Adam Scott

Tras los trágicos acontecimientos de la primera temporada, que acabaron con la muerte de Perry Wright, ahora Madeline MacKenzie, Celeste Wright, Jane Chapman, Renata Klein y Bonnie Carlson –llamadas ahora "las 5 de Monterrey"– deberán lidiar con las consecuencias. No será fácil mantener la mentira en sus vidas y poco a poco les irá mermando. Además, cada una de ellas tendrá que lidiar con sus problemas personales: la custodia de los hijos, afrontar la bancarrota, reconstruir un matrimonio roto, superar un trauma de la niñez, afrontar una nueva relación... En esta temporada, llena como es habitual de conflictos, algunos turbulentos, el punto fuerte es la aparición de Meryl Streep en el papel de la inquietante y manipuladora suegra de Celeste Wright, quien decide interponer i¡una demanda para quiatrle los hijos a Celeste, cada vez más inestable. Las amigas seguirán con el plan inicial de manetner la mentira acerca de la muerte de Perry, pero la conciencia taladra hasta la desesperación y la mentira –como dice uno de los personajes– siempre tiene fecha de caducidad. Las interpretaciones vuelven a ser fabulosas, con un elento de actrices y actores formidables.

Miniserie dirigida por el canadiense Jean-Marc Vallée (Dallas Buyers Club, Alma salvaje), adapta una novela de Liane Moriarty. Del guión se ha ocupado un experto en series televisivas, el creador de Ally McBeal David E. Kelley, una opción inteligente, al fin y al cabo la experiencia de Vallée en estas lides era inexistente. Aun así, se nota la huella del realizador por una puesta en escena nada convencional, en que seguimos los actos de los múltiples personajes con escenas rápidas, a veces de tipo impresionista. Per el recurso de alternar planos breves de la investigación de un homicidio de alguien innombrado, con la narración principal, se antoja demasiado artificial. La acción transcurre en Monterrey, una ciudad de California, al comienzo del curso escolar. Jane Chapman es una madre soltera, recién llegada a la ciudad con su hijo, un niño llamado Ziggy. Enseguida entabla relación con Madeline Mackenzie, ama de casa de fuerte personalidad, divorciada y vuelta a casar, madre de una jovencita y de una niña, bastante metomentodo, que quiere ejercer de anfitriona de la recién llegada, por lo que le presenta a otras madres como su mejor amiga, Celeste Wright, madre de gemelos y casada con un hombre bastante más joven que ella. Cuando el pequeño Ziggy es acusado por una compañera de haberla intentado estrangular, el otro lo niega, pero la atmósfera se enrarece, la madre de la supuesta víctima, empresaria sin un minuto libre y rival de Madeline, cree que la cosa no puede quedar así. De modo que empieza a larvarse una guerra entre Madeline y Renata, en que el supuesto acoso escolar parece ser lo de menos. El planteamiento recuerda mucho a Mujeres desesperadas, en el sentido de que la acción transcurre en una zona residencial, el papel de las mujeres es primordial, y los altibajos emocionales y os problemas familiares conviven en la narración con la investigación de una muerte que debe ser aclarada. Como en su modelo, ningún personaje parece medianamente equilibrado, todos llevan a cuestas sus problemas de ego y las frustraciones, junto a una incapacidad de reconocer y afrontar los problemas reales con un mínimo de sentido común: la destructuración en las familias, a pesar del innegable cariño al fondo, resulta llamativa. Este desquiciamiento se procura hacer más llevadero, con escenas bien trazadas con escuadra y cartabón, con cuidados diálogos pronunciados por un reparto de campanillas, ahí están actrices de la talla de Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley y Laura Dern.

Cuatro madres de niños pequeños que van al mismo colegio deciden reunirse para cenar. Todas pasan por un momento de crisis, motivado sobre todo por la monotonía de sus vidas y la falta de alicientes amorosos. La noche es joven. Insulsa comedieta estadounidense que pretende una vez más sacar partido al tópico del grupo de madres que quiere huir de sus vidas aburridas e insatisfechas y deciden pasar una noche loca. El cómico Paul Rudd (Ant-Man), que ejerce de productor ejecutivo, da la alternativa como escritora a su esposa Julie Rudd, quien debuta en el guión. Aporta una historia quizá demasiado sencilla y con poca garra, donde los típicos diálogos procaces y las leves escenas gamberrillas (llama la atención la obsesión por la marihuana), se mantienen siempre a una alejada distancia de otras comedias similares más extremas, como Malas madres, de modo que el tono general es más amable. Tras las cámaras se sitúa Alethea Jones, de amplia trayectoria televisiva. Tiene la suerte de contar con algunas actrices competentes, como Toni Collette y Molly Shannon, aunque sin duda los pocos momentos más divertidos los aporta la grandullona Bridget Everett.

