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Biografía

Rachel Portman

Rachel Portman

59 años

Rachel Portman

Nació el 11 de Diciembre de 1960 en Haslemere, Surre, Reino Unido

Premios: 1 Oscar

Oscar
1997

Ganador de 1 premio

Filmografía
Tu mejor amigo

2017 | A Dog's Purpose

Ethan y su madre salvan al perro Bailey, a punto de morir deshidratado en el coche en el que le han dejado encerrado. Lo trasladan a su casa, donde se lleva muy bien con el niño, pero traerá problemas al padre, un hombre que cae en el alcoholismo, al no conseguir que en su empresa deje de ser viajante para asumir un puesto de oficina. Al sueco Lasse Hallström le fascina el mejor amigo del hombre, pues contó el amargo drama de un niño que perdía a su perra al mismo tiempo que a su madre, en Mi vida como un perro, y la historia de un animal muy unido a su dueño en Siempre a tu lado. Hachiko, revisión de un film japonés. Ahora completa la trilogía perruna con Tu mejor amigo, adaptación de un best-seller de W. Bruce Cameron que ha arrasado, sobre todo en Estados Unidos. Resuelta con bastante simpleza, funciona porque los actores, sin resultar memorables dan la talla, sobre todo el veterano Dennis Quaid, y porque se han usado para el rodaje animales bastante expresivos. Capta muy bien la conexión entre el amo y su mascota, por lo que caerá bien en el sector del público que haya tenido alguna. Pero incluye una reflexión ‘new age’ sobre el karma de los animales que a pesar de su tono positivo, resulta demasiado pueril. Así, el can protagonista se reencarna cada vez que muere, conociendo a amos diferentes, hasta que encuentre su propósito en la vida.

5/10
El héroe de Berlín

2016 | Race

La figura de Jesse Owens ha sido desaprovechada en la pantalla. El legendario atleta negro ha dado lugar al telefilm The Jesse Owens Story, de 1984, y también aparecía como personaje secundario en Invencible. De repente se han gestado dos proyectos a la vez, uno protagonizado por Anthony Mackie, aún en fase de desarrollo cuando le ha ganado la carrera Race, el héroe de Berlín, primero en llegar a las carteleras. Aborda el periplo de Jesse Cleveland Owens en tiempos de la Gran Depresión, cuando para alegría de su humilde madre se matricula en la Universidad Estatal de Ohio, lo que le obliga a alejarse temporalmente de su novia y su pequeña hija. En el campus llama la atención del entrenador Larry Snyder, que le propone trabajar duro con el fin de clasificarse para las Olimpiadas de 1936 en Berlín, que el régimen nazi planea utilizar con fines propagandísticos. Dirige Stephen Hopkins, que regresa a la gran pantalla tras una temporada centrado en capítulos televisivos. Aborda un nuevo biopic, tras Llámame Peter, que retrataba a Peter Sellers, con un estilo muy academicista, que sin embargo funciona, también gracias a la labor del reparto, pues Stephan James (Selma) da el tipo como el personaje central, y tiene a su lado a correctos actores como Jason Sudeikis (el mentor), Jeremy Irons (director del comité olímpico estadounidense), William Hurt (presidente de una asociación que defiende boicotear los juegos) y Carice Van Houten (la cineasta Leni Riefenstahl, que inmortalizó el evento deportivo en Olympia, su célebre documental). Tiene tirón la historia de superación personal, aunque el guión se centra sobre todo en la cuestión racial, comparando (obviamente no equiparando) la marginación que sufrió el héroe americano en su propio país, con la de los judíos por el régimen nazi.

6/10
Cuando cae la nieve

2016 | Despite the Falling Snow

Años 50, siglo XX. Alexander, un funcionario ruso en misión cultural en Estados Unidos, huye de la comitiva soviética y es acogido por los estadounidenses, mientras pregunta desesperadamente por su esposa Katya. Ésta es una mujer rusa que espía en Moscú para los norteamericanos y que tiempo atrás recibió la misión secreta de engatusar a un alto funcionario ruso –el tal Alexander–, mano derecha de un ministro del gobierno soviético, para sacarle información. Muchos años despúes, tras la caída del muro de Berlín, la sobrina de Katya marchará a Moscú para investigar los hechos. Film que nos traslada con nostalgia a la época más caliente de la Guerra Fría, con un remarcado tono clásico e incluso una puesta en escena antigua, bien ambientada con una fotografía cálida, recargada, cuando se habla del pasado. No estamos ante un thriller moderno, en donde las balas silben y el peligro se masque en cada esquina; aquí, digamos, el mundo del espionaje sirve únicamente de telón de fondo –aunque algo de intriga hay–, de simple humus para narrar una historia de amor que empieza levemente y que acabará por ser pieza central. Esa perspectiva, sin embargo, hace que el guión acabe buscando demasiado el efecto emotivo, romántico, y en cierto modo provoca que el conjunto tome un aire más convencional. Además adquiere en ocasiones un peligroso aire de culebrón, especialmente acentuado en la trama más reciente y menos lograda, en donde la guionista y directora británica Shamim Sarif deja su sello lésbico personal, tema central de sus dos películas anteriores. Contada en tres tiempos diferentes, Cuando cae la nieve entretiene, pero va poco a poco perdiendo fuelle. Quizá lo más reseñable es al fin la composición de Rebecca Ferguson (Misión imposible: Nación secreta), que interpreta a dos personajes diferentes (tía y sobrina). Desde luego, se toma muy en serio a su personaje de Katya, y atrapa con su modélico look a lo Ingrid Bergman y una composición muy convincente.

5/10
Su mejor historia

2016 | Their Finest

II Guerra Mundial. Londres es bombardeada cada día por las tropas de la Luftwaffe. Los destrozos materiales y las bajas entre los civiles se multiplican y el pesimismo cunde entre la población. El departamento de cine del gobierno británico planea entonces la producción de una película que levante los ánimos. Se trata de encontrar una historia de heroísmo bélico que disipe el ambiente general de derrotismo. Para ello contratan los servicios de una joven guionista, Catrin Cole, con la idea de que aporte un “toque femenino”. Poco a poco, el guionista jefe de su equipo, Tom Buckley, se irá dando cuenta de que la joven tiene un gran talento. Notable film británico, obra de la prestigiosa directora danesa Lone Scherfig (An Education) quien adapta la emotiva novela de Lissa Evans, con guión de Gaby Chiappe, curtida en múltiples series televisivas. Scherfig ofrece cuestiones con suficiente atractivo para generar interés, servidas en un ambiente ya de por sí contundente, como es el bombardeo de Londres durante la II Guerra Mundial, en donde el peligro y la inestabilidad ofrecen el marco dramático adecuado. La historia se desarrolla con mesura y tranquilidad (aunque alguna sorpresa hay) y poco a poco, sin exageraciones, va adquiriendo tintes de gran hondura humana, de emoción real. Hay en Su mejor historia un mirada social al pasado, centrada en las dificultades que a principios del siglo XX tenían las mujeres para hacerse un hueco en el mundo laboral. Y no sólo para hacerse un hueco, sino para ser respetadas en su trabajo, para ser consideradas según su genio intelectual. La película refleja con perfección ese estado de cosas, cómo las mentalidades son difíciles de mover –ese irónico subterfugio de escribir “cosas de mujeres”–, pero lo hace al servicio de una trama dramática urdida con oficio y realismo, huyendo de posibles anacronismos actuales, y en donde habla de un tema más que interesante: el papel de la propaganda durante la guerra. Bien es sabido que el cine de esa época se puso al servicio de la causa y los gobiernos velaban por que las producciones provocaran un patriotismo positivo, que alejara al ciudadano de una mentalidad derrotista. En este sentido el film es un buen ejemplo de cine dentro del cine, de la capacidad del séptimo arte para generar emociones y, en especial, supone un homenaje a la labor, tantas veces oscura y eclipsada, de los guionistas y escritores. Bien ambientada, con colores virados a menudo a tonos azules, la película tiene un guión que cuida además a los personajes. Hay secundarios que brillan lo justo y además de la protagonista Catrin Cole, cuya evolución es del todo convincente gracias al soberbio trabajo de Gemma Arterton, resaltan los dos personajes masculinos de mayor entidad, por una parte el actor veterano al que le cuesta un mundo aceptar que su tiempo ha pasado (Bill Nighy en uno de sus mejores trabajos) y, por otra, el guionista serio y trabajador, seguro de sí mismo, que paulatinamente va descubriendo el talento de Catrin, hasta llegar a la admiración. Magníficamente narrada está la relación entre éstos últimos, con tiras y aflojas, dudas y reconocimientos, y que da lugar a una secuencia maravillosa –la disculpa de Catrin–, que en su sencillez Scherfig transforma en un bellísimo tributo a la magia creadora del cine y la literatura. Detrás se revela una excelente dirección de actores, que resalta especialmente en el caso de Sam Claflin, fuera de sus roles habituales.

