Harry Gregson-Williams

Tras su versión animada Mulan, Disney revisita la leyenda ancestral de esta guerrera china en una película con actores de carne y hueso a la que la pandemia del Covid-19 ha marcado su estreno en la plataforma Disney+. Una lástima porque la espectacularidad de las escenas épicas y de acción están pidiendo a gritos la pantalla grande. Desde niña, Mulan ha sido especial. Tremendamente ágil, es una mujer de acción y sus padres les cuesta atarla en corto. De todos modos esperan que, como su hermana, logre hacer un buen matrimonio, y de hecho acuden a una casamentera para que la prepare. Pero todo cambia cuando un edicto del emperador de China reclama a todas las familias de su reino a que aporten un varón guerrero capaz de luchar contra un terrible enemigo que prepara una invasión. El padre de Mulan es el único varón de la familia, y de hecho se apresta a presentarse a la leva, pero pese a que tiene experiencia guerrera, es mayor y lisiado, tiene una prótesis en una pierna. Sin que lo sepa el progenitor, Mulan sustrae sus armas, espada, casco y armadura, y disfrazada de hombre ocupa su lugar. Allí demostrará sus cualidades excepcionales para el combate y el liderazgo, y también su humanidad, pues tiene miedo como cualquiera. La directora neozelandesa Niki Caro tiene experiencia en dirigir películas sobre mujeres fuertes con dotes para el liderazgo, como demostró en Whale Rider, el título que la lanzó a la fama. Aquí entrega un film muy entretenido y dinámico, que encaja perfectamente en el plan de Disney de revisar con actores –aquí todos chinos, como es de rigor– sus clásicos títulos animados, pues destaca el amplio lienzo del relato, repleto de espectaculares escenas de acción, combates con personajes casi voladores en la tradición del wuxia, la denominación de los títulos de artes marciales chinos con espectaculares coreografías. No falta el malvado villano, Jason Scott Lee, que trata de poner en jaque al emperador, Jet Li, o una bruja, interpretada por Gong Li, que sugiere el camino que podría seguir Mulan si no encuentra el cauce adecuado para su talento guerrero. Aunque Liu Yifei, que interpreta a Mulan, es prácticamente una desconocida, lo hace bien, tanto en las escenas de acción, como en su interacción con su familia y con sus compañeros de batalla y comandante, ante lo que debe impostar su voz para parecer un hombres, además de ingeniárselas para evitar las situaciones incómodas que desvelarían su condición femenina. Ofrece la combinación perfecta de belleza y ternura con la imagen de mujer resuelta. Cuatro personas, Amanda Silver, Elizabeth Martin, Rick Jaffa y Lauren Hynek, figuran como responsables del guión. Relativamente sencillo, la estructura narrativa combina la anticipación de una situación de riesgo en que la capital del imperio está siendo atacada, con el relato de la trayectoria de Mulan hasta convertirse en pieza clave del ejército. Tiene el acierto de no ofrecer un cargante discurso feminista. Por supuesto, señala que todos, también la protagonista, deberían tener la oportunidad de desarrollar sus capacidades, incluso superando cortapisas tradicionales, como la de que una mujer pueda formar parte del ejército. Pero al mismo tiempo se subraya la necesidad de honrar a la propia familia y a los ancestros, a los que no se debe avergonzar, al propio pueblo y a la nación a la que uno pertenece, desarrollando virtudes como la valentía, la lealtad y la fidelidad. Las escenas de lucha, los movimientos de masas y las batallas son vistosos, quizá con la referencia al fondo del camino que marcó El Señor de los Anillos, y hay cierta contención en los efectos visuales para que no resulten demasiado obvios. Aunque hay elementos fantásticos en torno a la bruja, se procura minimizar su presencia, e incluso el leitmotiv del ave fénix evita ser demasiado llamativo.

Dug es un joven e inquieto cavernícola que vive feliz en su valle junto a su tribu, compañero inseparable de un avispado jabalí. Pero su idílica vida se acaba de pronto con la irrupción repentina de la Edad de Bronce, personificada en las tropas del avaricioso Lord Nooth, que expulsa a los cavernícolas de su territorio para extraer oro. Desesperado por recuperar su valle, Dug hará todo lo que esté en su mano (y en sus pies) para recuperarlo. Tercer largometraje dirigido por Nick Park (el primero en solitario), tras sus celebrados Evasión en la granja y Wallace & Gromit: La maldición de las verduras, todos ellos bajo la producción de Aardman, empresa británica de animación que ha llevado la técnica de “stop-motion” o la animación con plastilina “fotograma a fotograma” a impresionantes estándares de calidad. En Cavernícola vuelven a demostrar que este tipo de animación tradicional sigue asombrando, mantiene un encanto especial y aún tiene larga vida, aunque eso no suponga desdeñar técnicas más modernas, como se puede comprobar en el uso de ordenador y el croma de numerosos planos. La historia ideada por el equipo de guionistas tiene un original planteamiento, el de unir la era más antigua del ser humano con la más actual. El nexo de unión viene a ser como una especie de deidad en ambas épocas: el fútbol. Y es que tiene su gracia eso de que el deporte rey fuera fundado por cavernícolas, allá por la edad de piedra en los alrededores de Manchester, aunque eso no quita que el desarrollo narrativo sea esta vez algo simple y bastante predecible, no especialmente memorable, sobre todo si lo comparamos con las producciones antes mencionadas. Sí les sirve a los creadores para remarcar la importancia de la valentía y del trabajo en equipo por encima de las individualidades. Y siguiendo la tradición, el humor –infantil sobre todo, aunque efectivo– es una constante durante toda la película, que explota el escaso raciocinio de los cavernícolas, el histrionismo del malvado de turno (acentuado por el doblaje español de Mario Vaquerizo) y las ocurrencias del cerdoso jabalí, con momentos muy divertidos, como el baño de Lord Nooth.

El multimillonario Jack Morris visita una instalación de investigación submarina que él mismo financia. Los científicos del lugar envían un sumergible, comandado por Lori, al mando de otros dos hombres, a explorar una sima aún más profunda que la fosa de las Marianas, lo que puede marcar un antes y un después en la comunidad científica. Pero el vehículo submarino se queda atrapado, todo indica que por culpa de una criatura misteriosa de tamaño gigante. El doctor Mingway Zhang, oceanógrafo chino que dirige la instalación, acepta avisar a Jonas Taylor, buzo de rescate, pese a que el doctor Heller, médico del equipo, advierte de que no resulta fiable, pues en una situación similar ocurrida unos años atrás perdió el control. Retirado en Indonesia, Taylor se muestra reacio a aceptar, hasta que se entera de la presencia de Lori, pues se trata de su ex mujer. Tras triunfar en las taquillas hace años, sobre todo con Mientras dormías y La búsqueda, el todoterreno Jon Turteltaub parecía condenado al ostracismo, por el sonoro fracaso de El aprendiz de brujo, en 2010. Ahora vuelve a la primera división con esta adaptación de la primera entrega de la saga “Meg, A Novel of Deep Terror” (en España sólo “Meg”), con la que Steve Alten logró no sólo un enorme éxito, sino también convertirse en un autor recomendado en centros de enseñanza para fomentar la lectura entre los jóvenes. Se le puede achacar a Megalodon que aporta pocos datos de la galería de secundarios (algunos están puestos para engrosar la lista de víctimas potenciales). También que podría haber incluido más humor, y que desaprovecha el triángulo amoroso que plantea, entre el personaje central, su ex y la hija del oceanógrafo, madre divorciada. Pero no decepcionará a nadie al que le llame la atención un film con Jason Statham contra un tiburón prehistórico gigante, por secuencias de suspense bien concebidas, que mantienen la atención del respetable, y exhiben correctos efectos visuales. El realizador ha tomado como modelo a Steven Spielberg, alternando homenajes nada disimulados a su cine, sobre todo a Tiburón y a Parque Jurásico. El protagonista no se aparta mucho de los personajes que suele interpretar, pero se salva por su carisma, mientras que el resto del reparto hace lo que puede; quizás habría que citar a Rainn Wilson, conocido por The Office, como el millonario Morris, a Masi Oka, japonés popular por la serie Héroes, y a la expresiva niña china de poca experiencia Shuya Sophia Cai, que da pie a uno de los momentos más conseguidos.

Secuela de The Equalizer que presentaba hace dos años a un protagonista con atractivo: hombre tranquilo, solitario, cuyo interés por una chiquilla en apuros acosada por la mafia despertaba en él su expeditivo talento asesino para solventar situaciones peligrosas, perfeccionadas como miembro secreto de la CIA durante muchos años. Ahora, cuatro años después, Robert McCall prosigue con su “apacible” y secreta vida como conductor de Uber, lo que le permite “arreglar” desaguisados que va conociendo aquí y allá debido a sus clientes. McCall es un justiciero que no anda conchitas cuando se trata de castigar a los culpables de una violación o de un secuestro, algo que sólo conoce su antigua socia y ahora amiga, Susan Plummer. El tándem Antoine Fuqua y Denzel Washington es uno de los más sólidos de Hollywood desde que rodaron Training Day (Oscar para Washington). El actor de Nueva York suele dar vida en esos filmes a tipos implacables y violentos, lo cual casa a la perfección con la intensidad visual que imprime Fuqua y la potente personalidad de Washington. En esta película, como en las anteriores, funciona todo lo que sabemos de antemano; atrapa y no da respiro desde la primera escena en el tren de Turquía, al tiempo que sienta las bases de lo que va a ser una película violenta y sin concesiones pues enfrentarse a McCall significa morir en el intento o como mínimo salir arrastrándose con varios huesos rotos. Por otra parte, si en la anterior entrega la humanidad del protagonista se debía a su implicación en la vida de una niña en apuros, aquí un joven vecino que se aproxima peligrosamente a la vida criminal se convertirá en el pupilo y protegido de McCall, alguien en quien inculcar la voluntad y el arrojo necesarios para llegar a ser una buena persona. Un futuro que proteger, una esperanza al fin y al cabo para un hombre –McCall– que lo ha perdido todo en el pasado. Fuera de esto, el guión peca de una excesiva simpleza, pura linealidad sin matices, aumentada hasta el máximo durante los últimos minutos.

Adaptación de una novela de Dennis Lehane ambientada en los años de la Ley Seca, sigue las evoluciones en el mundo del crimen de Joe Coughlin, tras regresar de combatir en las trincheras europeas de la Primera Guerra Mundial. De origen irlandés, católico desencantado, hijo de un capitán de la policía de Boston, Joe comete atracos con la complicidad de Emma, la amante de Albert White, un gángster, y de él en secreto. Y aunque querría mantener cierta independencia en su carrera delictiva, se acaba enredando, primero con White, y luego con su rival italiano Maso Pescatore, lo que le acaba llevando a Tampa, en Florida, lugar donde se encarga de hacer funcionar a pleno rendimiento la red de producción y contrabando de alcohol en la zona, mientras piensa en el futuro, con la idea de sacar adelante un casino. A pesar de marcarse ciertos límites éticos en su inmoral actividad, le tocará descubrir que quien juega con fuego se quema irremediablemente. Ben Affleck escribe, dirige, produce y protagoniza este violento film, cuyo título alude a lo que supone vivir en la noche u oscuridad de una existencia donde sólo parece importar el "juego", lograr una cuota de poder que te permita ser el amo del cotarro, de tu cotarro al menos, pagando un precio. Lo que ocurre es que somos responsables de nuestras acciones y decisiones, que no dejan de tener consecuencias; y trazar límites a lo que está mal resulta cuando menos ingenuo. Esta es seguramente la idea de fondo de la trama, que afecta a Joe Coughlin, con un amplio telón de fondo, el del contrabando de alcohol, primero en Boston, y luego en la más exitosa Tampa, donde la producción de tabaco y la cercanía de Cuba tienen su importancia, además del racismo, el Ku Kux Klan. La película, en cuya producción destaca el nombre de Leonardo DiCaprio, se sigue con interés, pero también adolece de cierta frialdad, y ello a pesar de las subtramas románticas, cuesta empatizar con un Ben Affleck que parece perpetuamente reconcomido, a disgusto porque las circunstancias le obliguen siempre a dar un paso más allá de donde quisiera. El reparto es fantástico, con algunos secundarios sobresalientes, como Sienna Miller o Chris Messina, por citar a dos especialmente destacados. Hay acción dinámica y brutal, con momentos "padrinescos", por así decir, y el excelento diseño del sonido ayuda al impacto de las escenas, con algunos planos visualmente muy atractivos. Y la dirección artística de la reconstrucción de época es notable, en algún elegante garito, y en Tampa.

