Mark Isham

Shaker Heights es una impoluta zona residencial de Cleveland, donde se supone que sus moradores llevan una vida casi perfecta. Elena Richardson, blanca y rubita, casada con Bill y madre de cuatro hijos que rondan la adolescencia, se las arregla además para trabajar en un periódico local. Intenta mantener una buena relación con todos, aunque le cuesta conectar con Izzy, que está sufriendo algo parecido al bullying. Y tiene un club de libro con sus amigas, donde hacen lecturas tan “atrevidas” como “Los monólogos de la vagina”. Al lugar llega la afroamericana Mia Warren, madre soltera de Pearl, artista e independiente, con un pasado oscuro, no ha desvelado nunca a su hija las circunstancias de su nacimiento, quién es su padre. Elena, guiada por su buen corazón, alquila una casa a Mia en muy buenas condiciones, y Pearl empieza a frecuentar la amistad de Moody, uno de los hijos de la casera. Adaptación de la novela homónima de Celeste Ng. Al menos en su versión en forma de miniserie, no resulta excesivamente sutil en su dibujo de personajes y situaciones, y en su mirada a prejucios y diferencias sociales parece seguir los pasos de otras producciones donde domina el punto de vista femenino, como Mujeres desesperadas o Big Little Lies. El desarrollo corre a cargo de Liz Tigelaar, responsable de Una vida inesperada. La idea de fondo es que bajo la superficie de una vida idílica, arden pequeños fuegos de frustración y engaños capaces de chamuscar a cualquiera, una imagen que tiene su reflejo físico en los primeros compases, cuando vemos que la preciosa casa de los Richardson ha sido pasto de las llamas, y se nos explica acudiendo al flash-back a lo largo de los capítulos cómo se ha llegado a tal situación. Hay algo de impostado en el dibujo de las típicas discusiones madre-hija, y en el deseo de las primeras por modelar a las segundas, sin respetarlas lo suficiente como personas libres. Aunque con innegables valores de producción, y reparto con competentes actores, tanto los ya veteranos Reese Witherspoon, Kerry Washington, Joshua Jackson y Rosemarie DeWitt, como los jovencitos y más desconocidos Lexi Underwood, Jade Pettyjohn y compañía, no puede evitarse la caída en el cliché y en los estereotipos con momentos muy de culebrón y casi risibles. Se lleva la palma todo lo relativo al bebé chino entregado en adopción, pero no le andan a la zaga las dificultades de Izzy para sobrellevar el acoso escolar en que sus “compis” la tachan de bollera.

Nuevas aventuras perrunas kármikas, en la secuela de Tu mejor amigo, que siguen explotando la idea original de la novela de W. Bruce Cameron. En esta ocasión dirige Gail Mancuso, con experiencia en series televisivas como Roseanne y Modern Family. En esta ocasión Bailey vive con Ethan y su esposa Hannah ya abuelos en su granja, tienen con ellos a su nieta CJ, y a la madre de ella, Gloria, que parece incapaz de superar la muerte en accidente de su marido. De modo que se refugia en el alcohol, alimenta sueños quiméricos de llegar un día a ser una estrella, y desfoga su frustración con sus suegros, pues tiene la sensación de que silenciosamente le reprochan ser una mala madre. Hasta el punto de que un día se lleva a CJ y corta la relación con los abuelos de la pequeña. Pero Ethan ha pedido a su perro Bailey, antes de sacrificarlo, que en sus sucesivas vidas en otros canes, cuide de su pequeña CJ. Y así ocurre, milagrosamente, siempre hay perros cerca de CJ mientras crece, en los que aletea su espíritu perruno. Como se ve, el film insiste en la mágica idea del original, que ya entonces resultaba algo forzada, y aquí desde luego la continua voz en off del perro acaba siendo cansina. Pero en fin, la película es lo que es, debes aceptar la premisa de partida si quieres disfrutarla mínimamente, y luego dejarte llevar en una trama que viene a ser círcular, CJ se separa de sus abuelos, y al final volverá a encontrarlos. En el camino está la trayectoria de la chica, desde niña, con su vecino asiático siempre enamorado de ella, aunque ésta no quiere o no puede verlo. Y situaciones diversas, ninguna demasiado bien desarrollada, como la de un acosador de CJ, el pelma de Shane, o la madre que no sabe querer a su niña. Pero todo es muy simple, al final la gracia está en los diversos perros, bien amaestrados para actuar. Los actores hacen lo que pueden, con Kathryn Prescott como protagonista, e ilustres secundarios como Dennis Quaid.

Alaska, 1925. En el pequeño pueblo de Nome muchos niños han caído enfermos de difteria. Falta suero antitoxina, por lo que se teme por la vida de los pequeños y por tanto por el futuro de la comunidad. El alcalde y los dirigentes están desesperados y confían que les puedan enviar el suero vía aérea. Sin embargo, cuando el mal tiempo impide el desplazamiento, sólo podrán recurrir a Leonhard Seppala, un experimentado 'musher' noruego que, gracias a su trineo de perros liderados por Togo, parece ser el único capaz de atravesar cientos de kilómetros de nieve y hielo para conseguir el suero y traerlo de vuelta. Entretenida producción de Walt Disney que narra la historia de una de las proezas animales más extraordinarias de todos los tiempos, la llamada Carrera del Suero de Nome o Gran Carrera de la Misericordia. Casi todo el peso recayó en el pequeño Togo, un perro de la raza husky que guió la expedición de Seppala, que fue la que cubrió la mayor parte del recorrido (más 500 de un total de 1.085 kilómetros), realizado por etapas y en donde también intervinieros otros hombres y trineos, aunque con unas distancias infinitamente menores y menos peligrosas que las llevadas a cabo por Seppala y sus perros. El director Ericson Core (Invencible) se toma mucho tiempo en contar la relación de Togo con Leonhard Seppala y su mujer Constance. La narración, así, está contada en dos tiempos: en el presente y doce años antes, pues Togo tenía esa avanzada edad cuando emprendió la aventura. Resultan muy divertidas las habilidades del cachorro Togo para escaparse de cualquier lugar con el fin de seguir a Seppala y a su trineo. Seppala al principio no aguantaba al indomable cachorro e incluso lo regaló un par de veces. Pero la perseverancia de Togo acabó dando sus frutos cuando el musher (nombre con que se denomina a los conductores de trineos) decidió probarlo como guía, y quedó impresionado. Esa narración en dos tiempos aporta humanidad a la historia –también con la relación de Leonhard y su mujer– y concede más impacto a las escenas de acción a través de la nieve. Especialmente espectacular resulta la peligrosísima travesía de Norton Sound, una enorme bahía helada a través de la cual el equipo podía ahorrarse muchos kilómetros. Togo es una muestra más del heroísmo que es capaz de emprender el ser humano por sus semejantes y también de la especial conexión que los perros pueden tener con sus dueños, aquí inmejorablemente interpretados por Willem Dafoe y Julianne Nicholson. Sirve además como documento que cierra una cuenta pendiente con la justicia histórica. Porque el perro que se hizo célebre en el mundo entero fue Balto, el cual sólo recorrió el último y más fácil tramo de la expedición. Balto cuenta incluso con una estatua en Central Park en Nueva York y el nombre de Togo fue casi olvidado, cuando en realidad fue el husky de Seppala quien lideró la proeza a traves de más de 500 kilómetros.

Max es un ganso egoísta y bravucón que alardea de ser el mejor volador de la bandada y rechaza volar. Sin embargo, cuando se dispone a migrar con la llegada del invierno tiene la mala suerte de romperse un ala. Tendrá que desplazarse andando. En su camino se le unirán dos patitos hermanos, Chi y Chao, que han perdido a su bandada por culpa de Max y que son perseguidos un un malvado gato. Entretenida película de animación, de producción chino-estadounidense, que aborda cuestiones de gran calado dirigidas sobe todo a los más pequeños, tales como la necesidad de trabajar en equipo, de sentirse parte de una familia y de ayudar a los demás. Está bien mostrada la evolución del protagonista, un ganso simpático y fanfarrón que aprenderá grandes lecciones de convivencia para el futuro. Se trata del debut en la dirección de Christopher Jenkins, conocido sobre todo por su guión de Locos por el surf, también un film de animación protagonizado por animales, en ese caso pingüinos. Está claro que el amor a los animales es algo esencial para el director, ya que aquí juega un papel clave la sensibilización sobre este tema dirigida al público infantil. La película de Jenkins es una aventura repleta de humor y llena de acción, con momentos trepidantes y originales, en tierra, mar, aire e incluso en una cueva como escenario. Funcionan personajes secundarios como el de la tortuga o especialmente el del malvado gato con la personalidad desdoblada al más puro estilo Gollum. También hay un divertido homenaje cinéfilo a Indiana Jones. Sin ser llamativa o espectacular, técnicamente la animación es eficaz.