7/10
Bessie

2015 | Bessie

Biopic de la legendaria cantante de blues Bessie Smith (1894-1937). Sigue unos cánones muy academicistas para contar la trayectora de una dama a la que le gustaban las mujeres, pero que se casó con un hombre, su representante. Con flash-backs algo confusos que recuerdan el trauma infantil que condujo a la muerte de la madre cuando ella era una niña, somos testigos de cómo la toma bajo su protección otra lesbiana cantante, Ma Rainey, con la que surgen pronto los celos, pues ella le hace sombra. La cinta viene salpicada de canciones, con una buena reconstrucción de época, mientras se suceden los desgarros emocionales varios un tanto exagerados, la felicidad se hace difícil de agarrar. Protagoniza la cinta Queen Latifah, que tiene la oportunidad de volver a cantar después de la cinta que le dio la fama y una nominación al Oscar, Chicago. También se ve, en un rol secundario, a una ganadora de la estatuilla dorada, Mo'nique, en el rol de Ma Rainey. 

4/10
Belle

2014 | Belle

Si Jane Austen hubiera escrito sobre la esclavitud, la historia que habría entregado no sería muy diferente a la que narra Belle, un interesante drama basado en hechos históricos, una de esas "muescas" que permitieron que, poco a poco, la esclavitud fuera abolida en Gran Bretaña. En efecto, el escenario donde transcurre la mayor parte de la acción en claramente "austeniano": se trata de la casa de campo del presidente del tribunal supremo que debe fallar un importante caso relacionado con el tráfico de esclavos. Ahí se crían desde niñas, con sus tíos abuelos, dos primas de la misma edad: una, Bette, blanquita pero segundona, lo tiene difícil para hacer un buen matrimonio; y la otra, Dido, que hereda una buena asignación para el resto de sus días, se enfrenta al inconveniente del color de su piel, es mulata, aunque goza de la ventaja de que pese a ser ilegítima, su padre, un almirante de la Royal Navy, la reconoció. La actriz de ascendientes africanos Amma Asante dirige su segunda película, una trama escrita por la casi primeriza Misan Sagay con la que parece haber conectado enseguida, por su condición de mujer negra, y porque aborda un tema tan interesante como el del ejercicio de la libertad, incluso cuando pesan, y tanto, las circunstancias sociales y culturales. El modo incompleto en que la protagonista participa en la vida familiar no dejará de producir asombro en el espectador. Aunque el ritmo es algo desigual, se trata de uno de esos filmes que se ven con agrado, tanto por cómo se desarrollan los enredos amorosos –matrimonios pactados y búsqueda del amor verdadero–, como por el entorno familiar –el matrimonio mayor sin hijos, la tía solterona, la amistad fraterna de las dos primas– y la figura del idealista hijo del vicario, paladín luchador contra la injusticia., que abre los ojos a le intuye Belle, o sea, Dido. Protagoniza el film la televisiva Gugu Mbatha-Raw, que tiene la responsabilidad de soportar sobre sus hombros el peso casi entero de la película. Aguanta el tipo, aunque quizá le falta un poco de chispa. Dentro de la galería de maravillosos secundarios -donde vemos sin ir más lejos a Emily Watson y Penelope Wilton–, quien sin duda está grandioso en Tom Wilkinson, formidable en su papel de juez que ha terminado encajando en el sistema, pero teniendo que ceder, al menos en parte, en lo relativo a sus ideales de juventud, para escalar socialmente. El caso del barco negrero Zong, y la consideración como mercancía de sus esclavos arrojados al mar para sobrevivir el resto de los viajeros del barco, le ponen antel el dilema moral de aplicar la ley, sin dejar de pensar que esa "carga" asegurada por una compañía, eran personas.

6/10
La gran aventura de Winter 2

2014 | Dolphin Tale 2

Paradise

2013 | Paradise

Nunca es demasiado tarde

2013 | Still Life

John May tiene 44 años y es funcionario en Kennington, Londres. Es un hombre gris, lleva una vida gris y trabaja en un despacho gris. No tiene mujer, ni hijos, ni amigos. Carece por completo de vida social. Pero May es un fiel trabajador en la singular ocupación que desempeña. Metódico y concienzudo, sobre él recae el cometido de tramitar el destino final de las personas solitarias que han sido halladas muertas y de las que se desconocen sus más mínimos detalles. May recoge las pistas que pueden llevarle a localizar a algún pariente lejano, ex marido, ex esposa, hijos o amigos de la persona fallecida, y finalmente se ocupa de que tenga un entierro digno. Un día el muerto resulta ser un hombre que se alojaba en el piso enfrente del suyo y del que él jamás tuvo noticia. Podría pensarse que el conde Uberto Pasolini es descendiente del famoso cineasta italiano Pier Paolo Pasolini y, sin embargo, aunque no lo es, sí que tiene curiosamente sangre cinematográfica en las venas, porque es sobrino de otro celebérrimo colega, Luchino Visconti. Pasolini es conocido sobre todo por sus labores de producción en películas de gran renombre, como Full Monty. Como director no se ha prodigado demasiado. Comenzó como asistente de dirección en La misión y posteriormente debutó tras las cámaras con la comedia Machan. En su segunda película como director, Nunca es demasiado tarde, demuestra tener una sensibilidad poco común y una mirada tierna y amorosa hacia el ser humano, lo que le permite contar una historia muy minimalista para, lejos de cualquier edulcoramiento, transmitir una gran hondura antropológica. A través de los ojos y del comportamiento del protagonista, el espectador empieza a ver que las personas muertas no son simples desperdicios, cenizas destinadas a rellenar jardines, material de deshecho al que hay que ir dándole salida. Detrás de cada cadáver hubo una vida, alguien que amó y fue amado, quizá un padre o una madre, personas que tuvieron momentos buenos y momentos malos, con virtudes y defectos. Son personas que merecen un respeto, cuya dignidad está por encima de sus circunstancias, de presupuestos económicos, de frivolidades administrativas. La película de Pasolini recuerda en cierto modo el fantástico film Despedidas, en donde el respeto hacia el ser humano iba también más allá de la muerte. Como en ese film japonés, Pasolini también sabe ofrecer leves escenas de tono elegiaco, a la vez muy sobrias y logradas, que hacen reflexionar acerca de la dignidad de la vida humana, también en su faceta abierta a la trascendencia. Ayuda una maravillosa banda sonora de la conocida compositora Rachel Portman, a la sazón ex esposa de Pasolini, con quien tiene tres hijos. Nunca es demasiado tarde es una película con pocos diálogos y contados actores. Un film peculiar, donde todo el protagonismo lo asume un lacónico y excelente Eddie Marsan, con un personaje sólido, rarito sin duda, pero con un corazón enorme para mirar con asombro y responsabilidad la vida y la muerte. Su John May quizá sea despreciable, anodino, a los ojos del mundo, pero resulta admirable y sus actos hablan a las claras de una vida plena, rebosante de grandeza moral.

6/10
Soldado Peaceful

2012 | Private Peaceful

Todos los días de mi vida

2012 | The Vow

Leo y Page son un matrimonio felizmente enamorado, lo suyo fue un flechazo a primera vista. Pero un terrible accidente la deja a ella en estado de coma. Cuando despierta, Page no sólo ha olvidado a su marido, sino que su personalidad es muy diferente, y su estirada familia quiere ocuparse de ella, que vuelva a su antigua y convencional vida. Leo deberá esforzarse para recuperar al amor de su vida. Al parecer este edulcorado film de diseño se inspira en hechos reales, es de suponer que bastante modificados, en lo que se diría una variante romántica de A propósito de Henry. Si en aquella película de Mike Nichols al prepotente abogado encarnado por Harrison Ford se le concedía una oportunidad para enmendar su vida gracias a la amnesia, en Todos los días de mi vida lo que parecía un amor maravilloso puede irse al traste porque, para Page, Leo es tras el accidente un perfecto desconocido... o más bien habría que decir “imperfecto desconocido”, pues no le ama, no recuerda que le amara. De modo que la incógnita sobre la que se sustenta la trama es si ella será capaz de volver a enamorarse. El desconocido Michael Sucsy está detrás de este excesivo drama romanticón con pareja protagonista “guapita” –Rachel McAdams y Chaning Tatum–, al que le falta progresión, o al menos escenas interesantes e intensas; una vez planteada la situación de “esposa debe volver a enamorarse de su marido o pasar página”, todo son variaciones sobre el mismo tema sin demasiada enjundia o emoción. Acercamientos, aparentes avances que resultan ser retrocesos, lágrimas, iluminaciones de él con recuerdos entrañables... El entorno “peligroso” –la familia de Page, con la que se había producido un distanciamiento– debería dar más juego, pero a pesar de estar ahí nada menos que Jessica Lange y Sam Neill, sus rasgos son una colección de tópicos de familia pudiente y posesiva, escandalizados de la vida bohemia que había escogido su “niña”, que ahora podría volver a estudiar Derecho y tal vez dejar de votar a Obama.

