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Biografía

Eduard Grau

Eduard Grau

Eduard Grau

Premios: 0 Goya (más 1 nominaciones)

Goya
2019

Nominado a 1 premio

Filmografía
The Way Back

2020 | The Way Back

Tras un desgraciado suceso, la antigua promesa del baloncesto Jack Cunningham, que ahora trabaja como obrero de la construcción, ha caído en desgracia. Tras separarse de su mujer, malvive solo en un apartamento y ahoga sus penas en cerveza, hasta el punto de que no puede dejar de beber ni en la ducha. En esta coyuntura, el director del instituto católico en el que estudió le pide que se convierta en entrenador del equipo de baloncesto, que no logra buenos resultados desde su marcha. Tras pensárselo muy bien decide aceptar el reto. Gavin O’Connor dirigió un modélico film de superación personal en el deporte, El milagro, de 2004, centrado en el mundo del hockey. Esta vez aborda un proyecto que a primera vista parece similar, salvo porque se desarrolla en el mundo del baloncesto, pero que sorprende porque encubre señas de identidad propias. En primer lugar, Ben Affleck realiza la que quizás sea su interpretación más sentida, pues como su personaje ha luchado para librarse del alcoholismo, por lo que logra transmitir una enorme sinceridad. Por otra parte, el guión de Brad Ingelsby parte del típico esquema de este tipo de películas, pero pone mucho el acento en las dificultades para salir del bache del protagonista, y se encamina a derroteros un poco inesperados en su tramo final. Se abordan muy bien otras cuestiones, como el dolor que provoca la enfermedad infantil, o el compromiso de los educadores que buscan convertir a sus alumnos en adultos con principios. El realizador ha filmado secuencias realistas de las competiciones, y consigue de sobra que el espectador se interese por la historia. Affleck está arropado por otros actores que sin destacar demasiado, al menos no desentonan, como Janina Gavankar, esposa del protagonista, o el joven Brandon Wilson, único de sus pupilos que tiene entidad en el libreto y un mínimo de conflicto, ya que el resto de componentes del equipo quizás estén un poco descuidados.