De cara a dejar atrás su pasado como asesino a sueldo, Arthur Bishop rehace su vida en Brasil. Pero un enemigo del pasado secuestra a Gina, su nuevo amor, para chantajearle de cara a que vuelva a ejercer su siniestra profesión. Deberá eliminar a tres traficantes de armas en diferentes países. Secuela de la nueva versión de Fríamente… sin motivos personales, ya de por sí era más ligera que el original, pues el personaje central no parecía humano, carecía de remordimientos por sus dudosos actos, como Charles Bronson en la cinta de 1972. Pero al menos contaba como base con el correcto guión de aquélla. Aquí ni eso, pues el director Dennis Gansel, responsable de la excelente La ola, no parece haberse tomado en serio el proyecto, imprimiendo un tono humorístico. Por supuesto, ofrece todo lo que los incondicionales de Jason Statham esperan, esto es explosiones y porrazos a mansalva, sin que nada parezca creíble. Desaprovecha a Michelle Yeoh, y a Tommy Lee Jones, casi irreconocible con gafas oscuras, cuyas apariciones son casi un cameo.

Christian Wolff arrastra su autismo desde niño, vive en su propio mundo, tiene dificultades para empatizar y adivinar lo que sienten los otros. Esto fue una losa en su hogar, los progenitores se separaron, y el padre le educó a él y a su hermano con mano dura, su profesión de militar le impulsó a prepararles para los desafíos de la vida. Ya adulto, Christian ha utilizado su prodigiosa cabeza para las matemáticas para ejercer de contable, lavando las cuentas a impresentables criminales. Su asesora le recomienda un trabajo más tranquilo, pues el Departamento del Tesoro va tras su pista. Pero investigar incongruencias en los libros de una empresa de robótica va a resultar más peligroso que cualquiera de sus trabajos previos. Después de ver El contable, uno casi está esperando ver en los créditos la leyenda "basada en una novela de John Grisham", por el tipo de historia e incluso el título, pero no, su guionista es alguien bastante desconocido, Bill Dubuque, aunque firmó hace dos años el libreto de una película bastante apañada, El juez, el primero de sus guiones llevado a la pantalla. Tras la cámara está Gavin O'Connor, un director que llamó la atención en 1999 con una historia diferente, Tumbleweeds, aunque luego ha derivado a tramas más comerciales, como la épica deportiva que dio lugar a El milagro, o la que nos ocupa, un thriller que tiene al espectador más o menos en vilo durante todo el metraje. El guión maneja diversos puntos de vista, y también juega con saltos temporales, sobre todo flash-backs de la infancia del protagonista. La mención en varios momentos al concepto "puzzle" bien puede aplicarse al entramado narrativo, donde las piezas encajan bastante bien, es una lástima que el desenlace, bastante forzado estropee el conjunto un tanto. Lo que es una pena, porque hay escenas casi de manual de guión, muy bien escritas, por citar alguna del principio, la de la consulta del neurólogo con tres niños en danza, el médicos, y los padres de uno de ellos. De algún modo el esquema argumental responde al paradigma de algunos superhéroes Marvel relativamente normales como Daredevil al que curiosamente Ben Affleck dio vida en la mediocre versión cinematográfica. Ahí tenemos a alguien lacónico que no tiene superpoderes, pero sí habilidades especiales que trata de manejar con cierta honradez, aunque fuera de la legalidad y anónimamente, y en sus peligrosas andanzas pone en riesgo la vida de los que se cruzan con él, ya sea el pacífico matrimonio cuyas cuentas lleva, o la colega contable a la que da vida la menudita Anna Kendrick. El conjunto es bastante entretenido, con una correcta puesta en escena y un reparto bien escogido. Carga un poco la violencia, últimamente el realismo en los disparos en películas y series resulta excesivo.

Dane es un cazatalentos que además tiene la oportunidad de mejorar su posición en su empresa, si supera a un serio oponente. Sin embargo, sus aspiraciones laborales chocarán con las necesidades de su familia y eso creará dudas en la situación. Sólido drama familia que cuenta con un impresionante elenco de actores de primer nivel, con protagonismo para Gerard Butler.

Qué duda cabe que las historias de Nicholas Sparks tienen los ingredientes necesarios para lograr el sabor que encandila al público, especialmente al femenino. Y si ha dado con la receta mágica, ¿por qué cambiarla? De nuevo entrega el escritor de Nebraska la historia de un amor incipiente, entre personas muy distintas, de mundos opuestos, que se atraen irremediablemente; de nuevo tenemos otra línea narrativa de una amor duradero del pasado, que servirá de modelo; de nuevo se unen ambas historias gracias al azar y al hallazgo de unas cartas de amor escritas hace tiempo; de nuevo hay situaciones duras y rupturas; de nuevo habrás renuncias y reencuentros; y de nuevo triunfará un amor que supera todos los obstáculos. Estos son los salteados ingredientes con que el chef Sparks cocina una y otra vez todas sus historias, desde Mensaje en una botella hasta Lo mejor de mí, pasando por El diario de Noa, Querido John y un largo etcétera, y del mismo modo condimenta El viaje más largo, adaptada esta vez por el director George Tillman Jr. (Sed de venganza). Carolina del Norte. La joven Sophia, estudiante universitaria que ha conseguido unas prácticas en Nueva York para trabajar en el mundo del arte, es invitada por sus amigas a un espectáculo de monta de toros. Contra pronóstico lo pasará bien y conocerá además a uno de los mejores participantes Luke Collins, que vive en un rancho cercano. Ambos congenian inmediatamente, pero saben que pertenecen a mundos distintos: una experta en arte y un vaquero no tienen ningún futuro... Tras una cena romántica en un lago, salvarán la vida del anciano Ira. Ya en el hospital, Sophia le hará compañía durante días y le irá leyendo las cartas de amor que Ira escribió a su mujer. Mientras, Sophia y Luke irán distanciándose. Lo mejor que se puede decir de este film es que el espectador recibe lo que espera: mucho amor, drama, sacrificio, sinsabores, unas cuantas lágrimas, algo de sexo, y, como no podía ser menos, un final feliz. Tiene a su favor que los sentimientos que desarrolla la historia son emotivos, que se habla del amor sin etiquetas, de la fidelidad para toda la vida. Y en contra, que los conflictos planteados son de lo más plano y que la simpleza de la gran mayoría de escenas es tumbativa. De hecho, el desenlace es el más películero que se pueda imaginar, tan irreal como un cuento de hadas. Por lo demás, el reparto se esfuerza para que las cosas salgan a flote. Scott Eastwood (hijo del gran Clint) da el pego como vaquero sensible (aún le falta carisma pero apunta maneras); mientras que la rubita y desenvuelta Britt Robertson muestra que puede ser una estrella en ciernes. En cuanto a la pareja del pasado, cuya historia tiene tanta fuerza o más que la otra, destaca sin duda la expresividad de una espléndida Oona Chaplin.

Serie creada por John Ridley, el guionista ganador del Oscar por 12 años de esclavitud. Al igual que en ese film, aborda la cuestión del racismo, aunque aquí sustituye la adaptación de hechos históricos narrados por el propio esclavo que los vivió, y opta por una trama criminal en los Estados Unidos de hoy en día, donde a la discriminación racial suma los temas de las familias desestructuradas y el choque generacional, más la crítica a un sistema legal donde falta mucho para llegar a la aplicación de la justicia. La historia arranca con el brutal ataque a un matrimonio blanco en la localidad de Modesto en California, él muere y ella queda en coma. Los posibles culpables están ligados al tráfico de drogas, ahí está un negro, Carter, adicto y con un pasado violento, con una novia blanca también enganchada a los estupefacientes, Aubry. Además está un posible testigo mexicano, Héctor, que condujo el vehículo de Carter, que le proporcionó Tony, hijo de un inmigrante mexicano que trata de ganarse la vida honradamente. Los padres de las víctimas se personan rápidamente en la acusación. Por un lado están los padres del difunto, Barb y Russ, separados hace años por culpa de la adicción al juego de él; y los de la chica en coma; los cuatro van a averiguar que son hijos son menos intachables de lo que aparentaban. Ridley tiene el mérito de crear una red tupida de interesantes personajes que sirve para ofrecer un cuadro más o menos atinado de la sociedad americana, que pese a sus creencias religiosas, dista de ser totalmente coherente con sus distintos credos y de practicar el perdón en el que se supone creen. Y así incide en la escasez de oportunidades para algunas minorías, negros o hispanos, ciertos complejos y racismos más o menos soterrados, una crispación por algunas incoherencias que en cualquier momento puede estallar. Al querer abarcar mucho, algunas de las relaciones y conflictos creados son algo simplificadores, actitudes como la de la rigidez permanente de Barb o la pardillez de su ex Russ resultan un tanto exagerados. Para decirlo en pocas palabras, a esta serie le falta un poco de optimismo antropológico que la haga más digerible, aunque en algunos personajes, hacia el desenlace, trata de abrir un horizonte a la esperanza. También alguna resolución resulta algo tramposa, sobre todo la del amor interracial. El reparto están bien escogido, con algunos veteranos de peso como Timothy Hutton y Felicity Huffman.