Adaptación al cine de “The Zookeeper’s Wife: A War Story”, de Diane Ackerman, que recrea la historia real de Jan y Antonina Zabinski, el director del zoo de Varsovia y su esposa, que durante la II Guerra Mundial contribuyeron a esconder en las instalaciones del mismo a numerosos judíos. La trama comienza en 1939 cuando todo parece en calma, por lo que los visitantes acuden a ver las diversas especies, y llega a la capital polaca el Dr. Lutz Heck, jefe del zoológico de Berlín. Poco después comienza la invasión nazi, los animales sufren las consecuencias de los bombardeos, por lo que Heck propondrá llevárselos a Alemania (y si puede llevarse consigo a Antonina, mejor). Al mismo tiempo, los judíos son recluidos en el guetto… La neozelandesa Niki Caro (Whale Rider, En tierra de hombres) logra que la historia funcione con una realización academicista, y hasta filma alguna secuencia impactante, sobre todo la de los animales bajo las bombas por la ciudad. Y apunta alguna idea curiosa, como la de la pureza racial de los animales, en sintonía con la consideración de los judíos como inferiores. Sin embargo, no logra capturar igual de bien las dificultades para sobrevivir de los humanos, pues pocas víctimas están bien retratadas, si acaso una adolescente. Los protagonistas no pasan de ser meros esquemas, sobre todo el marido, encarnado por el belga Johan Heldenbergh, que a pesar de sus esfuerzos por encarnar a un héroe de la resistencia no logra salvar del todo al personaje. Tampoco Daniel Brühl consigue que el suyo tenga tres dimensiones, pues su zoólogo de Hitler se queda en una especie de psicópata. A pesar de todo, se salva Jessica Chastain, que trata de suplir las carencias de su Antonina en el guión, con su enorme expresividad, y hasta se ha trabajado el acento polaco. Se convierte en la principal razón para el visionado de La casa de la esperanza.

Serie antológica compuesta de diez episodios basados en relatos cortos de Philip K. Dick, el prestigioso autor de ciencia ficción responsable de "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?", que dio pie al mítico film Blade Runner. De hecho, el título englobador "Electric Dreams", "Sueños eléctricos", es una alusión a las historias imaginadas por Dick a partir del título de esa obra. El planteamiento, de historias sorprendentes de anticipación con final rompedor, conecta con otros populares seriales televisivos, como Alfred Hitchcock presenta, Dimensión desconocida, Cuentos asombrosos, o, más reciente, Black Mirror. Los diez episodios cuentan con directores, guionistas y actores diferentes, por lo que el interés de las historias es desigual, algunos entusiasmarán más que otros, también según gustos o humor cuando se ven. En cualquier caso, se trata de fábulas de advertencia, que nos proponen situaciones con una humanidad cada vez más deshumanizada, que corre el riesgo de perder sus rasgos de identidad con una tecnología cada vez más perfecta, pero que nos puede hacer olvidar nuestra singularísima e irrepetible condición personal, quiénes somos, de dónde venimos, adónde vamos. Y lo que se cuenta trata de adaptarse a las circunstancias de los comienzos del siglo XXI, no podemos olvidar que muchos relatos originalmente fueron escritos hace más de 50 años, cuando no había móviles, internet, etc, etc. Tampoco era entonces tan abrumadora la presión en pro de la diversidad sexual. En "Real Life", se nos presenta una historia donde el escapismo a través de la realidad virtual conduce a no distinguir cuál de dos posibles vidas es la verdadera. "The Conmuter" nos habla de una parada no prevista en un tren, que conduce a Timothy Spall a un mundo de felicidad demasiado perfecta. En "Impossible Planet" una anciana con la cara de Geraldine Chaplin ahnela volver a la romántica e idílica Carolina del Norte de su niñez, aunque la Tierra es un planeta radioactivo. Un científico anodino al que da vida Steve Buscemi podría ver cómo cambia su vida si acepta los planes de una mujer sintética para rebelarse contra el sistema en "The Crazy Diamond". "Kill All Others" habla con acidez de la manipulación de los políticos, con una lideresa a la que encarna Vera Farmiga, que invita a matar a los diferentes, mientras que los "borregos" no se cuestionan nada. También habla con fuerza de la manipulación, en este caso a cuento de la amenaza terrorista, "Safe & Sound", hasta el punto de que va a sufrir una relación entre madre (Maura Tierney) e hija (Annalise Basso). Y "The Hood Maker" habla de una sociedad controlada por policías que usan los poderes telepáticos de algunos de sus agentes, y que se rebelan con unas misteriosas máscaras. Tu padre (Greg Kinnear) tal vez no sea tu padre, propone la inquietante "Father Thing", una curiosa variación muy lograda sobre el clásico La invasión de los ladrones de cuerpos. "Autofac" alerta acerca de los peligros del consumismo. También en "Human Is", un marido militar (Bryan Cranston) vuelve cambiado de la batalla.

Película basada en hechos reales, acerca de las dificultades que surgieron en Estados Unidos en 1991 cuando George Bush presentó como candidato al Tribunal Supremo al afroamericano Clarence Thomas. De talante conservador, pero negro, parecía el candidato ideal para ser nominado, sin que los demócratas presentaran excesivas objeciones, pero la acusación de acoso sexual de una antigua colaboradora, Anita Hall, se convirtió en un escándalo mayúsculo, con declaraciones escabrosas ante el comité del Senado presidido por Joe Biden, emitidas por las televisiones en abierto en horas de máxima audiencia. Dirigida para HBO por otro afroamericano, Rick Famuyiwa, se trata de una tv-movie correcta pero algo convencional, como en el momento en que Anita acepta declarar ante el comité del Senado a pesar de su resistencia personal, la conciencia de que se juega su carrera. Reconstruye los hechos, con abundante material documental tomado de informativos de la época, y aunque ofrece los puntos de vista de unos y otros, late la idea de un machismo rampante entre las filas sobre todo conservadoras, que fue roto por el caso Anita Hall, que facilitaría en el futuro el acceso de la mujer al Concrego y al Senado. Las interpretaciones son contenidas, se evitan acertadamente los histrionismos.

Una central nuclear china sufre un accidente a resultas de un ciberataque. El mercado de la soja sufre una alteración que proporciona pingües beneficios a un astuto y anónimo hacker. Dawai Chen, el agente chino que investiga el caso detecta que han usado un código que idearon en su época universitaria él y Nick Hathaway, un cerebrito actualmente en prisión en una cárcel de Estados Unidos. Tras un acuerdo con Justicia, Hathaway colaborará para localizar al pirata informático, que posee lazos con violentos personajes, y parece tener en mente un nuevo ataque nada menos que en Yakarta, Indonesia. Entretenido thriller, pero que sabe a poco cuando uno se entera de que tiene como director a Michael Mann. El responsable de títulos como Heat y Collateral entrega vibrantes escenas de acción con mucha traca, y hasta logra que suspendamos la incredulidad en el clímax en un puente durante una fiesta religiosa en Yakarta, con degüellos sin que nadie del público pestañee. Pero la trama argumental resulta endeble, manida y sin demasiada garra, con una jerga informática que sonará a poca cosa al que sepa del tema, mientras que el neófito se perderá. Mientras, los lazos afectivos de los dos amigos, y la subtrama romántica que surge con Lien, la hermana de Dawai –ella misma experta ingeniera en redes que les ayuda en el caso–, están poco desarrollados, y ese trío actoral –Chris Hemsworth, Wang Leehom y Wei Tang– tampoco es exactamente el colmo de la expresividad. Secundarios como Viola Davis se limitan a cumplir. Al final queda un film impecable, pero demasiado frío y cerebral.

Ridley Scott dirigió en los principios de su carrera dos clásicos de la ciencia ficción, Alien, el octavo pasajero, con ribetes de terror, y Blade Runner, emparentada con el cine negro. Mucho más recientemente, revisitó el territorio Alien con Prometheus. Aunque la historia que Marte (The Martian) sea ficción, la película tiene más de ciencia que de fantasía, pues imagina con gran realismo un futuro próximo en que gracias al programa espacial Ares de la NASA, una misión tripulada ha llegado con éxito a Marte. Una intensa tormenta de arena obliga a partir precipitadamente del planeta, y atrás queda el botánico Mark Watney, al que sus compañeros con la comandante Melissa Lewis al frente han dado por muerto a causa de un accidente. Craso error, pues Mark sobrevive, y deberá arreglárselas solo con mucho ingenio y sangre fría, manteniendo la esperanza de poder comunicar con la Tierra en algún momento, antes de que sea demasiado tarde y se agoten sus reservas de alimento y oxígeno. Sin duda estamos ante la mejor película que se ha rodado sobre el planeta rojo, cuyo desarrollo está atravesado de verosimilitud, sin que para alcanzar este logro se pague el precio de aburridas –al menos en el contexto de un film que debe ser dinámico– explicaciones científicas, las que hay están introducidas con gran habilidad. Su trama de supervivencia espacial extraterrestre la emparenta con las también muy logradas Apolo 13 y Gravity. El guión de Drew Goddard –con una carrera forjada en tramas algo fantásticas en series televisivas como Buffy, cazavampiros, Alias y Perdidos y que escribió los libretos de Monstruoso y Guerra Mundial Z–, que adapta una novela de Andy Weir, está muy bien trabado. Utiliza bien el recurso del vídeodiario que mantiene Mark para justificar su voz en off y explicar su modo de resolver los mil y un problemas que lleva aparejada su soledad en Marte. Todo el primer tramo en que contamos con un solo actor, el siempre eficaz Matt Damon, está muy bien sostenido, su dramática situación se suaviza con algún detalle de humor, y el modo en que se las ingenia para disponer de más alimentos, o buscar la comunicación con la Tierra, destila inteligencia, resulta creíble. Incluso la presencia de música disco a lo largo del metraje se introduce con sentido. Algunos riesgos, como mantener fuera de la pantalla casi todo el tiempo a gran parte del atractivo reparto, y darles paso cuando sólo la narración lo requiere, son valientemente asumidos. Con el gratificante resultado de que cuando finalmente vemos a los otros miembros de la misión, nos identificamos con sus pesares y alegrías, y con el sacrificio que exige su trabajo. Verdaderamente las piezas del puzzle encajan bien, el seguimiento de las acciones desde la NASA y el centro de control, o la presentación de la reacción mediática, tienen su justo sitio. Y se logra que cada personaje secundario despierte interés. En general, sostener la trama con la omnipresente idea de que hay que afrontar los problemas sin miedos paralizantes es algo que funciona. Hablar a estas alturas de la pericia de Ridley Scott en la puesta en escena, siendo un director con más de una veintena de títulos a sus espaldas, la gran mayoría proyectos de gran envergadura, resulta casi una “boutade”. El cineasta británico vuelve a demostrar su enorme fuerza visual, su sentido de la planificación y del montaje, empezando por la tormenta de arena del principio, y también en las escenas espaciales, el magnífico clímax que parece casi una escena de gimnasia artística más allá de las estrellas.

Milly y Jess, amigas inseparables desde su juventud, residen en Londres. La primera enferma de cáncer, al tiempo que la otra se queda embarazada. La directora de Thirteen y Crepúsculo dirige esta cinta sobre la enfermedad terminal en una mujer joven. Sin quitarle gravedad al tema, consigue un tono amable, con algunos momentos de humor conseguidos. Del reparto sobresale especialmente Toni Collette, a quien le toca el papel más difícil, aunque el resto de actores cumple.  

Segundo largometraje como realizador de Zal Batmanglij, tras Sound of My Voice. Como en aquélla, él mismo ha coescrito el guión con la actriz protagonista, Brit Marling, revelación del interesante film Otra tierra. En esta ocasión, Marling encarna a Sarah, una espía que trabaja para una empresa de seguridad privada conocida como Hiller Brood. Le envían a infiltrarse en The East, un grupo de hippies ecologistas que llevan a cabo acciones terroristas para llamar la atencion sobre el medio ambiente. El grupo está encabezado por Benjamin (Alexander Skarsgård) que cuenta con la ayuda de Izzy (Ellen Page), una chica muy comprometida con la causa. The East cuenta con un elenco de excepción, pues Brit Marling vuelve a demostrar que es una actriz a tener en cuenta, que poco a poco puede convertirse en una estrella. Le acompañan la todoterreno Ellen Page, inolvidable actriz de Juno, y el eficaz Alexander Skarsgård, que trazan a sendos anarquistas muy de carne y hueso. En pequeños papeles aparecen las siempre destacables Julia Ormond y Patricia Clarkson. Además, inicialmente tiene interés su mensaje pro conservación del medio ambiente, y su denuncia de las atrocidades que se llegan a hacer por cuestiones económicas. Pero finalmente, el fondo de The East acaba resultando un tanto tópico, así como el guión, que parece sacado de un manual de libretos de films de infiltrados, y está compuesto por frases con poca fuerza. Además, el metraje, de unas dos horas, se alarga innecesariamente.