La historia auténtica de Madelyn Murray O'Hair, una temperamental mujer de vida familiar desarreglada, que se hizo célebre por una denuncia contra un colegio de Baltimore, que terminó en el Supremo con una sentencia de 1963 favorable para ella y en contra de la oración y la lectura de la Biblia en las escuelas públicas. De ahí pasaría a un activismo más intenso creando la asociación de Ateos Americanos, convirtiéndose en una figura aún más controvertida, que le valió el apelativo en titular de prensa de “La mujer más odiada de América”. El más bien desconocido Tommy O'Haver dirige y coescribe con Irene Turner, con quien ya colaboró en An American Crime, un film antipático y que no acaba de dar con su tono, pues ni siquiera sirve como film didáctico que aboga por la libertad religiosa y la no imposición de ninguna creencia. Está narrado en dos tiempos que discurren paralelamente, uno alrededor de un secuestro sufrido por Madelyn, uno de sus dos hijos y su nieta, el otro sobre su trayectoria de mujer que ha estado con dos hombres, que vive en la casa de sus padres criando a su hijo Billy, y que con sus creencias de ateísmo a contracorriente, lenguaraces y ofensivas, se va convirtiendo en una celebridad, que incluso obtiene pingües beneficios con los donativos que envían simpatizantes de su causa. Como en más de un pasaje hay elementos de farsa y humor corrosivo, sorprende el dramático giro que dan los acontecimientos, sobre todo si no se conoce la figura de la protagonista. De todos modos, da qué pensar, pues irónicamente Madelyn Murray O'Hair –bien interpretada por Melissa Leo– acaba haciendo realidad aquello de que “cuando no crees en Dios, acabas creyendo en cualquier cosa”, pues la incredulidad de la protagonista que ella ve como una muestra de sus sólidos principios, contrasta poderosamente con su corrupción en asuntos monetarios y la ingenua confianza que acaba concediendo a un criminal, que trabaja para ella; además, hace daño a su familia, que al fin y al cabo son los que la quieren de verdad, aun con sus singularidades, lo que acaba teniendo repercusiones en el hijo Billy que había provocado la famosa demanda, y que en la actualidad es un firme partidario de la oración en las escuelas. Tiene su enjundia además que se aborde la instrumentalización de las convicciones ajenas, cuando vemos a la protagonista actuando en connivencia con un telepredicador en debates públicos, ambos ganan mucho dinero dando un espectáculo de ataque y defensa de la religión, donde lo que creen parece ser lo de menos.

Si hubiera que mencionar un género fílmico genuinamente americano, y el western estuviera descartado, probablemente el cine gangsteril nos vendría inmediatamente a la cabeza. Quizá ante Black Mass. Estrictamente criminal uno puede pensar que ya poco queda que aportar a dicho género, con las aportaciones inolvidables de Coppola y Scorsese. Pero lo cierto es que la realidad siempre logra sorprender. Y al estar basado el film en hechos auténticos bien documentados en el libro de los periodistas del Boston Globe, ganadores del Pulitzter, Dick Lehr y Gerard O'Neill, ser sólido el guión de Mark Mallouk y Jez Butterworth, y cuidada la puesta en escena de Scott Cooper con el respaldo de un gran estudio de Hollywood, el visionado resulta muy grato, si es que se puede usar tal expresión ante una trama criminal y violenta, con chanchullos en el lado de los criminales, pero también en el FBI. Básicamente se nos cuenta la alianza, amistades peligrosas, entre un gángster del sur de Boston, James 'Whitey' Bulger, y un agente del FBI también del barrio y conocido de la infancia, John Connolly. Es la década de 1970, y Connolly propone a Bulger que le pase información que permita desactivar a la mafia italiana, lo que en la práctica le convierte en confidente, aunque tiene la indudable ventaja de despejarle el campo para sus personales actividade criminales. Bulger acepta el trato, e irá copando poder delictivo a medida que transcurre el tiempo, pues los federales no actúan contra él por considerarlo un importante activo. Sin embargo, algunas desgracias familiares le convierte en un hombre básicamente solo, que actúa con pasmosa frialdad a la hora de ordenar asesinatos o cometerlos con sus propias manos. Se nota que la historia sobre el gangsterismo irlandés en Boston daba para más metraje, y que ha habido que meter tijera, por lo que se resiente la humanidad de Bulger, pese al notable esfuerzo interpretativo de Johnny Depp, que vuelve a transformarse físicamente para componer a su personaje; otros elementos que podían haber tenido más peso, la familia o el background católico, quedan diluidos. Y algunas cuestiones como el apoyo de Bulger al IRA, o las relaciones con su hermano senador, apenas quedan apuntadas. De modo que el espectador se queda con ganas de más. Quizá mejor perfilada está "la otra cara de la moneda", Connolly, interpretado por Joel Edgerton, arribista del FBI con la connivencia tácita de los jefes, que empieza a perder los papeles cuando llega un nuevo fiscal. En cualquier caso se incide bien en esa doble moral hipócrita de ciertos personajes narcisistas, que sólo buscan su propio beneficio, aunque se envuelvan de curiosos códigos de honor o del éxito de algunoas operaciones policiales para justificar sus deleznables acciones.

