Asier Etxeandia

Correcta serie televisiva que reconstruye los inicios de ETA, desde que era una simple organización juvenil que lanzaba petardos en los primeros años 60 contra el régimen franquista y predicaba la lucha obrera hasta que cruzó la línea y se convirtió en una execrable organización terrorista que con el paso de los años llegó a asesinar a casi 900 personas hasta su definitiva disolución en 2018. La línea invisible cuenta hechos reales y los principales personajes son verídicos, aunque la narración haya sido en parte ficcionada para desarrollar un hilo coherente. Creada por Abel García Roure, cuya escasa trayectoria hasta el momento pasa por haber dirigido el estimable documental Una cierta verdad, la serie presenta a unos pocos personajes de clase media, jóvenes idealistas universitarios que sienten la necesidad de combatir a Franco. Destacan de entre ellos los dos hermanos Etxebarrieta, José Antonio y sobre todo Txabi, éste brillante estudiante de cuarto de carrera y que pronto tendrá las ideas muy claras acerca de lo que quiere que sea la organización. En el lado opuesto se situará el comisario Melitón Manzanas, implacable perseguidor de cualquier elemento subversivo contra el régimen y que pronto estará en el punto de mira de ETA.  Es un lugar común decir que ETA nació en un seminario y aquí eso se corrobora con creces, aunque más bien cabría decir en una casa parroquial (de Getaria, para más datos), auspiciada por parte del clero. Es creíble por otra parte el bosquejo que se hace de los personajes jovenzuelos claramente exaltables y manipulables, quizá no especialmente inteligentes pero altamente influidos por las ideas políticas y revolucionarias del momento. Por eso, más allá de luchas sociales e injusticias contra la clase obrera, fue la simplona apelación al sentimiento de la identidad vasca el detonante suficiente para llegar a la barbarie. La serie está producida por Movistar+ y consta de seis capítulos dirigidos todos ellos por Mariano Barroso (Todas las mujeres). El director catalán logra una convincente reconstrucción de época, donde se ha puesto especial cuidado en el vestuario, y, aunque en ciertos momentos quizá se nota la escasez del presupuesto, los contados efectos especiales no cantan demasiado. Entre el reparto destaca sin duda un verosímil Àlex Monner como Txabi Etxebarrieta, el cual está acompañado de secundarios de renombre como Antonio de la Torre (Melitón Manzanas), Asier Etxeandia (llamado “el inglés”, en clara referencia a Julen Madariaga), Anna Castillo (en el papel de la etarra Txiki) o Patricia López Araniz como la amante del policía.

Cuando no ha pasado ni un lustro del término de la Guerra Civil Española, Anselmo Rojas cruza desde Francia los Pirineos con su unidad de maquis para llevar a cabo acciones de sabotaje, en espera del advenimiento de la Operación Reconquista, un intento de atacar el valle de Arán, para provocar una rebelión popular. Pero sus compañeros mueren por un fallo al detonar explosivos para volar un puente, mientras que a su superior, Vicente Roig, le arrestan, y él pierde la capacidad auditiva. Tratará de escapar en solitario, mientras le siguen de cerca Darya Sergéevich, una temible francotiradora rusa, y una guarnición de soldados franquistas comandados por el frío Capitán Bosch. Segundo largometraje de ficción de Alfonso Cortés-Cavanillas, que ya manifestó que puede ocuparse de rodar filmes poco usuales para el cine español con la apocalíptica Los días no vividos, fallida, pero que tenía alguna aportación interesante, y estaba correctamente realizada. Ahora, parte del cómic homónimo de David Muñoz, uno de los guionistas de El espinazo del diablo, y Rayko Pulido, para componer una especie de western crepuscular en la España de finales de los años 40. La cinta bebe sobre todo de Quentin Tarantino, especialmente de la bélica Malditos bastardos, hasta llegar al absurdo, en una secuencia de violencia desencadenada en la línea del cine del americano, con unos sobreactuados Antonio Dechent y Manuel de Blas enfrentados al personaje de la rumana Olimpia Melinte, una despiadada malvada de opereta, al ritmo de los compases de “Suspiros de España”. Precisamente ahí reside el punto más flojo de la película. Si normalmente, el cine español guerracivilista tiene problemas para superar los estereotipos, aquí se rompen todos los récords, al presentar a los franquistas como unos malos de tebeo más similares a bestias salvajes que a cualquier otra cosa. En este bando, se salva únicamente Imanol Arias, que sí logra insuflar humanidad a un nacional que ha aprendido a ser ecuánime después de que los republicanos le perdonaran la vida. Entre los republicanos sobresale Asier Etxeandía, que no requiere de los esfuerzos de otros de sus trabajos, pero al que se le da muy bien interpretar al brigadista cuya sordera sería una metáfora de la incomunicación entre bandos irreconciliables. ¿Han pensado los responsables del film en intentar comunicarse o comprender a quienes no piensan como los personajes del lado hacia el que simpatizan? El film también adolece de problemas de ritmo, y abunda en secuencias innecesarias que alargan demasiado el metraje. No obstante, se debe conceder a Cortés-Cavanillas que demuestra talento para componer algunos momentos impactantes.