Antes de la revolución islámica, Irán (Persia, por entonces) era un país en donde convivían pacíficamente todas las religiones. Pero eso se acaba y una familia judía deberá escapar a la violencia de los revolucionarios. Interesante película estadounidense, de potente relato y cuidada puesta en escena, que se basa en la novela de Dalia Sofer. Mantiene el interés y hay momentos de intensidad logrados. Ayuda la presencia de un reparto a la altura, encabezado por Salma Hayek y Adrien Brody.

Recién terminada la Segunda Guerra Mundial, Jackie Robinson es un afroamericano que ha combatido con valor, y cuyas habilidades para el béisbol ha podido mostrar únicamente, y no sin dificultades, en la universidad, pues la liga profesional está dominada en exclusiva por los blancos. Hasta que Branch Rickey, en un audaz movimiento que despierta una encendida animadversión racista en determinados sectores de la opinión pública, requiere sus servicios para los Dodgers de Brooklyn. Robinson, que se hará famoso por llevar en su camiseta el número 42, hará historia como jugador, no sólo por sus asombrosas aptitudes, sino por ser el primero de muchos deportistas negros que van a descollar en el béisbol, y ello aguantando mil y una provocaciones. El guionista y director Brian Helgeland entrega una estupenda muestra del subgénero del drama deportivo, a partir de una historia real muy conocida en Estados Unidos, que aúna los aspectos del terreno de juego, servidos en emocionantes escena de los partidos, con la cuestión racial. En el valioso contenido antropológico de la trama, el film tiene más de un punto en común con The Blindside (Un sueño posible), que transcurre en el mundo del fútbol americano. Quien ha firmado libretos de corte heroico como los de Destino de caballero y Robin Hood, sabe insuflar aire épico a la gesta de Jackie Robinson, que también lo es del dueño de los Dodgers, Branch Rickey. A la hora de sobreponerse a las dificultades brilla la fe metodista compartida por ambos hombres, el apoyo de su esposa Rachel en el caso de Jackie, y la puesta en ejercicio de una serie de virtudes muy necesarias como son la paciencia y la no-respuesta a la provocación. En el aspecto actoral, a una pléyade de secundarios poco conocidos que funcionan a la perfección, y al protagonista Chadwick Boseman, hay que sumar el buen trabajo de Harrison Ford, en la mejor interpretación que ha brindado en años de penosa sequía, con papeles indignos de su carisma.

Tras compartir la pantalla con él en la saga iniciada con Los mercenarios, Jason Statham parece haber hecho buenas migas con Sylvester Stallone. Por esta razón, el británico ha desempolvado un viejo guión del veterano Rocky, que adapta una novela de Chuck Logan. Hasta ahora, "Sly" sólo había sido guionista de un film en el que no actúa una única vez, en Staying Alive, donde ejercía como director. En El protector (Homefront), Statham interpreta a Phil Broker, agente de la DEA amenazado de la muerte por un narcotraficante al que envió entre rejas. Decide refugiarse en una remota localidad junto con su pequeña hija, a la que cría en solitario tras la muerte de su esposa. Pero la niña se pelea en el colegio con la sobrina de un capo local que se entera de quién es Broker y decide delatarle al tipo que le persigue para sacar tajada. Statham se repite una y otra vez, y en El protector (Homefront) vuelve a interpretar a un ex poli con niña, como en Safe, envuelto en las típicas secuencias de acción que inundan su filmografía. Pero es consciente de que últimamente sólo tiene éxito con las reuniones de viejas glorias propiciadas por Stallone, así que necesitado de salvar su carrera, se asocia a profesionales con talento. Aquí comparte la pantalla con actores de enorme talento, especialmente James Franco, que consigue hacer cercano a su personaje, un villano, que por desgracia pese a sus esfuerzos no tiene nada de particular. Tampoco logra sobresalir la prácticamente olvidada Winona Ryder, en un papel muy insulso, y otros actores solventes que pasan por la pantalla como Kate Bosworth, Frank Grillo o Rachel Lefevre. También desperdicia en cierta medida su talento el director seleccionado, Gary Fleder, responsable de títulos como Cosas que hacer en Denver cuando estás muerto, que poco puede hacer para sacar adelante una trama que transcurre por caminos muy trillados. Al menos, logra una realización digna cuyo máximo acierto consiste en que se esfuerza por traer a la mente y rendir tributo a los subproductos de acción de videoclub de los años 80.

Estilosa serie de televisión ambientada en Los Ángeles al poco de termina la Segunda Guerra Mundial, y que evoca los enfrentamientos auténticos entre la policía comandada por William Parker y grupos gangsteriles donde destaca el impulsor de la ciudad del juego, Las Vegas, Bugsy Siegel. Está creada por Frank Darabont, que dirige varios de los episodios, y adapta la obra de John Boutin. Se centra sobre todo en el misterioso detective de la policía Joe Teague, que tiene misteriosos tratos con delincuentes poco recomendables, todo tiene que ver con la mujer que ama, su esposa Jasmine, de la que está separado, y que está enredada en un turbio caso de fotos que se usan para un chantaje. Aunque esta serie para TNT ha sido cancelada, está muy bien realizada y utiliza los románticos elementos del cine negro, con personajes malhadados y la inevitable mujer fatal. Los flash-backs a la juventud de algunos personajes tienen su encanto, y aunque con pasajes violentos, todo está conscientemente suavizado con un estilo comiquero que hace pensar en el Dick Tracy de Warren Beatty.

Mike, policía, busca denodadamente a un asesino en serie que actúa por los alrededores de Buffalo, en el estado de Nueva York. Las cosas se complicarán para él cuando su propia hija desaparece. Mike entrará entonces en un peligroso estado de obsesión por el que desdeñará cualquier ética profesional con tal de atrapar al asesino. Oscuro thriller criminal, del tipo que acostubra el actor John Cusack, que interpreta como pocos ese tipo de personaje ambiguo capaz de generar enorme tensión. El reparto, con algunos rostros conocidos, ayuda a que el resultado se sobrelleve con aceptable interés.

Cuando te encuentre es una adaptación de una novela de Nicholas Sparks, autor de best sellers románticos que han dado lugar a muchas películas, entre ellas El diario de Noa o Querido John. Durante la Guerra de Irak, tras una operación nocturna en la que mueren varios hombres, un joven marine llamado Logan encuentra la fotografía de una chica rubia, con unas palabras escritas en el dorso: “mantente a salvo”. Tras varios meses en el frente, Logan regresa a casa sano y salvo, y presiente que debe su vida a esa fotografía, o, mejor , a esa la mujer retratada en ella. No sabe quién es, pero averigua que vive en Louisiana y se presenta ante ella para darle las gracias. Sparks se conoce al dedillo la ecuación del triunfo literario y aquí vuelve a jugar con los mismos términos: tragedia, destino, sacrificio, pasión, amor, dolor, para desvelar la incógnita del éxito, esta vez cinematográfico. No es que esos temas sean suyos, por supuesto. Son los temas de siempre, pero él estampa su firma personalísima a la hora de ofrecerlos en sus historias, de un modo que alienta tanto los sentimientos, los hace tan explícitos, tan impudorosos, que los vuelve superficiales hasta la cursilería. Pero le funciona, y no hay más que hablar. Como todas las historias del escritor, la que se cuente en Cuando te encuentre puede resultar a muchos espectadores empalagosa hasta el tuétano, aunque en realidad no hay más que una sublimación exacerbada del amor romántico, con un punto de partida, eso sí, absolutamente rechinante. Para aportar algo de realismo introduce algún momento trágico, algún toque de tensión, de llanto, de humor, de duda, pero todo es una simple estrategia para llegar al desenlace esperado. Por lo demás, como es habitual en sus novelas, los personajes son tan buenísimos y unívocos que no parecen de este mundo, y en especial el protagonista es un dechado de todas las virtudes habidas y por haber. Desde luego las fans de Zac Efron (High School Musical) lo van a encumbrar aún más. Algunas de sus frases de "libro de citas" son para enmarcar. Visto lo visto, el director Scott Hicks (Corazones en Atlántida, Sólo ellos) se revela muy adecuado para contar esta historia de Sparks. Su estilo visual, clásico y cálido, es perfecto para ellas y ofrece unas localizaciones de Lousiana rebuscadamente bucólicas, donde dos de cada tres exteriores podría formar parte de un libro de postales. La desconocida actriz Taylor Schilling secunda con mucho garbo al jovencito salido de la factoría Disney, mientras que la veterana Blythe Danner destaca con papel un irónico y sabio, probablemente lo más sólido y realista del film.

