modo decisivo la lectura de la novela de Woolf, transcurren en 1949 y 2001: Laura Brown es una mujer casada y con un hijo, ama de casa aburrida a punto de estallar, pese a su fachada de “feliz mujer americana”; la otra, Clarissa Vaughan, tocaya de la heroína imaginaria de Woolf, vive con una mujer: se separó de su marido, prestigioso poeta enfermo de SIDA, también bisexual, y su vida se encuentra plegada a numerosos convencionalismos. El guión de David Hare adapta con fidelidad la novela de Michael Cunningham, ganadora del Premio Pulitzer. Y su puesta en escena por Stephen Daldry (Billy Elliot (Quiero bailar)) hace que la narración fílmica de tres historias paralelas, donde los ecos de una resuenan en la otra, parezca sencilla. Ello es gracias en parte a unas transiciones muy meditadas, que hacen buen uso de temas e imágenes comunes; y al trabajo interpretativo en su conjunto (todos los personajes tienen más o menos peso específico), en especial de ese trío de féminas encarnadas con poderío por Nicole Kidman, Julianne Moore y Meryl Streep. A nadie puede extrañar que la película, de factura impecable, haya acaparado nueve candidaturas a los Oscar, y que al fin Kidman se haya hecho con la preciada estatuilla a la mejor actriz.

Blancanieves es la hermosa hija del rey John y la reina Josephine, que se queda huerfanita a la muerte de su madre. Un día, las lágrimas del rey hacen despertar a una criatura fantástica llamada Green-eyed. En agradecimiento, este ser concede al rey tres deseos: alimento y protección, un reino donde vivir, y una mujer con la que compartir su vida. Esta no es otra que Elspeth, una reina malvada que envidiará continuamente la belleza de Blancanieves. Libre adaptación del clásico cuento de los hermanos Grimm dirigido por Caroline Thompson. En esta versión, la reina Elspeth convierte al príncipe en un oso, y los famosos 7 enanitos, aquí no son todos enanos, sino que son siete seres diferentes denominados como los colores del arco iris, los cuales se dedican a controlar el clima. Kristin Kreuk, célebre por su papel de Lana en Smallville, es la joven protagonista, y Miranda Richardson (La fuerza del cariño. La historia continua) es la madrastra.

Carter es un matón de la mafia de poca monta: hace lo que le dicen y no hace preguntas. Pero descubierto el asesinato de su hermano, está dispuesto a llegar hasta el fondo de la cuestión, caiga quien caiga. Se trata de un "remake" del film protagonizado por Michael Caine en 1971, sustituido esta vez por Sylvester Stallone. Pese a todo, Caine cuenta con un pequeño papel.

Jack Dos Dos es un muchacho al que llaman así porque siempre repite las cosas dos veces. Un día, su manera de hablar enfada al dependiente de una tienda, y Jack, asustado, termina huyendo del comercio. En su carrera, se esconde cerca de un bosque y pronto se queda dormido, permaneciendo en un letargo que le hace soñar que él mismo es sentenciado a dos años, dos meses, dos semanas y dos días de prisión en una cárcel infantil situada en una isla. Allí conocerá a variopintos personajes con el rostro de conocidos suyos. George Bloomfield llevó a la pantalla el libro de Mordecai Richler, y el resultado es una fantasiosa cinta para los más jóvenes de la casa, plagada de aventuras y seres extraños. Gary Busey, Miranda Richardson, Ice-T, son algunos de los intérpretes que se dejaron caer en esta aventura.

Alicia es una chiquilla que tiene ante sí una difícil papeleta: una representación teatral ante sus padres y un grupo de invitados. Presa de un ataque de timidez, trata de huir. Se cruza entonces con un conejo, que le lleva hasta su madriguera, y de allí a un increíble mundo mágico, donde vivirá increíbles aventuras. Adaptación cuidadísima de la clásica novela de Lewis Carroll, que cumple con los objetivos de entretener y hacer pensar. El reparto es de primera: desde la niña Tina Majorino, que ya nos sorprendió en Cuando un hombre ama a una mujer, hasta los estupendos Ben Kingsley y Whoopi Goldberg. Una primorosa dirección artística (decorados, maquillaje, muñecos creados por la prestigiosa empresa de Jim Henson) da como resultado un mundo de fantasía nada empalagoso.