Salvador. Un español, director de cine, que triunfó en los 80 en la escena internacional. En lo relativo a su producción artística, en la actualidad se encuentra varado en el dique seco. Se le acumulan las molestias físicas, de columna, y dificultades para tragar, más terribles migrañas, un cuadro que le sume en la depresión y le lleva a estar acostado gran parte del día. En un estado de duermevela afloran recuerdos de infancia en su pueblo natal, de su querida madre Jacinta, de su gusto por la lectura y el cine, del único modo de acceder a la educación. Ello coincide con el reencuentro con Joaquín, protagonista de uno de sus éxitos, con el que terminó mal, siempre le reprochó su adicción a la heroína. Curiosamente otros dolores del alma le llevan a entablar con él una nueva relación, y a sumergirse él mismo en la droga, el comienzo de un inesperado camino que le posibilitará cerrar heridas y tal vez volver a crear. Pedro Almodóvar, director y guionista, como es norma, se pone en esta ocasión más serio de lo habitual, los años pasan, la gravedad se va imponiendo en su cine. “¿Drama o ficción?” le pregunta su médico a Salvador cuando le habla de un nuevo proyecto, y la respuesta del personaje interpretado por Antonio Banderas, su escueto “no sé”, explica parte del secreto del nuevo film del manchego, de claros tintes autobiográficos, hasta el aspecto físico del protagonista se asemeja a Almodóvar, aunque por supuesto, ficcione. Estamos ante una obra muy personal, estructurada en un presente donde los flash-backs asoman con fluidez, en que trata cuestiones muy queridas, la del amor al cine y todo lo que le rodea, pero también el modo en que nos marcan nuestras raíces. El tema de la madre, cómo influye en la vida de las personas, y concretamente en la suya, ya lo había tratado antes Almodóvar. Aquí insiste, aunque sacando a la luz, no sólo lo que es una amorosa y entrañable relación maternofilial, sino también los reproches y la conciencia de decepcionar a ese ser querido, con comportamientos y actitudes que no se pueden compartir, aunque el amor no cese, en una y otra dirección. Al tratarse de una película muy almodovariana, exige una complicidad para conectar con su estado emocional, quien carezca de tal complicidad reconocerá una obra hábil, bien diseñada, llena de guiños personales, cuidada hasta los últimos detalles visuales –decorados, atrezzo– y sonoros, canciones como la del río de Rosalía, las menciones a Chavela Vargas, los libros como subtexto... Pero tal vez los reencuentros y rememoraciones, los amores homosexuales del protagonista y la evocación del primer chispazo de deseo sexual, introducidos con demasiados “deus ex machina”, le resulten artificiosos, algo forzados. Igual que la insistencia en las drogas, la explicación de las “asignaturas” de geografía y anatomía, o el preparado de los fármacos pulverizados para una más fácil ingesta. El director ama sin duda a los personajes, y se agradece una mirada amable, no es ésta una película de ajustes de cuentas ni amarga. Estamos ante una reivindicación del arte como forma de vida, no sólo en el sentido de ganarse un sueldo, sino como casi la única forma de seguir existiendo y soportando este mundo y encarar la inevitable muerte, de encontrar algo parecido a la fe que mueve montañas cuando se carece de una fe religiosa. Y esto, y ciertas pulsiones de puro sentimiento, son las emociones a las que caba agarrarse en el claroscuro de la vida, llena de dolores, y en que los momentos de gloria, desde el punto de vista almodovariano, son escasos y esquivos. Da gusto ver un conjunto de personajes bien perfilados como el de este film, incluso los numerosos secundarios: el médico (Pedro Casablanc), la actriz (Cecilia Roth), el moderador del coloquio (Julián López), la beata del pueblo (Susi Sánchez), el padre de Salvador (Raúl Arévalo), la madre de Salvador ya anciana (Julieta Serrano), la ayudante de Salvador (Nora Navas)... También está bien Salvador niño (el debutante Asier Flores), y por supuesto Penélope Cruz (una madre que compone con desparpajo), Asier Etxeandia (el actor que no se hablaba con Salvador), Leonardo Sbaraglia (un amor reaparecido), y Banderas, que lleva el peso de la película con gran dignidad.