La maldición de Regina finalmente se ha roto, por lo que los habitantes de Storybooke ya recuerdan quiénes son y de dónde vienen. Encierran a Regina en el calabozo. Por su parte, Emma intenta asimilar que ha descubierto que es la hija de Blancanieves y el Príncipe, pero no entienden que estos la abandonaran cuando era un bebé. Meghan Ory como Ruby (Caperucita Roja) y Emilie de Ravin como Bella pasan a tener papeles protagonistas. Entre los recién llegados destacan La Bella Durmiente, interpretada por Sarah Bolger, Mulan, interpretada por Jamie Chung, y el Príncipe Phillip, interpretado por Julian Morris. Aunque probablemente el principal hallazgo de esta tanda de episodios sea Colin O'Donoghue, que encarna al Capitán Garfio.

En Con Air (Convictos en el aire), Nicolas Cage interpretaba a un presidiario al que le acababan de conceder la condicional y que estaba deseoso de reunirse con su hija. Ahora, el actor vuelve a ponerse a las órdenes del director de aquel film, Simon West, en Contrarreloj, otro thriller en el que interpreta a un personaje muy similar. En esta ocasión, Cage encarna a Will Montgomery, un ladrón al que también le han dado la condicional, y que sólo aspira a volver a reencontrarse con su hija, la jovencísima Alison, de la que se ha distanciado. Pero durante la celebración del Mardi Gras de Nueva Orleáns, Alison cae en las garras de Vincent, antiguo cómplice de Montgomery, que está convencido de que éste se guardó el botín del golpe por el que fue a parar a prisión, y que exige que se lo entregue a cambio de la chica. Oculta a la joven en el maletero insonorizado de un taxi. Simon West (que ha dirigido esta cinta casi a la vez que Los mercenarios 2) tiene en sus manos un presupuesto más que ajustado que no permite grandes alardes, y un guión de David Guggenheim (El invitado) excesivamente efectista, ligero, y con más agujeros que un queso de gruyere. Así las cosas, y aunque dirige con cierto ritmo, se muestra incapaz de dar interés al relato. Y aunque Nicolas Cage no realiza ya grandes esfuerzos interpretativos desde hace algún tiempo, al menos tiene a su alrededor algún secundario eficaz como Danny Huston (como agente del FBI), Josh Lucas (el psicótico secuestrador) y Malin Akerman (una antigua cómplice del protagonista).

Sawyer es un chaval con el carácter enrarecido desde que su padre se marchó de casa, dejándoles solos a él y a su madre. Su primo, gran nadador que se acaba de alistar en el ejército, trata de animarle sin gran éxito. Lo hará en cambio un delfín bautizado como Winter, al que encuentra varado y lastimado en una playa de Florida. El doctor Clay se lo lleva a su hospital de animales, donde debe tomar la dolorosa decisión de amputarle la cola, lo que puede significar que nunca vuelva a nadar y tal vez la muerte. Pero la especial empatía que surge entre Sawyer y Winter podría cambiar las cosas, también por el apoyo de su nueva amiga Hazel, hija del doctor, y la comprensión materna. Película basada en hechos reales y destinada a toda la familia, que se enmarca en la tradición del subgénero de amistad entre solitario chaval y simpático e inteligente animal, en la línea de Flipper o Liberad a Willy, por citar dos títulos con “bichos” acuáticos. El título original "Dolphin Tale", es intraducible, ya que hace un juego de palabras con el doble significado de "tale" en inglés, "cola" y "cuento". Aunque inicialmente algo sosa –y ello a pesar de que Winter se mueve en una piscina de agua salada–, la película tiene su ración de emotividad –a ratos cayendo en lo sensiblero o lo demasiado obvio–, y plantea cuestiones como la de que nunca es solución encerrarse en la propia soledad cuando uno lo está pasando mal. También se invita a la tenacidad cuando uno tiene metas claras, a no rendirse ante el primer obstáculo que surge. Y se señala el necesario apoyo de la familia ante la adversidad, trazando un eficaz paralelismo entre la lesión de Winter y la de otro personaje, al que le cuesta encajar un terrible accidente. El poco conocido Charles Martin Smith, que ha trabajado principalmente como actor, dirige una cinta que da lo que se espera de ella, con unos chavales protagonistas, Nathan Gamble y Cozi Zuehlsdorff, que cumplen bien, y unos adultos entre los que destaca el secundario Morgan Freeman, al que bastan unos minutos en pantalla para iluminarla de modo decisivo. No faltan, claro, las escenas protagonizadas por el propio Winter, o pasajes “graciosillos”, como el vuelo de un helicóptero de aeromodelismo con la inevitable música de la cabalgata de las walkirias de Wagner.

Original vuelta de tuerca en forma de serie televisiva a los cuentos más populares de todos los tiempos. Érase una vez (serie) sigue los pasos de Emma Swan una mujer que se reencuentra con el hijo al que dio a luz hace diez años. Henry viene de un misterioso pueblo, Storybrooke, donde asegura que viven personajes exiliados de todos los cuentos, que están ahí ignorantes de su verdadera identidas, por culpa de un terrible hechizo de la Reina Malvada, que ahora es su madrastra. Es más, Emma sería nada menos que la hija de Blancanieves. Ella pensará que lo que le cuenta el crío es producto de una calenturienta imaginación, pero cuando lleva de vuelta a casa e Henry, ve que su madrastra no es muy de fiar. Como ha hecho recientemente Sherlock, trasladando el mundo del detective creado por Arthur Conan Doyle al mundo contemporáneo, la fórmula de personajes de cuento en la actualidad, con oportunos flash-backs a ese mundo de fantasía, funciona bastante bien. El resultado es una serie televisiva pensada para un amplio espectro de público, con una atractiva heroína, y una gran villana de la función.

El realizador Simon West está especializado en cine de acción, pues es el responsable de títulos como Con Air (Convictos en el aire) o Tomb Raider. En esta ocasión, dirige un vehículo para el lucimiento de Jason Statham, que ha protagonizado exitosos filmes en este género, como Transporter. Se trata de una nueva versión de Fríamente... sin motivos personales, protagonizada por Charles Bronson, en 1972. Statham interpreta a Arthur Bishop, implacable asesino a sueldo que se distingue porque es capaz de conseguir que la muerte parezca un accidente, o producida por causas naturales. Decidido a dejarlo, acepta un último trabajo, pero éste consiste en liquidar a Harry McKenna, su único amigo. Tras hacerlo, se pone en contacto con él Steve, hijo del fallecido, que ignora que él es el asesino, y quiere que le ayude a descubrir quién está detrás del asunto y vengarse. El argumento es mínimo, y una mera excusa para una sucesión de tiroteos y muertes, con un tono excesivamente violento y montaje videoclipero. También incluye alguna secuencia de sexo gratuito y poco más. Gustará a los apasionados del género, y al menos cuenta con convincentes interpretaciones de Statham, Ben Foster, y el siempre sobresaliente Donald Sutherland.

Refrito de un film de George A. Romero, que los apasionados del fantaterror de España recordarán por el título con el que se tradujo por primera vez: Contaminación demencial. El film va en la línea de La noche de los muertos vivientes (1968), la película más conocida de Romero, salvo por la diferencia de que esta vez, en lugar de zombies, la amenaza proviene de vecinos normales y corrientes contagiados por una enfermedad que les hace atacar a los personas de su alrededor. El personaje central es David Dutton, sheriff de Ogden Marsh, un pueblecito de Iowa de lo más pacífico y tranquilo. La existencia de Dutton es envidiable, pues conoce a todos los habitantes del lugar, no tiene que hacer frente a excesivos delincuentes –como mucho llamar la atención a algún conductor que infringe las reglas–, y espera a que Judy, su mujer, dé a luz a su primer bebé. Pero mientras asiste a un partido de béisbol, el borracho del pueblo se mete en medio del campo con su escopeta, y antes de que aniquile a alguien, Dutton se ve obligado a dispararle. Poco después, otros lugareños también empiezan a comportarse de forma extraña, y uno quema su casa con la familia dentro. David descubre que la culpa es de una toxina del agua, pero el alcalde se niega a cerrar el suministro, en plena época de cosechas, alegando que es un pueblo agrario... Se encarga de la realización Breck Eisner, el director de Sahara (2005), que realiza un producto bastante digno, con secuencias que crean tensión, como aquella en que Judy está atada con otras personas en una habitación de cuarentena, donde uno de los locos siembra el pánico. Pero todo transcurre dentro de los cánones más predecibles del género, y ni los personajes son especialmente memorables, ni tampoco lo es el reparto (con el inexpresivo Timothy Olyphant a la cabeza). Además de su mensaje contra la falta de límites éticos en la experimentación científica, la película critica abiertamente las armas químicas, y se estrenó en Estados Unidos en un momento en que varias ONGs pedían el endurecimiento de las leyes ante la contaminación química.