Jake conoce a Lainey en la universidad de Columbia, se caen bien, congenian, se ríen y pierden la virginidad. Catorce años después volverán a encontrarse en Nueva York. Él es un adicto sexual que se acuesta con todas las mujeres que se le ponen a tiro, mientras que ella aún sigue coladita por un aburrido médico del que se enamoró en la universidad. El encuentro entre ellos les hace recordar la noche que se conocieron y vuelve a surgir la chispa. Pero como conocen sus respectivas situaciones deciden seguir como amigos, no vayan a estropearlo. Tonta frivolidad dirigida por Leslye Headland, cuya muesca más importante en su curriculum es la desfasada Despedida de soltera, ahí es nada. De nuevo escribe el guión ella misma y de nuevo basa toda la trama en la temática sexual, insistente y muy grosera, por muy pretendidamente que quiera venderse como una comedia romántica de fondo y tal y cual. Mentira. Aquí el amor, el romanticismo, no existe, por mucho que se nos quiera hacer creer. Y llama la atención la visión superficial que da el film no ya sobre el amor, sino sobre el sexo, y la agotadora verborrea de camioneros en celo entre amigos y amigas, en cualquier situación y lugar, en un intento de trivializar las cosas más íntimas. Para dar rienda suelta a ese desparrame se apoya la directora en el cómico “especialista” Jason Sudeikis, a quien acompaña Alison Brie. Su historia "de amor" se alarga hasta la extenuación y acaba siendo aburrida. Lo único positivo que se le puede sacar al film es la presencia de Amanda Peet, en un papel secundario.

Un matrimonio y sus hijos se dispone a celebrar la cena de Navidad, para la cual han recibido en su casa a distintos familiares, tíos, sobrinos, tías... Pero los miembros de la familia no se llevan bien entre ellos, por lo que la celebración va a ser un desastre y lo será aún más cuando un extraño ser llamado Krampus haga acto de presencia y empiece a llevarse a cada uno de ellos. Original película de terror, con un claro sesgo cómico, cuyo guión imagina una premisa divertida: quien no crea en la Navidad recibirá la visita del horrible Krampus, una especie de Santa Claus malvado que se llevará al inframundo a quienes hayan perdido el espíritu navideño. Las escenas de terror funcionan, algunas especialmente, como la de las galletas que salen por la chimenea o la del desván, y el tono oscuro está muy bien equilibrado con el toque cómico. El film cuenta con estupendos actores, encabezados por Adam Scott y Toni Collette, que logran que el interés no decaiga.

Walter Mitty es lo que se dice un ratón de biblioteca o, mejor, un ratón de filmoteca. Lleva 16 años trabajando en la sección de negativos de la revista LIFE, en Nueva York. Mitty es un hombre solitario, al que le cuesta relacionarse, y que tiene extraños vacíos mentales en los que escapa de la realidad imaginando que es un héroe, alguien que realiza proezas increíbles. Pero no es un tipo raro, es bueno, de gran corazón. Últimamente Cheryl Melhoff, una chica nueva de la oficina le hace tilín y él intenta aproximarse a ella. Pero quizá no tenga tiempo, porque se anuncia que LIFE pasará inminentemente a ser una revista exclusivamente on line, lo que acarreará múltiples despidos. Para la última portada impresa se requiere una fotografía para el recuerdo, que será obra del legendario reportero Sean O'Connell. Los problemas para Mitty llegarán cuando no encuentre el negativo. Aunque no se trate de la octava maravilla del mundo La vida secreta de Walter Mitty es, seguramente y con diferencia, la mejor película de Ben Stiller, muy superior a la mayoría de su filmografía. Resulta divertida y entrañable a un tiempo y no se queda en mero envoltorio sino que aporta ideas valiosas y a la vez no deja de ser en ningún momento muy original. Es una película que cae bien, vaya, con un tono capriano, de fábula optimista. Basada en un relato corto de James Thurber, se trata pues de un remake del film de idéntico título protagonizado en 1947 por Danny Kaye. Sin embargo, aunque mantiene la esencia de la historia, el guión de Steve Conrad (En busca de la felicidad) la renueva por completo y Ben Stiller se luce al dirigirla, le insufla de una modernidad que le sienta de perlas. La clave del éxito es quizá el equilibrio del conjunto, tanto del argumento como de los personajes, tanto del humor como del drama. No hay asomo del histrionismo típico de otras películas de Stiller. Su personaje de Walter Mitty es aquí muy real, nada exagerado y es fácil que el urbanita de pro se identifique vívamente con él, con su trabajo oscuro de oficina, tan importante y a la vez tan invisible, con sus torpes intentos de acercarse a la chica que le gusta, y sobre todo con sus tronchantes momentos de evasión, a veces alocados en su afán de protagonismo aventurero, y otras veces simples proyecciones de lo que realmente querría hacer, pero que la prudencia o las buenas maneras le impiden convertir en realidad. La vida misma. Por supuesto, en toda la película subyace de fondo la conocida idea de que la vida está para vivirla, no para contarla. Algo que está maravillosamente intrincado en la trama gracias al lema de la revista LIFE, varias veces mentado. Visualmente la película está muy cuidada, y Ben Stiller se esmera en su intento de transmitir belleza y colorido, especialmente en las preciosas localizaciones de Groenlandia, Islandia o el Himalaya. También hace un uso muy eficaz de los efectos de cámara en las ensoñaciones o en las imágenes al “ralenti”, al compás de la suave banda sonora de Theodore Shapiro. Funcionan muy bien los diálogos entre Mitty y Cheryl (dulce, muy dulce, la otras veces alocada Kristen Wiig), mientras que resultan menos conseguidas las escenas familiares con la madre (Shirley MacLaine). Donde quizá la trama puede chirriar más es en la relación entre el mítico fotógrafo Sean O'Connell (Sean Penn en plan filosófico) y el propio Mitty, que puede resultar irreal y relamida. Algo similar ocurre con ese desenlace tan explícito, aunque sea un precioso (y seguramente necesario) cumplido a las personas grises, a los trabajadores que están al otro lado de la valla, de las cortinas, para que los triunfadores se luzcan en todo su esplendor y se lleven los honores. En este sentido, sí funciona, con cierta nostalgia, el homenaje que se hace del periodismo de antes, el que hacía LIFE y tantas otras publicaciones, donde las fotografías contaban historias, donde no había trampa ni cartón (ni photoshop), donde el periodista tenía y podía ser auténtico. Donde no existía Internet.