Historia simbólica, que se desarrolla siempre entre cuatro paredes, donde seguimos a una pareja, Margarita y Fernando, donde ella trata siempre de complacer al otro, es una mujer sumisa incluso ante la injusticia más ostentosa, mientrás que él ejerce un papel dominante y manipulador, distorsionando la realidad descaradamente, y descargando su frustración con malos modos y violencia. La intención del film de Fran Arráez, que maneja un texto de Carlos Be junto a un presupuesto limitado, es concienciar acerca de los malos tratos que padecen tantas mujeres. Pero la fórmula resulta tremendamente artificiosa y cansina, muy teatralizada; y los cambios de actores para los mismos roles, con la fórmula del espejo como plano de transición, parecen un capricho o estar motivados por la falta de tiempo de quienes han trabajado en el film desinteresadamente. Por supuesto, cabe la interpretación metafórica, Margarita y Fernando son tipos universales que se repiten todo el tiempo, un ciclo que se hace necesario romper, antes de que lo haga la muerte. Definitivamente "la lluvia de vacas" es una expresión opaca y poco lírica. Y falta emoción genuina, todo resulta muy reiterativo. Queda muy lejos de, por ejemplo, Te doy mis ojos, sobre el mismo tema, que protagonizaba Laia Marull, que también se deja ver brevemente en este film.

La vida de Rosa, prostituta, es muy triste. Vive con su madre, antigua prostituta también que ahora está impedida en una silla de ruedas. Su piso está en una corrala donde residen otras mujeres de la noche –la rusa Masha, la cubana Teresa, el travesti Lupita– y su existencia monótona no tiene aliciente alguno, de modo que Rosa está seriamente amargada. La rutina diaria cambiará cuando una de las vecinas muere de sobredosis y su hija de 7 años se esconde en el piso de Rosa. Debut en el largometraje de Marina Seresesky, directora del corto La boda y actriz ocasional. No ha elegido Seresesky una historia fácil para su debut, donde también ejerce de guionista, pero contra pronóstico logra salir más o menos airosa. Impregnar de sutil esperanza un relato tan gris sin que se le vaya de las manos es el mayor logro de La puerta abierta, en donde se retrata el durísimo destino de muchas mujeres que ejercen la prostitución y han perdido cualquier alegría de vivir. La directora logra en ese panorama incluso arrancar risas al respetable gracias a Antonia, la madre de Rosa, un personaje muy cañí hecho a la medida de una inspirada Terele Pávez, que logra dotar al film de una atmósfera singular, en un difícil equilibrio entre el patetismo y la comedia. Se agradece además el tratamiento del relato que elige Seresesky, alejado por completo del morbo visual o del lenguaje excesivamente soez que hubiera sido fácil adoptar. Pero, pese a su optimismo de fondo, estamos ante una historia tristona y de desarrollo un tanto deprimente, por lo que no gustará a todos los paladares. El trabajo técnico es correcto, y funciona la puesta en escena fea y teatral, con contadas localizaciones, y la ambientación cochambrosa al estilo de las vidas que se retratan. A este respecto, destacan sin duda las interpretaciones. Además de la ya citada Pávez, Carmen Machi está sólida y convincente en la piel de la protagonista, mientras que Asier Etxeandia hace un trabajo muy meritorio como el travesti Lupita.