Los tiempos cambian, nos igualan, nos “equalizan”. En 1985 el antiguo espía reconvertido en justiciero detective privado Robert McCall era blanco y británico, y le ponía cara y alma en una serie televisiva Edward Woodward. Casi 30 años después sus andanzas dan el salto a la gran pantalla en El protector (The Equalizer), una película que es puro Hollywood, producción adrenalítica y muy violenta de Sony, con el afroamericano Denzel Washington asumiendo el rol principal. Su McCall es un tipo sin pasado, que trabaja en Boston en una gran superficie del bricolage. Para sus compañeros en un buen colega, que les ayuda desinteresadamente, pero que también guarda las distancias, nadie sabe nada de él. Por las noches acude invariablemente a cenar un restaurante de esos que están abiertos las 24 horas del día, los 7 días se la semana, con un libro, el saber no ocupa lugar, maneja una lista de 100 títulos, y ya va por el 91. Siempre coincide en el lugar con Teri, una joven prostituta, que sueña con grabar un disco, pero que está atrapada en las redes de la mafia rusa. Y se produce la conexión humana, Robert conversa con ella, no la juzga ni la desprecia, tampoco le vende moralina, aunque sí le transmite la idea de que uno puede cambiar si se lo propone. Una paliza descomunal que la envía a la Unidad de Cuidados Intensivos –Teri no se dejó maltratar por uno de sus clientes, y sus jefes quieren con ese escarmiento enviar un mensaje a sus compañeras de oficio–, saca McCall de su rutina habitual. Vuelven a la primera línea sus habilidades de inteligente hombre de acción del pasado, lo que supone un choque brutal con los gángsteres rusos. La primera escabechina sólo será la punta del iceberg de la guerra que está en marcha. Viendo el film de Antoine Fuqua, no puedo uno por menos de pensar en que el director ha vuelto a tomar como objetivo la Casa Blanca. Después de convertir en malos a los norcoreanos en Objetivo: La Casa Blanca, toca el turno a los mafiosos rusos en lo que se diría una reedición de la Guerra Fría en los tiempos que corren. Al fin y al cabo Obama está librando (o no librando, pues no sabe muy bien qué hacer) una nueva Guerra Fría con la crisis de Ucrania y la Rusia de Putin, así que ahí está la metáfora, Denzel Washington es el nuevo Barack Obama que pone orden dentro del caos. El personaje protagonista tiene algo de 007, también por la oscuridad de su pasado, aunque el guión de Richard Wenck busca hacerle más humano, que se pueda empatizar con él, algo a lo que el actor ayuda, y mucho. Y sin embargo, también hay una frialdad en su precisión a la hora de ejecutar sus planes, parece en el fondo un superhéroe sin debilidades, parte del suspense se esfuma porque en sus acciones parece casi sobrehumano, tenemos la certeza de que va a poder con todos los terribles villanos, donde el que se lleva la palma es Teddy, encarnado bien por Marton Csokas. La función actoral es para Washington, pero hay papelitos bien servidos para secundarios de lujo, Chloë Grace Moretz, Bill Pullman y Melissa Leo. E incluso para algún desconocido como Johnny Skourtis, en un personaje al estilo Hugo de Perdidos. La película es entretenida y desengrasante, pero previsible en su desarrollo y mil veces vista. Carga además la gráfica violencia, Fuqua parece que se da cuenta en algún momento, y en el previsible asesinato de una mujer, en que nos preparamos para las escenas desagradables de rigor, el hombre pisa el freno y parece estar diciendo “Tranquilos, que por esta vez os las perdono”.

Futuro no muy lejano. La Tierra ha quedado reducida a la Unión Federal Británica en Europa, que gobierna tiránicamente la Colonia (Australia) a la que se llega por la llamada Catarata. Quaid es un obrero que construye policías cibernéticos, casado pero insatisfecho con su vida, que tiene sueños recurrentes donde es un valiente agente que lucha contra los malos de turno. La publicidad de Rekall, una empresa que ofrece implantar recuerdos en el cerebro, le seduce: quiere tener en la memoria algo más que la rutina diaria, algo que le acerque a aquello con que sueña. Cuando proceden a grabarle los recuerdos solicitados, algo sale mal: y es que el cerebro de Quaid ya había sido manipulado previamente, puede que no sea quien cree que es. Remake de Desafío total (Paul Verhoeven, 1990), de nuevo a partir del relato corto de Philip K. Dick “Podemos recordarlo todo por usted”, que también ha inspirado filmes como la saga Matrix. Los mimbres de la historia son los mismos, o sea, la situación del protagonista tratando de averiguar quién es, con el juego de qué será realidad y qué puro sueño, y el vértigo de descubrir que uno puede ser un héroe o bien un villano sin escrúpulos, con las dudas subsiguientes sobre el libre albedrío, la capacidad de escoger entre el bien y el mal. En tal tesitura, la novedad de Desafío Total (Total Recall), aparte de algunos cambios de guión, casi guiños al conocedor del film original para que participe en una especie de juego de las 7 diferencias (ya saben, ese de "a ver, mire usted, los dibujos son casi idénticos, pero observe atentamente y descubra las 7 diferencias..."), provienen de la traca de efectos visuales e imaginería futurista, donde se constata que en 12 años las posibilidades creativas se han quintuplicado. El problema es que Len Wiseman, conocido por la saga Underworld realizada con su esposa, y actriz también aquí, Kate Beckinsale, entrega su film con una rutina parecida a aquélla de la que se queja su protagonista. La narración de Desafío total (Total Recall) discurre cansinamente, con mucha parafernalia y pocas nueces de personajes que nos conmuevan y con los que compartir andanzas. Vamos, que si nos grabaran la película en el cerebro, el recuerdo no sería memorable.

Original película, que adapta una novela de Lloyd Jones. Transcurre durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el señor Watts queda atrapado y aislado en una remota isla de Papúa Nueva Guinea. Con idea de aprovechar su valioso tiempo durante el obligado retiro, decide abrir una escuela, y propone a sus alumnos la lectura de "Grandes esperanzas" de Charles Dickens. Una niña, Matilda, se apasiona con el libro y el personaje de Mr. Pips, hasta el punto de que cuando los "redskins" ocupan la isla y ven el nombre de Mr. Pips escrito en la arena, creen que se trata del nombre de un peligroso enemigo rebelde, o el de una organización clandestina. Aunque Hugh Laurie es el nombre que puede atraer a un posible espectador del film, éste tiene otras cualidades como la de animar a la lectura con una simpática trama de aventuras. Y sorprende la naturalidad interpretativa de la niña Xzannjah Matsi.

Dirigido por el ganador de un Oscar Kevin Macdonald (El último rey de Escocia) y grabado por ti, la historia de un día en la tierra. El 24 de julio de 2010, miles de personas de todo el mundo subieron a Youtube videos de sus vidas para participar en La vida en un día, un experimento cinematográfico histórico para crear un documental filmado por los usuarios sobre un día en la tierra. Ahora ha llegado el momento de mostrar su historia en la gran pantalla. La película La vida en un día entusiasmó al público en los festivales de cine de Sundance, Berlín y SXSW, así como en el estreno mundial que tuvo lugar en enero a través de Youtube.

Adaptación al cine de la novela gráfica homónima de Scott Mitchell Rosenberg. Dirige Jon Favreau, responsable de Iron Man y su secuela, que también se basaban en un cómic. Favreau cuenta con el apoyo del mismísimo Steven Spielberg, como productor ejecutivo, y de Ron Howard (Una mente maravillosa) como productor. Como promete el título, el argumento mezcla western y ciencia ficción. La acción transcurre en 1875, en Nuevo México. Jake Lonergan, amnésico que se ha despertado con un extraño brazalete en la muñeca cuyo origen es un misterio, llega a Absolution, un pequeño pueblo. Allí deja fuera de combate a Percy, hijo del cacique local, el coronel Dolarhyde, y que es un joven arrogante que abusa de los vecinos arropado por el miedo que le tienen a su padre. Percy es enviado a prisión pero el sheriff también acaba encerrando a Lonergan, en cuanto se entera de que está en busca y captura. Cuando Dolarhyde llega al lugar a ver qué ha ocurrido con su hijo, aparecen unas luces cegadoras en el cielo, que corresponden a unos vehículos volantes hostiles que sin motivación aparente disparan contra los lugareños y siembran el pánico. Secuestran a varias personas, y también al hijo de Dolarhyde, que organiza una expedición de búsqueda en la que se integra el forastero Lonergan, cuyo brazalete resulta emitir rayos que son el único arma que resulta efectiva contra los visitantes. Favreau cuenta con un presupuesto ajustado, convincentes efectos especiales y un reparto de auténtico lujo. Daniel Craig muestra una vez más su eficacia, Harrison Ford cumple como padre desesperado ante la pérdida de su vástago, y ejercen como secundarios destacados Paul Dano (el hijo de Harrison Ford) y Sam Rockwell (el dueño del ‘saloon’). Despierta el interés en su arranque, cuando parece que va a desarrollar a los personajes, con secuencias un tanto tópicas pero eficaces, como la del chico descontrolado que siembra el terror a tiros, o la de Craig y Rockwell insistiendo en dedicarle unas palabras religiosas a modo de funeral a un tipo al que acaban de enterrar, ante el escepticismo del personaje de Harrison Ford. Pero pronto, el film se estanca, y se centra en las secuencias de acción, alargadas innecesariamente, por lo que todo se reduce a un videojuego para aficionados a las consolas.

Charlestown, Boston. Una barriada, criadero innegable de criminalidad. De ahí ha salido la banda que lidera Doug, especializada en el asalto de bancos y furgones blindados pertrechados con máscaras. Jem, recién salido de la cárcel y miembro del grupo, es como un hermano para Doug, pero su confinamiento ha desatado su vena más violenta y asocial. Lo que aflora sin tapujos en su último golpe, donde hiere gravemente al subdirector del banco y toma como rehén a Claire, directora de la entidad. Tras liberarla se dan cuenta del error cometido, pues esta mujer vive en su barrio y podría tal vez identificarles. Doug asumirá la tarea de comprobar que Claire no puede aportar ninguna pista al FBI sobre la banda, pero no cuenta con que se va a enamorar de ella. Lo que le empuja aún más en serio en la idea que le ronda de abandonar su carrera delictiva. Adaptación de una novela de Chuck Hogan, cuyo nombre puede sonar porque firmó junto a Guillermo del Toro la novela de terror Nocturna. Se trata de una agilísima película perteneciente al subgénero de robos y atracos, cuyo oscuro guión sabe conjugar la ejecución de los distintos golpes con la perfecta definición de los personajes, una auténtica golosina para los actores. Ben Affleck no sólo dirige y coescribe el guión –tareas que aunó en la valiosa Adiós pequeña adiós–, sino que asume el papel protagonista de tipo cansado de la vida delictiva, que trata de salir de la charca inmunda donde se encuentra enfangado, en busca de redención y algo parecido a la normalidad. Se trata de un personaje rico en matices, también en lo referente a la ausencia materna en su vida, que marcó la distancia con el padre; y su reflexión final, servida con voz en off, tiene muchísima enjundia. Pero hay más roles de interés. Sobresalen los del brutal Jem, encarnado por Jeremy Renner (En tierra hostil), que da miedo, pero que es humano, sobre todo en su sentido de la lealtad; el de Rebecca Hall, muy bien como mujer con el canguelo en el cuerpo, y que cree descubrir el amor; y el de Jon Hamm (que debe su popularidad a la serie televisiva Mad Men), como antagonista sabueso del FBI. Hasta las brevísimas pero intensas composiciones de Chris Cooper y Pete Postlethwaite son de las que dejan huella. Estamos ante una película muy violenta, pero en la que es preciso reconocer su sólida dirección de las escenas de acción, con persecuciones automovilísticas brillantes y atracos impactantes. Se trata desde luego de una historia de género, con personajes arquetípicos, pero donde junto a la idea de que el entorno te puede empujar a no hacer lo correcto, aletea también la de que la libertad puede llevarte a sacar cabeza y cuerpo del fango; aunque, claro está, hay que pagar un precio.

Buen colofón de la tetralogía del ogro verde más famoso del cine, tras la excepcional Shrek, y las más que dignas secuelas Shrek 2 y Shrek Tercero. Desde su aparición en 2001, Dreamworks se dio cuenta de que tenía entre manos una mina de oro y ha explotado las divertidas aventuras de los habitantes de Muy Muy Lejano todo lo que ha podido. Las primeras tres películas recaudaron en las pantallas la estratosférica cantidad de 1.890 millones de dólares. Ahora, diez años después, Shrek, felices para siempre llega, en 3D, dispuesta a aumentar un poquito más las arcas de la productora y poner punto y final a una de las creaciones de animación más geniales de la historia. Shrek y Fiona están casados y viven con sus tres pequeños hijos en su idílica ciénaga. Los días se suceden iguales, como en cualquier familia: despertarse temprano, hacer las labores de la casa, asear y dar de comer a los hijos, etc. Pero, también como en cualquier familia, los padres no tienen apenas tiempo para ellos. Además, todo el mundo en Muy Muy Lejano adora a Shrek, y le adulan tanto que casi se ha convertido en una atracción de feria para los visitantes del bosque. De modo que, poco a poco, Shrek empieza a echar de menos "la libertad" de su antigua vida, aquellos tiempos en que todavía era un horrible ogro temido por todas las criaturas y podía hacer lo quisiera sin preocuparse de los demás... Pero Shrek ignora que tiene un enemigo todavía, el mago Rumpelstiltskin, quien años atrás perdió la oportunidad de hacerse con el reino cuando el ogro rescató a la princesa Fiona de las garras del dragón. Desde entonces está deseando quitar de en medio al héroe verde de Muy Muy Lejano. Y va a aprovechar maliciosamente los sentimientos nostálgicos de Shrek, proponiéndole un trato: le proporcionará un día de su antigua vida de ogro libre a cambio de que le ceda otro día al mago. Lo que Shrek no sabe es que Rumpelstiltskin quiere robarle el día de su nacimiento... Los guionistas Josh Klausner (Shrek Tercero, Noche loca) y Darren Lemke aciertan de pleno en este broche final. Hay golpes de humor formidables, sobre todo los protagonizados por Asno y por el Gato con Botas (genialmente doblado por Antonio Banderas), y por supuesto mucha acción y temas musicales modernos, perfectamente escogidos, incluyendo los graciosísimos bailes provocados por el hechizo del flautista de Hammelin... Pero aparte del tono general, todo el planteamiento se desarrolla de tal modo que desemboca en una historia que emparenta con la primera película de la saga: el de una aventura sencilla y heroica, llena de peligros y humor, y cuyo punto fuerte es el corazón puro del héroe, capaz de sacrificar su vida por aquellos que ama. El director Mike Mitchell (Sky High: una escuela de altos vuelos) demuestra así que no hay mejor receta para el éxito que devolver el cuento a su punto de origen. Y es que aquí también Shrek tendrá que ganarse de nuevo el cariño de sus amigos Asno, Gato con Botas, Fiona, etc. y de todos los habitantes de la ciudad, cuando por fin comprenda que esa vida familiar que ha perdido, esa existencia que a él le parecía monótona y rutinaria, era en realidad la verdadera felicidad.