A lo largo de su filmografía, Tim Burton ha plasmado en la pantalla personajes increíbles... Pee Wee, Eduardo Manostijeras, Jocker, Catwoman, Pingüino, Bitelchús, Ed Wood, Jack Skellington... son algunos de ellos. Una galería de tipos estrafalarios, marginales, que configuran su muy particular mundo fantástico. Sleepy Hollow cuenta también con un personaje, el del jinete sin cabeza, que encaja a la perfección en el universo burtoniano. Burton presenta poco a poco los elementos con que arranca la inquietante e intrigante película. Ichabod Crane es un investigador policial, que ha de resolver los crímenes que acontecen en Sleepy Hollow. Las fuerzas vivas de la villa no ayudan mucho en sus primeras indagaciones. Son pasajes tranquilos, hasta que se desata la tempestad. Uno de los conflictos más interesantes del film es el que se plantea el investigador Ichabod, entre el racionalismo a ultranza al que se apuntó tras un trauma infantil, y la fe necesaria para encarar el caso que le ocupa. El guión de Andrew Kevin Walker, quien trató este mismo tema en su libreto de Seven, sabe preparar la cuestión, sin sacar desde el principio los ases que guarda en su manga. Mención aparte merece el trepidante final de la historia, que funciona con la precisión de un mecanismo de relojería. Johnny Depp –que ya había trabajado con Burton en Eduardo Manostijeras y Ed Wood– da muestras otra vez de su buen hacer interpretativo, al dotar a su personaje de variados matices. Lo exagera cuando es necesario –véanse las autopsias con instrumentos de su invención–, muestra su determinación y, al tiempo, su fragilidad; su carácter frío en apariencia, y su ternura; su apego a la razón y su creciente espíritu romántico. Todo el reparto resulta muy ajustado pero Depp es, sin duda, la estrella.

Curioso film que rescata un guión inédito de Orson Welles y Oja Kodar. Cuenta el curioso chantaje que sufre un candidato a gobernador de un estado en EEUU. Ritmo pausado, reflexión sobre los pliegues y repliegues del poder (un tema muy wellsiano) tiene un atinado reparto y su visión resulta, cuando menos, curiosa.

El sargento Cooper investiga la muerte de Matilda Gillespie, que a primera vista parece un suicidio. Tras indagar en los hechos y en el pasado de la joven, Cooper descubre que era una mujer con bastantes enemigos. Thiller hecho para la televisión emitido en dos entregas que está basado en una novela de Minette Walters. Buen trabajo de Miranda Richardson en este título menor.

Un anciano mago Merlín, recuerda la historia de su origen y como tuvo que luchar contra Mab, la malvada Reina de la Oscuridad. Mab enseñó a Merlín todo lo necesario sobre la magia con la intención de aliarse y encabezar las fuerzas del mal, pero el joven Merlín quiso llevar un camino distinto. Cuando comprobó que el rey Vortingern no era un buen soberano, decidió hacerse cargo de Arturo, hijo de Uther, para educarle y hacer de él un muchacho inteligente y audaz. El joven Arturo sería el único capaz de sacar la espada Excalibur de la piedra y convertirse en el rey de Camelot. Fantástica miniserie sobre el mago Merlin en otra de las versiones que se han hecho para la pantalla. La historia, dirigida por Steve Barron está muy bien ambientada y ha ganado varios premios Emmy y ha sido nominada a los Globos de Oro. Entre el reparto aparecen actores como Sam Neill, haciendo de Merlín; Helena Bonham Carter, como Morgana; Miranda Richardson, como Mab; o Isabella Rossellini, como Nimue, la enamorada de Merlín. Las diferentes tramas épicas cuentan con los requisitos clásicos del género; aventuras, princesas, amor, magos, brujas y fantasía.

