Lista de películas del año 2010

Aron Ralston es un joven al que le gustan los deportes de riesgo. Sin decir a nadie donde iba, se ha liado la manta a la cabeza y ha partido a John Blue Canyon, en Utah, un paraje rocoso increíble e inmenso, poco frecuentado. Allí disfruta de lo lindo hasta que un mal paso le hace caer por una sima, con tan escasa fortuna que su brazo queda atrapado por una roca que se diría imposible de mover. Aron pasará solo las 127 horas del título luchando por sobrevivir, y haciendo un particular examen de conciencia de lo que han dado de sí sus 25 años. El británico Danny Boyle repite con el guionista Simon Beaufoy, con quien hizo la oscarizada Slumdog Millionaire, ambos adaptan un libro del propio Aron Ralston donde cuenta su increíble peripecia. Y entrega una historia de supervivencia donde es clave el amor recordado de los seres queridos, con un sugerido sentido de la providencia al fondo, tema ya presente Slumdog..., y desde luego en Millones. Si la expresión 'luchar a brazo partido' no existiera, se diría que nació de los hechos narrados, tal es el empeño que Aron pone en salvar su vida. Aunque el metraje es escaso, apenas hora y media, el principal desafío al que se enfrenta Boyle es mantener el interés en una monosituación dentro de una grieta, esquema parecido al del título de ficción Buried (Enterrado). Ciertamente resulta algo reiterativo, y puede llegar a cansar, pero el director muestra carácter con la cámara y sus encuadres, el uso de la cámara de vídeo que lleva Aron, las escenas oníricas, casi alucinaciones, la visión de gusano desde el fondo del abismo, que permite atisbar el cielo. También la partitura musical de otro miembro del equipo Slumdog..., A.R. Rahman, ayuda. Resulta meritoria la interpretación de James Franco, que soporta todo el peso actoral de la película, los demás que aparecen son simples comparsas. Especialmente dura resulta la escena climática de la película, abordada de un modo hiperrealista no apto para todos los estómagos.

A mediados del siglo XIX Japón vive una época de paz entre los señores feudales. Sin embargo, las ascensión al poder del señor Naritsugu, hermano del Shogun del clan Akashi, puede llevar de nuevo a miles de hombres a la guerra. Naritsugu es un hombre increíblemente cruel, que mata y tortura por placer. Tras uno de sus excesos, el Sr. Doi, oficial del shogun, pedirá en secreto a Shinzaemon, experto samurái, que asesine a Naritsugu. Para enfrentarse a sus tropas, Shanzaemon contará con la ayuda de otros 12 hombres.  El japonés Takashi Miike es uno de los directores más prolíficos, prestigiosos y versátiles de su país. Desde que irrumpiera en 1999 con su durísima Audition, no ha parado de entregar películas de todo tipo, desde el puro terror (Three Extremes), la acción (Crows Zero) o incluso el musical de humor surrealista (La felicidad de los Katakuri). Ahora rinde un apoteósico homenaje al espíritu de clasicismo japonés con una película de guerreros feudales que retrotrae innegablemente a Los siete samuráis de Kurosawa, aunque en realidad es un remake de un film de 1963 dirigido por Eiichi Kudo. La puesta al día es de una gran maestría y por supuesto de un ritmo en las escenas de acción incomparable con su predecesora. El film se puede estructurar en tres partes claramente diferenciadas. Se inicia con los diálogos conspirativos contra Naritsugu, a la vez que se ofrecen escenas desagradables acerca de la crueldad y la psicopatía de este abominable personaje; seguidamente tiene lugar el viaje a lo largo de la selva emprendido por el grupo de asesinos, que pretenden enfrentarse a sus enemigos en territorio favorable y buscan su emboscada en un pequeño pueblo; y en tercer lugar tiene lugar el enfrentamiento. Esta tercera parte dejará al espectador totalmente epatado debido a su larguísima duración: casi una hora de combates entre 13 hombres contras 200, con flechas, lanzas, piedras y por supuesto katanas. En este sentido, y aunque la producción está sumamente cuidada, es muy difícil que muchas imágenes no resulten también reiterativas. Esto se debe, claro, a la propia naturaleza de las mismas –la cámara va de un samurái a otro, mientras va matando todo lo que le sale al paso–, pero también a que hay un tratamiento deficiente de los personajes. Puede decirse que sólo conocemos a seis de ellos –Shinzaemon, su sobrino Shinrouko, su discípulo Hirayama y el cazador Koyata, por un lado; y Naritsugu y su principal guardaespaldas, Hanbei, por otro–, y este handicap lleva consigo cierta falta de implicación emocional, aunque no por eso el film deje de ser muy entretenido. Por lo demás, en una película de este jaez Miike ofrece como era de esperar una visión heroica del mundo samurái, de sus convicciones y su entrega casi ciega a las órdenes de su señor, que ellos ven como su único destino. Pero el director japonés es travieso a su modo y acierta al mostrar un contrapunto muy original –y actual– con el humorístico y gamberro personaje del cazador, quien se ríe de la presuntuosidad de ese mundo de zalamerías y honorabilidad que entonces estaba cerca de extinguirse. En cuanto a los actores, hay que destacar, sin duda, al estupendo Koji Yakusho en el papel de Shinzaemon.