3/10
Bel Ami, historia de un seductor

2011 | Bel Ami

Georges Duroy, veterano soldado de la guerra de Argelia, sin un céntimo en París, arriba a París en busca de fortuna. Se encuentra con un antiguo compañero de armas, Charles Forestier, periodista, que le introduce en su círculo de amistades. Ello le permite debuta como articulista, a pesar de que escribe fatal, gracias a la ayuda de Madeleine, la esposa de Charles. Su atractivo físico e innegable ambición, le permiten saltar de alcoba en alcoba, ya sea en el nidito de amor que comparte con Clotilde, a la cama todavía caliente de una viuda, o al lecho compartido con une mujer casada. Tosca adaptación de la novela “Bel Ami”, de Guy de Maupassant, perpetrada por dos hombres de teatro, Declan Donnellan y Nick Ormerod. Lo que en el autor francés era un retrato despiadado y cínico de la ambición contado de modo fascinante, en Bel ami, historia de un seductor se transmuta en pálido reflejo del original, falta espacio para la evolución de los personajes, y a Robert Pattinson el “Bel ami” George Duroy le viene grande, muy grande. De entre los actores se puede destacar a Uma Thurman, pero el personaje de Christina Ricci es muy plano, mientras que el Kristin Scott Thomas, el más difícil, requería una sutileza de la que el guión carece. Uno de los grandes problemas de Bel ami, historia de un seductor es que Duroy presenta un rostro canallesco y depravado desde el principio hasta el final de la historia; por supuesto que así es el alma de nuestro “Bel ami”, pero lo que la interpretación de Pattinson demandaba es que desplegara un verdadero encanto y atractivo, que explique que las mujeres caigan rendidas a sus pies, o sus triunfos sociales. Por otro lado, la solución facilona de desplegar aquí y allá varias escenas de sexo muy poco sutiles, no logra enmascarar los problemas de guion y de definición de caracteres. De modo que al final tenemos en Bel ami, historia de un seductor una película de salón, que se puede ver si uno no es demasiado exigente y desconoce por completo la astuta novela de Maupassant. La torpeza del film de Donnellan y Ormerod recuerda a otras adaptaciones literarias recientes fallidas, El retrato de Dorian Gray (Oliver Parker, 2009) y Retorno a Brideshead (Julian Jarrold, 2008), se diría que algunos cineastas contemporáneos son incapaces de abarcar la grandeza de ciertas novelas que tienen ya vitola de clásicos, quizá porque están en otra onda que los autores a los que tratan de versionar.

4/10
One Day (Siempre el mismo día)

2011 | One Day

Emma (Anne Hathaway) y Dexter (Jim Sturgess) se conocen en la universidad en 1988. Intiman el día de su graduación, la víspera del día 15 de julio, y surge entre ellos una química extrema, que presagia que serán amigos toda la vida. ¿Amigos o algo más? Porque a lo largo de los años, en medio de mil y una dificultades que viven los dos, cada uno por su lado: amoríos, crisis, errores, matrimonios, hijos, etc., Emma y Dexter mantendrán siempre a flote su íntima amistad... La directora danesa Lone Scherfig (Wilbur se quiere suicidar) debutó rodando en inglés con la inspirada An Education, que fue nominada a 3 Oscar. En su siguiente film, ya de producción totalmente norteamericana, lleva a la pantalla una novela de David Nicholls, adaptada por él mismo. Pero el resultado es decepcionante. Triste. Estamos ante uno de esos filmes que podrían haber funcionado a la perfección, ya que todos los hilos auguraban que el tapiz podía ser deslumbrante: directora, historia, personajes, reparto, música, puesta en escena..., y no obstante las puntadas conforman un verdadero desaguisado. No acierta Scherfig a narrar con garra, y se hace un lío con el desconcertante montaje. Los continuos saltos en el tiempo con motivo del pesadísimo día 15 de julio sólo consiguen que al final todas las escenas, y a la postre la película, resulte episódica, reiterativa, aburrida: una colección de retazos tristones, diálogos inacabables, discusiones anecdóticas, reconciliaciones, risillas y llantos a lo largo de veinte años. No todo es malo en la película, es cierto. Funcionan la ambientación a lo largo del tiempo y el retrato de la juventud de los 90, desquiciada por el mundo del éxito, la fama y el placer (como en el caso de Dexter), o presa de la inseguridad (en el de Emma), y en cualquier caso carente de cualquier horizonte moral. También tiene mucha fuerza la difícil relación paterno y maternofilial del protagonista... Pero sin duda lo mejor es el reparto y el trabajo la pareja principal, especialmente la labor de Jim Sturgess, que está soberbio. La elegante y clásica partitura de Rachel Portman es también elogiable.

4/10
Tentación en Manhattan

2011 | I Don't Know How She Does It

Tras la discreta acogida por parte del público de la excelente Historia de un crimen, sobre la relación de Truman Capote con los asesinos que le inspiraron para escribir "A sangre fría", Douglas McGrath cambia por completo de registro, y dirige una comedia romántica sin muchas pretensiones. Parte de un guión de Aline Brosh McKenna, que basándose en su propia experiencia personal escribió El diablo viste de Prada. En esta ocasión, McKenna adapta el libro de Allison Pearson que se editó en España como "La vida frenética de Kate". Casada y con dos hijos y también prolífica guionista, y aunque parte de un libro ajeno, se intuye que McKenna ha puesto también en esta ocasión mucho de sí misma en el libreto. Kate Reddy, ejecutiva de éxito de una importante empresa de gestión financiera, se ve obligada a hacer auténticos malabarismos para atender a su marido, arquitecto, y a sus hijos, a los que casi no puede ver por sus constantes viajes. Su situación se vuelve más complicada cuando tiene que ocuparse de un nuevo proyecto profesional junto con Jack Abelhammer, un tipo tan refinado como atractivo. Como pasa mucho tiempo con Jack, entre ellos surge cierta atracción, por mucho que Kate ni se plantea la infidelidad... Se puede argumentar en contra de esta cinta que todo es convencional, y excesivamente rutinario y previsible, y que el conflicto apenas despierta tensión dramática. Además, los personajes son claros clichés, y todo parece montado como vehículo de lucimiento facilón en torno a Sarah Jessica Parker, que viene a interpretar a una prolongación de su Carrie Bradshaw de Sexo en Nueva York con la variante de que se ha convertido en madre. McGrath, cuyo mayor logro es que ha sido uno de los pocos guionistas con los que ha colaborado Woody Allen, en concreto en Balas sobre Broadway, aspira también a retratar a neoyorquinos típicos con una puesta en escena que quiere recordar lejanamente a la de las películas del genial realizador y actor. No llega ni mucho menos a la altura, pero aunque se aparta del cine de su modelo en el tono, se agradece que sea extremadamente positivo en sus reflexiones sobre la conciliación entre trabajo y vida laboral. El film es poca cosa, pero contiene un sentido alegato a favor de la maternidad. Además, Sarah Jessica Parker es un actriz solvente, con gracia para la comedia y está rodeada de actores eficaces, como Pierce Brosnan (Abelhammer), Greg Kinear (el marido), la actriz de Mad Men Christina Hendricks (compañera de trabajo y amiga) y el inolvidable actor de Cheers y Frasier Kelsey Grammer (el gran jefazo).

5/10
Nunca me abandones

2010 | Never Let Me Go

Nuevo largometraje cinematográfico del prestigioso realizador Mark Romanek, ausente de los cines desde la redonda Retratos de una obsesión, de 2002. Romanek –que abandonó El hombre lobo por desacuerdos creativos– se consagra como un realizador sólido, con esta impecable adaptación de la novela de Kazuo Ishiguro, que ejerce como productor ejecutivo. La joven Kathy rememora su infancia en Hailsham, un selecto internado, en el que las rígidas profesoras inculcan a las chicos que son 'especiales'. Se siente atraída por Tommy, otro niño, que acaba saliendo con Ruth, una de las alumnas. Una profesora les advierte que no tendrán una vida normal, sino que les aguarda un trágico futuro. Al día siguiente, ha sido despedida... Años después, los chicos se reencontrarán cuando ya son adultos y están a punto de afrontar su triste destino. Romanek parte de un impecable guión de Alex Garland (ilustre colaborador de Danny Boyle en títulos como 28 días después) que sigue al milímetro la novela, salvo en algún detalle, como una frase final que abre una reflexión bastante amplia, convirtiendo a los personajes en microcosmos de toda la condición humana. El realizador también tiene un reparto de primera fila, en el que sorprenden la sobriedad interpretativa de los jóvenes Carey Mulligan, Andrew Garfield y Keira Knightley. Romanek acierta al trasladar a la pantalla la célebre sutilidad de Ishiguro, que como en su obra más conocida, la que dio lugar al film Lo que queda del día, sugiere muchísimo a partir de elementos mínimos. En este sentido llama la atención cómo las secuencias del internado, aparentemente idílico, resultan sin embargo inquietantes. El realizador es capaz asímismo de lograr un equilibrio imposible entre el drama y la ciencia ficción, sin que aparezca absolutamente ningún elemento asociable a este último género, ni terminología científica, ni escenarios futuristas... Sólida cinta sobre los límites morales de la ciencia, resulta un tanto triste, aunque sus personajes están llenos de humanidad. Recuerda en su esencia a los escenarios distópicos de otras películas sobre manipulaciones genéticas, como Gattaca, o Blade Runner. Aunque lo más habitual en el cine sobre distopías es que giren sobre la rebelión, en esta ocasión todo el discurso versa sobre la aceptación del dolor. La resignación de los personajes recuerda a la de Anthony Hopkins en Lo que queda del día. También se aborda la amistad y el aprovechamiento del poco tiempo del que dispone el ser humano.