Cuatro amigas del instituto se reencuentran en Nueva York con motivo de la boda de una de ellas. La agraciada es Becky, una chica rolliza de gran corazón. Su gran amiga es Regan, que esconde su frustración vital detrás de una máscara de mujer fuerte y segura. Luego están Gena, que va de cama en cama porque no ha podido superar el abandono de su antiguo novio, al que verá de nuevo en la boda; y por último Katie, chica pizpireta y desequilibrada que desea sentar la cabeza con un novio formal. Durante la noche antes de la boda armarán una buena, también n compañía de los amigos del novio. Las películas de bodas bien pueden ser consideradas un subgénero dentro de las comedias. Las hay por montañas, en sus dos versiones: las del puntillo romántico o directamente las que se centran en las orgías y locuras previas a la boda. Despedida de soltera, lamentable debut de Leslye Headland, se ubica más dentro de este último saco, en alza después de Resacón en Las Vegas. Pero aquí el resultado es una calamidad, no hay gracia en un guión sin chispa, lleno de lugares comunes, con personajes más tontos que Abundio, y cuyo humor únicamente se apoya en los continuos diálogos groseros y escatológicos, con abundante vocabulario procaz, del estilo pene, vagina, mamada, semen y otras lindezas. Verdaderamente hay poco que resaltar del film. Una verdadera pena, porque cuenta con un elenco más que sólido, donde destaca el trío formado por Kirsten Dunst (Melancolía), Isla Fisher (Confesiones de una compradora compulsiva) y Lizzy Caplan (Monstruoso).

Andy es un joven inventor de un ecológico producto de limpieza que no logra vender a nadie, nunca acaba de acertar en sus presentaciones. Soltero, su sobreprotectora madre viuda Joyce está encantada con que su hijo haya venido a verla, y todavía más cuando la invita a acompañarle en un viaje a través de todo el país. El teórico objetivo es presentar Sciclean a potenciales compradores, pero Andy ha añadido sin que su madre lo sepa la secreta meta de propiciar el reencuentro de ella con quien fuera su amor de juventud. En cualquier caso, el viaje servirá para estrechar lazos maternofiliales y propiciar un mejor autoconocimiento. Amable cinta que tiene el acierto de emparejar a dos actores de distintas generaciones con probadas dotes cómicas, Seth Rogen (habitualmente presente en comedias groseras, y aquí mucho más contenido) y Barbra Streisand (que aporta la chispa de las comedias clásicas, o sea, con clase). Se produce entre ellos eso que se ha dado en llamar química, lo que eleva los pasajes que podrían considerarse más convencionales. Con un guión de Dan Fogelman -bregado en la escritura de libretos para cintas animadas de Pixar y Disney como Cars y Enredados- y una directora competente, Anne Fletcher -responsable de 27 vestidos y La proposición-, la cinta da justamente lo que propone: una abundante ración de buenos sentimientos -casi tan nutrida como el filetón que se zampa Barbra en una de las escenas más divertidas de la película- y logrados momentos humorísticos, de modo especial en las presentaciones del producto de limpieza creado por Andy.