Adaptación de "St. Ives", una novela inacaba de Robert Louis Stevenson. Situada en la época de las guerras napoleónicas, cuenta las aventuras del capitán Jacques St. Ives, un joven valiente y encantador, que es hecho prisionero tras una batalla. Recluido en una prisión escocesa, se gana la confianza del gobernador de la prisión, que le pide consejo en asuntos amorosos. El director Harry Hook (El señor de las moscas) lo tiene claro: “El guión me pareció irresistible. Es una historia de amor bien escrita, con una perspectiva de los acontecimientos históricos y de la fragilidad humana muy aguda”. El estilo de aventuras a la vieja usanza está muy conseguido, y a la vez se tratan con aciertos las diferentes historias románticas, que ofrecen un agradable sabor añejo.

Adaptación de una obra teatral de Wallace Shawn, que narra la relación entre Jack y su esposa Judy, y con Howard, el padre de ésta. Los tres viven en un país ficticio bajo un régimen represivo y dictatorial. Está formado por una serie de monólogos de los personajes, que hablan a los demás en un tono conversacional y directo. Jack está interpretado por Mike Nichols, reputado director de títulos como El graduado.

A Sonny Dewey, un predicador pentecostalista tejano, se le hunde el mundo cuando descubre que su esposa le es infiel. En un momento de ira golpea a su oponente, con tan mala fortuna que queda en coma. En su huida encuentra refugio en una pequeña comunidad sureña; y bajo el pseudónimo de E.F. el apóstol, funda su propia iglesia. Allí experimenta la satisfacción de acercar a Dios a un nutrido grupo de gente sencilla, primero negros, luego también blancos. Robert Duvall escribe, dirige, protagoniza y produce, con un aire cercano a Gracias y favores de Bruce Beresford, una película arriesgada. ¿Seguir el día a día de un predicador protestante? ¿Qué locura de film es éste? Sin duda que lo es, y bien lo debe saber Duvall, que ha puesto dinero de su bolsillo. Sin embargo logra componer un personaje memorable (Duvall fue candidato al Oscar al mejor actor), en el que quedan patentes virtudes y defectos.

Biografía del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry, celebérrimo autor de 'El principito'. Sigue los pasos del escritor, desde su juventud, cuando despunta como aviador, y contrae matrimonio con la española Consuelo. El actor francés Bruno Ganz demuestra su valía para interpretar a un personaje real, como en El hundimiento. Dirige Anand Tucker, especializado en biografías de artistas, pues fue el responsable de Hilary y Jackie.

Mary Swann es una brillante poetisa que vive en las afueras de un pueblo. Sin motivo aparente, es víctima de un brutal asesinato. Cuando se entera Sarab, una ambiciosa escritora de best-sellers, se decide a descubrir las causas del crimen. A la vez, una misteriosa campesina llamada Rose se ve involucrada en el asunto. Estos dos personajes se irán adentrando en el complejo mundo de la poetisa e irán desentramando los rincones más turbios de su vida. Pronto descubren que sus personalidades son bien distintas, y por este y otros motivos se plantea un conflicto entre ellas. Una truculenta historia protagonizada por unos oscuros personajes. Está basada en la novela de la escritora galardonada con el prestigioso Premio Pulitzer, Carol Shields. Tiene los elementos fundamentales del thriller, y se aprovecha de ellos para crear una intriga que se mantiene hasta el final. Pero más importante es la carga dramático, sostenida por la relación entre las dos protagonistas.

Continuación de una de las películas de mayor éxito en los últimos años y que ganó el Oscar a la Mejor Película. Han pasado quince años y Aurora Greenway (Shirley Mclaine) apenas ha cambiado, sigue tieniendo el mismo estilo inimitable, cariñoso y tiránico a un tiempo. De ese modo ha logrado criar a sus nietos. Ahora le toca batallar con Melanie (Juliette Lewis) y acomodarse al estilo de vida de los hermanos mayores. Entre otras cosas, también tendrá que luchar con la interferencia de Patsy, que fue la mejor amiga de su hija Emma, y recordar viejos tiempos con su antiguo amor, Garrett Breedlove (Jack Nicholson). Basada en la novela de Larry McMurtry, la película desprende amor a raudales por la familia, con escenas a un tiempo intimistas y simpáticas. Shirley Maclaine está tan magnífica como en los tiempos en que trabajaba con el mestro Billy Wilder. Y Juliette Lewis y Jack Nicholson le dan la réplica con sus respectivos papeles. Para disfrutar con toda la familia.