Tras una guerra civil traumática que ha desangrado a los Estados Unidos, el país sufre una auténtica conmoción por el asesinato de su presidente, Abraham Lincoln, cuando asistía a una representación teatral. Una serie de personas son detenidas bajo la acusación de conspirar para acabar con las vidad del presidente, vicepresidente y secretario de estado. La única mujer inculpada en un juicio ante un tribunal militar es la cuarentona Mary Surratt, que regentaba la casa de huéspedes donde se reunieron los otros acusados con el actor John Wilkes Booth, el autor material del magnicidio. Se encargará a regañadientes de su defensa el joven abogado Frederick Aiken, héroe de guerra en el bando de la Unión, quien poco a poco se involucra más a fondo en el caso, convencido de la inocencia de su cliente, pero también de que hay algo más en juego, el derecho de todo ciudadano a un juicio justo, por encima de afanes de venganza o de apaciguar a cualquier precio al pueblo. Vibrante cine histórico encuadrable también en el atractivo subgénero del drama judicial, dirigido con estupendo clasicismo por Robert Redford, a quien le gustan las historias basadas en hechos reales, piénsese en sus film Quiz Show (El dilema). El cuidado guión de Gregory Bernstein y James D. Salomon sale airoso de lo que se dirían sus metas principales: describir un ambiente de posguerra aún crispado, donde todavía saltan chispas entre vencedores y vencidos, las heridas aún tardarán en ser restañadas, hay todavía mucho odio, rencor, miedo y prejucios acumulados; pintar el “viaje del héroe” acometido por un joven abogado, que sabrá hacer suyo un caso por el que no sentía ninguna atracción, aun a costa de ganarse el desprecio de “los suyos”; y atrapar el dilema de una madre, Mary Surratt, que nunca sacrificará a su hijo, en busca y captura como sospechoso de formar parte de la misma conspiración, aunque desarrolla una especie de relación materna inesperada con su abogado. El film tiene la virtud de tener muy bien trenzadas las distintas subtramas, de saber crear intriga acerca de cuál será el veredicto, de ser emotivo respetando al mismo tiempo al espectador sin baratos trucos sensibleros. Es hermosa la paleta de colores apagados, una adecuada fotografía de Newton Thomas Sigel adecuada al luctuoso contexto histórico en que se sitúa la historia. Y el reparto está fantástico, tanto los actores principales, James McAvoy y Robin Wright, como otros más secundarios -Tom Wilkinson, Evan Rachel Wood, Kevin Kline, Danny Huston-, pero decisivos para armar esta sólida película. Se trata de la primera producción de The American Film Company, una compañía que tiene el loable propósito de abordar cine histórico, porque al decir de uno de sus responsables “la realidad supera la ficción no solo porque es más sorprendente sino también más interesante”.

Esta película se vende como el remake del film homónimo de Abel Ferrara, de 1992. Pero la verdad, no tienen demasiado que ver, más allá de que el hilo conductor de ambos títulos es un policía nada angelical, violento y adicto a las drogas, que debe resolver un caso particularmente horroroso. En el caso del alemán Werner Herzog, que maneja un guión de William M. Filkenstein, se trata del asesinato de los cinco miembros de una familia de senegaleses, incluidos dos niños, en el Nueva Orleáns de después del huracán Katrina. Se trata de un feo asunto de drogas del que debe ocuparse el recién ascendido teniente Terence McDonagh, que se ha enganchado a los estupefacientes para combatir su dolor de espalda, y que tiene una relación amorosa con la prostituta Frankie. Herzog es un gran director, y sabe imprimir a la narración un tono oscuro, acorde con la degradación moral del protagonista –un Nicolas Cage irregular, que en algunas escenas cede al histrionismo–, que desea hacer justicia aunque se mueve en una dudosa heterodoxia –el fin justifica los medios, o así–, y que se engaña lamentablemente con sus adicciones. La trama se enriquece pintando la miserable vida del padre alcohólico de Terence, o los intereses amorosos del policía, pero en cambio hay lo que parecen hilos sueltos, piénsese en el policía al que encarna Val Kilmer, que parece que va a ser una poderosa presencia para desvanecerse casi hasta los últimos compases del film. Hay que reconocer el talento del cineasta alemán en un par de escenas en que, inesperadamente, hace su aparición el folclore sureño, pero hay una violencia gratuita –los acosos a parejas para hacerse con droga, las amenazas a una anciana...– que llega a rayar lo grotesco. En cuanto a los temas de culpa y redención, que tanto interesaban a Ferrara, aquí están más diluidos, casi se mira con ironía todo eso en el desenlace, un cúmulo de circunstancias coincidentes con el que Herzog parece reírse un poco del tema, como si al final el film fuera para él únicamente un simple ejercicio.

  Cambio absoluto de registro del cineasta Gavin O'Connor (El milagro), que ha coescrito el guión en el que también ha colaborado Joe Carnahan (Narc). A pesar de la calidad de la cinta, ha tardado mucho en estrenarse por razones curiosas. Ha llegado a los cines un año después de la fecha inicialmente prevista, porque la distribuidora se echó atrás alegando que tendría menos éxito porque iba a competir en las carteleras con otros trabajos de Edward Norton (El increíble Hulk) y Colin Farrell (Escondidos en Brujas). El director ha realizado declaraciones criticando duramente esta decisión. Ray Tierney, agente de la policía de Nueva York, acepta a regañadientes un encargo de su padre, un alto cargo del departamento. Deberá resolver la muerte de cuatro compañeros del cuerpo, abatidos a tiros cuando iban a detener a unos narcotraficantes. Ray no le puede decir que no a su padre, porque los agentes eran conocidos suyos, estaban a las órdenes de su propio hermano (también agente), y servían junto a Jimmy Egan, que es el marido de su hermana. Pero cuando Ray empieza a investigar, descubre que alguien del departamento informó a los sospechosos de que iban a ser detenidos, por oscuros intereses en el negocio de la venta de drogas. El asunto parece que salpica a su hermano y a su cuñado... Estamos ante un violento film, que describe el lado oscuro de la ley y la corrupción policial, en una línea que se parece al mundo nebuloso del novelista James Ellroy (L.A. Confidential), pero en la época actual. También recuerda a cintas sobre este tema como Sérpico, pero con una trama mucho más descarnada, que no escatima detalles turbios. En este sentido cabe mencionar una brutal secuencia con un menor, que si bien no muestra nada –sólo sugiere– no dejará indiferente ni al espectador más insensible, en la línea de la secuencia más dura de American History X, también con Edward Norton. ¿Es quizás la marca de la casa de este actor? El film cuenta con un conjunto de actores de primera fila, con el citado Norton en el papel más difícil, pues su personaje se enfrenta a un duro dilema moral al debatirse entre la lealtad a su familia y la ética profesional. No desentona un actor en línea ascendente desde hace algunos títulos, Colin Farrell, al que se le da tan bien el rol de ‘poli malo’ que llega a hacerse bastante odioso.  

Carolina del sur, 1964. Cuando era muy pequeña, Lily mató a su madre por accidente cuando ésta regresó al hogar con la idea de marcharse después definitivamente. Desde entonces, la vida de la joven ha sido un mar de lágrimas y sufrimientos, con un padre que prácticamente la ignora, y donde sólo cuenta con la amistad de su sirvienta Rosaleen. Y cuando un día ésta es golpeada por un hombre por el simple hecho de ser negra, Lily decide fugarse con ella. Como el único recuerdo que tiene de su madre es la foto de una Virgen María con el nombre del pueblo Tiburón como referencia, decide marchar hasta ese lugar. Allí conocerá a una familia de tres hermanas que se ganan la vida elaborando la miel más deliciosa de la comarca. Amable película con muchos puntos en común con Tomates verdes fritos (trauma infantil, estado sureño, vida campestre, racismo, amistades femeninas, hombres al margen, etc.), producida por la actriz Jada Pinkett Smith y dirigida con sensibilidad por Gina Prince-Bythewood, a partir de la novela homónima de Sue Monk Kidd. La actriz Dakota Fanning (El fuego de la venganza), convertida ya en toda una mujercita, asume por primera vez el protagonismo absoluto de un film, y eso que está acompañada de un buen plantel de actrices (que reúnen tres nominaciones al Oscar y una estatuilla). El trabajo de Dakota es excelente, a ratos conmovedor y siempre convincente. Y hay sin duda temas interesantes en la trama, como el cambio que significó la llegada del voto para los negros en Estados Unidos, la sincera apertura a la fe en Dios y en la Virgen, la amistad alegre y fraterna, etc. Sin embargo, a pesar del prometedor arranque, la película acaba por no alcanzar las cotas esperadas, debido a que la historia se torna algo convencional y poco emocionante, y alguna subtrama de interés (como la del padre de Lily) se cierra demasiado pobremente. Además, por momentos la historia pierde entidad, es demasiado idílica y no evita el exceso de sentimentalismo. Ocurre algo parecido que con la miel: está deliciosa, pero si tomas demasiada cantidad te empalaga. En cualquier caso, y con las salvedades apuntadas, se trata de una historia bonita, y es agradable disfrutar del trabajo de las actrices, de la lograda ambientación y de una evocadora música de Mark Isham, con canciones bien escogidas, en donde se incluyen preciosos temas, como “Song for Mia” de Lizz Wright.