Jennifer Westfeld escribe, dirige, produce y protagoniza esta comedia que pretende, sin conseguirlo, ser una reflexión sofisticada e ingeniosa sobre las razones por las que funciona una relación de pareja. Sigue en Nueva York a tres parejas, inicialmente solteras, pero enseguida han pasado cuatro años, y dos de ellas se han casado y tienen hijos. En cambio Jason y Julie mantienen una relación la mar de peculiar: son amigos, y él un mujeriego que le cuenta sus cuitas con sus mujeres; pero visto el ejemplo de los otros, tienen la idea de tener un hijo juntos, pero sin los inconvenientes del matrimonio, pues entre ellos no hay compromiso y no están enamorados. Todo el entramado argumental intenta sostenerse sobre una idea completamente artificial, imposible de ser aceptada por el espectador. Sólo puede calificarse de "ocurrencia disparatada" la idea que tienen Jason y Julie para ser padres. A partir de ahí, todo lo que se cuenta son un conjunto de lugares comunes para dirigir las cosas hacia ahí donde incluso el espectador más obtuso puede imaginarse. El film cuenta con un reparto apañado, pero nadie parece acabar de creerse lo que Westfeld tiene entre manos. Y muestra sus limitaciones el "partner" de la directora y coprotagonista, Adam Scott.

El francés Alexandre Aja está considerado uno de los más sólidos realizadores de nueva hornada dentro del género de terror, tras Alta tensión y sobre todo Las colinas tienen ojos. El realizador  versiona en esta ocasión Piraña, film producido por Roger Corman para aprovechar el éxito de la inmediatamente anterior Tiburón, que contaba con Joe Dante como realizador y nada menos que John Sayles como guionista. La acción transcurre en Lake Victoria, un municipio cuya habitual tranquilidad se altera todos los años por la celebración de la Fiesta de la Primavera, a la que acuden numerosos jóvenes para excederse con el alcohol y tomar el sol con poca ropa. Pero el lugar recibe la inesperada visita de unas pirañas de origen prehistórico que se comen a un par de incautos. Mientras la sheriff Julie Forester se da cuenta de lo que ocurre, su hijo mayor ha dejado solos a sus dos hermanos para irse a ayudar a un tipo que rueda películas subidas de tono en un barco que ha llenado de bellezones. Todos tendrán que escapar al ataque de los temibles depredadores acuáticos... Alexandre Aja abandona el tono habitual de sus películas de terror, y compone una película gamberra, basada en el exhibicionismo continuo de chicas exuberantes en 3D, extrema violencia 'gore' en las secuencias de las pirañas, en general bastante sangrientas, y un exceso de humor negro en ocasiones 'simplón'. El realizador renuncia a crear tensión, salvo en una secuencia con unos niños atrapados en un barco, calcada del film original, y que está bien rodada. Decepcionará profundamente a quienes busquen rememorar el encanto de serie B del film original, o la intensidad de anteriores films de Aja, y parece más bien un producto para pandillas de adolescentes en busca de diversión sencilla. Del reparto se salva Christopher Lloyd, que no se toma en serio su papel, pero lo interpreta de forma exagerada con cierta gracia, y un recuperado Richard Dreyfuss, paradigma del género de terror submarino al protagonizar el Tiburón de Steven Spielberg, y que realiza una pequeña intervención al principio.

Anna es una mujer hiperordenada de Boston, a la que le gusta mantener el control. Está muy satisfecha de su noviazgo con el cardiólogo Jeremy, aunque se hace esperar su petición de matrimonio. De modo que decide acelerar las cosas viajando a Dublín, pues existe allí la tradición de que el 29 de febrero, los años bisiestos, es la mujer quien se declara a su futuro marido; y Jeremy tiene un congreso en esa ciudad. La cosa no va a ser tan fácil, pues las inclemencias del tiempo alargan su viaje, hasta el punto de que va a parar a un pueblecito en la Irlanda profunda. Allí conoce al tosco Declan, que lleva el pub del lugar, y ejerce de taxista. Los caracteres de ambos chocan, pero Anna no tiene más remedio que aceptar sus servicios para llegar junto a su amado. Aunque puede que las flechas de Cupido estén apuntando en otra dirección. Simpática comedia romántica, tiene una premisa original, unas cuantas situaciones divertidas, y sabe sacar todo el partido a los magníficos paisajes de la verde Irlanda, incluida la isla de Arán. Para ciertos paladares Tenías que ser tú resultará demasiado acaramelada, y le cuesta rematar, pero el esquema de guerra de sexos funciona, en gran medida gracias a esa estupenda actriz llamada Amy Adams, y a un Matthew Goode que le sigue el paso; seguramente su modelo no confeso es El hombre tranquilo, y aunque no se alcanza ese nivel de compenetración entre Maureen O'Hara y John Wayne, hay química entre la pareja protagonista. También funcionan los secundarios, el novio, Adam Scott, y los divertidos lugareños. Es de agradecer la ausencia de detalles zafios, algo no tan frecuente en los tiempos que corren.