7/10
Uno para todas 2

2008 | The Sisterhood of the Traveling Pants 2

Secuela de Uno para todas en la que repiten las cuatro protagonistas del título original, entre las que se incluyen las televisivas Alexis Bledel de Las chicas Gilmore y America Ferrera de Betty. En esta nueva cinta los pantalones vaqueros de la marca Levi’s que comparten las cuatro amigas, vuelven a ser el nexo de unión entre las cuatro historias. Si en la película original, las chicas estaban a punto de terminar el instituto, en ésta se preparan para pasar su primer verano como universitarias. A Carmen la da por el teatro, Lena se enamora nuevamente, Tibby consolida su relación y Bridget viaja hasta una excavación arqueológica.

4/10
La duquesa

2008 | The Duchess

1772, Inglaterra. Con diecisiete años, Georgiana se promete con el duque de Devonshire, a instancias de su madre, lady Spencer. Ingenua e ignorante de las cuestiones de la vida, ella está encantada con este matrimonio, que supondrá una desahogada posición, y ser el centro de las relaciones sociales de su esposo. Pero realmente se diría que en lo que a su matrimonio se refiere, Georgiana ha sido tratada poco menos que como ganado, una hembra cuya función principal sería la de procurar descendencia masculina al duque, un heredero del título. Algo que no acaba de llegar, pues irán naciendo niñas. Lo que intensifica la frialdad e indiferencia con que el duque trata a Georgiana, lo que conduce a todo género de humillaciones, como la obligarle a criar como si fuera suya a una hija ilegítima, o la de convertir a Bessie, la mejor amiga de Georgiana, en su amante. Toda esta experiencia supone un proceso de maduración para Georgiana, que busca consuelo y distracción en las reuniones sociales. Película basada en hechos reales, contados por Amanda Foreman en su premiada biografía, que ha servido para confeccionar el guión. El desconocido Saul Dibb entrega un film que sabe atrapar la desdicha de un matrimonio concertado, sobre todo porque el marido no pone nada de su parte para que funcione la vida conyugal. Aunque se critica la discriminación de la mujer de antaño, y se juega a la contraposición entre lo que es una boda pactada y un amor natural y sincero, el director tiene la honradez de apuntar que lo primero podría funcionar si ambas partes se esforzaran, y que lo segundo puede ser aparcado cuando intereses superiores –los hijos– demandan tal sacrificio; no se cae en la frivolidad en tal aspecto, y ello contribuye a dar consistencia a la trama. De modo que se siguen con interés los altibajos sentimentales, las cuitas amorosas y las infidelidades, los dilemas que conllevan la atención de los propios retoños. Keira Knightley es perfecta como protagonista, se convierte en solidísima columna vertebral de la película. Y hay un buen respaldo de secundarios, entre los que destacan el perpetuamente distante Ralph Fiennes, y la pragmática madre encarnada por Charlotte Rampling; los menos conocidos Dominic Cooper y Hayley Atwell, variables añadidas al juego amoroso, cumplen. Por supuesto, se pinta con minucioso esmero la vida cortesana, prestando atención a las convulsiones políticas de la época, concretamente a luchas del partido whig al que el duque respalda. La dirección artística esta mimadísima a la hora de pintar las reuniones sociales, y no extraña que el vestuario de Michael O’Connor ganara un Oscar en la edición de 2009, pues los modelos que luce Keira Knightley son deslumbrantes, con especial atención para sus sombreritos –o mejor sería decir, sombrerazos–, una preciosidad.

6/10
La casa del lago

2006 | The Lake House

Remake de un film del coreano Lee Hyun-seung, que a su vez adaptó una novela de Jiro Asada. El planteamiento es muy original, y combina una historia de amor romántico, con las paradojas típicas de las películas de viajes en el tiempo. La idea es que una doctora va a desocupar su preciosa casa en el lago, y deja una nota en el buzón para el próximo inquilino. Cuando éste la recoge, vemos un paisaje muy diferente, con la casa en estado de abandono. Tras la extrañeza inicial, pronto averiguamos que Kate y Alex han ‘conectado’ en años diferentes, y que su forma de comunicarse a través del tiempo serán las notas introducidas en el buzón. Se desarrolla así una relación entrañable en que ambos aprenden a conocerse, y a enamorarse. Pero se diría que su amor es imposible… A no ser que traten de forzar el encuentro, en el pasado o en el futuro. Suena complicada la trama, y el mérito del argentino Alejandro Agresti en su debut hollywoodiense es que logra hacerla comprensible, proporcionando los elementos de entendimiento con acierto, y acudiendo a buenas soluciones visuales. La pareja Sandra Bullock-Keanu Reeves, que ya demostró buena química en las dos entregas de Speed, funciona, e incluso la ‘blandura’ que se les suele atribuir ayuda a la historia, pues se evitan los aspavientos que podrían acompañarla. Sobre su experiencia en Estados Unidos, donde Agresti ya lleva afincado un tiempo, comenta el director: "Aquí muchos directores fueron inmigrantes, desde William Wyler a Billy Wilder. No es fácil venir y hacer cualquier cosa, el sueño es ése, poder contar con las herramientas y hacer un buen cine, historias bien contadas. Espero poder hacerlo."

6/10
Historia de un crimen

2006 | Infamous

Nuevo acercamiento a la figura del novelista Truman Capote, prácticamente simultáneo al del film Truman Capote, que le valió a su protagonista Philip Seymour Hoffman el Oscar al mejor actor. Justamente éste es el principal handicap de la interesante película escrita y dirigida por Douglas McGrath (Emma): que había una demasiado próxima en el tiempo, lo que hacía difícil que entre los espectadores hubiera avidez por tomar "doble ración" del escritor. Porque aunque los enfoques pueden ser diferentes (la fuente de Bennett Miller era la biografía de Gerald Clarke, la de McGrath la de George Plimpton), ambos filmes se estructuran, como no podía ser de otra manera, alrededor de la confección de la obra maestra de Capote, su libro "A sangre fría", sobre el horrible asesinato de una familia de granjeros en Kansas a mano de dos tipos que acabaron siendo condenados a la pena capital. Partiendo de ahí, se insertan elementos que ayudan a conocer la biografía de Capote, proporcionados por el propio personaje, o por sus conocidos, en forma de declaraciones a un supuesto programa televisivo, una novedad esto último en el film que nos ocupa. Hay que subrayar el maravilloso reparto de este film, con un Toby Jones verdaderamente transfigurado en Capote, una inteligente Sandra Bullock como su amiga Harper Lee, y un sorprendente Daniel Craig como uno de los asesinos. McGrath subraya convenientemente el marcado narcisismo de Capote, pero al tiempo se esfuerza en humanizarlo para que el espectador empatice mejor con él. Acierta al describir sus numerosas extravagancias y su irresistible afición al cotilleo, y el modo en que finalmente se gana la confianza de un cerrado entorno rural con sus anécdotas de Hollywood, una de las mejores escenas del film. Hay detalles finos, como aquel en que el sheriff recibe la noticia de que han atrapado a los dos asesinos: el egocéntrico Capote se alegra por sí mismo y su libro, pero él mismo detecta lo mezquino de su reacción espontánea y, maravilloso matiz, rectifica al felicitar al que ya puede llamar su amigo. Como ocurría en el film de Miller, se subrayan ciertos paralelismos biográficos entre Capote y Perry Smith, uno de los asesinos. Pero la impresión es que McGrath se toma excesivas licencias al pintar su relación, como la del supuesto enamoramiento homosexual entre ambos, y una agresión física en la celda, a punto de transformarse en violación. De alguna manera parece querer justificar la posterior sequía creativa de Capote con lo que sería un amor truncado, lo que no deja de ser, como mucho, una hipótesis.

8/10
Mi mejor amigo (2005)

2005 | Because Of Winn-Dixie

Opal, una niña solitaria, adopta un perro huérfano al que pone por nombre Winn-Dixie, como el supermercado donde se lo encuentra. Traumatizada porque su madre la abandonó cuando tenía tres años, y su padre, predicador protestante, se ha vuelto arisco desde entonces, Opal apenas tiene amigos. Pero sus vecinos se acercarán a ella para admirar al perro, lo que le facilitará conocer a mucha gente. El cineasta chino, oriundo de Hong Kong Wayne Wang es un renombrado director de películas arriesgadas, de sabor independiente, como Smoke y Blue in the Face, últimamente centrado en producciones más comerciales, como Sucedió en Manhattan. En esa línea se sitúa esta cinta familiar sobre la comunicación, la familia y la amistad. Mezcla elementos surrealistas, con gags protagonizados por el can protagonista, y subtramas melodramáticas de contenido humano. En cualquier caso, el punto fuerte es el reparto, que incorpora al todoterreno Jeff Daniels, a la jovencísima Annasophia Robb, y a Eva Marie Saint, veterana protagonista de Con la muerte en los talones.