La historia de un joven camello neoyorquino, que a su azarosa vida suma el asesinato de su primo y la sospecha de que su mejor amigo está detrás de los hechos. Joel Schumacher es un cineasta que ha conocido tiempos mejores. El último film decente que hizo fue El fantasma de la ópera (2004), pero ha llovido demasiado desde entonces, y aquí, a partir de una novela de Nick McDonell, entrega una intriga en el sórdido mundo del tráfico de las drogas de diseño, servidas a jovenzuelos de la alta sociedad. El director conserva el oficio, pero el desañilado film tiene escaso interés, y su propuesta de redención a través del amor no es demasiado sólida. En el reparto, aparte del rapero 50 Cent, están hermanos (Rory Culkin) y sobrinas (Emma Roberts) de famosos (Macaulay Culkin, Julia Roberts).

Feliz adaptación del popular videojuego del mismo nombre, desarrrollado en 1989 por Jordan Mechner, el cual también ha ideado ahora la historia del film. Sin ser una maravilla, el resultado es muy superior a otras lamentables adaptaciones de las consolas, como Doom, Max Payne o Hitman, por nombrar sólo los fiascos más sonados. Aquí, la función está dirigida por un director de cierto peso, Mike Newell (Harry Potter y el Cáliz de fuego), lo cual se nota sobre todo porque da prioridad a la historia, aventurera y romántica, por encima de los inevitables efectos especiales. Cuando era un chavalín despierto, valiente y temerario, el pequeño Dastan (Jake Gyllenhaal) fue recogido por el noble rey de Persia y llevado a palacio, en donde fue criado como uno de sus propios hijos. Con el tiempo creció y demostró su valor y destreza en la guerra, aptitudes que comparte con sus hermanos Tus y Garsiv. La familia real –compuesta por el rey Sharaman, su hermano Nizam, y los tres príncipes– forma una unidad muy compacta, pero su cohesión va a ser puesta a prueba cuando tras la llegada de unos informes sobre tráfico de armas, se decide invadir la ciudad sagrada de Alamut, regentada por la bellísima princesa Tamina (Gemma Arterton). Pero cuando el ejército persa celebra la victoria, el rey muere asesinado, y todo apunta a que el responsable es el príncipe Dastan. Película de aventuras de toda la vida, para verla con palomitas y regresar a los sueños de infancia, con castillos y fortalezas, princesas y príncipes, malvados oscuros y traiciones perversas, duelos con espadas y persecuciones malabares, magia y hechicería, tesoros y pasadizos secretos. El film bebe de los aires clásicos de los relatos de "Las mil y una noches" y también de la atmósfera y la puesta en escena de otras aventuras exóticas, no exentas de humor, al estilo de La momia. Y aunque la simpleza de algún diálogo incita a la risa y la historia es tan previsible como uno puede imaginar, el film gana enteros gracias a la labor del equipo de guionistas formado por Boaz Yakin (Titanes. Hicieron historia) y los socios Carlo Bernard y Doug Miro (responsables de El gran rescate y Presencias extrañas). Todos ellos se las arreglan para entregar un variado grupo de personajes bien definidos, cuidados con esmero, y que cuentan con minutos suficientes como para no ser simples comparsas, especialmente la princesa interpretada por Gemma Arterton o el simpático y característico sinvergüenza encarnado por un excelente Alfred Molina. En honor a la verdad, el film se desinfla hacia el final, cuando abusa de la fantasía y de unos efectos especiales de feria, efectistas y ridículos, y la trama se deja llevar demasiado por las zarandajas místicas y esa cansina moda olímpica de hablar de los dioses. Menos mal que gran parte del film obvia todo esto y se centra en ofrecer acción a raudales, diálogos humorísticos, ritmo modélico, escenarios variados, amor y sacrificio, y en fin, todo eso que ha de tener una película de aventuras para no aburrir.

Tras coger el metro neoyorquino en Asalto al tren Pelham 123, Denzel Washington se sube ahora a un tren de largo recorrido en otro thriller con vagones y raíles que también tiene como ‘maquinista’ a Tony Scott. El dinámico cineasta británico ha dirigido al actor afroamericano no sólo en aquella cinta, sino también en Marea roja, El fuego de la venganza y Déjà vu, por lo que ésta es su quinta colaboración. El argumento está inspirado en hechos reales. En la estación ferroviaria de una localidad de Pensilvania, un operario se sube a la máquina de un tren de 39 vagones que debe mover. El tipo es bastante incompetente y no se le ocurre otra cosa que apearse en marcha un momento para cambiar la aguja de las vías él mismo. Cuando quiere volver a subir, el tren se ha descontrolado y acelera peligrosamente. La controladora Connie Hooper descubre que parte de la carga es material tóxico e inflamable por lo que el tren puede producir un enorme desastre allá donde descarrile. Los únicos capaces de idear un plan para solucionar el problema serán un veterano maquinista y un novato que ejerce de jefe de un tren que se cruza con el convoy imparable. Se entiende que Scott recurra a Washington constantemente, porque al actor le bastan un par de frases para dar humanidad a su personaje y meterse al público en el bolsillo. Su personaje de veterano ferroviario padre de dos hijas contrasta radicalmente con el joven novato encarnado por Chris Pine, que tras Star Trek confirma su talento y que no desentona frente a su prodigioso compañero de reparto, lo que no es poco. Realiza también un trabajo meritorio la actriz Rosario Dawson como una controladora de gran personalidad. El argumento es mínimo, pero Scott se conoce al dedillo las reglas del thriller. El realizador filma con un ritmo ‘imparable’ e increíble espectacularidad, con su reconocible estilo a base de rápidas combinaciones de imaginativos planos y movimientos de cámara continuos. Esta vez acierta al ir explicando las partes más técnicas de la trama mediante imágenes de la televisión que cubre los acontecimientos. La principal virtud de Scott es que tiene muy en cuenta que lo importante no son los fuegos de artificio, sino interesar al público por los personajes, para que las secuencias de suspense resulten más cercanas. No todos los directores tienen en cuenta esta regla tan sencilla, a juzgar por la gran cantidad de vistosos blockbusters sin alma que llegan a las carteleras. No trata de ofrecer ninguna reflexión, pero subyace una apología de la unidad familiar, y trata de pasada temas como el compañerismo, el sacrificio, el trabajo bien hecho y las consecuencias de la falta de escrúpulos en la gestión empresarial, que contribuyen a dotar de interés a Imparable para que no descarrile.

Desde la primera entrega de la saga de X-Men se vino hablando de dedicar una sola película a su personaje más emblemático, Lobezno. Diez años después ha llegado por fin este 'spin off' sobre el mutante lobuno interpretado por el carismático Hugh Jackman, un actor que desde luego, debe parte –si no todo– de su éxito a este personaje del equipo de mutantes de la factoría Marvel. La aventura esta vez ha sido filmada por el sudafricano Gavin Hood, un director sin ninguna experiencia en este tipo de historias, pero con un prestigio labrado gracias la repercusión internacional de su película Tsotsi, ganadora del Oscar en 2005, a la que le siguió Expediente Anwar. Como bien explica el título, el argumento de la película narra los orígenes de Logan, alias Lobezno, pero ante todo se centra en su itinerario personal, en la configuración de su carácter, en el desarrollo posterior de todas sus potencialidades sobrehumanas y, por fin, en la explicación del estado confundido en que aparece por primera vez en X-Men. El núcleo de la trama estriba en la tensa relación entre él y su hermano Victor Creed (fenomenal Liev Schreiber), alias ‘Dientes de sable’, con quien ha vivido estrechamente unido desde que ambos eran unos chiquillos a mediados del siglo XIX. Y es muchos años después, a finales del siglo XX, época en que transcurre la acción, cuando un militar llamado Stryker les propone formar parte de un peculiar equipo de mutantes para realizar misiones “especiales” en servicio de Estados Unidos. Sin embargo, las misiones acaban derivando en verdaderos crímenes y asesinatos, algo que Logan rechaza completamente. La película es entretenimiento puro, ya desde los excelentes e imaginativos títulos de crédito, y quizá por eso también se agradece mucho el buen hacer de un equipo de guionistas como David Benioff (Cometas en el cielo) y Skip Woods (Hitman), que saben introducir elementos interesantes y sorprender con algún giro determinante en la historia. Así, la sempiterna lucha moral entre el bien y el mal, muy presente en la vida del protagonista, explica con eficacia las tensiones de su naturaleza mutante, un perpetuo tira y afloja entre fuerzas superiores e inferiores. Pero, además, los guionistas aciertan al hacer encarnar gráficamente esa mitad humana-racional en Lobezno, mientras que su hermano Victor se revela como recipiente perfecto de la mitad animal-instintiva. El eje principal, podría decirse entonces, es esa dualidad presente en el mundo y en la naturaleza humana, de la que los mutantes son metáfora clara. También funciona bien la parte romántica del argumento, con una emotiva y sugerente historia sobre la luna que dará nombre al héroe. El aspecto visual de la película ofrece lo esperado, con efectos especiales de una perfección técnica asombrosa. Hay una gran colección de escenas de acción apabullantes, muy variadas, pero entregadas con un ritmo equilibrado, que no olvida dar el espacio adecuado a cada personaje. Destacan seguramente los enfrentamientos entre Lobezno y Victor, de una llamativa espectacularidad, así como la lucha final en la isla. Los fans también agradecerán la introducción de célebres personajes del cómic que hasta ahora permanecían ausentes, como Deadpool (Ryan Reynolds), Bolt (Dominic Monaghan) o Agente Zero (Daniel Henney), aunque posiblemente el más recordado sea el original Gambito (Taylor Kitsch), que aquí se luce en un par de secuencias.

Tony Scott se sube al tren de los remakes, últimamente tan frecuentes, con esta revisión de la novela de John Godey, que ya dio lugar a Pelham 1, 2, 3 (1974), de Joseph Sargen, y a una desconocida versión televisiva. Se suma a este viaje como protagonista Denzel Washington, en su cuarto trayecto con el cineasta que le dirigió en Marea roja, El fuego de la venganza y Déjà Vu. Denzel Washington es de nuevo un tipo corriente, Walter Garber –un controlador del metro neoyorquino–, enfrentado a una situación excepcional, cuando una banda de atracadores dirigida por un tal Ryder secuestra el convoy que sale de Pelham a la 1:23, con varios pasajeros a bordo que se convierten en rehenes. Convertido en improvisado interlocutor con los delincuentes, Garber se entera de que exigen una gran suma de dinero para no matar a los viajeros. Como suele ser habitual –a diferencia de lo que le pasa a veces a su celebérrimo hermano – Tony Scott no descarrilla. Para empezar, Asalto al tren Pelham 1 2 3 cuenta con un guión escrito por Brian Helgeland, responsable de las memorables L.A. Confidential y Mystic River, que ya había colaborado antes con Scott –Washington en la citada El fuego de la venganza. Helgeland adapta muy bien la novela setentera a la actualidad con elementos como una webcam que adquiere gran importancia. Describe con economía de medios a los personajes, incluso a algunos muy episódicos, como la madre que viaja con su hijo en el tren secuestrado, el maquinista del metro reconvertido en atracador, etc. Pero sobre todo el escritor se luce en el enfrentamiento dialéctico entre los dos protagonistas. Y es que estamos ante un thriller con muchos puntos en común con Marea roja, tan claustrofóbico como éste, donde la tensión provenía del duelo verbal entre Washington y Gene Hackman, aquí sustituido por otro actor al que se le dan estupendamente los villanos: John Travolta. Ni Washington ni Travolta aportan nada nuevo a su filmografía, pero sus conversaciones son vibrantes. Es el punto fuente de un film que por otro lado tiene contadas secuencias de acción. Scott se luce con sus frenéticos movimientos de cámara y uno de esos montajes paranoicos que tanto le gustan, aunque a veces se echa de menos un poco de contención. Por otro lado, dedica demasiado tiempo a mostrar cómo la policía intenta llegar a tiempo con el dinero que piden los secuestradores, lo que provoca varios accidentes. Scott tiene a bordo a otros pasajeros dignos de mención. John Turturro –últimamente abonado a grandes producciones comerciales– saca tajada al típico negociador de la policía, a pesar de que casi no tiene líneas de diálogo. Igual ocurre con James Gandolfini ‘Soprano’, cuyo alcalde tiene muchos elementos de sátira hacia la clase política. Asalto al tren Pelham 1 2 3 sólo pretende ser una amena cinta de suspense, aunque esconde algunas notas reflexivas sobre la corrupción. Tiene su interés que apunte que un tipo honrado, pueda acabar haciendo algo moralmente inaceptable –aceptar un soborno– por una causa buena –su familia–. No es casualidad que le interprete Washington, que también hizo John Q, sobre este tema. Al final, el desarrollo se muestra bastante positivo en cuanto a la capacidad de redención del ser humano.