Judd Apatow está detrás de numerosas comedias de éxito de los últimos tiempos, como director (Virgen a los 40, Lío embarazoso) o como productor (Supersalidos). Todas llevan su sello personal: argumentos simples y sobredosis de humor ultragrosero. El caso que nos ocupa no es una excepción. En lugar de buscarse un nuevo trabajo, ya que fue despedido de una tienda de mascotas, Brennan Huff prefiere vivir a costa de su madre. Por su parte, Dale Doback también es una especie de parásito que se resiste a abandonar el hogar de su padre, que le malcría. Cuando la madre de Brennan y el padre de Dale se enamoran y contraen matrimonios, ambos se convierten en hermanastros, y tendrán que compartir habitación, a pesar de que ambos se caen fatal y chocan frontalmente porque son igual de egoístas y vagos. Will Ferrell vuelve a ponerse a las órdenes de Adam McCay, amiguete desde que ambos formaban parte de la plantilla del programa Saturday Night Live. Éste le ha permitido todo tipo de muecas y excesos gestuales, en El reportero y Pasado de vueltas, dos comedias tan ‘pasadas de vueltas’ que se cuentan entre los peores trabajos del actor, que paradójicamente ha demostrado tener talento cuando se pone en manos de un director de primera, como Woody Allen (Melinda y Melinda) o Marc Forster (Más extraño que la ficción), que sin duda supieron mantenerle a raya. A Ferrell le han rodeado de buenos actores, pues el coprotagonista es John C. Reilly, buen actor de reparto en títulos como Chicago, tiene bastante papel la veterana Mary Steenburgen, que encarna a su madre, y Richard Jenkins (el padre fallecido de A dos metros bajo tierra) es el padrastro. Pero no sirven de nada por culpa de un guión que acumula chistes de muy mal gusto, que no llegan a funcionar en ningún momento. Intenta ser una crítica a la progresiva infantilización de la sociedad, y a los afectados por el síndrome de Peter Pan, que se resisten a madurar, y a asumir responsabilidades tan en boga en la sociedad actual. Pero el tema ha sido mejor tratado en otras ocasiones, pues para disfrutar con su humor es necesario ser tan ‘infantiloide’ como los descerebrados protagonistas. Como se trata de un producto muy local, concebido para el público estadounidense, en el caso concreto de España los distribuidores han decidido adaptar la cinta al humor patrio. De ahí que le hayan puesto un título tan horrible, pues en el original es simplemente ‘Stepbrothers’ (hermanastros). Además, han contratado como dobladores a dos cómicos muy populares, Santiago Segura y Florentino Fernández, que se esfuerzan infructuosamente por darle algo de ‘vidilla’ a la cinta, reinventando los diálogos.

Jerome Platz sueña con convertirse en un gran artista como Picasso, su ídolo. Decide escaparse de casa, para ingresar en una modesta escuela de arte de la Costa Este. Allí se convierte en un solitario, por sus duras críticas hacia los cuadros de sus compañeros, y porque sus propias obras no son apreciadas. Pero llama la atención de Audrey, una deslumbrante muchacha que se siente atraída por su sinceridad. El director Terry Zwigoff llamó la atención hace unos años con la original película de ‘outsiders’ Ghost World, basada en un cómic de Daniel Clowes. Ahora, repite con otro cómic del mismo autor, que incluye muchos elementos autobiográficos y critica la frivolidad del mundo del arte.

La que regresa es Sarah Michelle Gellar, que sigue en el candelero tras la cancelación de Buffy, la cazavampiros, la serie que la hizo famosa. Lo que no consigue es apartarse del género fantástico y de los monstruos y fantasmas, pues en cine sólo ha destacado hasta ahora con Sé lo que hicisteis el último verano, Scream 2, El grito 2, Scooby-Doo y las secuelas de estos dos últimos títulos. En esta ocasión, la cazavampiros interpreta a Joanna Mills, una joven atormentada por terroríficas pesadillas, relacionadas con un traumático suceso de su infancia, y en las que aparece de forma recurrente una chica asesinada en LaSalle, un pueblecito de Texas. Aunque no le va mal en su trabajo como viajante de comercio, Joanna tiene pocos amigos, y se ha ido distanciando cada vez más de su padre (Sam Shepard). Además, le persigue un ex novio violento. Un día, decide aprovechar que su empresa tiene negocios con un empresario de LaSalle, para de paso investigar si el asesinato de la muchacha de sus malos sueños ha ocurrido de verdad. Escrito y dirigido por Asif Kapadia, el film supone el debut en Hollywood del cineasta británico, que con su opera prima, El guerrero, llamó la atención de la crítica internacional y ganó el premio a la mejor fotografía en el Festival de San Sebastián de 2001. Como ocurrió en su momento con otros compatriotas como Paul Greengrass o el legendario Hitchcock, las majors se han apresurado a contratarle. Sin embargo, la jugada no le ha salido del todo bien, pues el film ha obtenido unas críticas pésimas en Estados Unidos y una recaudación mediocre. No resulta del todo extraño. Kapadia sabe dirigir a la cazavampiros, convincente en su papel, así como el veterano Sam Shepard. Además, imprime cierta tensión, y logra algún que otro susto efectivo. Pero mantiene el interés sólo por momentos, debido a la escasa fuerza del guión, escrito por el mismo realizador.