A Magda, maestra en paro que trata de sacar adelante a su hijo, le diagnostican cáncer de mama. Al tiempo que intenta sobreponerse a su problema, inicia una extraña relación con Arturo, un tipo vinculado al mundo del fútbol que se convierte en un padre para el chico. Julio Medem estaba considerado uno de los grandes realizadores españoles al principio de su carrera, cuando Vacas, su ópera prima, contaba con un guión sólido propio, y producciones como La ardilla roja o Los amantes del círculo polar, también escritas por él, ocultaban muy bien su vacuidad con su potencia visual y su muy personal surrealismo narrativo. Pero con el paso del tiempo quedó claro que a pesar de su buen hacer, el donostiarra tenía poco que contar, cayendo en el despropósito en especial con Caótica Ana y Habitación en Roma. En Ma ma parece haber encontrado un tema de calado, arriesgado pues los espectadores tienden a huir del cine sobre enfermedades terminales, pero de indudable interés, el cáncer de mama, un duro y extendido mal. Cuenta para ello con un reparto solvente, pues Penélope Cruz a veces ha entregado creíbles interpretaciones y Luis Tosar, ha demostrado ser un todoterreno, ambos acompañados por secundarios solventes. Pero sus personajes se comportan con poca humanidad, no parecen de carne y hueso.  El trabajo interpretativo no puede superar semejante lastre, por lo que resulta muy difícil que alguna afectada o sus familiares sientan cercanía con lo que se narra. Además, las imágenes de Ma ma (se supone que un ingenioso juego de palabras que hace referencia a la maternidad, la vida, y el cáncer de mama, la muerte, ése es el nivel de la cinta) destilan muy poco dolor. Algún hallazgo ocasional, como el médico cantante, que tiene su gracia al principio, acaba agotando por sobredosis, y al final resulta ridículo, como algunas figuras metafóricas, como la omnipresencia de una niña simbólica en el tramo final.

Adaptación de "Bodas de sangre" de Federico García Lorca, escrita originalmente para la escena en 1932, plantea con pasión el desgarro del amor, cuando se ve dominado por el deseo y las dudas. La trama es sencilla, dos novios se disponen a casarse en un pueblo innombrado, aunque han existido tensiones entre las familias, el tirón de la tierra y la sangre, lo que también ha afectado para que ella no haya seguido los dictados de su corazón, que la inclinaban hacia Leonardo. Pero el día de la boda, los disimulos y apariencias estallan, la incapacidad para el compromiso se impone, y con ello la tragedia. La zaragozana Paula Ortiz es sin duda una gran admiradora de la obra de Lorca, y además presta atención primordial a la belleza de los planos, un gusto esteticista que ya demostró en su debut, De tu ventana a la mía. Aquí ha concedido gran importancia al entorno, el paisaje, hasta el punto de no conformarse con rodar en los yermos de los Monegros, sino que también ha querido utilizar las caprichosas montañas de la Capadocia turca. Además, jugando con la metáfora de la artesanía cristalera, plantea simbolismos de realidad deformante y cortante como un cuchillo. De todos modos algo hay de artificioso en el conjunto que no acaba de funcionar. Tal vez la decisión de usar la literalidad del texto de Lorca, o la demora en los juegos amorosos y escenas íntimas, quizá algunas reacciones histéricas con la tragedia que se masca. Están además mejor los actores veteranos en sus papeles secundarios que los muy populares gracias sobre todo a la televisión Inma Cuesta, Álex García y Asier Etxeandia.

En sus inicios, Álex de la Iglesia pudo rodar su primer largometraje, Acción mutante, porque le produjo Pedro Almodóvar, que constituía el principal reclamo publicitario. Ahora el bilbaíno da la alternativa a los jóvenes Juanfer Andrés y Esteban Roel, autores de los cortos Canteca de Macao: Desfase y 036, y de forma similar, el gancho cara a las taquillas de Musarañas es el apadrinamiento del responsable de El día de la bestia. Musarañas se desarrolla en los 50, cuando Montse, una costurera que por culpa de su agorafobia no puede salir de su piso madrileño, recoge a Carlos, un vecino que se ha roto una pierna al caerse por las escaleras cuando pretendía huir por unos días de la ciudad. Por la noche, éste recibe la visita de la joven hermana de su anfitriona, criada por ésta después de que su madre muriera durante el parto y el padre desapareciera durante el estallido de la Guerra Civil. La chica advierte al recién llegado de que debe huir porque Montse sufre una evidente perturbación mental... Roel y Andrés se revelan como dos nombres a tener muy en cuenta, gracias a la potencia de sus imágenes, y a su capacidad de crear una opresiva atmósfera en un escenario único, pues toda la cinta se desarrolla en el mismo inmueble. Son capaces también de introducir sutiles golpes de humor negro, y aciertan al mantenerse dentro de los cánones de las historias de fantasmas más clásicas. Musarañas cuenta además con una sorprendente interpretación de Macarena Gómez, que compone a una Montse de la que no sólo se ofrece su lado terrorífico, ya que el film trata de explicar sus comportamientos. Le secundan actores de primera, pues Nadia de Santiago realiza un gran trabajo como la hermana, Hugo Silva (el 'invitado') vuelve a demostrar que es un gran actor, y en sus breves apariciones Luis Tosar reafirma su habitual eficacia, aportando la mayoría de los elementos cómicos. Por desgracia, un guión no del todo redondo, termina por lastrar un film que podría haber dado mucho más de sí. A lo largo de Musarañas nunca está lo suficientemente bien explicado que el personaje de Montse sea capaz de dominar a todos los demás, lo que acaba trayendo a la memoria lo bien orquestado que estaba el libreto de Misery, su principal inspiración, donde estaba mejor narrado que James Caan no pudiera escapar de una terrorífica Kathy Bates.