Narnia está gobernada por los telmarinos, hombres que se han establecido allí desplazando a las criaturas mágicas. Miraz, el hermano del difunto rey telmarino, acaba de ser padre de un niño varón, por lo que peligra el acceso a la corona del legítimo heredero, el príncipe Caspian. Aconsejado por su tutor, el doctor Cornelius, Caspian huye precipitadamente por la noche al bosque, donde se va a encontrar con las criaturas de la antigua Narnia, que el joven creía eran pura leyenda. También hará sonar un viejo cuerno que, según las viejas historias, sirve para convocar ayuda en tiempos de dificultad. Y en efecto, los hermanos Pevensie, Peter, Susan, Edmund y Lucy, que se encuentran en el andén del metro en el Londres de 1941, un año después de los sucesos narrados en Las Crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario, llegan de modo mágico a Narnia. Se encuentran un lugar muy distinto al que dejaron tiempo atrás, pues lo que para ellos ha sido un año en el mundo normal, en Narnia han sido cientos de años. La época en que los hermanos fueron reyes ha quedado sepultada por el discurrir del tiempo, suena a algo legendario, e incluso narnianos como el enano Trumpkin no tienen muy claro que exista de verdad alguien como Aslan, el majestuoso león que dio su vida antaño por Narnia. Mientras Caspian trata de persuadir a las criaturas de Narnia para que le ayuden a derrotar al usurpador Miraz, ofreciéndoles recuperar la forma de vida de tiempo atrás, aparecen los Pevensie, dispuestos a ayudarle en la tarea. Nueva y apasionante entrega de “Las Crónicas de Narnia”, la saga fantástica de C.S. Lewis integrada por siete volúmenes. Y aunque estamos ante un relato fantástico, se opta por un inteligente realismo: lo que vemos, parece que está sucediendo en un mundo diferente pero auténtico. Aquí se adapta el segundo de los libros del autor inglés, de nuevo con Andrew Adamson tras la cámara, y con él mismo y los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely. Hay un claro esfuerzo de fidelidad al original, al tiempo que un modo inteligente de no separar demasiado las líneas argumentales de Caspian desvalido preparándose para enfrentarse a su tío Miraz, y de los Pevensie redescubriendo Narnia. Además, tras el enorme éxito del film precedente, el presupuesto de la nueva entrega ha sido más generoso, lo que se nota en el diseño de producción, en las escenas de batallas, y en el empeño de cuidar mejor la creación de las criaturas fantásticas, y su integración en las diversas escenas. Quizá este deseo de aprovechar la coyuntura, incluso inventando un asalto al castillo de Miraz, para ensanchar el aire épico de la narración, perjudica un poco al conjunto, se acaba prestando demasiada atención a la parafernalia de los efectos especiales. Y eso que en tal sentido se logra una pasmosa perfección, en que se imaginan las circunstancias concretas de cómo discurren las batallas, con elementos ocurrentes de estrategia, o se atrapa la emoción de los diversos duelos y desafíos. El problema es que ese hacer todo 'a lo grande', quita algo de fuerza a los personajes y a sus conflictos. La apuesta en esta ocasión es abordar el tema de la fe, cuando la presencia y la ayuda de Aslan no son tan evidentes como en la anterior aventura. Si en El león, la bruja y el armario el sacrificio del león era patente, aquí Aslan no se deja ver, es una etapa de oscuridad, en que la tentación para Peter es confiar sólo en sus propias fuerzas en la tarea de ayudar a Caspian; esto le conduce a la arrogancia y a la confrontación, mientras que en el caso del príncipe surge la opción de ceder a las seductoras garras del mal; también Lucy, la más cercana a Aslan, a quien ve en sueños, pasa por la prueba del miedo, de considerarse demasiado pequeña e indefensa para poder actuar. En definitiva, y de acuerdo con el fondo cristiano de la saga de Lewis, se está hablando de la necesidad de confiar en Dios para afrontar los problemas. Y se señala cómo toda actuación, acertada o errónea, tiene consecuencias. Un terreno en que la saga Narnia ha acertado plenamente, tanto en este film como en el anterior, es el del reparto. En vez de acudir a actores archiconocidos, se ha seleccionado a intérpretes muy buenos y que encajan en sus personajes, pero no muy reconocibles para el gran público. Aquí hay que aplaudir el trabajo de Sergio Castellitto como el villano Miraz, al que compone como un personaje ambicioso pero muy humano, alejándose de la trampa del histrionismo; se sigue así la línea marcada antes por Tilda Swinton con su Bruja Blanca, que tiene aquí una breve aparición. También están bien en el bando de los telmarinos Damián Alcázar, Pierfrancesco Favino y Simón Andreu, que junto a Alicia Borrachero, conforman un grupo de intérpretes latinos muy coherente. Además es un acierto la elección de Peter Dinklage (Vías cruzadas, Declaradme culpable) para dar vida al enano Trumpkin.

Extraño y desasosegante thriller dirigido por el veterano Joel Schumacher (El cliente, Última llamada) sobre las obsesiones de un pobre tipo con el número 23. La cosa le ocurre a Walter Sparrow y el detonante es una novela que le regala su esposa, Agatha, y que recoge una serie de asesinatos que parecen referirse a la vida del propio Walter. Así las cosas éste se empieza a obsesionar en torno al número 23 (y no precisamente por Michael Jordan) y se ve impelido a investigar en su pasado antes de proseguir con su vida normal. Lo malo es que ese estado le puede conducir a la muerte. El planteamiento del film no es, digamos, demasiado atractivo. Pero hay que tomarlo como una ida de olla, ni más ni menos. Schumacher pone en juego su talento y sus años de oficio –la recreación escénica del capítulo 2, el que acaba con la muerte de la vecina, es de un virtuosismo notable– para llevar a buen puerto esta historia que juega a la realidad y la ficción, en una especie de siniestro entretenimiento metaliterario. El guión serpentea caprichosamente por distintos planos de la realidad durante muchos minutos y cuando parece haber tomado una dirección estable, la película vuelve a empezar. Al margen de que esto provoque situaciones reiterativas, con el consiguiente tedio, también de este modo la paranoia inicial se convierte en thriller surrealista, para finalmente acabar transformándose en drama. Hay un acertado uso de los filtros de color y de la caracterización de personajes, ya sean reales o creados por la mente del protagonista. Y como ya hizo en películas como The Majestic y ¡Olvídate de mí!, Jim Carrey vuelve a demostrar que tiene tablas más que suficientes para interpretar dramas agobiantes e intensos y dejar de lado por unas horas sus muecas desternillantes.

Si uno revisa los datos de taquilla de las dos anteriores películas de la saga, comprende que la llegada de una tercera parte era inexorable. Shrek (2001) obtuvo un éxito impresionante, con una recaudación mundial de casi 500 millones de dólares, estuvo nominada al Oscar a la mejor película y ganó el apartado a la mejor película de animación. Por su parte Shrek 2, estrenada tres años después, batió todos los récords imaginables y se convirtió en la película de animación más taquillera de todos los tiempos, con una recaudación total de más de 920 millones de dólares. Con este bagaje, los estudios DreamWorks se han visto lógicamente impelidos a continuar la historia de su personaje más original y divertido. Que logre igual éxito que sus predecesoras es ya otro cantar. La película retoma la historia en el castillo de los reyes de Muy Muy Lejano, en donde también viven felices la hija del rey, Fiona,  y su marido Shrek, con la alegre compañía del parlanchín Asno y del caradura chuleta Gato con Botas. El rey está enfermo y, a regañadientes, Shrek ha de hacer sus veces, lo cual le hace añorar cada vez más su querida y asquerosa ciénaga. Sin embargo, a la muerte del rey, éste le confía su reino al Ogro, aunque también le dice que hay otro heredero llamado Arturo que puede ocupar su lugar. Sin pensárselo dos veces Shrek sale en busca de su salvador, no sin antes enterarse de que Fiona está embarazada. Pero un gran peligro se cierne sobre el reino de Muy Muy Lejano, pues el Príncipe Encantador pretende el trono y para lograr sus fines reunirá a los malvados deseosos de tener ellos también un “y vivieron felices para siempre”. El realizador Andrew Adamson cede la batuta esta vez a Chris Miller (II), que debuta como director con este largo, amparado en su experiencia como dibujante en Antz (Hormigaz) y Shrek, y en su colaboración en otros filmes de DreamWorks, como Shrek 2 o Madagascar. Se puede decir que Miller aguanta el envite, pero no sube la apuesta. Acierta en la concepción de algunas escenas muy logradas, como el pillaje de los malvados en el pueblo “Beverly Hillsiano” o en la huida de las mujeres de la cárcel y su divertida entrada en el castillo. Sin embargo, pesa demasiado en la historia la sensación de “ya visto”, señal de que la idea se agota, y Miller no logra del todo superar visualmente la previsibilidad de un guión menos inspirado que el de las entregas anteriores. Por supuesto que hay algunas perlas. Toda la historia se asienta sobre la idea de que lo importante en la vida no es lo que piensen de uno, sino lo que uno piense de sí mismo, de tal modo que rendirse al pesimismo o a la derrota es la peor de las desgracias. A la vez, la horrible visión y la original fuerza de la pesadilla de Shrek sobre su paternidad obtiene su equilibrado contrapunto en el desenlace, de hondura y optimismo proporcionados.

Producción para televisión donde Shrek y su familia se preparan para vivir su primera Nochebuena juntos. Estas fechas no son las favoritas del ogro, pero con tal de contentar a los suyos promete darles una gran sorpresa. En la versión original repiten todos los dobladores: Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Díaz y el español Antonio Banderas.

La pequeña Amanda ha desaparecido. Nadie conoce su paradero. Se produce un gran revuelo entre la opinión pública, la ola mediática no para de crecer. La ciudad de Boston está conmocionada. Una tía de la niña pide ayuda a una pareja de detectives para que investiguen en el barrio, con idea de aprovechar que son vecinos del barrio, por lo que la gente será menos reacia a hablar con ellos que con la policía. Al principio Patrick y Angie son reacios a aceptar el caso; temen cómo les puede afectar el acabar encontrando el cadáver de la niña o, peor aún, no averiguar nunca qué ocurrió y cargar con ello en su conciencia. Ben Affleck ganó un Oscar con su amigo Matt Damon en 1998 gracias a su guión de El indomable Will Hunting. Desde entonces ambos han optado por cultivar más su faceta de actores. Pero una década después Ben Affleck vuelve a coescribir un guión –esta vez con Aaron Stockard, a partir de la novela de Dennis Lehane–, y además debuta en la dirección, con su hermano Cassey como protagonista. Como el lector avezado habrá notado, la trama tiene puntos comunes con un caso real de rabiosa actualidad, el de la desaparición de la niña Madeleine McCann. De hecho, se retrasó el estreno del film en Gran Bretaña por no herir susceptibilidades. Y algo que se preguntaban todos los expertos era si el flujo continuo de noticias sobre el caso McCannn ayudaría o perjudicaría cara a la taquilla. La impresión es que no fue un apoyo, la gente no quería un caso de ficción después de desayunarse todos los días con un caso de verdad. Pero independientemente de esto, Ben Affleck logra entregar una historia desasosegante, que procura huir de lo convencional, y que depara alguna que otra sorpresa. Una de las cuestiones planteadas son los dilemas morales a que se enfrenta el protagonista, de formación católica, algo que se introduce desde el principio con una cita evangélica, la de los enviados como ovejas en medio de lobos: en efecto, en el desenlace, Patrick debe optar por lo que le dicta su conciencia o por una solución acomodaticia y pragmática; y su decisión final le deja un regusto amargo.

Aunque no acaba de despegar de nuevo, el western se resiste a morir en el siglo XXI. Surgen títulos regularmente, algunos de gran calidad, como Open Range, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford o la excelente serie Deadwood. Aborda el género ahora el cineasta David Von Ancken, hasta ahora dedicado a series como The Shield.  Cinco años después de la Guerra Civil, Morsman Carver, antiguo coronel confederado, recluta a varios hombres para que le ayuden a capturar a Gideon, que fue oficial del ejército del norte. Carver está obsesionado con capturar a su objetivo, por motivos poco claros. Le localizan en una zona aislada, y logran alcanzarle con un disparo, pero éste se tira al río. Convencido de que no ha muerto, Carver advierte a los suyos de que sigan tras él, o no cobrarán lo prometido. Von Ancken narra la historia sin recurrir apenas a los diálogos, y la acción se desarrolla por completo en grandes espacios naturales. Recupera un tema que ha sido tratado muchas veces en clave de cine del oeste, la venganza y sus consecuencias deshumanizadoras, y que ha dado lugar a clásicos memorables. Lo mejor es la dimensión humana que alcanzan los protagonistas, capaces de cometer mezquindades, pero también algún que otro acto noble. Los interpretan con convicción los dos protagonistas, Pierce Brosnan y Liam Nesson, aunque está un tanto desaprovechada –como casi siempre– Anjelica Huston. Desde la aparición de su simbólico personaje, casi al final, el tono se vuelve alegórico y pretencioso, dando lugar a un desenlace bastante fallido. Además, al espectador le queda la sensación de que el desarrollo ha abusado de tópicos hasta el punto de que en algunos fragmentos la acción se vuelve previsible.