6/10
Identidad borrada

2018 | Boy Erased

Película basada en hechos reales, plasmados en las memorias de su protagonista, Garrard Conley. Sigue la peripecia de Garrard, hijo único de un pastor baptista en un pueblo de Arkansas, que con apenas 18 años tiene inclinaciones homosexuales, le gustan los hombres. Confuso por dentro, también por sus creencias religiosas y por temor a disgustar a sus padres, Marshall y Nancy, no cuenta a nadie sus sentimientos; y estando en la universidad sufrirá una violación de otro estudiante, con el que había trabado amistad. Sincerándose más tarde en casa, acepta el camino que le marca su padre, seguir el programa del centro de terapia “Amor en Acción”, que se supone que enderezará su tendencia homosexual, y que dirige con mano de hierro Victor Sykes. Joel Edgerton escribe, dirige y coproduce Identidad borrada, reservándose el papel más incómodo a priori, el de Sykes, con la intención de evitar los reduccionismos que podrían convertirlo en un villano de opereta. Porque la idea del cineasta, según él mismo ha explicado, es la de humanizar a todos los personajes, y entender los diversos puntos de vista, ya que se supone que cada uno a su manera, con mayor o menor tino, busca el bien de quien se supone que debe ser curado. Lo que no impide que su intención didáctica sea bastante evidente, la de condenar las llamadas “terapias de conversión” de las tendencias homosexuales, que harían un enorme daño psíquico, e incluso podrían incitar al suicidio; con un enfoque prevalente de persuadir a los espectadores cercanos a la perspectiva de los padres del protagonista, que presentarían una fe cristiana y una cultura algo rudimentarias, la primera pegada a la literalidad de la Biblia. Es evidente que se describe un caso concreto, y que en el contexto de personas con sensibilidad religiosa y antropológica particulares, pueden producirse reacciones de todos los tipos, incluida la descrita en el film. Por otro lado, los tiempos han cambiado bastante desde los tiempos no tan lejanos en que agrupaciones profesionales, como la Asociación de Psiquiatría Americana, describían la homosexualidad como una enfermedad. En ese contexto cualquier terapia que busque una modificación de conducta no es aceptable en las modernas sociedades contemporáneas, menos con la presión del muy activo lobby LGBTQ. Lo que no deja de ser paradójico cuando al mismo tiempo se habla de identidad de género, y de la libertad que cualquier persona tendría para construirse dicha identidad. Pero más allá de estas consideraciones socioculturales, en el film llama la atención la completa ausencia de amor en un programa que se autodenomina “Amor en Acción”, pues se actúa con rigidez y modos de robot, siguiendo normas de manual, y nunca atendiendo las necesidades del individuo concreto, no parece que existan personas. También la fe ciega con la que los padres de Garrard entregan a su hijo a los cuidados de unos desconocidos, por muy aconsejados que estén por supuestos hombres sabios de su congregación. Por eso algunas reacciones, como la de Nancy reprochando a Sykes que seguramente no tiene ni siquiera un título de psicólogo, resultan chocantes. Y al fin, el objetivo de humanizar el relato fracasa parcialmente, hay algo de desequilibrio creciente en el doble relato paralelo, el chico en el centro, y los hechos que le han llevado hasta ahí, hasta cierto momento climático, no demasiado bien resuelto. El film, filmado con corrección, tiene la buena intención de invitar a la comprensión entre las personas; aunque vean las cosas de modo distinto, el amor debería prevalecer sobre la condena y el rechazo tajantes, unos padres deberían querer y ayudar a su hijo homosexual, respetando sus decisiones aunque no las compartan, y éste no debería romper los lazos con ellos, aunque piense que no han sabido echarle una mano cuando la necesitaba. En este sentido hay un gran esfuerzo actoral para dibujar esas relaciones paternofiliales, Russell Crowe y Nicole Kidman con Lucas Hedges, éste repitiendo el rol de joven estrechamente unido a su madre, después de trabajar con Julia Roberts en El regreso de Ben.

5/10
Gringo. Se busca vivo o muerto

2018 | Gringo

Harold es un talentoso pero tímido ejecutivo de una empresa farmacéutica, que opera en México en connivencia con un cartel de la droga, para la producción en laboratorio de un medicamento basado en la marihuana. Richard y Elaine, sus inmorales jefes de Chicago, realizan así lucrativas operaciones ilegales, de las que él no tiene ni idea. Pero los peligrosos criminales socios de los jefes van a tratar de presionar a Harold para obtener condiciones más ventajosas, lo que le supone caerse del guindo, algo a lo que también contribuye la recién descubierta infidelidad de su esposa. En crisis vital, fingirá su propio secuestro con petición de rescate, motivo por el que Richard envía a su hermano Mitch, mercenario reconvertido en partidario de causas justas, para rescatarlo sin pagar nada a cambio. Al enredo se suma una pareja de turistas despistados, y los agentes de la DEA que investigan a los narcos. Entretenida comedia negra sobre el submundo criminal y las tapaderas respetables, dirigida por el australiano Nash Edgerton, hermano del más conocido Joel Edgerton con el que se lleva un año, aunque ambos curiosamente han trabajado con roles de actor y director, entregando títulos siempre de interés, estén más o menos logrados. En este caso Joel tiene un pequeño papel como odioso jefe. Conviene estar atentos a los proyectos que desarrollan, pues por ejemplo El regalo fue otra grata sorpresa. El guión está pergeñado por dos escritores solventes, Matthew Stone (Crueldad intolerable) y Anthony Tambakis (La venganza de Jane), y presenta un excelente ritmo, diálogos agudos rebosantes de ironía, y se hace un buen uso de los personajes inocentones sumergidos en una peripecia no deseada –destaca sobre todo David Oyelowo–, que les obliga a madurar, y que contrastan fuertemente con los otros personajes sin escrúpulos, cínicos y dispuestos siempre a aplastar a los demás, en los que nunca ven personas, ahí están el citado Joel y Charlize Theron. Quizá a veces se echa en falta algo de delicadeza en la exposición, aunque la excusa sea subrayar las diferencias cargando las tintas en la brutalidad y falta de humanidad de los villanos.