Puesta de largo del madrileño Alfonso Cortés-Cavanillas, hasta el momento realizador televisivo y cortometrajista. Los días no vividos se enmarca en una oleada de films apocalípticos surgidos en torno al año 2012 por las profecías mayas, como Melancolía, 2012, 4:44 Last Day on Earth o la también española Fin. Así, tras despertar de una noche de borrachera, David se entera por las noticias de la televisión de que el fin de mundo tendrá lugar la próxima madrugada, según ha confirmado la NASA. Muchos han abandonado la gran ciudad, para pasar sus últimas horas en un lugar más tranquilo, otros se dan al alcohol y aunque las televisiones dejan de emitir, una cadena ofrece en directo las oraciones del Papa con los fieles desde el Vaticano. David decide pasar su última noche con su amigo Jaime y con Eugenio, el padre de éste. Al grupo se incorpora Silvia, una atractiva mujer que vagaba por Madrid después de que el vuelo que tenía que llevarle de vuelta a Barcelona se haya suspendido, y que David –que se siente muy atraído por ella– recoge de la calle. Sorprende que Los días no vividos, ópera prima de presupuesto más que modesto, esté tan correctamente realizada, con una fotografía y edición impecables. Hasta la música del poco conocido Luke Richards 'da el pego', sobre todo a la hora de acentuar los momentos de mayor dramatismo y tiene un par de efectos especiales sencillos pero eficaces. Además, Cortés-Cavanillas resulta ser un competente director de actores, con convincentes trabajos, sobre todo por parte de Ingrid Rubio (un tanto desaparecida del cine, últimamente más centrada en la televisión), Javier Godino (que llamó la atención como malvado en El secreto de sus ojos), y un gran actor de las tablas desaprovechado en medios audiovisuales, el argentino Héctor Colomé, que brilla como borrachín del bar. Desentona algún secundario, que baja temporalmente el nivel. En la línea de Lars Von Trier, en Los días no vividos Cortés-Cavanillas usa únicamente los elementos de ciencia-ficción como desencadenante de elementos dramáticos, y se centra en los personajes. Pese a sus caídas de ritmo, tiene su interés su análisis de la generación de los españoles próximos a los cuarenta, caracterizados por su falta de perspectivas, que ante el apocalipsis carecen de asideros, por problemas como la desestructuración familiar y la pérdida de la fe religiosa. Destaca por su valor metafórico una conversación en un supermercado en el que una mujer madura le pregunta a una de las protagonistas porqué los de su edad se llevan comida congelada, incluso en el fin del mundo, cuando no se va a estropear.

Budapest, 1944. Hungría está ocupada por los nazis, y ante la marcha de la guerra, se aceleran las medidas de deportación de los judíos a los campos de exterminio. Encargado de negocios de la legación diplomática española, Ángel Sanz Briz sabe que no puede permanecer pasivo ante la barbarie, su conciencia le interpela a salvar al mayor número posible de personas, y lo hará empleando la argucia legal de que los sefardíes, judíos expulsados en tiempos de los Reyes Católicos, son ciudadanos españoles que gozan de su protección. Película para la televisión basada en la historia real del Ángel de Budapest, también llamado el Schindler español en alusión al célebre salvador de judíos inmortalizado en el cine por Steven Spielberg. Con encomiable rigor histórico se describe la actuación de Sanz Briz, que por salvar del holocausto a miles de hebreos fue nombrado "Justo entre las naciones" por Israel: el modo en que aprovecha la neutralidad de España y las relaciones amistosas con Alemania, las reuniones con los otros diplomáticos de Budapest, incluido Giorgio Perlasca, etc. La influencia de Spielberg en el modo en que el televisivo Luis Oliveros enfoca el film es indudable -los registros y el ghetto, con las plumas de los almohadones rajados cayendo por el patio, el osito de la niña...-, y en general la narración, si bien es algo convencional, funciona. Tienen más interés las andanzas diplomáticas de Sanz Briz que las acciones de resistencia de algunos judíos, que están metidas un poquito con calzador. Son notables tanto el reparto como el esfuerzo de producción, que retrotrae bien al Budapest de la época.