Pese a su título, este film no es la secuela de Última sospecha, thiller con Leelee Sobieski, Diane Lane y Stellan Skarsgård. En realidad podría decirse que es un remake, o una variación sobre la misma idea. Si en el film original teníamos a una adolescente recién adoptada por un matrimonio que resulta no ser tan encantador como parecía a primera vista, aquí la novedad estriba en que son dos hermanitos -una jovencita y un chaval que han perdido a sus padres en accidente de tráfico- los que ven cómo su adopción se convierte en una pesadilla. La película supone el debut tras las cámaras del desconocido actor Steve Antin.

La productora británica Aarmand adquirió relevancia con sus cortos, protagonizados por personajes creados con plastilina, como los inolvidables Wallace y Gromit. Desde su asociación con DreamWorks, Aarmand ha creado dos excelentes largos, Evasión en la granja y Wallace & Gromit: La maldición de las verduras, también con muñecos de plastilina. Ahora, la productora afronta su primer film de animación digital. Aunque está creado por ordenador, el protagonista está dibujado con el estilo propio de la casa, pues parece un primo de Wallace, Gromit. Se trata de Roddy St. James, rata de clase alta, que vive en un lujoso piso de un barrio residencial en Londres. Cuando los humanos que habitan ahí se van de vacaciones, se dispone a pasar unos días de diversión con toda la casa para él. Pero aparece inesperadamente Syd, rata de alcantarilla, que arroja a Roddy por el inodoro. Arrastrado por la corriente, Roddy acaba en Ratónpolis, gigantesca ciudad de roedores. Con ayuda de Rita, su nueva amiga, Roddy intenta volver a casa si no se lo impide Sapo, un batracio que odia a los roedores. Aunque la calidad de la animación no llega al nivel de Cars, el film es muy imaginativo. Además, el guión acumula gags divertidos. Lo mejor es el villano, un sapo obsesionado con la casa real británica, mucho mejor en la versión original, doblado por Ian McKellen, aunque Gurruchaga hace un buen trabajo en el doblaje español. Muy indicada para el público infantil, los adultos disfrutarán con sus referencias cinéfilas y sus bromas, y su aguda crítica a la incomunicación en la sociedad actual. Sin duda han acertado con el personaje central, un egoísta, que prefiere vivir solo sin complicaciones a compartir su vida y ayudar a los demás. Alguien muy representativo del momento, que aprenderá que es mejor hacer las cosas en equipo, y descubrirá el amor, hasta entonces ausente de su vida.

A una producción de Jerry Bruckheimer no puede faltarle una buena explosión, y la que da principio al film es de antología. El impulsor de CSI: Las Vegas y sus variantes en Miami y Nueva York no puede resistir la tentación de introducir un pasaje forense. ¿Qué sería de una peli de Tony Scott sin su típico ritmo videoclipero, personal marca de fábrica del hermano pequeño de Ridley? ¿No he visto ya antes a Denzel Washington haciendo de poli, buen tipo, enfrentado al villano de turno? ¿En qué título de Tony Scott salía el célebre actor negro? Esto me suena, ¿será un 'déjà vu'? Y pese a todo lo dicho en el párrafo anterior, hay que reconocer en el film que nos ocupa cierto punto de originalidad, una agradecible capacidad de romper el saque. Porque cuando todo parece indicar que la trama va a discurrir por caminos predecibles –un atentado terrorista, la investigación subsiguiente...–, se producen los quiebros de un homicidio previo, y de un sofisticado sistema de espionaje por satélite que no es lo que parece, y que nos lleva por el sorprendente derrotero de los viajes en el tiempo. De acuerdo, a veces el guión 'hi-tech' del "pirata del Caribe" Terry Rossio y su primerizo socio Bill Marsilii resulta complicado de seguir, parece escrito para las generaciones amamantadas en la videoconsola. Pero el balance permite reconocer una historia entretenida y trepidante, que se esfuerza en entregar algo diferente, sin dejar de ser por eso reconocible. Y si Washington ofrece la composición que cabe esperar de un actor de su valía, sorprende el villano ‘soldado’ de Jim Caviezel, prueba de la versatilidad del protagonista de La Pasión de Cristo.

Aturullado film de acción, con planos brevísimos, cámara con Parkinson y alto nivel de ruido. Prueba de que la carrera de Tony Scott (Marea roja, Spy Game) sigue en peligroso declive. Se cuenta el caso real de Domino Harvey, quien, deseosa de llevar una vida ‘entretenida’, se unió a un equipo de cazarrecompensas que detenía a delincuentes por razones pecuniarias.

Charlotte espera en el corredor de la muerte el momento de ser ejecutada. Aunque no quiere mantener contacto con el exterior, se ha escrito con un tal Frank, que vive del macabro negocio de vender sus cartas con condenadas a la pena capital a la prensa amarilla. El caso es las cartas intercambiadas son tan intensas que Frank se ha enamorado, o eso cree. Con lo cual, acude a verla cara a cara a prisión. Y tal vez descubra que la condena esconde oscuros secretos familiares de Charlotte. El cineasta danés Bille August aborda una trama con la pena de muerte como telón de fondo, que en el fondo no deja de ser un thriller con revelaciones más o menos sorprendentes. El principal interés del cineasta era la premisa argumental, o sea, el morbo por saber cosas de los condenados: “Resulta sorprendente el gran número de páginas que se han escrito para alimentar la constante curiosidad de un público ávido de información sobre de la pena capital y el corredor de la muerte. No en vano, existen más de 6.000.000 de páginas dedicadas a este tema, de las que 537.000 de ellas tratan específicamente de mujeres en el corredor de la muerte, lo que resulta aún más llamativo. Nos guste o no, es una cuestión que fascina y repele a todo el mundo.”

La saga de Las crónicas de Narnia es todo un clásico de la literatura infantil en el mundo anglosajón. Los siete libros que componen la serie se habían publicado hace tiempo en España, y aunque la acogida fue aceptable, el auténtico ‘boom narniano’ ha comenzado con la excelente adaptación del primer libro que escribió C.S. Lewis (aunque no sea la primera, cronológicamente hablando), El león, la bruja y el armario. El film arranca en plena Segunda Guerra Mundial. Los aviones alemanes castigan duramente a Londres con sus bombas, hasta el punto de que la señora Pevensie decide enviar a sus cuatro retoños a una tranquila casa de campo, habitada por un viejo profesor. Peter es el mayor, y como su padre está en el frente, se siente de algún modo cabeza de familia, y responsable de sus hermanos. La segunda, Susan, tiene desarrollado vivamente su instinto maternal. Edmund, celoso de su hermano mayor, siempre anda enfurruñado. Y Lucy, la más pequeña y dulce, posee una imaginación desbordante. Por eso, cuando Lucy se esconde dentro de un armario, jugando al escondite en el enorme caserón, la gran experiencia que vive en su interior, y que cuenta luego a sus hermanos, es recibida con incredulidad. En efecto, la pequeñaja asegura que ha estado en Narnia, un mundo fantástico que vive un invierno perpetuo, y donde ha hecho buenas migas con un fauno, el señor Tumnus. Cuando los cuatro hermanos examinan el mueble, sólo descubren un armario y nada más. Pero habrá más viajes a Narnia y un montón de aventuras, como la de salvar a Narnia del poder maligno de la Bruja Blanca. Y por supuesto, conocerán al majestuoso Aslan, un león muy especial. Andrew Adamson, codirector de las dos entregas de Shrek y admirador confeso de la saga Narnia desde que era niño ha logrado un milagro. Su film no sólo es radicalmente fiel a la obra de Lewis, sino que, sin abandonar su condición de entretenimiento pensado para un público infantil, asume en más de un momento rasgos de relato épico, lo que ha ayudado al disfrute de un espectro de espectadores amplísimo. De ahí su inesperado éxito de taquilla, que ha logrado empatar y casi superar al todopoderoso Harry Potter. La trama tiene un toque de inocencia, al que ayuda mucho la pequeña Georgie Henley, la actriz que da vida a Lucy. Nos habla de la fragilidad humana a través de Edmund (estupendo, el chaval Skandar Keynes), que al sentirse desplazado por sus hermanos, busca consuelo en el lugar equivocado, o sea, al lado de la Bruja Blanca (una magnífica Tilda Swinton, que compone una auténtica ‘dama de hielo’), que le ofrece dulces que terminarán siendo muy amargos. Mientras que los dos hermanos mayores hablan de responsabilidad y madurez, un mensaje muy interesante para cierta juventud convocada a no se sabe qué absurdo macrobotellón, al que acude en tropel porque no tiene otra cosa que hacer.

Siglo XII. Jerusalén se encuentra en una época de paz tras la segunda cruzada, pero las relaciones entre cristianos y musulmanes son muy inestables. Tan sólo el esfuerzo del rey cristiano Balduino IV es capaz, a duras penas, de mantener el orden, no sólo entre distintas facciones sino en su propio ejército. Le apoya el leal caballero Tiberias, pero tiene en su contra a los templarios Reynaldo y Guy de Lusignan, ávidos de poder y deseosos de derramar la sangre musulmana de las huestes de Saladino. En medio de este panorama hace acto de presencia Balian de Ibelin, hijo de un caballero de Jerusalén, que busca una nueva vida en la tierra que ha heredado de su padre. Pero su existencia allí va a ser ajetreada, pues se enamorará de la bella Sibylla, hermana del rey, y sobre todo comprobará lo frágil que es la paz y qué complicado es tomar a veces las decisiones adecuadas. Con Gladiator y Black Hawk derribado Ridley Scott demostró con creces que es un director sabio en el rodaje de grandes superproducciones. Aquí vuelve a dar el do de pecho en la concepción grandiosa de los escenarios, en el elegante movimiento de la cámara –sobre todo en las batallas, en las tomas generales– y en la factura visual (también fotográfica) de las imágenes. El guión, sin embargo, puede resultar poco convincente al espectador, sobre todo por su cesión al tópico medieval acerca de los templarios y la Iglesia. En este sentido, Scott ha querido primar el aliento épico del argumento por encima de la exposición de matices históricos y de las motivaciones más hondas de los personajes. Especialmente notable es la larga secuencia bélica del cerco de Jerusalén, rodada con gran virtuosismo, y entre el variado reparto destaca el veterano Jeremy Irons.

Y vivieron felices y comieron perdices. Así parecía acabar la primera entrega de Shrek. Pero resulta que Fiona y Shrek tienen que enfrentarse a la prueba de fuego: conocer a los padres de ella, que les han enviado un grupo de heraldos para invitarles a hacerles una visita en su palacio, en el reino de Muy, muy lejano. En su viaje les acompaña Asno, más que nada porque no parece haber forma de librarse de él. Cuando alcanzan su destino, una multitud se agolpa en las calles para recibirles, pero ni los ciudadanos ni los padres de Fiona esperaban que ésta se hubiera casado con un ogro verde, de carácter vulgar. La perversa Hada Madrina, que aspira a casar a Fiona con su hijo, el príncipe Encantador, instiga al rey a acabar con su nuevo yerno, con el que ha mantenido una fuerte discusión. Para ello, el monarca contrata a un asesino profesional: el Gato con Botas. Segunda entrega de las aventuras del malhumorado ogro, personaje que proviene de un libro infantil del fallecido William Steig. Continúa con la fórmula de romper los tópicos de los cuentos de hadas, pues los protagonistas han elegido al principio de la cinta ser ogros, en lugar de príncipes, cuando lo normal es justamente lo contrario. Mantiene su idea central, basada en la importancia de encontrar el amor, sin dejarse llevar por las apariencias. Esta segunda parte también critica con mucha gracia ciertos convencionalismos sociales, como los viajes de novios, las cenas familiares, las fiestas de sociedad o incluso la institución monárquica. E incluye en la banda sonora canciones tan populares como "Living la vida loca", de Ricky Martin. Pero lo más característico de la cinta es su imaginativo esfuerzo por hacer reír al espectador en cada secuencia. Lo logra por diferentes vías, desde gags basados en los contrastes entre personajes, al estilo de la comedia más clásica, hasta las referencias a películas como Los padres de ella, De aquí a la eternidad, Spider-Man o El Señor de los Anillos. No faltan las alusiones a clásicos de la literatura infantil, cuyos personajes desfilan continuamente por la cinta. Repiten personajes que ya estaban presentes en la primera entrega, como Pinocho, el muñeco de jengibre, los ratoncitos ciegos, los tres cerditos y el lobo feroz. Pero atención a recién llegados como la Sirenita, la Bella Durmiente, y cómo no, el Gato con Botas, que se convierte en uno de los secundarios más importantes, y al que pone voz, tanto en inglés como en español, Antonio Banderas. Y lo hace con un impagable acento malagueño.

Los creadores de la iconoclasta serie de animación South Park, Trey Parker y Matt Stone, orquestan esta peculiar película de marionetas, que pone en solfa no sólo ese complejo de guardianes del mundo que les toca arrostrar a los estadounidenses, sino también las protestas de los pacifistas, singularmente los actores de Hollywood. Podemos decir, en este sentido, casi de modo literal, que la pareja no deja títere con cabeza. Con humor agresivo y salvaje, violencia y sexo gráficos, y ‘animadas’ canciones, seguimos la importante misión del Team America, un grupo de valientes agentes y soldados dispuestos a salvar al mundo de la amenaza del presidente de Corea del Norte, Kim Jong Il. Para ello han fichado a un actor, pues se supone que podrá fácilmente engañar a los terroristas. Entre las humoradas que siembran el film destacan una larga vomitona, capaz de sacar de sus casillas a cualquiera, o los estropicios ocasionados a las pirámides de Egipto, y a la torre Eiffel.