6/10
Quién te cantará

2017 | Quién te cantará

Una formidable película, una obra de madurez. Una historia acerca de las segundas oportunidades y la posibilidad de reinventarse, que afecta sobre todo a dos personas. Lila Cassen fue una estrella de la canción, retirada prematuramente, y que cuando planeaba su regreso bajo los focos con una gira de conciertos, pierde la memoria, hecho que se oculta a la opinión pública. Violeta trabaja en un karaoke, y vive con hija única Marta, una joven ingrata y con muchas aristas. Fan incondicional y buena conocedora de la música de Lila, la situación de la cantante deviene en carambola que puede cambiar su vida, pues Blanca, su agente, le encomienda que le ayude a recordar sus canciones y su modo de cantar, a ser ella misma de nuevo. Probablemente estamos ante la mejor película de Carlos Vermut hasta la fecha, quien ya había demostrado antes que era alguien a seguir con Diamond Flash y Magical Girl. Ahora renuncia a titular su nuevo trabajo en inglés, y en cambio encuentra un buen leitmotiv en una conocida canción de Mocedades, que sirve como metáfora del film, “Quién te cantará” alude al juego en que se ven implicadas Lila y Violeta, con los reflejos, duplicidades y experiencias compartidas, lo que tienen en común será reconocido por el espectador a medida que avanza la narración. Vermut es un gran creador de atmósferas, que imprime cierto laconismo en los personajes, y nos envuelve en el misterio; con su particular tempo, o en el uso formidable de las canciones, aunque sea de otro modo, la película puede evocarnos a Krzysztof Kieslowski y títulos como La doble vida de Verónica. Hay sobriedad a la hora de mostrarnos los dramas y sus consecuencias, aunque a veces sean duras, el enfrentamiento entre Violeta y Marta resulta desgarrador. La película es fundamentalmente femenina, los escasos hombres apenas cuentan. Hace un gran trabajo Najwa Nimri, de quien era sabida su faceta de cantante, pero por sorprende aún más, quizá por desconocida, Eva Llorach, que aunque había trabajado ya con el director, aquí compone con un talento increíble a una madre con principios, sensible y sufriente.

8/10
Suite francesa

2015 | Suite française

1940. En un pueblo de la campiña francesa, Lucile Angelier aguarda noticias de su marido, alistado en el ejército que trata de detener sin éxito a las tropas nazis. Éstas llegan al lugar, por lo que Lucile y su codiciosa suegra se ven obligadas a alojar en su residencia a Bruno, un refinado oficial alemán que toca diariamente una misteriosa melodía en el piano, y por el que la joven comienza a sentir cierta atracción. La novela en la que está basada Suite francesa obtuvo un enorme éxito cuando se publicó en 2004, más de seis décadas después de la muerte de su autora, la judía de origen ucraniano Irène Némirovsky, que habiéndola dejado inconclusa y oculta en una maleta, fue deportada a Pithiviers y después a Auschwitz, de donde ya nunca saldría. Su hija conservó el cuaderno en el que estaba escrita pero durante muchos años se negó a leerlo, pensando que contenía un diario demasiado duro. Hasta los 90 no se dio cuenta de que se trataba de una novela. La adaptación al cine se centra en "Dolce", la segunda de las dos partes del volumen publicado. Los numerosos personajes que huían de París en la primera, "Tempestad en junio", han quedado resumidos en las imágenes que muestran a las masas que han huido de París, cuando comienzan los bombardeos alemanes. También se conserva un esquema de lo que iba a ser la tercera parte literaria, que ha inspirado la dirección que toma el guión del film en su tramo final. Así las cosas, los lectores reconocerán la obra original a ratos. Aún así, el director y coguionista Saul Dibb, responsable de La duquesa, firma un film eficaz, que mantiene más o menos la elegancia del libro, y sobre todo se engrandece por la trabajada interpretación de Michelle Williams, y su suegra en la ficción, la siempre inmensa Kristin Scott Thomas. Sin llegar a la misma altura, no desentonan Matthias Schoenaerts (De óxido y hueso), el nazi, y en papeles más secundarios, Sam Riley o Margot Robbie. El desarrollo de Suite francesa muestra un mosaico de las diferentes posturas que toma la población para salir adelante en circunstancias duras, incluyendo los que inician una relación sexual con el enemigo (el personaje de Robbie), los que tratan de mantener la dignidad iniciando la Resistencia, los que sacan tajada económica de la población... En suma, las virtudes del film compensan su academicismo, sus elementos propios de culebrón y una puesta en escena a ratos un tanto fría.