Serie televisiva protagonizada por Aitor Luna y María Valverde que transcurre en un futuro cercano. La Tierra ha perdido gran parte de sus recursos naturales y una dictadura global rige en el mundo. En las ciudades el ejército está en todas partes y sólo un grupo de jóvenes llamado La Resistencia les planta cara. Pero éstos son perseguidos y encerrados en prisiones de alta seguridad como la de La Torre. Allí está Daniel, líder del grupo. Fue detenido minutos después de contraer matrimonio con Ana y desde ese momento ella planea la manera de sacarle de la cárcel. La historia salta entonces 5 años adelante, cuando Ana consigue convertirse en funcionaria de La Torre. Desde allí y sin que nadie sepa que es la esposa de un recluso, intentará liberar a Daniel y a cuatro colegas más de La Resistencia. Producción española de BocaBoca, recuerda bastante a otros títulos carcelarios de gran éxito como la archiseguida Prison Break, aunque revestida de ficción futurista. Pero las similitudes no deben desviarnos en el análisis pensando que es “más de lo mismo”, sino que hay que fijarse si en la forma de contarnos algo ya visto hay alicientes que merezcan la pena. Y ahí se cumple. Los capítulos transcurren en un ambiente de continua tensión, donde se llevan a cabo planes de venganza, torturas, corruptelas… No hay un solo personaje amable, todos esconden algo, todos tienen miedo, todos tienen que ser fuertes para sobrevivir en La Torre, ya sea como reclusos o como empleados. Los protagonistas dan el pego en su papel, especialmente Aitor Luna, un tipo duro con un gran corazón, una fuerte personalidad y un talón de Aquiles, su mujer. Acción, drama y romanticismo en un thriller ágil que enganchará a más de uno.

El Capitán Trueno es un célebre personaje de cómic creado en 1956 por el guionista Víctor Mora y el dibujante Ambros, cuyos trabajos iban en la línea de las películas de aventuras medievales para todos los públicos, como Robin de los bosques o Ivanhoe. Juanma Bajo Ulloa intentó llevar al cine sus peripecias, pero finalmente desistió por diferencias creativas con los productores. Finalmente se ha encargado de la realización Antonio Hernández, solvente artesano responsable de títulos como Lisboa, Los Borgia y En la ciudad sin límites. Palestina en la época de las Cruzadas. Con ayuda de sus inseparables amigos Goliath y Crispín, el Capitán Trueno se enfrenta a un grupo de musulmanes en un fuerte. Allí, Trueno encuentra a un anciano moribundo que casualmente posee el Santo Grial, el cáliz que utilizó Jesucristo en la Última Cena. Le pide que lo lleve a España y lo proteja de una orden de guerreros siniestros. Le ayudan sus amigos y variopintos personajes entre los que se encuentra una atractiva princesa vikinga, Sigrid, de la que se enamora. El cómic tenía posibilidades de dar lugar a un film de aventuras cuanto menos correcto, Hernández era una buena elección como director. Aunque el arranque despierta cierta expectación, pronto queda de manifiesto que el presupuesto no llega a cubrir las exigencias de una gran aventura en pantalla grande, y proliferan las dunas y los armamentos de plástico ridículos. El guión no parece ir a ningún sitio, y los diálogos son un despropósito. Es difícil entender cómo al considerar la opción de revisar un cómic mítico para generaciones de españoles, no se halla hilado más fino y en vez de conservar el espíritu de caballero que va deshaciendo entuertos al grito de “Santiago y cierra España” se le ha desprovisto de los rasgos más característicos de su personalidad en “favor” de una imagen más políticamente correcta, para supuestamente agradar a un público actual. Así se nos presenta a un héroe plano sin pasado sugerente que nos pueda hacer imaginar las mil y una batallas en las que ha podido participar siempre por una misma causa, la defensa de los desvalidos bajo un pensamiento cristiano, como ideaba Mora y Ambros reflejaba en viñetas. Si la intención era evitar que se viera al Capitán Trueno como lo que algunos denominan un “facha” que respondía a la época en la que nació el personaje, ya se podrían haber estrujado un poco el cerebro para haberle dotado de mucho más carisma y subrayado los valores de astucia, valentía y en definitiva, capacidad de liderazgo en cualquier héroe que se precie. El Capitán Trueno se merecía más. Por otro lado, los actores principales tienen cierto parecido con sus personajes en las viñetas. Sin embargo, están dirigidos con desinterés, y parecen recitar sus textos sin ninguna convicción. Al menos, es un film positivo y bienintencionado con un tono amable que puede gustar a los más jóvenes. La canción de Asfalto nos traerá seguro muy buenos momentos al final del film. Ven, Capitán Trueno, haz que gane el bueno...