Mary Haines es una diseñadora de modas aparentemente feliz, casada con Stephen, un ejecutivo de éxito con el que tiene una hija adolescente. Pero su mejor amiga, la periodista Sylvia Fowler, se entera de un sorprendente ‘chisme’ en el salón de belleza. Stephen, el marido de Mary, tiene una aventura con una joven dependienta. Sylvia lo comenta con otras dos amigas comunes y llega a la conclusión de que lo mejor es decírselo. Remake adaptado a los tiempos modernos del legendario film Mujeres, de George Cukor, a su vez basado en un texto teatral de Clare Boothe Luce. Mantiene el rasgo más original de la versión antigua, es decir, que no aparecen varones, salvo porque se les cita en las conversaciones. Existe un personaje masculino muy importante –el marido infiel–, pero éste sólo habla por teléfono con su esposa, o se sabe lo que hace porque ellas lo cuentan. Como el modelo original, cuenta con un plantel de grandes actrices. Se echa muchísimo de menos a Rosalind Russell, quizás la que más destacaba, pues ha sido sustituida por Annette Bening, correcta pero no tan brillante como en otras ocasiones. También choca un poco que la amante sin escrúpulos –Joan Crawford– haya pasado a ser Eva Mendes, porque son dos actrices de estilos muy distintos. Por lo demás, Meg Ryan hace lo que puede en el papel de Norma Shearer y aparecen en papeles secundarios actrices muy bien escogidas como Jada Pinkett Smith, Candice Bergen, Bette Midler y Carrie Fisher, que cumplen su cometido. El punto débil es la puesta en escena, un tanto insulsa, de la directora televisiva Diane English, creadora de la amena serie Murphy Brown. Ella misma se ha encargado de la revisión del guión, que entre las divertidísimas réplicas y contrarréplicas de las que parte ha incluido diálogos “modernillos” que carecen de la elegancia debida, y que se dirían influidos por la serie Sexo en Nueva York. También se nota una aguda pérdida de ritmo en la segunda mitad. Sigue al menos vigente su descripción de las relaciones hombre-mujer, y aborda con algo de seriedad, en tono tragicómico, la desintegración familiar y sus consecuencias.

Drama escrito y dirigido por el sudafricano Wayne Kramer, en cuya breve filmografía destaca The Cooler. En esta ocasión entrecruza diversas historias, todas ellas relacionadas con la inmigración. Al parecer, había un personaje más, interpretado por Sean Penn, que sin embargo fue finalmente eliminado sin que se sepa muy bien por qué. Max Brogan (Harrison Ford) es un agente de inmigración que se encariña con los individuos a los que debe deportar. Una abogada (Ashley Judd) intenta evitar que deporten a una chica de 15 años musulmana que parece interesada en el terrorismo islámico, pero sin que haya pruebas que lo justifiquen. Un joven judío (Jim Sturgess) trata de conseguir trabajo. Un funcionario de inmigración (Ray Liotta) abusa de su posición para acostarse con una modelo australiana (Alice Eve) que necesita la tarjeta de residencia... El realizador y guionista tiene loables intenciones, y cuenta con un reparto desigual, pero que incluye a actores muy conocidos como Ford, Judd (últimamente de capa caída), Sturgess y Liotta. Tomando como punto de referencia la muy superior Crash, su objetivo consiste en mostrar la cruda realidad de las personas que tratan de lograr la nacionalidad estadounidense desde una perspectiva poliédrica. Intenta representar a todos los sectores implicados –policías de inmigración, inmigrantes que llevan tiempo en territorio estadounidense, abogados, funcionarios, etc.– y también están representadas todas las minorías: musulmanes, hispanos, asiáticos y judíos. Se supone que los personajes deben ser tridimensionales como en el film de Haggis, donde el mismo personaje puede comportarse en un momento dado de forma mezquina, pero después convertirse en un héroe. Por desgracia, los personajes de Kramer acaban siendo demasiado estereotipados, y algunos muy poco creíbles. Por ejemplo, está metida con calzador la historia de Ray Liotta, que tras colisionar casualmente con Alice Eve, le propone sexo como si tal cosa a cambio de la 'Green Card'. La reacción de ésta no se comprende muy bien, ya que a veces parece que ha accedido sin problemas y en otras secuencias está horripilada. Además, la relación se muestra con un exhibicionismo que parece fuera de lugar. La resolución de la historia de la joven estudiante musulmana resulta efectista y sensiblera. Y la secuencia teóricamente más emotiva, un atraco en un supermercado, está muy forzada y no resulta creíble. Otras no están mal llevadas. Destaca especialmente el relato del joven (Jim Sturgess) que finge ser un devoto judío para conseguir trabajo cuando no ha pasado en su vida por la sinagoga. Su cómico desenlace es lo más brillante del film.

Biopic del carismático jugador de fútbol americano Ernie Davis, quien jugó en la Universidad de Syracusa entre los años 1958-1962, tras los cuales le fue diagnosticada leucemía, enfermedad por la que moriría en 1963. Ernie Davis fue una gran estrella, hasta el punto de ser el primer jugador negro en ganar el prestigioso Trofeo Heisman, otorgado al mejor jugador universitario. Pero tuvo que lidiar con numerosos problemas dentro y fuera del deporte, el más importante de ellos el racismo. Eran años turbulentos y las humillaciones y la violencia segregacionista estaba a la orden del día. La película se centra  sobre todo en la relación entre Ernie Davis (emotivo Rob Brown) y su entrenador, Ben Schwartzwalder (bien Dennis Quaid), que no siempre fue fácil. Por lo demás la historia contiene los temas clásicos de este tipo de películas: la superación tras el fracaso, la aceptación de los límites, la enemistad y la amistad verdaderas, etc.

Película de interesante trasfondo político y social, con trama a tres bandas. Janine, una veterana periodista televisiva, ha sido requerida para una entrevista en exclusiva por Jasper, un senador republicano con aspiraciones presidenciales. En la conversación a solas de una hora le explica la nueva estrategia contra el terrorismo en Afganistán e Irak que está impulsando. Arian, un soldado negro, y Ernest, un soldado mexicano, amigos desde su época universitaria, participan en esa nueva estrategia, a resultas de la cual quedan atrapados y cercados tras las líneas enemigas talibanes. Estos dos hombres eran de los mejores alumnos de Stephen, profesor de una universidad de Los Ángeles, que alecciona a un brillante pero frívolo pupilo con su ejemplo, para que se tome en serio su formación cara a contribuir en algo en la construcción de la sociedad. Robert Redford entrega un buen film -es sólido el guión de Matthew Michael Carnahan, hermano del director Joe Carnahan-, que en ningún momento oculta su evidente intención didáctica, algo que está subrayado incluso en el hecho de que Redford se reserve el papel del profesor. Evitando la demagogia fácil, se entrega una radiografía de la sociedad estadounidense que ofrece elementos para el debate, en lo que se refiere a la actitud de los políticos -que aunque sean sinceros patriotas, a veces piensan en términos globales sin considerar los costes humanos personales, o se mueven por la ambición-, los medios de comunicación -que preocupados por su audiencia, han abandonado su papel de control del gobierno, siendo un elemento más en la correa de transmisión de sus mensajes-, los profesores -que tienen un maravilloso papel que realizar, haciendo conscientes a sus alumnos de sus talentos, pero que corren el peligro de convertirse en unos teóricos- y la juventud -aquí se confronta la ilusión de las mejores cabezas de las minorías negra e hispana, por ser reconocidos por sus conciudadanos, con el adocenamiento de otros jóvenes sin ideales, que sólo piensan en fiestas y desperdician sus vidas-. En un título como el que nos ocupa es vital la suave transición de un escenario a otro, y Redford logra engarzarlos con gran naturalidad. No sólo eso, sino que el conjunto tiene una gran cohesión. El reparto es excelente: resulta curioso como Meryl Streep puede saltar de la directora de una revista femenina en El diablo viste de Prada a la periodista liberal e incisiva de este film, dos personajes con la misma profesión pero muy dispares; Tom Cruise sabe dar encanto a su personaje, muy humano y nada demonizado, en su primera producción en United Artists; están muy bien los soldados, ese gran Michael Peña, cuyo papel podría recordar al de World Trade Center, pero que tiene su entidad propia, aquí es un estudiante, allí era un padre de familia, aunque en ambos casos los personajes esperen el ansiado rescate; y es muy interesante la composición de Andrew Garfield, el brillante pero desmotivado estudiante, todo un signo de interrogación acerca de lo que puede ser en el futuro Estados Unidos, y por ende, la sociedad occidental.