6/10
Oliver Twist (2005)

2005 | Oliver Twist

Con toda probabilidad la novela más universal de Charles Dickens, junto a David Copperfield. Su trama es archiconocida. Situada en la Inglaterra del siglo XIX, narra las tribulaciones del pequeño Oliver Twist, cuya madre murió al nacer él. Enviado a un orfanato donde se aplica una hipócrita caridad oficial, indigna de tal nombre, los chicos sobreviven como pueden, pues la alimentación es más que escasa. Una caída en desgracia de Oliver, hace que el chico sea ofrecido como aprendiz a aquél que lo desee. Así va a parar a casa de un empresario de pompas fúnebres. Tras diversas peripecias, el chico llega a Londres, y es acogido por el avaro Fagin y su banda de rateros juveniles. Un alma bondadosa se fijará en Oliver, pero éste tiene tan mala pata, que Faggin volverá a enredarle en sus trapacerías. Roman Polanski y su novelista Ronald Harwood son muy fieles a Dickens, aunque se toman las inevitables licencias que exige el resumir una gruesa novela. Así, las principales omisiones se refieren a los orígenes de Oliver, tal vez considerados por el cineasta como demasiado folletinescos: la muerte y nacimiento con que arranca el libro, y el parentesco del chaval con una agradable familia. Pero el resto está ahí: la bondad desarmante del crío, y la doblez astuta de Fagin, que tienen un enfrentamiento decisivo, narrado con exquisita sensibilidad, en la entrevista que ambos celebran en la cárcel. El film está servido con una exquisita fotografía, que ofrece muchas escenas rodadas en la ‘hora mágica’, o sea, el crepúsculo, sobre todo en los desplazamientos por los caminos de Oliver, algo que ya hizo Polanski en Tess. Pero sobre todo abundan las imágenes sombrías, oscuras y con mucho contraste, lo que ayuda a acentuar la denuncia social de Dickens, un sistema que condenaba a muchos chicos huérfanos a la delincuencia y a la miseria por la falta de oportunidades.

7/10
El mensajero del miedo

2004 | The Manchurian Candidate

1991, durante la célebre Operación Tormenta del Desierto, de la Guerra del Golfo. El sargento Raymond Shaw y el comandante Benett Marco lideran un grupo de soldados que sufre una emboscada. Ambos son capturados por el enemigo. Diez años después, Shaw es un héroe de guerra que recibe la Medalla de Honor del Congreso. Además, es un político de éxito a punto de presentarse a las elecciones para ser elegido vicepresidente.  Por su parte, Marco no recuerda exactamente lo que ocurrió en aquel desafortunado episodio, y sufre extrañas pesadillas que le hacen suponer que les lavaron el cerebro durante el cautiverio. Todo esto le hace cuestionar si Shaw fue realmente un héroe y decide investigarle. Jonathan Demme, director de El silencio de los corderos, fracasó estrepitosamente con La verdad sobre Charlie, su desmejorado remake de Charada. Ahora vuelve a actualizar un clásico del cine de los 60, que se basaba en una novela de Richard Condon. Como suele ser habitual en su filmografía, Demme crea una atmósfera opresiva, y se apoya en actores de probada solvencia. Como es de suponer, Denzel Washington, Liev Schreiber y Meryl Streep logran dar credibilidad a sus personajes, a pesar de que la trama incluye elementos algo irreales, propios del cine de ciencia ficción. Como su predecesora, la cinta es una crítica a la manipulación electoral, los intereses ocultos, y la utilización del miedo para hacerse con el poder político. Y claramente se pueden entresacar del film paralelismos intencionados con algunas maneras de la administración Bush.

6/10
La mancha humana

2003 | The Human Stain

El profesor Coleman Silk tiene un gran prestigio en la universidad. Está a punto de jubilarse, sin embargo su carrera académica termina de un modo inesperado: enfrentándose a unas falsas acusaciones de racismo. Tras el improvisto varapalo, Coleman conoce a Faunia, una mujer mucho más joven que él, con la que comienza a vivir una aventura erótica que va a traerle severos problemas. El más importante tiene que ver con su propia identidad, con la sinceridad de su vida y con un secreto del pasado que atormenta su memoria una y otra vez. Junto a ello, deberá enfrentarse a la violencia del ex marido de Faunia. El reputado director Robert Benton (Kramer contra Kramer, Ni un pelo de tonto) adapta una novela de Philip Roth, prestigioso novelista estadounidense, propenso a narrar con desesperanza los sinsabores de la sociedad norteamericana. La película es una indagación acerca del sufrimiento que supone vivir en la mentira y cómo ésta acaba sin duda revolviéndose contra uno mismo. Benton rueda con estilo correcto, límpido en las escenas ambientadas en 1998, pero vertiendo una fotografía más calida cuando rescata momentos del pasado. Pero quizá lo que provoque extrañeza sean los personajes y sus vivencias: los postulados del secreto de Coleman pueden resultar fácilmente rebuscados y la expansión erótica entre él y Faunia, una mujer claramente desequilibrada, padece de falta de credibilidad. Si esto no es suficiente para alejar al espectador de sus problemáticas, se debe exclusivamente a la labor de los actores, unos Anthony Hopkins y Nicole Kidman que demuestran su talento también en proyectos desiguales, y que están estupendamente secundados por Gary Sinise, como el biógrafo de Coleman, y por Ed Harris como el violento ex marido.

4/10
La sonrisa de Mona Lisa

2003 | Mona Lisa Smile

O El club de los poetas muertos, con faldas y a lo loco. Katherine Watson (Julia Roberts) ficha como profesora de arte en el Wellesley, un prestigioso ‘college’ femenino (allí estudió, entre otras, Hillary Clinton). Corre el año 1953 y la mujer se halla aún lejos de estar emancipada. De hecho en la escuela, aunque se da una educación esmerada, a las alumnas se las prepara sobre todo para ser madres y esposas, o para mantener una conversación medianamente inteligente con los amigos del futuro marido. De modo que la pretensión de Watson de hacer pensar a las alumnas por sí mismas, choca con otras profesoras de la institución, e incluso con algunas jovencitas. Como ella misma tiene sus fallos (p. ej., a la hora de encarrilar sus relaciones sentimentales), muchas estudiantes se sentirán inspiradas por su ejemplo. Nuevo film de profesores, dirigido por Mike Newell (Cuatro bodas y un funeral), con feminismo quizá algo obvio: la ‘ceguera’ de las chicas, contrasta con la ‘clarividencia’ de su maestra, aunque hacia el final se acerquen un poco las posturas, para que no se diga. Lo mejor del film está en el reparto (la Roberts y las jóvenes Dunst, Stiles, Gyllenhaal y cía) y en la acertada selección musical.

6/10
La leyenda de Nicholas Nickleby

2002 | Nicholas Nickleby

Adaptación de una de las novelas menos conocidas de Charles Dickens, a cargo de Douglas McGrath, quien además de coescribir con Woody Allen Balas sobre Broadway, también había llevado al cine Emma, a partir del libro de Jane Austen. El film describe las penurias del joven Nicholas Nickleby y su familia, tras la muerte del padre. Cuando viajan a Londres para encontrarse con el hermano mayor del difunto (estupendo Christopher Plummer) se encuentran con que el tío Ralph tiene un corazón de piedra. A regañadientes consentirá en colocar a Nicholas como empleado de un orfanato, donde va a descubrir la dura realidad con que viven ahí los chicos internos. Quizá le falta un poco de fuelle a esta pulcra película dickensiana, que nos recuerda que el dinero no da la felicidad, por mucho que ayude a conseguirla; en parte se debe a la escasa garra del actor protagonista, el desconocido Charlie Hunnam. Por suerte el film tiene un batallón de secundarios de relumbrón, donde destacan, además de Plummer, Jamie Bell (el chico bailarín de Billy Elliott), Jim Broadbent, Tom Courtenay, Alan Cumming, Edward Fox, Nathan Lane.

5/10
La verdad sobre Charlie

2002 | The Truth About Charlie

Reggie descubre, tras la muerte de su esposo, que éste llevaba una doble y peligrosa vida. Remake de la maravillosa Charada de Stanley Donen, donde Audrey Hepburn, Cary Grant y Walter Matthau son sustituidos por Thandie Newton, Mark Wahlberg y Tim Robbins. Las comparaciones son siempre odiosas, pero Jonathan Demme, el director de El silencio de los corderos, se esfuerza por mantener el tipo, aunque el tiro le sale más bien por la culata. Dedica el film a su sobrino Ted, también director, fallecido en el año 2002.