6/10
Sufragistas

2015 | Suffragette

En un momento en el que está de rabiosa actualidad el debate sobre la discriminación de la mujer en el cine, por la desigualdad de salarios y oportunidades, el cine británico repasa en Sufragistas un capítulo clave de la lucha por el voto femenino. 1912. Cuando acude a realizar un reparto de la fábrica en la que trabaja, Maud se topa con una acción violenta de un grupo de partidarias del voto femenino que siguen a la carismática Emmeline Pankhurst, harta de la falta de resultados de las reivindicaciones moderadas. Acaba uniéndose a ellas, lo que pondrá en peligro la relación con su esposo, con el que ha tenido un niño. Tras Brick Lane, sobre una joven de Bangladés en Londres, la británica Sarah Gavron aborda su segundo largometraje dramático, también sobre temática femenina, con guión de Abi Morgan, responsable de La dama de hierro. Se trata de una superproducción, con impecable factura técnica, que cuenta con grandes trabajos actorales, sobre todo por parte de Carey Mulligan, en una de sus interpretaciones más brillantes, pues su personaje experimenta una enorme evolución, y logra secuencias desgarradoras, sobre todo las relativas a su hijo. A su altura está sin duda Helena Bonham Carter, que lleva con ella gran parte del peso de la trama, pero también convencen en roles secundarios Ben Whishaw, Anne-Marie Duff y sobre todo Brendan Gleeson, como un inspector de policía defensor a ultranza del imperio de la ley. La presencia de la todoterreno Meryl Streep tiene su sentido para dar fuerza al papel de Pankhurst, aunque sabe a poco que sólo intervenga en un par de secuencias. Sufragistas muestra con claridad el desprecio con el que eran tratados quienes pedían el voto femenino, los engaños políticos y hasta parte del juego sucio llevado a cabo por las autoridades, en un momento histórico poco visto en la pantalla. Pero le faltan matices a su reivindicación del sector más violento de la lucha por este derecho indiscutible, y de sus imágenes parece colegirse que de forma pacífica, sin sabotajes, incendios de establecimientos públicos, atentados y hasta lo que ahora se conoce como "escraches" de políticos, no se habría conseguido nada.

6/10
El regalo

2015 | The Gift

Una sorprendente película, porque todo hace presagiar que se trata de un thriller que va a discurrir por campos muy trillados, pero su guionista, director y coprotagonista Joel Edgerton logra, contra pronóstico, adentrarse en selva virgen y sorprender. La cosa arranca con un matrimonio de aspecto encantador y triunfador, ellos son Simon y Robyn, que acaban de mudarse a una casa preciosa en una urbanización a las afuera de Chicago, cerca de donde pasó él la infancia. Lo que propicia el encuentro casual de Simon con un antiguo compañero de colegio, Gordo, al que no reconoce inmediatamente, y que pronto empieza a convertirse en una presencia habitual en la vida de la pareja, lo que empieza a resultar extraño y cargante. Y sus continuos regalos-sorpresa parecen estar fuera de lugar. Edgerton utiliza el clásico esquema de intruso con pinta de psicópata que empieza a resultar tremendamente perturbador. Pero lo hace con originalidad, jugando la carta de la ambigüedad que permite diversas lecturas a varios niveles, y manejando un puñado de elementos que combinan la intriga con un dibujo interesante de la naturaleza humana, donde nada es lo que parece: el trauma de Robyn, que perdió al bebé que estaba esperando; la actitud avasalladora de Simon en su trabajo y en el hogar; la prepotencia y desconsideración en las reuniones con los amigos; y, por supuesto, el pasado escolar compartido de Simon y Gordo, muy representativo de algunos lamentables episodios que pueden ocurrir en los centros educativos, y que acaban pasando factura en la edad adulta a los estudiantes. Se retuerce además el concepto "regalo" de un modo efectivo, lo que suele entenderse como gesto de aprecio puede convertirse en otra cosa. Así las cosas, el ritmo logrado es excelente, y el trío de personajes principales está muy bien dibujado. Edgerton se reserva al estrafalario Gordo, mientras que Jason Bateman es el tipo avasallador, y Rebecca Hall la esposa encantadora y sufriente. La fotografía se debe a un español, el barcelonés Eduard Grau, que se está labrando una sólida carrera internacional, pues el mismo año ha fotografiado Sufragistas.