La guionista Anya Kochoff cuenta que “según el dicho, cuando te casas con un hombre te casas con su familia. Y no me lo creía hasta que me casé.” Y en efecto, el punto de partida de este film es la tradicional animadversión que suele surgir entre suegra y nuera, elevada al cubo para recorrer caminos de alocada comedia, donde por supuesto hay sitio también para el romanticismo. O sea, un poco en la línea de Los padres de ella y secuela, aunque sin forzar tanto la máquina. El film sigue la pista a Charlotte, una atractiva mujer harta de que le organicen citas a ciegas con ‘hombres ideales’. Pero finalmente aparece Kevin, el hombre de sus sueños… siempre que su posesiva madre no haga demasiado acto de presencia. Y recién despedida de su trabajo como popular presentadora televisiva (está ya mayor, le dicen), lo peor que le podría pasar ahora es perder a su ‘pequeñín’. De modo que su intención es convertirse en la peor de las suegras posibles, haciendo la vida imposible a Charlotte, con idea de que ésta desista de sus planes matrimoniales. Jennifer López reincide en el género de la comedia romántica, que le dio resultados bastante aceptables en Sucedió en Manhattan y ¿Bailamos? Como novio, tiene enfrente al televisivo agente de la CIA en Alias Michael Vartan. Aunque, no nos engañemos, el principal gancho del film es volver a encontrarnos, tras 15 años de ausencia en la pantalla, con Jane Fonda.

Julian Noble es un asesino profesional que ejecuta a sus víctimas con la precisión de un mecanismo de relojería. Pero está solo, no tiene amigos, nadie a quien confiarse. Su única diversión es acostarse con desconocidas, habitualmente prostitutas. Algo deprimido, coincide en un bar de la capital de México con Danny Wright, un vendedor que espera cerrar un importante negocio. Ambos congenian, aunque Danny advierte que hay algo raro en su nuevo amigo. Lo que se confirma cuando ambos acuden a una corrida de toros, y Julian cuenta al otro su profesión. De la incredulidad pasará al espanto, pero ello no impedirá que sus lazos se estrechen. Original comedia, con abundante humor negro, escrita y dirigida por el desconocido Richard Shepard. Pierce Brosnan le toma el punto a un papel inesperado, donde conviven la seguridad del profesional, un lado decididamente salvaje, y la fragilidad de quien no se siento satisfecho consigo mismo, por sus carencias afectivas. Si Shepard hubiera rebajado un tanto el tono procaz de algunas secuencias, rozaría la perfección; pero prefiere derivar por sendas `tarantinianas´, y no tomarse demasiado en serio lo que cuenta. El cineasta sabe jugar la carta del suspense, pues en un momento dado surge la duda de hasta qué punto se estrecharon los lazos de Julian y Danny en México, si el segundo cedió en sus convicciones morales para asegurar su futuro profesional y familiar. Greg Kinnear sobresale como el vendedor ingenuo, y Hope Davis encarna con solidez a su esposa. Ella está impagable cuando ejerce como anfitriona del asesino en su hogar.