Víctor es un joven que llega al estudio artístico de Martin y Ana. Los tres están desesperados, faltos de inspiración, necesitados de alegría. Cada uno empleará sus propios métodos para buscar su sitio en el mundo. Dura película sobre la búsqueda de la identidad, el éxito y el sentido de la vida. Los límites éticos quedan relegados en muchos casos, lo que provocará más de un nudo en los estómagos de los espectadores.

El director lucense Jorge Coira debutó en el largometraje con El año de la garrapata, y tiene una amplia experiencia en series televisivas como Pelotas o El comisario. Cuando inició la pre-producción de ésta, su segunda película de cine, decidió proponerle que interpretara a uno de los protagonistas a Luis Tosar, aprovechando que el actor se hizo gran amigo suyo cuando ambos eran compañeros en un instituto de Lugo. A Tosar le interesó tanto el proyecto que no sólo le dijo que sí, sino que acabó convertido en coproductor. El film se estructura en tres partes que transcurren en las respectivas comidas básicas del día: el desayuno, la merienda y la cena. Entrecruza las andanzas de diversos personajes de Santiago de Compostela. Un músico callejero recibe la inesperada llamada de la mujer que fue el amor de su vida, pero que finalmente se casó con otro con el que tiene un hijo, una chica prepara una prueba para entrar como cantante en una orquesta, un homosexual que vive con su pareja ha invitado a comer a su hermano, un macedonio se busca la vida por las calles de la ciudad, dos tipos se emborrachan desde primera hora de la mañana, un actor de moda espera que desayune con él una atractiva joven... Rodada a base de improvisaciones, Jorge Coira creó los personajes, se reunió con los actores para asegurarse de que entendían sus motivaciones y sus conflictos, y posteriormente les dejó inventar cómo se comportarían éstos. Consigue un gran realismo en las interpretaciones, gracias a esta técnica, y a la calidad de actores como el citado Tosar, la impagable Esperanza Pedreño, Sergio Peris-Mencheta y especialmente Pedro Alonso, protagonista de la serie Padre Casares, que se luce con el personaje del actor, en espera de una cita que se resiste a llegar. Rodada en sólo nueve días, Coira no parece albergar grandes pretensiones, y su obra es irregular porque algunas historias se quedan en meras anécdotas. Pero 18 comidas, que empieza como una comedia intrascendente, logra crecer por momentos y acumula fragmentos de cierto dramatismo, casi siempre en torno al tema de la desorientación vital en la sociedad moderna. La esposa que le confiesa a su marido que no sabe si dejarle porque se siente infeliz, y el hombre que por su forma de pensar se siente incapaz de soportar jamás la homosexualidad de su hermano son quizás las piezas de mayor interés de este puzzle.

Nueva versión de la celebérrima novela de Herman Melville, adaptada al siglo XXI. En este caso, Ahab es el capitán de un submarino, desde donde sigue su obsesión por acabar con la gran ballena que le dejó mutilado. Se trata de una producción de serie B destinada únicamente al mercado doméstico, cuyo guión y efectos especiales no ofrecen demasiados alicientes. Un desperdicio de historia, la verdad.

Charly Matteï es un miembro retirado de la mafia de Marsella, que busca venganza después de que le dieran por muerto en un parking tras dispararle 22 balas. Matteï llevaba tres años centrado en su familia y tras el incidente regresa para castigar al responsable de su intento de asesinato, sin importarle el precio que tenga que pagar.