7/10
Arthur Newman

2012 | Arthur Newman

Después de fingir su propia muerte y adoptar una nueva identidad, un divorciado deprimido (Colin Firth) conoce a una joven perturbada (Emily Blunt), que le conduce a nuevas alturas de simulación mientras recorre el país.

Animals

2012 | Animals

Puesta de largo del cortometrajista Marçal Fores, joven alumno de la ESCAC, escuela de cine de Cataluña, institución de donde también han salido, entre otros, nada menos que Juan Antonio Bayona, responsable de la exitosa Lo imposible, y Kike Maíllo, autor de Eva. Esta última cinta tenía detrás a la productora de la escuela, Escándalo Films, que también avala Animals. Obtuvo una cálida acogida tras su proyección en la sección Nuevos Directores, del Festival de San Sebastián y su presentación en el Festival de Sitges. Sorprenderá a los espectadores que Animals tenga ciertas similitudes con la rodada prácticamente a la vez Ted, pues su personaje conversa con un oso de peluche. Pero el film de Seth MacFarlane se centraba en las risas, mientras que Fores ha optado por un tono siniestro y desconcertante. Aquí además el joven protagonista, Pol, es el único que puede en realidad comunicarse con el oso, pues en realidad se trata de un amigo imaginario creado durante su infancia. Debería haber superado esta etapa mucho tiempo atrás, pero ya adolescente, convertido en estudiante de un instituto británico, sigue interactuando con él, por culpa de que se siente completamente desorientado, sobre todo tras la llegada de Ikaru, un enigmático alumno novato. Fores parece tener como punto de referencia el film de culto Donnie Darko, también sobre un estudiante de instituto confundido, que allí se relaciona con un conejo gigante, y con la que comparte sobre todo sus tintes surrealistas. Aunque Animals podría decepcionar a quienes por el planteamiento busquen reflexiones antropológicas de entidad, y por supuesto al público propio del cine convencional, Marçal Fores se perfila como un potente creador de imágenes plagado de ideas, a tener en cuenta de cara al futuro. Sus numerosas referencias a la cultura popular –el manga, los grupos alternativos de música, etc.– propician mucha frescura y harán atractiva la cinta al público joven. Animals cuenta a su favor con un más que convincente trabajo del joven primer actor, Oriol Pla, forjado en la serie catalana El cor de la ciutat. Le rodean secundarios igualmente prometedores, y nada menos que el británico Martin Freeman, en el momento álgido de su carrera, tras encarnar a Watson en la serie de la BBC Sherlock, y a Bilbo Bolsón en El hobbit: Un viaje inesperado, que interpreta con cierta convicción a un profesor del centro que no requiere tampoco de un enorme esfuerzo. Posiblemente, su presencia ha forzado que en el instituto se hable en inglés –el film combina diálogos en este idioma con otros en catalán en su versión original–, pero aunque esta circunstancia no aporta nada tampoco resulta muy forzada.