Recreación erudita del mundo de los años de la depresión en Estados Unidos. 1934. Kansas City es una ciudad al rojo vivo en vísperas de unas importantes elecciones. La vida de la ciudad gira en torno a el Hey Hey Club, un lugar lleno de corrupción, lujo y prostitución. Un día, va a parar a ese lugar Johnny O'Hara (Dermot Mulroney), un ratero que ha robado al hombre equivocado, el hampón negro Seldom Seen, y es retenido allí con aviesas intenciones. Su mujer, Blondie (Jennifer Jason Leigh), no dudará en secuestrar a su vez a la esposa de un importante político (Miranda Richardson) para hacer un intercambio y lograr la libertad de su marido. Película de género dirigida por el prestigioso Robert Altman. En ella hay una mezcla de política, crimen, amor, dinero y, sobre todo, jazz. Los actores están fantásticos y el guión del propio Altman y de Frank Barhydt se reparte en varias direcciones, especialmente en las que recogen las andanzas de las dos mujeres y en lo que acontece a la vez en el club de jazz del mafioso. Pero como suele suceder en el cine de Altman se echa falta un tono general de mayor autenticidad, menos frío y "externo", que implique más al espectador. De cualquier modo, la película es un buen homenaje a la Norteamérica de aquellos años y es ideal para aficionados al cine negro y al mundo del hampa, y para amantes del jazz. Destacan en este sentido las secuencias ficticias que recogen a los saxofonistas Lester Young y Coleman Hawkins en plena batalla musical, ante la atenta mirada de un jovencito Charlie Parker. De entre los músicos se reconoce a estrellas modernas del jazz, como el saxo tenor Joshua Redman o el bajista Ron Carter.

La fascinante y atractiva Francia del siglo XIII es el escenario de esta singular película que gira alrededor del amor atormentado y al erotismo. Willem Dafoe (Arde Mississippi, El paciente inglés) da vida a un atractivo escritor, ávido de bajas pasiones y de dar una nueva vuelta de tuerca a la libertad sexual y a las actitudes sociales concernientes al amor. La marquesa, interpretada por Lena Olin (Havana) es una sensual joven dotada de gran belleza y que tiene todas las facultades para excitar los deseos del intrépido escritor. Cada noche, la luna será testigo de pasiones descontroladas y de placeres ocultos, un juego peligroso y arriesgado en el que los dos amantes terminarán por envolverse hasta que llegue la mañana... Como Las amistades peligrosas es ésta una película que explora los límites del amor; se basa en la novela de Crebillon Fils. Sobresale por encima de todo la magnífica ambientación.

Telefilm que se desarrolla en una realidad alternativa, en la que Hitler ganó la II Guerra Mundial, tras impedir la invasión aliada en Normandía. Xavier March, detective de homicidios, investiga la muerte de un oficial nazi. Adapta una desconocida novela de Robert Harris, de interesante punto de partida. Cuenta con el veterano Rutger Hauer, que muchos años después de Blade Runner ha quedado encasillado en este tipo de subproductos, concebidos para la pequeña pantalla.

Thomas Stearns Eliot es un poeta norteamericano de éxito que se casa con Vivien Haigh-Wood, una mujer algo desequilibrada. Poco a poco la situación se vuelve insostenible en el matrimonio, y Eliot acaba ingresando a su esposa en un manicomio, donde vivirá el resto de sus días. Brian Gilbert (No sin mi hija) dirige esta biografía del célebre poeta y dramaturgo, autor de "Cuatro cuartetos" y premio Nobel en 1948, que es, a su vez, una adaptación de la biografía que escribió Michael Hastings. El director cuenta una historia de un modo libre pues hay aspectos de la vida del poeta que no ocurrieron tal y como muestra en el film. La película tiene buena ambientación de la época y destacan los decorados, así como la música. De todos modos, se echa de menos mayor fondo en el personaje de Thomas Stearns Eliot, interpretado por Willem Dafoe (La última tentación de Cristo), que raras veces decepciona. Sin embargo, sí resulta plausible el personaje y la actuación de Miranda Richardson (El imperio del sol) como la perturbada esposa.