Recreación de los hechos históricos que tuvieron lugar en España el 23 de febrero de 1981. Aquel día por la tarde tuvo lugar un intento fallido de Golpe de Estado militar cuando un destacamento de la Guardia Civil, encabezado por el teniente coronel Antonio Tejero, irrumpió pistola en mano en el Congreso de los Diputados, en Madrid, y tomó como rehenes a todos los políticos reunidos en él con motivo de la votación del candidato a la presidencia del gobierno Leopoldo Calvo Sotelo. Los golpistas esperaron en vano durante la noche y la madrugada siguientes a que las capitanías militares de toda España secundaran el golpe, cosa que al final no sucedió, presumiblemente gracias al mensaje de repulsa que el rey difundió por la televisión. La película, estrenada con motivo del 30 aniversario de aquellos sucesos, se ve al modo de un documental y ésa es su mayor virtud pero también su peor defecto. Por un lado, hay un esfuerzo por trasladar objetivamente los hechos a la pantalla, hechos que quedan apuntalados gracias a varias grabaciones de archivo reales que aportan credibilidad a las imágenes de ficción, que contrastan con las anteriores por ser en color. Sin embargo, la puesta en escena tiene algo de montaje teatral, muchos diálogos suenan poco verosímiles y el conjunto resulta opresivo, acartonado. Quizá esto se deba a que el guión únicamente se centra en los responsables del golpe y en las reacciones de los presentes en el Palacio de la Zarzuela, todos situados en localizaciones cerradas, siempre iluminadas con luz artificial. Ese aire apolillado, recargado, por otra parte tan propio de la época, se traslada asimismo a las actuaciones, las cuales resultan a veces tremendamente tópicas en cuanto a varios personajes golpistas (especialmente Tejero y su acompañante), militares y guardias civiles que parecen tener la inteligencia de un mosquito. Salen muy bien parados, por otra parte, Adolfo Suárez y Su Majestad el Rey, heroicos y serenos a su modo. Entre los actores destacan Juan Diego, que da vida al contemporizador, dubitativo y oportunista general Alfonso Armada (entonces hombre de confianza del rey); Mariano Venancio, muy convincente como Sabino Fernández Campo; y Fernando Cayo, quien lidia bien con su difícil personaje del rey y logra resultar creíble.

La presidenta estadounidense, Allison Taylor, está dándole los últimos toques a un tratado de paz que va a firmar con Omar Hassan, presidente de Kamistán. Mientras, Jack Bauer está a punto de irse de Nueva York, con Kim, el marido de su hija y su nieta. Pero uno de sus antiguos informadores, Victor Aruz, le pide que regrese a la UAT, para evitar que unos conspiradores asesinen a Hassan. La octava y última temporada de 24 mantuvo el alto nivel de la serie. Gira en torno a Kamistán, un país ficticio, pero con muchas similitudes con Irán.

La historia de tres residentes de una ciudad de las afueras, en el curso de un perfecto día de otoño. La película se introduce en las vidas de sus personajes, al inicio de distintos viajes que acabarán con la frágil normalidad del día. Un hombre de negocios, Elias Koteas, con problemas matrimoniales se “pierde” en un viaje de trabajo sin ni siquiera salir de la ciudad. Una niña, Rachel Resheff, le roba a su madre algunas joyas por la mañana y por la tarde se ve envuelta en una red de peligrosas implicaciones con adultos. Una feliz ama de casa, Falco, le ofrece al famoso del vecindario, Embeth Davidtz,  llevarle en su coche y el viaje les llevará a territorios desconocidos. Al final del día, el familiar paisaje de la ciudad se ha disuelto en una atmosfera de ensueño donde se crean, se pierden y se reclaman identidades.

Adaptación de la primera novela del italiano Federico Moccia, un fenómeno de ventas, sobre todo entre el público más joven, lo que propició una segunda parte titulada “Tengo ganas de ti”. Dio lugar a una adaptación italiana, Tre metri sopra il cielo (2004), de Luca Lucini. La versión española está protagonizada por el ídolo del público más joven Mario Casas, y la dirige Fernando González Molina, que ya tiene experiencia en trabajar con el actor, pues fue el responsable de Fuga de cerebros, y de episodios de la serie que le dio a conocer, Los hombres de Paco. El argumento tiene puntos en común con Crepúsculo, pero cambiando al vampiro por un chico problemático. Babi, niña pija de buenas maneras, estudiosa y con futuro, prepara su ingreso en la universidad. Al acudir con su novio a una fiesta, se cuela, junto a su grupo de amigos brutotes, Hache, un chico macarra, motero, rudo, con antecedentes judiciales. Hache intenta que ella le haga caso, a pesar de que está acompañada, lo que deriva en que acaba arrojando a Babi a la piscina, golpes brutales al novio y destrozo del coche de su chico. Sin embargo, Babi acaba sintiéndose atraída por el joven inadaptado, con el que volverá a reencontrarse en una carrera ilegal de motos a las que Hache es aficionado. Tres metros sobre el cielo está diseñada con tiralíneas para ser un gran éxito, pues se basa en una novela conocida, el protagonista tiene tirón, y retrata a cierta juventud actual bastante reconocible. Además, cuenta con una buena factura técnica y un reparto solvente, ya que Casas es ideal para el inadaptado protagonista, le acompaña la siempre solvente María Valverde, y ambos están arropados por secundarios lo suficientemente eficaces, como Diego Martín (Pájaros de papel), Nerea Camacho (Camino), Jordi Bosch (Boca a boca), etc. Sin embargo, los personajes son arquetipos de la chica buena, y el chico ‘malote’, y la acción es predecible y sobre todo, poco creíble. El exhibicionismo de la actriz principal resulta cansino, pues resulta difícil llevar la cuenta de las veces que se queda en ropa interior, con excusa o sin ella. Aparte de todo esto, se está vendiendo a los jóvenes un elogio de la vida salvaje demasiado irreal. Una cosa es realizar un retrato simpático del ‘rebelde sin causa’ tipo James Dean, los muchachos protagonistas de Rebeldes, los mods de Quadrophenia, o el típico motero o pandillero, y otra ensalzar la figura de un delincuente como el que interpreta Mario Casas, violento, maltratador y bastante irresponsable. Las consecuencias a las que darían lugar sus acciones en la vida real no se ven en la pantalla, pues se libra ‘milagrosamente’ de un juicio por un acto tremendamente vandálico, con el testimonio de la chica que está enamorada de él, mientras que un acoso mafioso en toda regla a una profesora deriva en una pequeña riña de enamorados y ya está.