4/10
La maldición de Rookford

2011 | The Awakening

Florence es una joven científica que se dedica a desenmascarar impostores que pretenden embaucar a la gente crédula, haciéndoles creer en supuestos fantasmas o espíritus de sus antepasados. Las personas tienen avidez de encontrar auxilio en un más allá, lejano de las penas del presente. Estamos en el Londres de 1921, época en donde muchas personas han sufrido los horrores de las trincheras de la Gran Guerra o la muerte de los seres más queridos. La gente necesita creer, pero la joven Florence no está dispuesta complacer esa farsa. Así están las cosas cuando un ex combatiente, ahora profesor de historia, le hace llegar una petición de auxilio en nombre del colegio Rookford, en donde un grupo de niños vive aterrorizado por la presencia de un fantasma. Ella, muy reticente al principio, acabará aceptando trabajar en el internado con el fin de descubrir al supuesto culpable de las fechorías. Buena atmósfera, guión hilvanado con brillantez y personajes bien definidos son las claves de esta correcta película de fantasmas, que desprende el clasicismo de las mejores historias del género, desde ¡Suspense! hasta la Los otros. Sin descubrir nada nuevo, La maldición de Rookford es meritoria al no basar la tensión en continuos golpes de efecto, en imágenes pesadillescas, en muertes truculentas, ni en ruidos estridentes y sustos repentinos destinados a hacer saltar al espectador de su butaca... Todo ese arsenal de tópicos del subgénero de fantasmas tienen quizá que estar presentes, y aquí se usan más de una vez, pero los guionistas Nick Murphy (éste en su debut como director de largometrajes) y Stephen Volk hacen un esfuerzo por cuidar especialmente a los personajes, ninguno está demás ni es un cliché, todos llevan su pasado a cuestas, y se enfrentan al presente con sus miedos y traumas, con su soledad. Es justo reconocer además que el desenlace de La maldición de Rookford, aunque en la línea forzada (y un poco tramposilla) de este tipo de filmes, está más que a la altura de lo que se espera. El reparto es cosa seria, un trío de intérpretes británicos de primera línea. Rebecca Hall es una actriz impresionante y aquí sabe transmitir eficazmente su inquietud, como sus compañeros Dominic West e Imelda Staunton.

5/10
Buried (Enterrado)

2010 | Buried

Vigoroso thriller que supone el segundo largometraje de Rodrigo Cortés, autor de Concursante. Esta producción española de Versus Entertainment, rodada en inglés, con guión del poco experimentado Chris Sparling, desató ovaciones y elogios de la prensa a su paso por el festival de cine de Sundance de 2010, provocó que se organizaran grandes colas para verla y se convirtió en la primera cinta del certamen en lograr distribución americana, tras una generosa oferta de Lionsgate, que pujó duramente contra otras empresas. Buried (Enterrado) es una cinta de suspense al límite, que hubiera apasionado a Alfred Hitchcock. Salvando las distancias recuerda al legendario episodio “Las cuatro en punto”, de la serie Alfred Hitchcock presenta, en el que unos ladrones atan a un hombre en el sótano, donde una bomba está a punto de estallar. En la cinta de Cortés, Paul Conroy, un contratista civil americano, que transporta mercancías en Irak, se despierta en el interior de un viejo ataúd de madera, enterrado vivo. Encuentra a su lado un mechero zippo, que le permite tener algo de luz, y un móvil con la batería a medio gastar. El convoy en el que viajaba ha sido atacado por supuestos insurgentes que acabaron con la vida de algunos de sus compañeros y a él le han secuestrado. Con el móvil intentará pedir ayuda antes de que se le acabe el aire para respirar. Desde luego era todo un reto rodar una cinta que transcurre íntegra en el interior de un ataúd, y Rodrigo Cortés sólo podía estrellarse o llamar la atención, lo que finalmente ha conseguido. El cineasta renuncia a trucos fáciles, como incluir flash-blacks, y logra que sus planos sean lo suficientemente variados y ágiles, a pesar de la falta de espacio e iluminación. A través de los diálogos y sonidos, logra crear una enorme tensión, que mantiene pegado al espectador a la pantalla. Frente a un cine español dominado por el discurso político cargante, Cortés opta por el cine de género puro y duro, e introduce alguna reflexión interesante, sin adoctrinar. Destaca su acertada crítica a la falta de escrúpulos y ética que con demasiada frecuencia se produce en el ámbito de las grandes empresas, en uno de los segmentos de la cinta que más dará que hablar. Destaca el esmerado trabajo de Ryan Reynolds, que hasta ahora no había tenido una oportunidad mejor de lucirse en la pantalla, aunque había aparecido en títulos como X-Men Orígenes: Lobezno y La proposición. No resulta exagerado que la revista Variety se haya apresurado a incluir a Rodrigo Cortés en la lista “10 Directors to Watch”, que anualmente señala a los directores más prometedores. Aunque han formado parte de esta lista autores hoy tan consagrados como Christopher Nolan o Alejandro González Iñárritu, sólo había aparecido hasta ahora un español, Juan Carlos Fresnadillo, en 2002.