Finales del XIX. Paul Reisner, un joven y prometedor médico judío, empieza a trabajar en una prestigiosa institución médica. Al principio parece un lugar idílico, pero pronto descubre que es una tapadera para intereses oscuros. Clive Owen protagoniza esta versión de época de La tapadera, estrenada el mismo año. El film hace hincapié en la importancia de la evolución científica de la época.

Un sargento británico de raza negra es secuestrado por la organización terrorista IRA, con la finalidad de canjearlo por un compañero que se encuentra en la cárcel. Durante el confinamiento, el secuestrado entabla amistad con uno de los terroristas, al que le pide que vaya a ver a su novia si algo malo le ocurriera. A partir de este momento la trama experimenta un sorprendente giro. Neil Jordan, dirige este film que se hizo con el Oscar de la Academia en la categoría de mejor guión original. Se trata de un inquietante thriller con sorpresas inesperadas y magnífica banda sonora, con el que Jordan reflexiona sobre la violencia y las carencias afectivas. Cuenta, además, con una elaborada puesta en escena, que hace que la trama no decaiga en ningún momento, sin olvidar una "sorpresa" final. La interpretación corre a cargo de sólidos actores tales com Stephen Rea, Miranda Richardson, Jaye Davidson y Forest Whitaker.

Un político recién llegado a ministro conoce a una mujer con la que se obsesiona sexualmente e inicia una relación adúltera. Lo fuerte del caso es que dicha mujer es la novia de su hijo; las cosas no cambian ni siquiera cuando los dos jóvenes anuncian su compromiso matrimonial. Malle vuelve a abordar una situación límite: no convence, especialmente con su forzadísimo desenlace.

Es abril, y Lottie (Josie Lawrence), una mujer inglesa, harta de su vida, está decepcionada con su marido que no hace otra cosa que discutir con ella. Cuando lee un anuncio sobre un castillo que se puede alquilar en Italia durante un mes, Lottie no se lo piensa dos veces y llama para reservar. Ella y tres amigas más cambiarán la lluviosa Inglaterra por unas fantásticas vacaciones en la romántica Italia. Idílica y divertida película, adaptación de la novela homónima de Elizabeth Von Arnim, sobre cuatro amigas que emprenden un viaje hacia su paraíso particular dejando atrás todo lo que odian de su monótona vida. El film fue nominado a tres Oscar, incluyendo mejor actriz de reparto (Joan Plowright), mejor diseño de vestuario y mejor guión.

En los años previos a la I Guerra Mundial, un médico (Keith Carradine) se debate en la elección de esposa entre las mujeres que conoce. Cuidado coproducción de Roberto Faenza (Sostiene Pereira), basada en una novela del controvertido Arthur Schnitzler. La actriz Miranda Richardson (Sleepy Hollow) interpreta a dos mujeres en diversos momentos de la vida del protagonista.

En el Londres de la época victoriana, un poderoso aristócrata parece tener las claves de la prosperidad económica. Durante una fiesta, con numerosos personajes, el espectador conocerá los entresijos de su pensamiento, de sus proyectos y de la verdadera situación de su entorno social. El film, rodado con elegancia, es sin embargo una propuesta singular, una aguda sátira costumbrista pero con un aire quizá demasiado independiente. Entre el sólido reparto inglés destacan nombres egregios como Derek Jacobi (Yo, Claudio) o Miranda Richardson (Kansas City).