Chris Johnson es un hombre especial. Trabaja de mago en Las Vegas, bajo el alias de Frank Cadillac, pero además de su talento para hacer trucos de manos posee un don secreto casi de superhéroe: es capaz de predecir los dos primeros minutos del futuro, siempre y cuando éste haga referencia directa a su vida. Tan sólo en una ocasión la predicción ha ido más allá de ese poco lapso de tiempo, y es cuando una mujer llamada Liz se ha cruzado en su vida. Un buen día el FBI va en su busca, ya que quiere aprovechar la habilidad de Chris para detener a unos terroristas que pretenden hacer estallar en California un arma nuclear. El neozelandés Lee Tamahori ha conocido buenos tiempos en el género de acción, desde que logrará un considerable éxito con La hora de la araña y Muere otro día. Sin embargo, cayó estrepitosamente con xXx, estado de emergencia y con Next sigue idéntico trayecto hacia abajo, en vertical y sin frenos. La película –superficial es decir poco– parece un intercambiable episodio de cualquier producción televisiva con alto presupuesto, ideal para entretener sin sugerir al espectador el más leve pensamiento con sentido. Al margen de algún momento ocurrente, como las adivinanzas de los canales en el motel, el guión –basado en el relato "The Golden Man", de Philip K. Dick– hace aguas por todos lados y es tramposo a más no poder. Y lo más increíble es que una vez definido el asombroso planteamiento ni siquiera puede haber lugar para la sorpresa. Los actores no pueden elevar el nivel del conjunto sencillamente porque sus papeles son más planos que una tortita. Resulta por eso chocante que entre el reparto de este burdo divertimento se encuentren tantas caras conocidas, especialmente la de la versátil Julianne Moore.

Erin Gruwell es una joven blanca, recién licenciada, muy orgullosa de su padre, un liberal que luchó en su época por los derechos civiles. Deseosa de estar a la altura de su padre, consigue trabajo en el conflictivo instituto Wilson, de Long Beach, donde los experimentos de integración racial en las aulas, donde conviven blancos, negros, hispanos y asiáticos, no parecen estar dando los resultados apetecidos. Erin aparece ante todos los que le rodean -la directora del departamento Margaret, los otros profesores, su marido, su padre, sus alumnos- como alguien ingenuo, que en poco tiempo va a descubrir que la vida es dura, que sus buenos deseos no bastan para ayudar. Y si bien es verdad que algo de esto hay, Erin no se rinde, sino que sigue esforzándose por ganarse a sus alumnos. Y a partir de una clase memorable, a partir de la caricatura que un chico ha pintado de otro compañero, empezará la larga ascensión de obtener la confianza de sus alumnos. Richard LaGravenese, guionista y director, se basa en un caso real de experiencia educativa que se plasmó en forma de libro, "Los diarios de los escritores de la libertad". Allí se recogían extractos de los diarios que Erin animó a sus alumnos a llevar, donde plasmaban las difíciles condiciones de familia, pandilleros y violencia, en las que se veían obligados a sobrevivir. El film es muy sugerente, porque subraya con acierto cómo un profesor debe esforzarse por entender a sus alumnos, para de este modo poder darles la educación y enseñanza que necesitan. Cómo logra concienciarles acerca de sus problemas de convivencia presentándoles el horror del holocausto, o el modo en que les aficiona a la lectura, incluso con sacrificios económicos personales que suponen el pluriempleo, tienen fuerza, y llevan a la hermosa escena en que traen al instituto a la mujer que acogió en su casa a la célebre Ana Frank, inspiradora de la pedagogía de Erin de los diarios. La doblemente oscarizada Hilary Swank da el tipo perfecto de mujer idealista y risueña, a la par que testaruda, a la que mueve un noble fin, que no logra conciliar con la atención de su vida matrimonial. En ese sentido el film es honesto, no pinta a una mujer perfecta, y tampoco pretende que los enfoques pedagógicos de Erin sean la solución perfecta y única al problema educativo. Pero sí se subraya, justamente, su sincero empeño por hacer que las cosas cambien a mejor, con logros notables. En el resto del reparto, los demás personajes son secundarios, pero hacen un trabajo notable Patrick Dempsey e Imelda Staunton, a los que toca asumir los antipáticos personajes del marido y la profesora antagonista de Erin, y Scott Glenn, como el padre de la novata profesora. También hacen un gran trabajo los desconocidos jóvenes que interpretan a los alumnos, y que en algunos casos proceden de los mismos ambientes marginales que retrata el film.

Otra película más de las muchas por llegar sobre la guerra de Irak. La dirige Paul Haggis, y aunque no alcanza el nivel de su oscarizada Crash, es un título valioso, bien resuelto y con momentos conmovedores. La película sigue a Hank, un antiguo policía militar, al que comunican que su hijo Mike, un marine destinado en Irak que había regresado a Estados Unidos, no se ha presentado de vuelta a su cuartel. Temiendo que se haya metido en algún lío, Hank viaja a Fort Rudd, y una retahíla de dolorosas realidades van a convencerle de que su país está aquejado de una grave dolencia moral. Haggis entrega una historia inteligente, que inicialmente sigue las convenciones del thriller de investigación en ambientes militares, piénsese en títulos como Algunos hombres buenos, Basic, En honor a la verdad, La hija del general… Pero el cineasta sabe dar otra vuelta de tuerca a la cosa, para hablar de los efectos que tiene la guerra en Irak en unos jóvenes que en principio son buenos chicos, pero que terminan convertidos en unos tipos insensibles, embrutecidos, hundidos en la violencia, la droga y el sexo, para los que la noción de que la vida es algo sagrado ha perdido validez. Esa bandera de Estados Unidos izada al revés dice mucho, Haggis se las arregla para, sin aspavientos, criticar la política de la administración Bush en Irak y la indiferencia de sus conciudadanos, y hacer una llamada de urgencia al cambio. ¿Es injusto Haggis en lo que dice? El caso terrible y sembrado de detalles sórdidos que cuenta, que se dice inspirado en hechos reales, puede conducir a la generalización. La guerra embrutece siempre, pero se diría que el miedo a los atentados que caracteriza a la actual, la presencia del terrorismo, convierte “impepinablemente” a todos sus protagonistas en desalmados. Y Haggis parece decir que esto es más la norma que la excepción. Tommy Lee Jones está genial con su rostro rocoso, que cada vez le acerca más a un Clint Eastwood envejecido. Su personaje resulta clave como guía del descenso a los infiernos que propone el film, porque él es un patriota, ama a su país y a su familia, cree en Dios. Es un gran profesional –cuántas chapuzas saca a la luz en el trabajo de la policía, y qué bien construida está la relación con la inspectora–, sobrio –qué bonito el detalle de cómo “plancha” los pantalones, o recomienda la medias contra el frío–, enamorado de su mujer.

Ethan Learner pasa un domingo con su familia, en el recital de su hijo Josh, que toca el chelo. De regreso a casa, Ethan para en una gasolinera. Mientras echa gasolina en su vehículo, deja por un momento de vigilar a su hijo. Éste es atropellado por un coche que se da a la fuga. El vehículo está conducido por Dwight, un abogado que viene de un partido de béisbol con su hijo. Dwight está tan asustado que ha decidido huir. Ethan y su esposa se sienten destrozados por la pérdida de su hijo. Deciden presionar a la policía para que se detenga al culpable y contratan a un abogado, que casualmente resulta Dwight. Tercer trabajo del director irlandés Terry George, que había dejado un buen sabor de boca con los dos anteriores, En el nombre del hijo y Hotel Rwanda, y que fue guionista de la inolvidable En el nombre del padre. El propio George ha escrito el  guión, que adapta una novela de John Burnham Schwartz. El film tiene muchos elementos en común con 21 gramos, que también sigue a los implicados en un accidente de coche. Terry George no acaba de estar a la altura, ni del film de González Iñárritu ni de su propia filmografía, pues ni sus secuencias ni sus diálogos resultan especialmente memorables. Acumula demasiado recursos fáciles y casualidades, por lo que a veces parece un telefilm de lujo. Y sin embargo, el cineasta consigue imprimir humanidad a los personajes, gracias al buen trabajo de los actores. El metraje no pierde interés en ningún momento, pues analiza la historia desde las dos caras de la moneda. Por un lado, están la ira y los deseos de venganza de Ethan (Joaquim Phoenix), a quien el rencor coloca al borde de la locura, y casi le imposibilita para llevar una vida normal. Por su parte, Dwight (Mark Ruffalo) es un hombre que ha fracasado en su vida personal, y que se ve asediado por los remordimientos.

La historia auténtica de una adolescente apasionada del fútbol, pero cuyo padre, antigua leyenda de este deporte, y sus hermanos, no creen en sus posibilidades. Se trata de la típica historia de superación personal, encuadrada en el subgénero de drama deportivo.