2/10
La guerra de Hart

2002 | Hart's War

Los años de la II Guerra Mundial. El teniente Hart (Colin Farrell), estudiante de derecho en la vida civil, es hecho prisionero por los nazis. No es un héroe y lo sabe; lo que le cuesta es reconocerlo, y esto molesta al coronel William A. McNamara (Bruce Willis), cuyas raíces castrenses se remontan cuatro generaciones. No quiere a ese hombre en su barracón del campo de prisioneros, y lo manda con los suboficiales. Allí –giro dramático de doble vuelta y pelín forzado– van a parar también dos oficiales negros; en un ambiente de racismo nada soterrado, se fuerza la muerte violenta de uno de ellos. La atmósfera se carga, y se produce el asesinato de un suboficial blanco: el negro superviviente es el principal sospechoso y tras lograr, graciosa concesión de los nazis, la posibilidad de formar un consejo de guerra, Hart se encarga de su defensa. Gregory Hoblit maneja bien la historia, a la vez que muestra con atino a un grupo de hombres que combaten por su país, pero que no son de una pieza. Tanto el razonable Hart (el joven Farrell) como el soldado a machamartillo McNamara (Willis, al que le basta saber estar), presentan rasgos sombríos; pero a la vez son capaces de sacrificarse y pensar en los otros. Los nazis son unos malvados, como mandan los cánones; pero el coronel que compone Marcel Iures también muestra su humanidad al aflorar sentimientos paternales en su endurecido corazón. Hasta tenemos a un par de actores de color (Terrence Howard y Vicellous Reon Shannon) dispuestos a reclamar la cuota de pantalla que piden Denzel Washington, Halle Berry y compañía. Si encima tenemos un par de espectaculares escenas de acción –dos ataques aéreos, posibles gracias al software desarrollado para la bastante inferior Pearl Harbor–, podemos decir en verdad “miel sobre hojuelas”.

6/10
Mi Napoleón

2001 | The Emperor's New Clothes

Napoleón se encuentra exiliado en la isla de Santa Elena. Peros sus hombres más fieles han trazado un plan para que recupere el poder. Se trata de que un doble, Eugene Lenormand, le suplante durante un tiempo, el justo para llegar a París y ponerse al frente de su gente. Con lo que no cuenta Napoleón es con que Eugene, un tipo vulgar, le coja gustillo a eso de hacerse pasar por el emperador, de modo que se niega a recuperar su antiguo papel en la sociedad. Por otra parte, el auténtico Napoleón no logra que nadie le crea cuando dice ser quien es, por lo que debe acostumbrarse a llevar una vida ordinaria, en la que llega a enamorarse, y a dirigir con fortuna negocios relacionados con la vida civil. Magnífica película, de suave humor, que plantea la pregunta “qué pasaría si…”. Basada en una novela de Simon Leys, toma con gracia el lugar común de que la mayoría de los locos se creen Napoleón (ya se sabe, con gorrito de papel, la mano sobre el estómago), para especular sobre el posible comportamiento de un hombre que, tras ser durante un tiempo el “amo del mundo”, cae de su pedestal para convertirse en un tipo corriente, sin aduladores ni cortesanos inclinándose a su alrededor. Ian Holm, el Bilbo de El Señor de los Anillos, borda su doble papel.

6/10
La leyenda de Bagger Vance

2000 | The Legend Of Bagger Vance

Rannulph Junuh era un joven que prometía llegar a ser un auténtico campeón de golf. Además salía con la guapísima Adele, hija del propietario de un maravilloso campo de golf. Pero llegó la guerra y Junuh debió quedar bastante traumatizado, pues ni volvió a casa, ni dio señales de vida. Hasta que un día, inesperadamente, vuelve al hogar. Ya no quiere saber nada de golf ni de su ex novia, pero se presenta en su vida un personaje misterioso, Bagger Vance, que le anima a que vuelva a empuñar los palos de golf en un gran torneo. Robert Redford dirige esta película que tiene ecos de un título deportivo que él mismo protagonizó: El mejor, situado en el mundo del béisbol. En este caso el papel “redfordiano” corre a cargo de Matt Damon, mientras que su “ángel guardián” es el simpático Will Smith. Una hermosa fotografía y el duelo de tono épico en el “green” son las principales bazas de un film que no inventa la pólvora, pero que tiene su rato de gracia.

4/10
De profesión solteros

2000 | The Closer You Get

Un pueblecito irlandés. Un grupo de solterones. Como no acaban de encontrar a la mujer de sus sueños, ponen un anuncio en un diario de Miami, para que acudan guapas chicas americanas a una fiesta local. Al final descubrirán que lo que ansían que venga del otro lado del Atlántico lo tienen en su propia casa. Se trata de una amable comedia costumbrista en torno a la búsqueda del amor. Se agradece su asumida modestia. La partitura de Rachel Portman es bellísima.

5/10
Chocolat

2000 | Chocolat

Vianne y Annouk: una madre soltera y su hija. Viajan de aquí para allá, y nunca suelen durar mucho en los pueblos donde deciden quedarse a vivir. El último donde lo intentan es Lansquenet, un villa rural francesa, muy cerrada en sí misma y tristona. Vianne pretende alegrar la vida a la gente abriendo una chocolatería, donde tiene dulces para todos los gustos y necesidades. Igual sirven de afrodisíaco para la mujer cuyo marido no le da todo el gusto que quisiera, que para lograr la atención de la persona amada. Pero el alcalde, fundamentalista recalcitrante, piensa que no es una buena idea inaugurar una chocolatería en Cuaresma. Y hace frente a Vianne. Un cuentecillo servido en forma de delicioso bombón de chocolate, aunque con ocultas dosis de (mala) leche. Vianne se presenta como la persona capaz de iluminar la vida de un grupo de personas vencidas por la rutina diaria y el dominio que ejercen las personas de orden. Pues tenemos, como “lobo feroz” del cuento, a la gente reprimida del pueblo, fanáticos religiosos incapaces de gozar. Lasse Hallström (Las normas de la casa de la sidra) firma la historia y explica que “habla de la intolerancia y de las consecuencias de no permitir a otras personas vivir sus propias existencias y creencias”.

6/10
Aprendiendo a vivir

1999 | The Other Sister

Carla es una jovencita, con una pequeña discapacitación mental. Dentro de sus limitaciones, es bastante espabilada y de gran corazón. Pero sus padres, que la quieren con locura, temen dejarla volar fuera de casa, que viva con independencia en su propio hogar. Y el hecho es que ha conocido a un chico, discapacitado como ella, que podría ser, quizá, su media naranja. El film plantea un interrogante, que no tiene fácil respuesta. ¿Hasta que punto pueden formar una familia dos discapacitados mentales? La lógica parece decir: en la medida en que puedan asumir sus obligaciones de esposos y padres. Pero en la vida real, no es tan sencillo. Y tampoco la película da soluciones definitivas. De agradece ver de nuevo a Juliette Lewis en un film (tras una etapa de difícil adicción a las drogas); y también a Diane Keaton, que con una presencia secundaria en la pantalla, llena de humanidad a su personaje. ¡Un 10 para Keaton!

7/10
Las normas de la casa de la sidra

1999 | The Cider House Rules

En los años 40, el doctor Larch (Michael Caine), dirige el orfanato de St. Clouds. A él acuden jóvenes embarazadas, que dejan a su hijo para adopción o, simplemente, abortan ilegalmente. Homer Wells (Tobey Maguire) nació en St. Clouds y, tras fallidos intentos de adopción, creció como el hijo que el doctor Larch nunca tuvo. Así hasta ejercer como médico del orfanato, aun sin titulación alguna. Homer se dedica a los partos y, a pesar de la presión de su mentor, se niega a practicar abortos. Un día, contra la voluntad de Larch, sale del orfanato a ver mundo. Marcha con Candy y Wally, jóvenes novios que han abortado ante la movilización de Wally hacia los frentes de la II Guerra Mundial. “Buenas noches, Príncipes de Maine, Reyes de Nueva Inglaterra”. Ésta es la tierna frase con que el contradictorio doctor Larch acuesta a “sus niños” cada noche. Al resultar innegable su desvelo por los huérfanos a su cuidado, llama más la atención, por contraste, su firme apoyo al aborto, en el caso de un niño no deseado. ¿Dónde estarían esos críos encantadores que cuida, llenos de vida, si se hubieran “desechado” cuando se encontraban en el vientre de sus madres? Es el mismo planteamiento que se hace Homer, aunque, como las intenciones de John Irving –novelista y responsable del guión– son manifiestas –el apoyo al aborto, como declaró en su discurso de aceptación del Oscar–, se busca un terrible caso límite de incesto para justificar que el protagonista acabe realizando su primer aborto. Se pone así por obra uno de los lemas del doctor: "Sé útil". El utilitarismo justifica el aborto y lo que haga falta, viene a decir el film.

5/10
Beloved

1998 | Beloved

1873. Estado sureño de Ohio. Paul D. visita a su amiga Sethe tras 18 años de ausencia. No se han visto desde los tiempos de la esclavitud. Un alud de sentimientos y secretos, largo tiempo sepultados, pugna por ver la luz. Cuando parece que Denver, hija de Sethe, acepta la llegada de Paul D., hasta el punto de que la posibilidad de formar familia apunta maneras, se presenta Beloved. Esta extraña jovencita, retrasada niñoide con un punto de posesión diabólica, trastorna el paisaje doméstico. Adaptación de una novela de la afroamericana Toni Morrison, ganadora del Nobel de Literatura. Se trata de una película difícil, espesa como el chocolate, hermética como caja sin cerradura, pero en la que las piezas, aparentemente dispersas, van poco a poco encajando hasta dar una trama coherente. Son casi tres horas de metraje, de duro y descarnado drama de atmósfera malsana, donde se hacen presente con frecuencia elementos mágicos de una cultura diferente. Hechicería, casas embrujadas, extrañas visiones, pasiones abominables, conviven con la tragedia de tintes realistas a la que abocan los excesos de los negreros. El director, Jonathan Demme, arriesga al abordar un mundo que guarda poca relación con su anterior filmografía (El silencio de los corderos, Philadelphia). Y los actores se dejan la piel componiendo sus personajes; aunque se habría agradecido un mayor desarrollo de la atractiva predicadora anciana Baby Suggs.