Aunque el periplo del peso pesado del Séptimo Arte Martin Scorsese ha estado lleno de altibajos en los últimos años, el cineasta remonta el vuelo con esta biografía del fascinante y controvertido Howard Hughes. Playboy, millonario, inversor inmobiliario, productor y director cinematográfico, también fue empresario aeronáutico y gran aficionado a la aviación. El guión del consagrado John Logan (El último samurái, Gladiator) sigue los pasos del personaje durante dos décadas, arrancando a finales de los años 20, cuando ronda los 25 años de edad. Heredero de la empresa paterna, decide invertir una desorbitada suma de dinero en Ángeles del infierno. Se trata de una película de aventuras áereas para la que contrata numerosos pilotos que propician asombrosas secuencias de aviones filmadas sin efectos especiales. El film describe minuciosamente su romance con la mítica Katharine Hepburn, una actriz de fuerte personalidad, y también su aventura en la potente compañía aérea TWA. Como empresario aeronáutico, Hughes prueba sus prototipos de sofisticados aparatos, y realiza un fuerte desembolso para llevar a buen puerto la construcción del Hércules, un aparato. Pero Hughes se estrella con uno de sus aviones, y también empieza a sufrir una enfermedad degenerativa, que le lleva a convertirse en un fanático de la higiene y a recluirse sin apenas contacto con el exterior. Scorsese ha conectado con DiCaprio, actor tan italoamericano como él, con el que repite por segunda vez consecutiva, y que fue el promotor del proyecto. Pero nadie diría que se trata de una iniciativa ajena, pues Scorsese fagocita al personaje. En sus manos, Hughes se convierte en uno de sus típicos antihéroes excéntricos que tras un meteórico ascenso asimilan malamente el éxito y acaban trastocados. El esquema del film recuerda sobre todo a Toro salvaje, pero también a Uno de los nuestros y Casino. Por otro lado, la odisea del personaje para sacar adelante el Hércules, una iniciativa tan bienintencionada como megalómana, recuerdan a empresas épicas del propio Scorsese, como la de sacar adelante Gangs of New York, enfrentándose incluso a los productores del film. En este sentido viene a la memoria Tucker, un hombre y su sueño, donde Coppola hablaba de sí mismo, aprovechando la historia de un empresario real, obsesionado con construir el mejor coche el mundo (como Hughes el mejor avión del mundo). Si bien los detractores pueden argumentar que sobra algo de metraje, también es cierto que realiza una fascinante reconstrucción de la época, incluidos los años dorados de Hollywood. Y como siempre, compone más de una secuencia espectacular (sobre todo el rodaje de Ángeles del infierno) y otras intimistas, pero apasionantes, como la comida en casa de los padres de Hepburn. Maestro del cine, Scorsese integra de forma apabullante elementos fílmicos como la vistosa fotografía de Robert Richardson, responsable de Kill Bill o la música del autor de El señor de los anillos, el canadiense Howard Shore. En definitiva, un título que sin ser totalmente redondo, devuelve a su autor al Olimpo. Y aunque a Scorsese se le escapó una vez más ese Oscar que injustamente nunca le ha llegado, el film se llevó cinco de once nominaciones, convirtiéndose en la más premiada del año. La estatuilla más merecida quizás fue la que se llevó Cate Blanchett, estupenda como la irrepetible Hepburn.

Tras la estimable El coleccionista de amantes, los espectadores esperábamos una nueva colaboración entre Morgan Freeman y Ashley Judd, y quien se ha encargado de hacernos el favor ha sido Carl Franklin, director de renombre gracias a El demonio vestido de azul (1995) y Cosas que importan (1998). La verdad es que la pareja cumple las expectativas Aquí la Judd interpreta a una abogada que con la ayuda de un colega veterano caído en desgracia (Morgan Freeman) ha de defender a su esposo de una serie de espeluznantes acusaciones. Y es que según la justicia militar, su maravilloso marido lleva la friolera de quince años viviendo fugitivo con una identidad falsa. ¿El motivo? El sanguinario asesinato de mujeres y niños durante unas operaciones militares en El Salvador. Un marido encantador, una casa preciosa, buena salud, un hijo en camino… Todo como salido de un cuento de hadas. Y, paradojas de la vida, la dicha se va al traste en un abrir y cerrar de ojos. La cosa da qué pensar… ¿Es posible que pueda suceder algo así? ¿Es posible que los poderosos puedan tirar a la papelera nuestra felicidad en cuanto les da la gana? La que no está dispuesta a admitirlo es la aguerrida Judd, que vuelve a demostrar su predilección por encarnar a mujeres fuertes que cuando se ven envueltas en serios problemas son capaces de ponerse al mundo por montera. Le da la réplica un Morgan Freeman justo y comedido, aunque tiene que lidiar con un papel quizá demasiado plano para su talento interpretativo, y un Jim Caviezel cuya profunda mirada es sinónimo de enigma y que por mucho que lo intente no puede hacer olvidar al soldado Witt de La delgada línea roja. Franklin sabe dosificar la tensión de la trama, y juega al gato y al ratón con el género de la película, entre el drama judicial y el thriller de suspense. También hay algo de comedia gracias una Amanda Peet ligerita de cascos y que interpreta a la hermana de la protagonista.

Una veintena de años atrás, cuatro amigos tomaban cerveza al borde de un acantilado. Tenían una escopeta. Ésta acabó sin un cartucho; al lado, dos cadáveres. Un accidente, pero ¿quién lo creería? La cosa fue tapada, pero ahora, cuando los cuatro están bien situados (un militar, un abogado, un sacerdote y un ejecutivo) la cosa parece que puede salir a la luz. Interesante drama firmado por David Mackay.

Estamos en una estación espacial. Corre el año 2127. El doctor Merchant debe ejecutar una peligrosa misión: el exterminio de los cenobitas, necesario para cerrar definitivamente las puertas del infierno. Todo se debe a que un antepasado suyo, en el siglo XVIII, construyó el cubo infernal conocido como la Configuración de los Lamentos. Cuarta entrega de la terrorífica y sanguinolenta serie Hellraiser. Con un malvado villano que responde al nombre de Pinhead, y que presenta un asombroso maquillaje, el temblequeo está asegurado. Firma el film Alan Smithee; o sea, el seudónimo que se usa cuando el director no quiere usar su verdadero nombre por alguna desavenencia creativa.