John Creasy es un ex agente de la CIA cuyo pasado está sembrado de muerte y destrucción. Matar ha sido su vida, pero ya ha llegado al límite. Su mejor amigo y antiguo colega, conocedor del lamentable estado de Creasy, le consigue un trabajo de guardaespaldas en México D.F., un lugar que los últimos meses está sufriendo una vertiginosa ola de secuestros. Creasy es contratado para cuidar de Pita Ramos, una niña muy despierta y locuaz. Poco a poco, Creasy le cogerá cariño a la pequeña. La película tiene una primera parte sosegada, donde nos hacemos cargo de la situación de un hombre que ha perdido el sentido de su vida y de cómo la inocencia de una niña comienza a influir positivamente en su corazón. Pero es apenas un momento de calma antes de la tormenta, porque el consumado guionista Brian Helgeland (L.A. Confidential, Mystic River) se limita más tarde a servir una truculenta historia de venganza sin apenas recovecos. Y es que, si al comienzo son apreciables ciertas ideas sobre la descomposición moral de un hombre, a la postre todo queda al servicio de una película extremadamente violenta, donde una insana sed de sangre se convierte en el único móvil. El virtuosismo técnico de Tony Scott, uno de los mayores especialistas en películas de acción, está fuera de toda duda. Aquí le saca todo el partido posible a su cámara y a su modo de rodar visualmente impactante y realista, tremendamente atractivo, con un uso también intenso de los recursos técnicos –ralentización, colores, angulaciones, transiciones trepidantes– de los que ya hizo gala en Spy Game (2001), su anterior película. Que Denzel Washington es capaz de hacer maravillas con sus personajes ya lo sabemos, por eso hay que destacar sobre todo a la pequeña actriz Dakota Fanning, que con sólo diez añitos compone su personaje con perfección inaudita.

Por fin, Bridget ha conseguido comprometerse con el abogado Mark Darcy, el hombre de sus sueños. Aparentemente, es el hombre ideal: atractivo, inteligente, tolerante con las acciones de Bridget, etc. Pero esta insufrible mujer ve amenazas por todas partes, pues siente celos de cualquier fémina que se acerque a su amado. Sobre todo, de la nueva ayudante de Mark, una atractiva y alta mujer que parece querer alejarla de él. Para colmo de males, reaparece el mujeriego Daniel Cleaver, antiguo jefe de Bridget con el que mantuvo una horrible relación. Vuelve la treintañera más neurótica y exageradamente llena de complejos de la pantalla, interpretada por Renée Zellweger, en una secuela en que también reaparecen Colin Firth y Hugh Grant. La directora Sharon Maguire ha sido sustituida por el cineasta británico Beeban Kidron, correcto autor de cintas como Antonia y Jane o A Wong Foo, gracias por todo, Julie Newmar. Y bien, lo que podía haber sido un sainete actualizado, una especie de retrato de costumbres, que hubiera convertido a su protagonista en todo un icono generacional, en realidad se queda en una comedia ligera, y en ocasiones algo gamberra. Eso sí, la risa está asegurada con gags sencillos pero efectivos al estilo de las telecomedias. Además, Kidron le saca jugo a las múltiples y sonoras canciones de la banda sonora. Versiona muy libremente la segunda novela sobre el personaje, de la periodista Helen Fielding, en la que Bridget convivía con Darcy para constatar que el hombre de sus sueños era también un ser humano con algún defectillo. Lo único que ha quedado en su traslación a la pantalla ha sido el título y el viaje a Bangkok.

Un capo mafioso encarga a Beck, su gorila de confianza, que vaya a la caza de su hijo Travis, el cual se ha pirado a la selva del Amazonas para buscar un objeto de mucho valor. Pero cuando Beck llega allí y encuentra a Travis, ambos se las tendrán que ver con el jefe de un tinglado que huele mal, pero que muy mal. Para colmo, entre los dos se colará Mariana, una bella nativa que encandila a ambos, pero que guarda más de un secreto. Tras el superéxito de El rey Escorpión, The Rock vuelve a las andadas con esta entretenida película que explota al máximo su físico y su cara de tótem, aparte por supuesto del clásico móvil de los tesoros perdidos en medio de la jungla. Los paisajes son espléndidos, aunque lo mejor son sin duda las coreografías de las escenas de lucha (hay una con un enano saltarín que quita el hipo) y el ajustado tono de comedia con que el director Peter Berg ha logrado impregnar todo el film. De todas maneras, hay de todo, como tiene que ser en este título de puro entretenimiento: peleas a mansalva, caminatas sudorosas, chistes graciosos, romance con rivalidad y hasta un punto de intriga. Destaca el trabajo del joven Seann William Scott, quien tras su participación en El monje cada vez se siente más cómodo haciendo de graciosillo en busca de acción. Mención especial también a los caretos del malvado de turno, encarnado por un inconmensurable Christopher Walken.

Esta vez, el artesano Joel Schumacher responsable de cintas tan distintas como Tigerland y Última llamada, retrata una historia real. Veronica Guerin fue una periodista irlandesa muy popular del diario dublinés Sunday Times. En los 90, alarmada ante el aumento del consumo de drogas entre la juventud, Veronica abordó una serie de reportajes sobre las mafias responsables del narcotráfico en Dublín. Contaba con la ayuda de Traynor, un “topo” que le revelaba el funcionamiento de la organización de John Gilligan, uno de los reyezuelos de la droga en Irlanda. Como a éste no le gustaba que la periodista indagara demasiado, intentó pararle los pies con métodos violentos. Popular como Galadriel en la trilogía de El señor de los anillos, Cate Blanchett ha trabajado a fondo su interpretación. Para dar veracidad a su personaje, la actriz australiana viajó a Dublín antes del rodaje, y se entrevistó con amigos y familiares de la auténtica Veronica Guerin. Además, escuchó las entrevistas que concedió a la radio, y leyó sus reportajes. El film retrata bien las relaciones familiares de la protagonista (pasa mucho tiempo fuera de casa, mientras su marido Graham es el que más se ocupa del hogar, con ayuda de Bernadette, la madre de Veronica), y las dificultades por conciliarlas con su arriesgada profesión. Quizás la trama se centra demasiado en la protagonista, y desdibuja otros personajes, algo arquetípicos (el marido comprensivo, los gángsters malvados). Pero esto se compensa por cómo aborda la responsabilidad de los periodistas, por una vez los buenos de la historia, así como la injusticia de que unos pocos se enriquezcan a costa del sufrimiento de los adolescentes adictos a la heroína.

Los bucaneros se lanzan al abordaje de las taquillas cinematográficas y vuelven a estar de moda, sobre todo gracias a Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra. Pero antes desembarcó en los cines el más antiguo héroe relacionado con la piratería, y el más famoso junto a Long John Silver, de La isla del tesoro: el mítico Simbad, procedente de los relatos de Las mil y una noches, escritos en los siglos VIII y IX. Curiosamente, esta nueva versión no lo presenta del todo como un héroe, sino más bien como un pícaro, egoísta e incorregible, que por amor y amistad, finalmente acabará protagonizando hechos heroicos. Un personaje tan complejo y realista es inusual en una producción de dibujos animados. La diosa del caos Eris roba el preciado Libro de la Paz, una reliquia ancestral cuyo poder mantiene la prosperidad y el orden en un grupo de doce ciudades. Eris deja pruebas que inculpan al pirata Simbad, que es encarcelado. Da la cara por él y consigue que envíen al prisionero a recuperar el volumen desaparecido su antiguo amigo de la infancia Proteo, príncipe de Siracusa, que a cambio debe permanecer encerrado mientras éste regresa. Pero Simbad tiene otros planes: irse a las soleadas islas Fiji. El caso es que en su barco se cuela como polizonte Marina, novia de Proteus, que le convence para que cumpla su misión a cambio de valiosas joyas. No será una tarea fácil, pues la malvada deidad les enviará monstruosas criaturas para hacerles fracasar. Por si esto fuera poco, los hombres de Simbad, viéndose abocados al fracaso, se rebelan contra su capitán. Hace tiempo, dos de los máximos ejecutivos de DreamWorks, Spielberg y Katzenberg, pidieron a la gente de sus estudios una historia que mezclara aventuras y género fantástico, al estilo del El señor de los anillos o La guerra de las galaxias, combinación de un mundo real y otro mundo mitológico. Tras esta declaración de principios, un equipo dirigido por Tim Johnson, codirector de Antz (Hormigaz). y Patrick Gilmore, productor de Aladdin, ha estado trabajando más de tres años para finalizar esta producción. Aunque elaborada básicamente con dibujos hechos a mano, los monstruos, y algunos fondos y barcos han sido creados por ordenador. No falta el humor, que descansa fundamentalmente en Spike, el perro de Simbad, pero sobre todo hay grandes dosis de acción y aventuras, pues se nota la mano del guionista John Logan, coautor de Gladiator y de la inédita El último samurái, y por tanto especializado en historias épicas del pasado. También hay un romance entre Simbad y Marina, aunque en principio ambos personajes están radicalmente enfrentados, sobre todo porque ella le reprocha constantemente su evidente machismo. Esta conflictiva relación de amor-odio es uno de los elementos más interesantes de la película, y recuerda a los protagonistas de películas clásicas como Lo que el viento se llevó, La reina de África, o cualquiera de las que que coprotagonizaran Spencer Tracy y Katharine Hepburn, o Errol Flynn y Olivia de Havilland. Todas ellas suelen distinguirse por que el personaje femenino lucha por abrirse camino en un mundo de hombres.

El veterano Joel Schumacher vuelve a echar mano de Colin Farrell, después de que le diera la oportunidad de saltar al estrellato con la exitosa Tigerland. Ahora, el actor irlandés da vida a Stu Shepard, un americano hijo de su tiempo, que vive pegado al teléfono móvil y cuyo trabajo de asesor de publicidad le da no pocas oportunidades de vivir perpetuamente pendiente de sí mismo. Un día cualquiera, mientras camina por Nueva York, suena el teléfono en una cabina y Stu decide descolgar el teléfono. Desde ese momento, el protagonista vivirá una pesadilla: al otro lado de la línea, un francotirador asegura que le matará si sale del metro cuadrado de metacrilato donde se encuentra. La tensión que Schumacher imprime a una situación tan plana es el punto fuerte de este thriller agobiante y claustrofóbico, rodado con sabiduría en un único escenario. Pero la película va un poco más allá de la mera puesta en escena y se revela como una parábola moral acerca de la falsedad de muchos triunfadores modernos, de esas personas cuya exitosa fachada esconde a menudo secretos y pecados. Así, el protagonista se verá forzado a humillar su ego y mostrar su culpabilidad moral sin no quiere desencadenar una matanza. El actor Colin Farrell, protagonista absoluto de la película, logra una interpretación convincente, ampliada por una buen elenco de poderosos primeros planos que él sostiene con implacable fuerza. A su lado se mueve el buen hacer de ese extraordinario actor que es Forest Whitaker (La habitación del pánico), en su papel de agente de la policía. La película logra el objetivo de mantener en vilo al espectador, sin buscar el alargamiento ficticio de los hechos, un acierto que el director podría haber echado por tierra si hubiera decidido equivocadamente aumentar el metraje.

Ingrid y Gregorio Cortez son dos espías internacionales que han dejado su trabajo para formar una familia. Al menos, supuestamente. En realidad, están investigando la misteriosa desaparición de siete espías de la Oficina de Servicios Estratégicos. Todo apunta a que Floop, un excéntrico mago de la tecnología cuyo programa de televisión tiene engatusados a todos los niños, puede estar detrás de las desapariciones. Cuando los agentes Cortez caen en la trampa de su enemigo, el destino mundial dependerá de Carmen y Juni Cortez, unos niños que acaban de descubrir la oculta profesión de sus padres y que pronto aprenderán a manejar los artilugios que pueden llevarles a recuperar a su familia. Tras el El mariachi y Desperado, Robert Rodriguez vira 180 grados y ofrece una entretenida y deliciosa película familiar, escrita también por él mismo. Para él: “Mantener a la familia unida es un eterno desafío. Quiero decir, ¡es como una misión imposible! Pero vale la pena la lucha y el desafío porque no creo que haya algo más gratificante en la vida que la familia”. Spy Kids aúna comedia y acción a grandes dosis, con una puesta en escena de apabullante color e impactantes decorados que parecen salir de la imaginación de los niños protagonistas. De hecho, el acierto del film es precisamente esa identificación entre la realidad y los sueños, algo que ha hecho que miles de niños y jóvenes se identifiquen con los protagonistas. Los efectos especiales son primorosos, igual que la enorme galería de artilugios (mochilas voladoras, coches anfibio, vainas submarinas, aviones infantiles con mandos de video-juego, chicles bomba, etc.) ideadas por la imaginación de Robert Rodriguez.