4/10
La Bella y la Bestia 2. Una Navidad Encantada

1997 | Beauty and the Beast. The Enchanted Christmas

El film retoma a los encantadadores personajes de esa maravilla de la animación titulada La Bella y la Bestia, el único film de dibujos animados que ha logrado la hazaña de ser nominado al Oscar a la mejor película. La historia se sitúa en la época en que Bella es prisionera de Bestia en su imponente castillo. Como recordarán los lectores, Bestia fue víctima del hechizo de una bruja. Ésta, despreciada por el arrogante joven que era Bestia, le transformó en un monstruo; y a los sirvientes del castillo, en objetos: la señora Pots es una tetera, Chip una taza, Din Don un reloj, Lumier un candelabro, Forte un órgano, Flautín una flauta y Angélica un adorno de Navidad. La única forma de deshacer el encanto es que Bestia consiga que una joven le ame tal y como es. Como se acerca la Navidad, época de alegría y esperanza, Bella propone a sus amigos hacer una fiesta muy especial. Todos se lo desaconsejan, pues Bestia –amargado por su encantamiento, ocurrido en Navidad– está siempre de un humor de perros. Pero Bella es tozuda, y hace todos los preparativos. Hasta decide ir a la Selva Negra en un busca de un hermoso árbol navideño. En el film no falta un villano. Se trata del maestro Forte, que era el músico del castillo. Odia la Navidad, y no quiere que su amo se deje llevar por la alegría propia de una época tan especial. Tampoco desea volver a ser humano, pues como dice con cinismo, "la humanidad está muy sobreestimada". Con las lúgubres canciones de su órgano contribuye a que el ánimo de Bestia esté más bajo aún de lo habitual.

5/10
Pinocho. La leyenda

1996 | The Adventures of Pinocchio

La película de un clásico de todos los tiempos, el muñeco de madera que se transforma en un niño de carne y hueso. En un mágico bosque de la vieja Italia, un anciano y humilde artesano llamado Geppetto (Martin Landau) encuentra un día un tronco de pino que ha sido abatido por un rayo en medio de una tormenta. Geppetto utilizará el tronco para modelar un muñeco de madera al que llamará Pinocho. Gracias al poder mágico del amor, el muñeco toma vida y se transforma en un muchacho real (Jonathan Taylor Thomas) que empieza a vivir como todos los muchachos de su edad. Pero pronto comienza a correr grandes aventuras y a exponerse a todo tipo de peligros, que tendrá que solventar gracias a la inestimable ayuda de Pepito Grillo y al amor paternal de Geppetto. Entrañable película sobre la inmortal obra de Carlo Collodi, con fascinantes efectos especiales y una interpretación soberbia del gran Martin Landau (Ed Wood). La banda sonora es fascinante. Cine de siempre y del mejor para toda la familia.

4/10
La habitación de Marvin

1996 | Marvin's Room

Bessie (Diane Keaton) es una mujer que ha estado toda su vida al lado de su padre, cuidándole con inmenso cariño. Pero cuando descubre que está gravemente enferma decidirá pedir ayuda a su hermana Lee (Meryl Streep), que se marchó de su casa hace veinte años. Las diferencias entre ellas son hondas y difíciles de mejorar, pero el hijo de Lee (Leonardo DiCaprio), tenderá un cable entre ambas. Las actrices sobresalientes y el comedido y denso guión componen un melodrama de gran altura.

7/10
Emma (1996)

1996 | Emma

Douglas McGrath debuta como director con esta película, y lo hace brillantemente. Basada en una de las novelas más conocidas de Jane Austen, nos narra la historia de Emma, una joven que tras considerarse artífice de la boda de su mejor amiga, la señorita Taylor, planea emparejar a los solteros de la ciudad de Highbury, una pequeña y pacífica localidad inglesa. No obstante, pronto comprobará que sus conocimientos acerca de los sentimientos del prójimo son tan escasos como los que ella tiene de su propio corazón. Romanticismo, elegancia, sentido del humor son elementos de este film realzados por una exquisita fotografía y una excelente banda sonora, ganadora de un Oscar. Emma es interpretada por la cada vez más valorada Gwyneth Paltrow (Grandes esperanzas, Shakespeare enamorado), que se ve acompañada por Toni Collette, Alan Cumming y Ewan McGregor. En definitiva estamos ante una gran película que ningún amante del buen cine debería perderse.

6/10
Un amor con mucho fuego

1995 | A Pyromaniac's Love Story

Sergio está loco por recuperar el amor de su antigua novia Stephanie, cosa que tiene difícil pues ella está enamorada de Sergio, el panadero. Éste no le corresponde pues sólo tiene ojos para Hattie, quien tampoco no corresponde a su artesano enamorado. Las vidas de los cuatro se verán directamente afectadas cuando un buen día arde la panadería de Sergio. En el reparto destaca la presencia de Armin Mueller-Stahl, un clásico entre los actores secundarios hollywoodienses cuyo buen hacer fue reconocido con una nominación al Oscar por su trabajo en Shine.

4/10
Smoke

1995 | Smoke

Descripción de las vidas de un grupo de personajes corrientes que se reúnen en un estanco de Brooklyn. El estanquero (Harvey Keitel) es el confidente de todos ellos y ha reunido con el tiempo una singular colección de fotografías de la casa de enfrente a lo largo de 14 años, lo que le da un pretexto a Paul (William Hurt), un novelista en crisis creativa, traumatizado por la muerte de su esposa, para escribir una nueva historia. Tras su excelente El club de la buena estrella, Wayne Wang confirmó que es uno de los más interesantes realizadores de origen hongkonés con este fabuloso film coral, con guión del prestigioso novelista Paul Auster, que adapta su relato "Cuento de Navidad de Auggie Wren". La puesta en escena es muy original.

7/10
A Wong Foo, gracias por todo Julie Newmar

1995 | A Wong Foo, Thanks For Everything, Julie Newmar

Inusual cambio de registro de tres de los actores más exitosos del cine norteamericano, Wesley Snipes, Patrick Swayze y John Leguizamo, que interpretan a tres travestis neoyorquinos que atraviesan los Estados Unidos para ir a Hollywood. Allí se celebra un concurso de belleza de Drag Queens. Después de que su Cadillac descapotable sufra una avería, han de pasar unos días en un pequeño pueblo del medio oeste, que se dispone a celebrar la fiesta anual de la fresa.

4/10
Sólo tú

1994 | Only You

Faith Corvath ha sido desde pequeña una chica romántica. Así, cuando tenía once años, en una sesión de espiritismo, le fue revelado el nombre del amor de su vida: "Damon Bradley". Desde entonces, no ha dejado transcurrir un día sin pensar en ese nombre. Ha pasado el tiempo y ahora Faith está a punto de casarse. Los problemas comienzan cuando le llama un antiguo amigo de su novio para darles la enhorabuena; su nombre resulta ser Damon Bradley. Ella, vencida por la curiosidad, no duda en coger un avión e ir a conocerlo personalmente, días antes de su boda. Divertida comedia, sentimental y romántica, que funciona muy bien, gracias a un guión muy bien construido, que recoge divertidas situaciones. El film no cae nunca en la cursilería y se hace muy simpático. A ello contribuye la pareja protagonista, una radiante Marisa Tomei y Robert Downey Jr.

6/10
El balneario de Battle Creek

1994 | The Road to Wellville

En tono de peculiar comedia bufa, Alan Parker recrea la vida en un balneario de principios de siglo, regentado por el Dr. John Harvey Kellogg. El director británico toma como excusa a este peculiar personaje, inventor de los famosos cereales que llevan su nombre, para realizar una película cercana al esperpento. Parker hace una crítica a la preocupación excesiva por la salud. Pero su principal centro de atención lo constituye la idea de la abstinencia sexual recomendada por el doctor, que trata de mostrar como un desatino provocador de insaciables apetitos eróticos. Tal planteamiento abre paso a recurrentes escenas de sexo. El director no sabe —o no quiere— desarrollar la subtrama del pobre diablo interpretado por John Cusack, que trata de hacer fortuna con los cereales, o la de la relación del doctor con uno de sus hijos adoptivos. Es inevitable la impresión de desaprovechamiento del maravilloso diseño de producción y del envidiable reparto. Sólo el uso de una buena lavativa, tal y como el doctor Kellogg hace con sus pacientes, podía haber salvado este film, torpe y reiterativo.