Miniserie televisiva inspirada en el fatal accidente del vuelo 5022 de Spanair, ocurrido el 20 de agosto de 2008 en el madrileño aeropuerto de Barajas, donde perdieron la vida 154 personas. La película arranca con la colisión del avión nada más despegar, y funciona en dos tiempos: por un lado la investigación para determinar las causas del siniestro, que ocupa la mayor parte del metraje, por el otro, en flash-back, las últimas horas de tripulación y pasajeros antes de la tragedia.Tratando de evitar las abundantes críticas que ha recibido el telefilm por haberse rodado con apenas dos años de distancia de los hechos, sus responsables han cambiado el nombre del vuelo, evitan mencionar nombres de compañías y fabricantes que pudieran sentirse molestas, y se evitan cualquier tipo de escenas morbosas, ya sea de cadáveres carbonizados o de familiares destrozados. De modo que “la parte del león” de la miniserie dirigida por Norberto López Amado consiste en mostrar el rigor con que los investigadores del accidente realizan su trabajo, mientras soportan presiones de los políticos y la prensa: búsqueda de las cajas negras, recopilación de hipótesis, conversaciones con testigos y supervivientes, etc. Eso sí, para evitar que el resultado final resulte algo frío se ha querido jugar la carta del contraste entre los personajes de los investigadores encarnados por Carmelo Gómez y Emma Suárez –que han trabajado ya juntos en más de diez ocasiones–, un poco a lo Sculler y Mulder en Expediente X, el primero es racional, la otra muestra más sensibilidad. La trama se sigue con interés, y es notable el esfuerzo de producción, aunque, obviamente, no “se inventa la pólvora”.

A pesar de ser argentina, la directora Daniela Féjerman parece encontrar su inspiración en la más rancia comedia española, a juzgar por sus películas Semen. Una historia de amor y A mi madre le gustan las mujeres. Esta vez parte de un guión que ella misma ha coescrito con Ángeles González Sinde, antes de que ésta fuera elegida ministra de Cultura. La idea es bastante loable, pues consiste en realizar un retrato costumbrista de los nuevos métodos de búsqueda de pareja en la rápida sociedad moderna, donde la gente tiene poco tiempo para conocerse de forma espontánea. En concreto, Féjerman describe los ‘speed dating’, encuentros entre solteros que consisten en que los chicos hablan con cada una de las chicas de una cita durante 7 minutos –de ahí el título del film–. Al final, cada participante entrega a la organización un papel con el nombre de las personas con las que le gustaría seguir en contacto. Si coinciden ambas partes, se les da a los dos el número de teléfono o la dirección de mail. En una de estas veladas de ‘speed dating’ coinciden los protagonistas de esta comedia coral. Allí acude Zulu –un divorciado con dos niños, que ejerce de entrenador de fútbol–, Nerea –una profesora neurótica–, Luismi –un supuesto abogado con aire de macarra–, Sonia –una música tan exigente que ningún hombre le parece perfecto– y Ana –una amiga de ésta, felizmente casada, que sólo ha ido para acompañarla–. También tiene mucho protagonismo en el film Vicente, el hermano gay de Zulu, que aunque vive con otro hombre se plantea que quizás le gusten en realidad las mujeres. La idea podría haber dado lugar a una comedia fresca, y de hecho alguna secuencia tiene su gracia, como la sesión de cine en una conocida sala de versión original. También contiene algún apunte que da que pensar sobre la soledad de los protagonistas, representativos de la sociedad moderna. Pero los personajes son tópicos, y abusa del humor soez típico del cine español hasta extremos agotadores, con algunos diálogos muy pobres, impropios del talento demostrado por González Sinde en otras ocasiones. La subtrama del hermano gay, primero un personaje muy secundario que de repente acaba acaparando protagonismo, está metida con calzador. No todo el reparto está al mismo nivel, pues si Pilar Castro y Luis Callejo tienen cierta espontaneidad, otros como Antonio Garrido no llegan a resultar creíbles.