Shrek. Un ogro bueno. ¿Bueno? Pues sí, a pesar de ser un tipo solitario y de aspecto tirando a feo, que vive en su choza en medio del bosque, junto a un pantano, en el fondo tiene buen corazón. Lo que necesita es gente que le quiera y una meta en la vida. Y precisamente algo va a cambiar en su rutina diaria cuando Lord Farquaad, un caballero bajito y de dudosa virilidad, expulsa de sus dominios a todas las criaturas fantásticas de cuentos que allí habitan. Así que Pinocho, los tres cerditos, Peter Pan, los tres ratones ciegos y un montón de personajes reconocibles van a dar con sus huesos junto al hogar de Shrek. Esto es una molestia, y el ogro, para librarse de tanta compañía no deseada, acepta una misión de Farquaad. Rescatar a la princesa Fiona de las garras de un dragón. Le acompañará en su misión un simpático burro parlanchín. Transgredir las convenciones de los cuentos. Ahí radica la clave de Shrek, adaptación de un libro infantil de William Steig. Que los ogros sean buenos, los caballeros impresentables, las princesas no tan indefensas como parece, y los dragones escondan un montón de buenos sentimientos, son ideas que hacen pedazos los tópicos, tan conocidos de todos, de los cuentos clásicos; lo que da paso a sorpresas y a un montón de carcajadas. Además, la película no sólo cuenta con el humor, sino con una historia bien trenzada donde hay sitio para el amor y el lirismo (maravilloso el momento del intercambio de regalos de globos). El guionista Terry Rossio explica también que una de las cosas novedosas en Shrek es que se trata del primer film de animación en que los personajes tienen conversaciones corrientes. Lo cual ayuda sin duda a definirlos mejor. Jeffrey Katzenberg, el gran jefe de la división de animación de DreamWorks, define el film como “una alegoría en la que podemos encontrar algo sobre nuestras propias vidas. Cada uno de nuestros personajes llega a comprender que hay algo maravilloso en ser del modo que uno es. Pienso que es verdad en el caso de todos nosotros: la gente que finalmente llega a conocernos y amarnos, ve lo valioso que hay dentro de nosotros. Ya seas una princesa, un burro, o incluso un gran, verde y apestoso ogro, puedes encontrar el amor y la felicidad.” La película es un nuevo paso en las comedias animadas por ordenador, de las que fue una buena muestra la divertida Antz (Hormigaz). En la versión original, las voces de los personajes están puestas por Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Díaz y John Lithgow.

Los tiempos cambian. Adiós a la guerra fría y todo eso. Nathan (Robert Redford) lo sabe, con lo cual no le importa demasiado que haya llegado, al fin, la hora de la jubilación. En plena faena de desmontar sus despacho, los jefes le llaman a capítulo: Tom, uno de los cachorros criados en sus pechos, ha sido hecho prisionero en China. Por una cuestión política (las siempre delicadas relaciones entre Estados Unidos y los de los ojos rasgados), la cosa no puede hacerse pública. Motivo por el cual Tom podría ser ejecutado a partir de las próximas 24 horas. Aterrado ante la posibilidad de que su antiguo pupilo sea sacrificado por “razones de interés nacional”, Nathan deberá recurrir a los métodos del espionaje de antaño para lograr su liberación. Tony Scott, el hermano de Ridley, firma uno de sus mejores filmes, junto a Marea roja y Amor a quemarropa. A la hora de narrar, sabe mezclar los hilos narrativos de lo que sucede en China y EE.UU., junto a recuerdos del pasado que nos indican lo que une a maestro y discípulo. Y junto a la apasionante intriga, plantea preguntas acerca de las disyuntivas morales que se presentan a los que se dedican al mundo del espionaje: ¿Pueden tener vida privada? ¿Vale todo? Resulta además muy inteligente la elección del reparto: Pitt parece un buen recambio al espía Redford, y por debajo subyace la idea-interrogante de si lo mismo ocurre entre ambos en lo que se refiere a su trabajo como actores.

Seymour es un joven neoyorquino con una vida muy normal. Nada que ver con lo que espera cuando inesperadamente su madre, que es una activista, es asesinada. En ese momento decide emprender un largo viaje para encontrar a los asesinos y poder vengar así su muerte. John Leguizamo realiza un buen papel como el vengador. Se trata de un actor que ha sabido compaginar en su filmografía a los personajes más crueles con los de corazón noble que sólo buscan justicia.

Primer largometraje con los personajes de la serie Winnie the Pooh. Los animalitos imaginados por A.A. Milne dan pie a una historia donde Winnie y sus amigos ayudan a Tigger a encontrar a su familia. En efecto, éste busca en vano su árbol genealógico, de modo que sus amigos se disfrazan de tigre con la intención de que Tigger les tome por sus parientes. Dibujos encantadores y canciones de los hermanos Sherman contribuyen a que chicos y grandes disfruten de la historia.

1950. Yorkshire, Inglaterra. La granja que regenta la Sra. Tweedy en compañía de su marido es bastante parecida a un campo de concentración. Alambradas, trabajos forzados para aumentar la producción de huevos, vigilancia nocturna... Es verdaderamente un infierno. La gallina Gingers, apoyada por Bunty, Babs y Fowler planean el mejor modo de fugarse de allí, junto con sus compañeras gallináceas. Pero la cosa no es tan sencilla. La llegada accidental de Rocky, un gallo norteamericano, les anima a trazar lo que parece un plan perfecto. Se escaparán de la granja volando, gracias a las técnicas sobre vuelo que les va a dar el fanfarrón de Rocky. Sólo una duda: ¿de verdad que las gallinas pueden volar? Divertidísima y original película dirigida por los británicos Peter Lord y Nick Park, que tienen en su haber nada más ni nada menos que tres Oscar al mejor corto de animación, de un total de siete nominaciones. Casi nada. A base de plastilina y látex, y fotografiando fotograma a fotograma, logran un prodigio de historia. Los personajes resultan cercanos, y el sentido del humor está muy bien encajado. Los homenajes a películas como La gran evasión o Traidor en el infierno son divertidísimos, sin limitarse al puro mimetismo. Aunque hay mucho trabajo detrás del film, para Park el dibujo inicial de la escena es “el momento creativo.” El ritmo de producción era lento pero seguro: 90 segundos de película a la semana, donde cada animador era capaz de entregar 3 segundos diarios de material rodado. Para los muñecos se usaron dos escalas, para lograr el necesario detalle. En la mayoría de los planos las gallinas tienen 23 cm de altura y los humanos 35 cm; para los planos generales se usaban modelos más pequeños. En cuanto a espacio para crear los decorados, se ocuparon más de 10.000 metros cuadrados de los estudios Aardman en Bristol. El resultado, artesanía pura.

Un instituto en el barrio de Queens, en Nueva York. El profesor favorito de los alumnos es despedido. La noticia cae como una bomba entre la muchachada, hasta el punto de que ocho estudiantes más decididos (y algo alocados, todo hay que decirlo) realizan una acción audaz. Se atrincheran en el instituto, y toman como rehén a un policía. ¿Pero qué quieren estos jóvenes? En realidad no lo tienen muy claro, pero se trata de algo así como una "educación decente". Entretenida peli, que critica la degradación de la enseñanza en algunas escuelas. Los chicos logran la simpatía, hasta de la negociadora (Vanessa Williams (II), la chica de Eraser (Eliminador)). Entre los actores destaca Forest Whitaker, como el policía retenido contra su voluntad.

Película inglesa a más no poder: amor y fútbol. Dos bares se disputan la hegemonía futbolística de un pueblo. Smith tiene que conseguir que su equipo gane, lo que no logra desde hace 99 años. También desea el amor de Rosemary. Comedia social con mayúsculas.

Un congresista es asesinado. En el crimen está implicado un alto funcionario de la Casa Blanca. Una cámara ha grabado los hechos y la información va a parar, casualmente, a manos del abogado negro Robert C. Dean. A partir de ese momento su vida se convierte en un infierno: sufre una persecución implacable con los medios de espionaje más sofisticados. El Gran Hermano imaginado por el novelista George Orwell, que vigila todos los movimientos de los ciudadanos, tiene una versión ultratecnológica en este film. Con el espionaje a través de satélites de comunicación y ordenadores, cualquiera diría que la intimidad personal es sólo un bonito recuerdo del pasado. Tony Scott firma un sólido film, que le acerca a la altura de otro de sus trabajos importantes: Marea roja. Logra crear una atmósfera inquietante de perpetuo acoso, y apenas deja respiro al espectador a lo largo del metraje. La arriesgada resolución del film –se podía haber caído en el mayor de los ridículos– demuestra que Scott tiene talento, y que lo usa cuando quiere. Los actores están estupendos: Will Smith hace un buen papel dramático, mostrando que tiene más dotes que las puramente cómicas; a Gene Hackman le basta su fuerte presencia para crear un estupendo espía, que recuerda a su memorable personaje de La conversación, de Francis Ford Coppola.

Un policía abate a tiros, en defensa propia, a un traficante de drogas chino. El padre del muerto, un importante capo de la mafia llamado Mr. Wei, encarga a John Lee, un asesino profesional, que liquide al policía. Una vez aceptado el caso, Lee se ve incapaz de llevarlo a cabo, debido a su personal código de honor. Pide entonces ayuda a Meg, una falsificadora profesional, para que le fabrique una nueva identidad. Mientras, un Wei muy cabreado contrata a unos "asesinos de reemplazo" que deben matar a Lee, al policía y a la chica. Hong Kong exporta su cine a Estados Unidos. Primero fue el famoso director John Woo, ya afincado en ese país, que además ejerce de productor en el film. Ahora es el carismático actor Chow Yun-Fat, que hace un atractivo trabajo como asesino de aparente frialdad, pero con sus ideas de lo que está bien y mal. La incursión de Yun-Fat en el cine USA es seria, como demostró la participación del actor, junto a Jodie Foster, en la romántica Ana y el rey. Hay acción a raudales, tensos duelos con armas, y secuencias tan intensas como la que ocurre dentro de una sala de cine. El film supone la primera incursión de Mira Sorvino en el cine de acción.

En un hormiguero con varios millones de habitantes, Z, una hormiga obrera, se siente insignificante. Cavar agujeros toda su vida, sin un propósito claro, no es, precisamente, la ilusión de su vida. Pero un día, mientras toma cerveza de pulgón con su amigo Weaver, conoce a la joven princesa Bala, que, de incógnito, ha decidido tener una “experiencia”: conocer cómo es la vida del pueblo llano. Z se enamora de Bala, aunque pronto descubre que no está a su alcance, ya que ella está comprometida con el general Mandible, que es, en la práctica, el amo del hormiguero. Eric Darnell y Tim Johnson han urdido una divertida crítica social animada, en la línea de la conocida novela de George Orwell Rebelión en la granja. A través de un humor corrosivo, pero no cargante, se ponen en la picota los regímenes colectivistas y autoritarios, que sacrifican al individuo en aras de no se sabe qué metas comunitarias. La película refleja, con gracia, lo fácilmente manipulables que son las masas. El divertido Z es tipo de antihéroe (tiene miedo a la guerra; trata de ser complaciente con sus jefes, para evitarse problemas; se deja guiar por ideales ilusorios, como el de Insectopía, un mítico lugar donde, se supone, todos los insectos son iguales y viven en armonía y felicidad), aunque al final demuestra su valentía oponiéndose al tirano, para salvar a su pueblo. Nueva vuelta de tuerca al cine de animación por ordenador, tras el importante aviso dado por Toy Story. En este caso la técnica alcanza cotas de asombrosa perfección. Ello es particularmente patente en las escenas multitudinarias del hormiguero, con fondos superespectaculares. El diseño de las hormigas es estupendo: los responsables del film logran que estos insectos no se hagan desagradables. Z tiene un aire a E.T., el extraterrestre, lo cual no es de extrañar si pensamos que Hormigaz es una producción de DreamWorks, los estudios de Steven Spielberg.

Notable adaptación de los relatos de Mary Norton (autora de grandes éxitos de la literatura infantil como La bruja novata) sobre unos seres diminutos que sobreviven en una gran ciudad, en el subsuelo de una casa habitada por la familia Lender. Un día la intrépida Anita decide lanzarse a la aventura y es atrapada por el niño de la familia. En poco tiempo, ambos se hacen buenos amigos. Tanto el guión, la realización de Peter Hewitt (La princesa de Sherwood) y las interpretaciones son de estimable calidad, pero sobre todo destacan los espectaculares efectos especiales y una ambientación muy imaginativa.

El arranque es sobrecogedor. A mediados del siglo pasado, un meteorito cae en las heladas tierras de Groenlandia. Un desesperado esquimal trata de esquivar la muerte jaleando a los perros de su trineo, mientras le persigue una incontenible avalancha de agua y nieve. Más tarde, en la época actual, la muerte de un niño esquimal en extrañas circunstancias promete una intriga en la mejor tradición del cine de Alfred Hitchcock. La investigación que realiza Smila, vecina del niño muerto, se narra con lentitud desesperante. Muchos hilos narrativos quedan sueltos, de modo que la verosimilitud de la historia mengua por momentos. Si Julia Ormond es relativamente creíble, no puede decirse lo mismo de los personajes, torpemente dibujados, de Gabriel Byrne y Richard Harris. En cambio Vanessa Redgrave, en brevísima aparición, brilla con luz propia. Se echa de menos al prometedor Bille August de Pelle el conquistador y Las mejores intenciones. Parece que el director danés tiene mejores aptitudes para las historias de corte bergmaniano que para el genuino suspense.

Thriller con tintes dramáticos donde un joven rico es acusado de matar a una prostituta. La investigación policial sacará a la luz secretos de joven acusado, pero también del grupo de policías encargados del caso. Tim Roth da vida al acusado, un tipo que además de rico es inteligente y muy violento. Todo esto aderezado con problemas con la bebida, hace que Roth sea perfecto para el papel dada su capacidad para encarnar a personajes inquietantes que no despiertan ninguna confianza.