6/10
Un hombre soltero

2009 | A Single Man

Debut de Tom Ford, consagrado diseñador de moda, que ha trabajado como director creativo de Gucci e Yves Saint-Laurent. Ford sorprendió muchísimo a sus compañeros del sector, cuando anunció que abandonaba temporalmente el mundillo de la moda, para dedicarse a dirigir cine. Había decidido adaptar al cine “Un hombre soltero”, de Christopher Isherwood, emblemático libro para el movimiento gay. A Single Man está ambientada en Los Ángeles, en 1962, en plena crisis de los misiles de Cuba. George Falconer es un brillante profesor de universidad británico incapaz de superar la muerte de Jim, que fue su amante durante mucho tiempo. Sus familiares, ni siquiera le permitieron acudir al funeral. Intenta suicidarse pero no puede, al tiempo que Charley, su mejor amiga, le intenta consolar y le manifiesta que está enamoradísima de él. También lo está uno de sus estudiantes, que ha llegado a pedirle su dirección a su secretaria. Lo mejor de esta cinta es la sorprendente interpretación de Colin Firth, que se hizo con la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia. También se perfila como uno de los más que posibles candidatos a los Oscar, donde está claro que tiene posibilidades. Brilla especialmente en las secuencias que comparte con Julianne Moore, que también suena para la que sería su quinta nominación a la estatuilla, aunque su papel es breve. Resulta eficaz su retrato del dolor causado por la muerte del ser amado, pues Tom Ford elige la vía de la sobriedad y la contención. Pero por otro lado resultan evidentes sus intenciones propagandísticas al estilo de Brokeback Mountain. Idealiza la relación homosexual del protagonista, que es el único de su entorno que ha logrado encontrar a su pareja ideal. Se sugieren las dificultades sociales que ha padecido, pero éstas son bastante mínimas, apenas sin importancia (un vecino le critica a sus espaldas porque “es de la acera de enfrente”). En general parece que se evita mostrar las consecuencias del camino que el personaje ha tomado, sobre todo porque la historia finaliza de forma algo brusca.

4/10
Finisterrae

2008 | Finisterrae

Finisterrae narra la historia de dos fantasmas que hartos de transitar en el territorio de las penumbras, deciden realizar el Camino de Santiago hasta el fin del mundo para una vez allí, empezar una etapa terrenal y efímera en el mundo de los vivos. Un recorrido introspectivo por territorios inhóspitos en el que se encontrarán con seres extraños, animales salvajes e insólitos personajes.

Honor de cavallería

2006 | Honor de cavallería

Arriesgado debut como director de Albert Serra, que da una visión muy personal de los personajes de Cervantes. El cineasta muestra a un Quijote desencantado, que reflexiona sobre sus sueños y ansias de vivir aventuras. Se trata de una película contemplativa, de desarrollo lento y largos monólogos del protagonista, que bien puede apasionar como ganar detractores. En cualquier caso, se agradece el esfuerzo por alejarse de los tópicos al uso y que se acerque a temas de entidad, como el choque entre los ideales y el mundo real, la búsqueda de Dios, o las relaciones con la naturaleza. Fue seleccionada para la Quincena de Realizadores de la última edición del Festival de Cannes.

2/10

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