Inquietante film que desarrolla la historia de Dan Gillis, un guionista norteamericano que recibe la oferta de escribir el guión de una película dirigida por un incipiente y extraño director llamado Malcolm. En un principio el guionista rechaza la propuesta , pero la atracción sexual que le despierta la hermana de Malcolm el empuja finalmente a escribir el guión. Será el comienzo de una pesadilla sembrada de temas oscuros, sexo y drogas. El resultado de la película es mediocre y la morbosidad de la trama parece demasiado retorcida. La película está dirigida por el español Fernando Trueba, aunque casi todo el equipo artístico y técnico es extranjero. Y Jeff Goldblum, tres años después de rodar La mosca (1986), hace lo que puede con su papel protagonista.

Divertidísima comedia negra inspirada en el célebre "Cuento de Navidad" de Charles Dickens, y adaptada con sarcástico sentido del humor por uno de los grandes de la comedia británica, Richard Curtis, responsable de éxitos como Cuatro bodas y un funeral, Notting Hill o Love Actually. El reparto reúne a varios nombres célebres del cine británico, que en 1988 quizá no tenían todavía la vitola de la fama, pero que con el tiempo se han convertido en estrellas. El telefilm, de apenas 45 minutos, ha alcanzado con los años el 'status' de película de culto.

Jim Graham es un chaval británico, hijo único, que vive con sus padres en Shanghai. Su cómoda existencia entre algodones dará un vuelco durante la II Guerra Mundial. Jim tiene 13 años y su exaltada imaginación vibra de modo especial con los aviones. Tiene varios modelos en miniatura, y no puede evitar dar botes cuando ve las aeronaves surcando el cielo. A Jim nunca le ha faltado nada, y siempre ha visto la realidad de la vida a distancia; lo dice Spielberg plásticamente con la imagen del Packard que le conduce con las ventanillas subidas, para que nada del exterior afecte a Jim. Tras el ataque japonés a Pearl Harbor, estalla el caos en la zona occidental de Shanghai. Jim se separa de sus padres, y a partir de ese momento se inicia en el juego de la supervivencia. La criada ya no le obedece, sino que le abofetea. Hay que buscar comida, los platos cocinados ya no llegan a la mesa por arte de magia. Jim se ve obligado a crecer (esa maleta de cartón, que abandonada supone el fin de la infancia), y busca la complicidad de Basie, un americano que se mueve en la actual situación como pez en el agua. Acabará, como tantos, en un campo de prisioneros. Adaptación de la obra de ribetes autobiográficos de J.G. Ballard, con guión del autor teatral Tom Stoppard. Spielberg rueda un film espectacular, gran parte rodado en Shanghai con miles de extras, con un formato 'a lo grande', muy a lo David Lean. La preciosa fotografía de Allen Daviau y la gran partitura de John Williams ayudan al empaque de un título a redescubrir.

Un joven afectado de epilepsia intenta salir adelante en un pueblecito del norte de Inglaterra, después de que su padre muriera durante la I Guerra Mundial. La madre resulta ser demasiado protectora. Drama que describe la vida en una pequeña localidad en el período de entreguerras. Basado en una novela de Tom Hart, cuenta con solventes actores, aunque destaca especialmente Liam Neeson, como un hombre que mantiene un idilio con una mujer casada. Dirige John Mackenzie (El cuarto protocolo).

Una madre soltera, que trabaja en un club nocturno, se enamora de un rico cliente. Tras una tórrida relación, él decide dejarla, pero ella se mosquea. Mike Newell dirige este thriller, basado en hechos reales.

Hilarante y muy exitosa 'sitcom' británica que agrupa cuatro temporadas con diferentes nombres –'The Blackadder' (1983), 'Blackadder II' (1986), 'Blackadder Tercero' (1987), 'Blackadder y van Cuarto' (1989)– todas ellas protagonizadas por el cómico Rowan Atkinson (en uno de los papeles que más fama le han dado) y escrita en su mayor parte por Richard Curtis (Love Actually) y Ben Elton. La serie, de una comicidad impresionante, narra la historia de Inglaterra desde el siglo XV hasta principios del XX, a través de las aventuras del codicioso y rastrero Edmund Blackadder (Rowan Atkinson), un tipo que a lo largo de las épocas va asumiendo diferentes ocupaciones (príncipe, noble, mayordomo, capitán del ejército). Le acompaña siempre en sus andanzas su criado Baldrick (Tony Robinson).