2/10
Sirenas (1994)

1994 | Sirens

En plenos años 30, Norman Lirdsay es un pintor controvertido por los desnudos que refleja en su obra, cosa que está mal visto en la sociedad por la relación directa que el artista establece con la religión. El pastor inglés Anthony Campion, un hombre bueno y piadoso es enviado a la casa de Lirdsay para explicarle que en su comunidad no entienden esa forma de ver el arte y que no puede seguir provocando con sus cuadros. No obstante, Campion y su esposa Estella empezarán pronto a sentirse atraídos por ese erotismo que desprende el lugar, y en la casa del pintor que vive con sus hermosas modelos. Antes de que Hugh Grant se especializara en comedias, el actor había rodado unos cuantos dramas como Remando al viento y Lo que queda del día. En Sirenas (1994), interpreta el papel de un pastor, donde Grant se encuentra algo incómodo pero que resuelve correctamente. Le acompaña Sam Neill, como el polémico pintor y una modosita Tara Fitzgerald que se deja llevar por instintos que tenía reprimidos. La cinta es evocadora y sensual, y no acierta en el mensaje que quiere transmitir pues en ocasiones, sólo muestra una serie de personajes pervertidos que se dejan llevar por sus pasiones. La modelo Elle Macpherson tiene un papel en ésta, su segunda aparición en el cine.

3/10
Shades of Fear

1994 | Shades of Fear

El club de la buena estrella

1993 | The Joy Luck Club

Cuando su madre fallece, June, una joven estadounidense de origen chino, hereda su puesto como miembro del Club de la Buena Estrella, compuesto por varias mujeres de diferentes edades, que rememoran sus experiencias vitales. Wayne Wang adapta la célebre novela de Amy Tan, que participó en la escritura del guión. El film se ve beneficiado de su compleja, pero efectiva, estructura a base de flash-back y de la excelente labor de las actrices principales. Aborda los contrastes entre diferentes generaciones de mujeres, pero también los que se dan entre la forma de ver la vida oriental y la occidental.

7/10
Benny & Joon

1993 | Benny & Joon

Estrafalaria y a ratos emotiva historia de amor en la que Johnny Depp encarna a Sam, un joven disléxico. Sam, que se comporta como un actor de cine mudo, se enamora de Joon, una joven con un trastorno psiquiátrico que vive con su hermano Benny.

5/10
Ethan Frome

1993 | Ethan Frome

Adaptación de unas de las grandes novelas de Edith Wharton, ambientada en la Nueva Inglaterra rural de principios del siglo XX. El film describe un singular triángulo. Por un lado está Ethan Frome, casado con la enferma Zeena, tremendamente aprensiva, cuyo cuidado se convierte en una actividad extenuante. La llegada al pueblo de la joven huérfana Mattie, que se pone a su servicio, es una ayuda inestimable; Ethan recupera las ganas de vivir, pero tal vez le agrade demasiado su ayudante. John Madden, antes de dar el golpe con Su majestad Mrs. Brown y, sobre todo, Shakespeare enamorado, firmó esta delicada cinta, fiel a la obra de Wharton, que indaga con estilo en los pliegues y repliegues de la naturaleza humana. El reparto es perfecto, tanto Liam Neeson como las féminas, Joan Allen y Patricia Arquette.

6/10
Romance otoñal

1992 | Used People

La directora británica Beeban Kidron afronta la adaptación cinematográfica de la obra teatral “Used People”, de Todd Graff. Para ello ha contado, en la redacción del guión, con el propio Graff, que ha conseguido ocultar, al menos en gran parte, el origen teatral de esta historia de recuerdos familiares. El relato tiene una premisa inicial algo rocambolesca. El mismo día en que Pearl (Shirley MacLaine) asiste al entierro de su marido, recibe una invitación de un desconocido, Joe (Marcello Mastroianni), para tomar café. Cuando, veinte años atrás, el matrimonio de Pearl estuvo a punto de romperse, fue Joe el que logró recomponerlo. Pero Pearl nunca lo supo. Como tampoco se enteró del flechazo que experimentó Joe con sólo una fugaz visión de Pearl a través de una ventana. Se retratan así dos personalidades muy distintas: ella, judía y algo cuadriculada; él, de origen italiano y bastante excéntrico e imprevisible. Alrededor se desarrollan otras pequeñas historias. Norma (Marcia Gay Harden), la hija pequeña de Pearl, es una neurótica, que se empeña en imitar a las actrices de cine y descuida la educación de su hijo. Ella protagoniza la única escena erótica del film, pretendido homenaje a El graduado de Mike Nichols. Mientras, la otra hija, Bibby (Kathy Bates), arrastra el complejo de que Pearl nunca la quiso lo suficiente. Finalmente, Freida (Jessica Tandy), la madre de Pearl, trata de reunir el coraje suficiente para pasar los años de vida que le quedan con una amiga en Florida. Es ésta una película amable, pero un tanto deslavazada y premiosa. La gran baza de la película son los actores: un reparto de prestigio, en el que están brillantes los veteranos Mastroianni y MacLaine, la joven Harden e incluso el niño Matthew Branton. En cambio, saben a poco los personajes de Tandy, Bates y la veterana Sylvia Sidney, a los que no se ofrece suficiente cancha. La realización de Kidron –formada en el campo del documental– pasa inadvertida, puesta al servicio del guión y los actores. Aun así, cabe resaltar algunos apuntes costumbristas y la atmósfera mágica de ciertas escenas, como la de apertura o aquella en la que un galante Mastroianni se mete en una piscina para ayudar a una dama, inspirada en la que representó el mismo actor en Ojos Negros, de Nikita Mikhalkov.

6/10
Rebecca's Daughters

1992 | Rebecca's Daughters

El pueblo de Gales de pleno siglo XVIII vive sumido en la pobreza debido a los acaudalados aristócratas que se dedican a despilfarrar su fortuna. El joven Anthony, harto de que su tío Lord Sam se gaste todo el dinero en alcohol, decide cambiar las cosas de una manera muy particular. Comedia de Karl Francis con un humor mordaz que despilfarra a lo largo de toda la película. El fabuloso reparto y ese aire cortesano y excéntrico divertirán a más de uno.

4/10
Donde los ángeles no se aventuran

1991 | Where Angels Fear to Tread

Pulcra adaptación de la novela de E.M. Forster, sigue la tradición de narraciones británicas sobre viajes de anglosajones a paises mediterráneos que les cambian sus planteamientos vitales. El film sigue a Lilia, una mujer madura que acaba de enviudar, y que por consejo de su familia viaja a Italia con la institutriz de su hija, con la idea de aliviar su pesadumbre. Contra pronóstico la mujer va a enamorarse de un italiano, lo que provoca una reacción de rechazo entre sus supuestos seres queridos ingleses. Charles Sturridge, responsable de la magnífica adaptación televisiva de Retorno a Brideshead, atrapa bien los temas de la obra original, la hipocresía y los convencionalismos sociales, que dificultan la ya de por sí ardua tarea de la búsqueda de la felicidad. El reparto es excelente, lo mismo que el ropaje fotográfico, musical, de dirección artística...

6/10
Antonia y Jane

1991 | Antonia & Jane

Los encuentros y desencuentros de las dos mujeres del título, en la década de los 60 del siglo XX. Jane se siente fea y poco comprendida por su novio, y busca emociones leyendo novelas atravedias de Iris Murdoch; Antonia, aunque mayor, es atractiva y resuelta, rasgos que la otra envidia. Su relación, supuestamente de amistad, sufre altibajos. Aunque el film quiere ser una crítica de la época en que está enmarcado, un poco a lo Woody Allen, el conjunto tiene poca gracia, sobre todo por unos personajes erráticos, a los que se supone salvan sus lazos amistosos, bastante difíciles de entender.

4/10
La vida es dulce

1990 | Life Is Sweet

Desventuras de una familia inglesa modesta, el matrimonio y dos gemelas jovencitas. El padre, cocinero, piensa en remozar una vieja caravana como puesto de comida ambulante; la madre trabaja en una guardería y vendiendo ropa infantil; y de las dos hijas gemelas, una trabaja como fontanera y viste como un chico, y la otra no se aclara, es anoréxica y siempre está protestando de todo; lo que hace que ambas sean muy diferentes, pues una es sensata y trabajadora y la otra es rebelde y se muestra enfadada con el mundo. Mike Leigh dirige este drama que en ocasiones tiene puntos de humor, pero la historia no engancha demasiado por esa visión algo irreal que da de la familia, y los personajes son, por momentos, caricaturescos y absurdos. No obstante, cuenta con la bella música de Rachel Portman (Sólo tú, Emma, Aprendiendo a vivir, Chocolat).

5/10
Sin pelos en la lengua

1987 | The Short & Curlies

Divertimento en forma de corto del británico Mike Leigh. Sigue a un jovencito parlanchín, siempre gastando bromas, que busca ligar con la chica que despacha en una farmacia. Ésta siempre está cambiando de look capilar en una peluquería donde la mujer que la atiende no para de hablar. Le da mil consejos, pero no se fija mucho en la hija taciturna que tiene en casa. Diálogos dinámicos de gente vulgar de clase trabajadora, con alguna ironía punteando siempre, constituyen un film sin más pretensiones.

4/10

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