Absoluto despropósito dirigido por el tándem Alfonso Albacete-David Menkes, quienes anteriormente habían dado muestras de algo más parecido a una película con la comedia Entre vivir y soñar. Aquí, con la excusa de hablar de la desorientación de los veinteañeros de la costa levantina española, jóvenes inconscientes que viven inmersos en el mundo de la noche, el alcohol, el sexo y las drogas, ofrecen una película esperpéntica, de una superficialidad obsesiva y cargante. Es como para tomarse a chirigota que el guión esté firmado por tres personas –¡una de ellas Ángeles González Sinde!–, cuando en realidad no hay guión por ningún lado, ni nada que se le parezca, tan sólo unos cuantos personajes tristes, apenas esbozados, que dan tumbos sin sentido. Se supone que los autores quieren mostrar a una parte de la juventud que vive una gran mentira, un paraíso artificial de placer y vacío en el que sólo vale "vivir la vida". Pero esa idea no basta. El espectador no podrá creerse lo que está viendo: una sucesión irracional de gráficas escenas de sexo –ellos con ellos, ellas con ellas, parejas, tríos, etc.–, en cualquier momento y lugar, aderezadas con unas cuantas pastillitas por aquí y unas cuantas rayitas por allá. De vergüenza ajena.

Desde luego el cine español va mal, muy mal. Y todavía va a ir mucho peor si el dinero público sigue financiando productos como éste, absolutamente patéticos. Es deprimente comprobar de qué manera se tira el dinero. El debutante Álvaro Díaz Lorenzo no ha podido empezar con peor pie su andadura detrás de la cámara, y encima hasta él mismo ha escrito el guión: las aventurillas de un grupo de cuatro amigotes de veintitantos y sus relaciones con las mujeres, en clave de comedia casposa, muy verde y muy marrón. La acumulación de gags guarros, de sexo, de lenguaje barriobajero, de chistes soeces, y un largo etcétera, es impresionante. En fin, que la visión de la juventud que ofrece Díaz Lorenzo es muy limitadita, al estilo American Pie pero incluso más cutre. Escondida entre tanta porquería, hay sorprendentemente algún instante divertido y ciertos miembros del reparto –Diego París, Alejo Sauras– no lo hacen mal, pero, realmente, ¿a quién le importa?

Haciendo honor a su bíblico nombre, Caín envidia tremendamente a su hermano, Abel, porque se casó con la mujer de la que él estaba enamorado. Encima, Abel no la valora lo suficiente, pues mantiene una relación extraconyugal con Aisha, una emigrante de Bangladesh a la que ha dejado embarazada. El bueno de Abel se hace pasar por padre de la criatura para que la chica no sea rechazada por su familia, y también porque se siente atraído por ella. Incluso llega a convertirse al islamismo, para ser aceptado por sus suegros. Con Tigres de papel, Fernando Colomo inventó la llamada `comedia madrileña´, actualización de la `españolada´ de toda la vida, dándole un toque de frívola modernidad, al colocar como protagonistas a personajes muy del momento. En su último trabajo, el cineasta sigue en su línea, y aunque sólo pretende filmar una comedia ligera, aporta elementos costumbristas, al describir la actual realidad multiétnica española. Colomo sorprende por su tono amable, puesto que sus anteriores trabajos solían ser subidos de tono, y recurre a actores completamente desconocidos, algunos mejores que otros. A veces el veterano director se muestra un poco torpe, sobre todo en un número musical en homenaje a Bollywood, filmado mediante el sistema de plano-contraplano, que horrorizará a todos los que hayan visto algún musical indio, con sus vistosos y dinámicos montajes. Acusa la falta de presupuesto, y el tratamiento del tema de la inmigración resulta un poco superficial. Pero es cierto que se sigue con cierto interés, y que tiene algunos momentos divertidos.