Stella se ha quedado viuda tras la masacre en el pueblo de Barrow. Decidida a convencer a la humanidad de que existen los vampiros para que así luchen contra ellos, inicia una campaña por Estados Unidos. Pero su historia sobre lo vivido en su pueblo de Alaska no parece calar entre sus compatriotas. Sin embargo, no todos son malas noticias para Stella, que descubre un camino para vengar la muerte de su esposo. En esta secuela de 30 días de oscuridad el director David Slade ha sido sustituido por Ben Ketai y la protagonista Melissa George por Kiele Sanchez.

Cuatro chicas jóvenes, cada una con sus sueños de futuro, se ven involucradas con el mundo del crimen cuando se relacionan con una banda de ladrones de diamantes. Jo, Cassandra, Kerry y Shannon vivirán entonces tres días de peligro y locura. El film resulta entretenido, pero poco más. La guapa Emma Roberts hace de único reclamo interpretativo.

Cuando en 2003 Bent Hamer estrenó Kitchen Stories, cualquiera con ojos en la cara sabía que ahí había un cineasta a quien valía la pena seguir la pista. Sensibilidad para las pequeñas historias cotidianas y un innegable punto de originalidad, también en el aspecto visual, eran unas buenas señas de identidad. En A casa por Navidad adapta varios relatos de su compatriota Levi Henriksen. Está bien escogido el título de esta hermosa pequeña película, porque todas las historias que transcurren durante una Nochebuena tienen en común esa añoranza del hogar como remanso de paz, amor y felicidad. Además Hamer no renuncia, todo lo contrario, al origen cristiano de la fiesta, aunque no deje de señalar la pérdida de su significado religioso en la vida de tantas personas, de modo explícito en el relato del niño noruego y la niña negra musulmana. Entre las historias que contiene el film tenemos la del padre divorciado que quiere entregar los regalos a sus hijos en Nochebuena; el doctor que se resiste a formar una familia, y que es llamado para asistir al parto de un matrimonio de inmigrantes; el "sin techo" (y sin dinero) acogido por una mujer en su autocaravana; los ya mencionados niños que observan la noche estrellada con el telescopio; la mujer que tiene una intensa relación con un hombre casado que se resiste a dejar a su familia; el anciano con la mujer impedida. Cada una de las tramas que se nos presentan tiene fuerza, aunque la adúltera ofrece una explicitud sexual realmente innecesaria, y poco acorde con el espíritu de estos "modernos cuentos de Navidad". Y resulta muy inteligente que todas acudan de algún modo a la imaginería de lo ocurrido cierta noche de hace más de dos mil años, en una gruta en Belén: por supuesto, está la mujer a punto de dar a luz, pero también la contemplación del cielo en busca de una estrella, la carencia de un lugar donde pasar la noche junto a la incomprensión de algunas personas, el árbol, el belén, la misa de gallo... La vitalidad de Hamer como director se advierte ya en la escena de arranque con un francotirador, y el modo impactante en que encadena con la Nochebuena mediante un quitanieves. También en las imágenes del final, tan bellas, que el villancico que las acompaña no parece un pegote para nada. Tragedia, amor y humor se funden bien, he aquí una película lograda.

Michael Holt, un prestigioso cirujano frío y calculador cuya vida cambia radicalmente cuando comienza a tener visiones en las que se le aparece un antiguo amor que falleció tiempo atrás. Los mensajes que recibe desde el Más Allá y los asuntos a los que tendrá que hacer frente por indicación de esta mujer harán que cambie poco a poco su visión de la vida.