Un importante temporal produce numerosos daños en un pueblecito de Maine. Al día siguiente, se observa además una extraña niebla. Sin teléfono ni energía eléctrica, en la base militar cercana hay una inusitada actividad. Y muchos lugareños acuden al supermercado de la localidad, a hacer acopio de provisiones, por si acaso. Entre ellos está David, un diseñador de carteles de cine, con su hijito. En éstas irrumpe en el local un tipo sangrando y afirmando que hay alguna criatura maligna ahí afuera. Al tiempo, la niebla se ha espesado, no se ve más allá de las propias narices. La gente comienza a tener miedo, nadie se atreve a salir del local. Más cuando un mozo del súper es atacado por algún tipo de bicho, que muestra unos poderosos tentáculos… Continúa la frúctifera asociación de Frank Darabont y el escritor de best-sellers de terror Stephen King, tras Cadena perpetua y La milla verde. Contada la trama, suena a película de miedo barata, sin muchos alicientes. Si alguien ha sacado tal impresión, advirtámosle desde ya que las apariencias engañan. Las película de Darabont funciona bien a distintos niveles. Como título de género, con leve crítica a los experimentos científicos donde domina la soberbia de jugar al “aprendiz de brujo”, digamos que se trata de un film escalofriante, que sabe crear una atmósfera desasosegante de modo progresivo y con una buena dosificación de los sustos. Escenas como la del “explorador” que sale al exterior, atado con una cuerda, y que es engullido por la niebla, o la del primer ataque de los bichos, resultan muy efectivas. Y ese espacio cerrado, del que sería mejor no salir, recuerda al mismísimo Luis Buñuel y su film El ángel exterminador. Pero además, la trama sirve para exponer el clásico debate fe-razón, sólo que aquí tal debate se polariza en los extremos: tenemos ante nuestros ojos la posición del fanático religioso –encarnada en una increíble Marcia Gay Harden, cuya iluminada señora Carmody da casi más miedo que los monstruos, por su interpretación de los sucesos como el cumplimiento literal del apocalipsis–, frente a los personajes pragmáticos, más matizados, pero a los que domina en mayor o menor medida el escepticismo, y que piensan que para solucionar su problema sólo cuentan con sus propias fuerzas. Darabont, al adaptar a King, ofrece una interesante perpectiva del miedo, que puede conducir a acciones terribles e injustas, por caer en lo irracional, o justamente por lo contrario, por dejar de creer que alguien de fuera –Dios u otras personas– puede ofrecer una ayuda inesperada. El film evita demonizar en exclusiva, más bien “reparte estopa” a unos y a otros, mostrando personajes creíbles, bien encarnados por un reparto de desconocidos donde destaca, además de la citada Gay Harden, Toby Jones; e incluso se permite ironizar en el desenlace con lo que logran las personas “razonables”. Quizá en tal sentido, el film se muestra demasiado desesperanzado, poco confiado en la naturaleza humana, pues incluso aquéllos con los que el público puede empatizar más acaban flaqueando. El director y guionista parece haber pensado que perdería en contundencia y capacidad de “epatar” si entre los personajes hubiera algún creyente normal, de una pieza, pero, la verdad sea dicha, se echa en falta alguien equilibrado en tal sentido; podríamos decir que, como a sus personajes, también a Darabont le ha faltado un poquito de fe.

Filadelfia, mediados de los años 70. A sus treinta años, Vince Papale no tiene un futuro muy prometedor. Vive en una pequeña casa del barrio obrero y acaba de perder su modesto trabajo de profesor. Para colmo su mujer le abandona tras cinco años de matrimonio. Se siente un fracasado. Lo mejor de su vida son los partidillos de fútbol americano que juega con sus amigos y las horas que emplea trabajando de camarero en el bar de su colega Max. Allí está el epicentro de su vida, donde diariamente se reúnen sus amigos de siempre, donde hablan del equipo local de fútbol, su gran pasión, donde sueñan y donde reponen fuerzas para el día siguiente. La hora de cerrar se convierte en el momento más triste del día, como dice uno de los personajes. Pero una nueva ilusión llena los corazones de aquellos tipos cuando el nuevo entrenador de los Philadelphia Eagles hace una jornada abierta para ofrecer la oportunidad de entrar en el equipo a cualquier aficionado. El sueño americano hecho película. La referencia es claramente Rocky (por si fuera poco, también el potro italiano era de los barrios pobres de Filadelfia) y el desarrollo argumental es simple y medianamente previsible, con una gran carga de buenos valores. Pero si encima se trata de una historia real (como es el caso), entonces el "American Way of Life" es ya como mandan los cánones. Pues bien, aun con ese lastre, el guión de Brad Gann está cuidado y solventa la peligrosa papeleta del "ya lo he visto" con una esmerada definición de personajes y dos o tres pequeñas subtramas que aportan densidad a la historia y ofrecen algunos diálogos de altura. Además, Ericson Core, realizador debutante tras muchos años como director de fotografía (Mumford, A todo gas, Daredevil), da en el blanco sobre todo al centrar la historia en la amistad (verdadero motor de la película), con cabida también para el amor y las relaciones filiales. El reparto está correcto, con un esforzado Mark Wahlberg, que película a película consigue ganar en naturalidad.

A finales de los 40, el asesinato y mutilación de una aspirante a actriz, Elizabeth Short, copó las páginas de sucesos de la crónica negra de Los Ángeles. Con tal crimen como excusa, James Ellroy escribió una novela que ahora adapta al cine Josh Friedman, con Brian De Palma tras la cámara. Cuenta la amistad de dos policías angelinos, Bucky y Lee, antiguos boxeadores. Tras combatir en el ring en una pelea amañada, Lee consigue que Bucky se incorpore al departamento de homicidios, donde compartirán con éxito multitud de casos. Su unión es estrecha, y pasa por el respeto de Bucky hacia la novia de Lee. Pero la obsesión que éste llega a desarrollar por resolver el caso de la muerte de Short saca a la luz demonios interiores que hasta ese momento habían permanecido soterrados. Brian De Palma entrega un film de impecable factura, pero que no hace olvidar L.A. Confidential, la brillante adaptación de la novela homónima de Ellroy. Existe cierto desequilibrio en el entramado argumental, donde brilla la amistad de los policías, y la chica de uno de ellos, pero que está descompensada con la atracción que el otro desarrolla hacia una ‘hija de papá’, la presentación de la familia ‘tronada’ de ésta, y los escabrosos elementos lésbicos y malsanos en torno al crimen, ‘voyeurismo’ marca de fábrica de De Palma. Lo que no quita para que sobresalgan escenas brillantes, como la de la trampa, con un tempo que retrotrae a la de la célebre secuencia de la escalera de la estación en Los intocables de Eliot Ness. Hay un acierto en el reparto, con un Josh Harnett en un papel ‘adulto’, un Aaron Eckhart que crece en estatura actoral a cada film que hace, y una Scarlett Johansson que ilumina la pantalla como las estrellas de antaño. Más difícil, y antipático, es el papel que le cae en gracia, por así decir, a la doblemente oscarizada Hilary Swank.

Wayne Kramer sorprendió con The Cooler, con William H. Macy interpretando a un gafe. Sigue siendo igual de cenizo el protagonista de este imaginativo thriller, que centra su atención en Joey Gazelle, matón de poca monta, al que le encargan que se deshaga de un revólver. Lo esconde en el sótano, donde se lo roba un amigo de su hijo. Demasiados golpes de mala suerte del personaje y sus familiares y un final metido con calzador están a punto de hacer increíble el film, que también es en exceso truculento. Pero Kramer, dirige su propio guión con mucha pericia y un admirable sentido del suspense. En este sentido, destaca el enfrentamiento del personaje de Vera Farmiga, con unos sospechosos de pederastia. Paul Walker, que también ha participado en Banderas de nuestros padres con Clint Eastwood, demuestra que es capaz de hacer películas de mayor calidad que A todo gas y su secuela. Además, le acompaña el siempre eficaz Chazz Palminteri y el expresivo niño Cameron Bright, experto en personajes escalofriantes, como ha demostrado en Premonición y El enviado.

6 de junio de 1968. Elecciones primarias para la presidencia del partido demócrata. La atmósfera social está muy revuelta por problemas como la guerra de Vietnam o la cuestión racial. Robert Kennedy cuenta con muchas papeletas para ganar en el estado de California, clave para ser finalmente el candidato presidencial, que debería batirse con Richard Nixon. El Ambassador Hotel se ha convertido en el cuartel general de RFK, que en unas horas podría estar celebrando una victoria que le catapulte a la Casa Blanca. Con este telón de fondo político de esperanza e incertidumbre, somos testigos de las historias cruzadas de múltiples personajes relacionados con el hotel: el ex manager del lugar, jubilado; el actual manager, que vive una aventura con una telefonista; su esposa, que trabaja en el salón de peluquería y manicura; el jefe de cocinas, que por una actitud racista es despedido ese día; los pinches de la cocina, uno de los cuales está muy emocionado por el partido de béisbol que se juega ese día; una joven pareja, que se casa ese día para de este modo evitar que él sea destinado a Vietnam; algunos jóvenes implicados en la campaña de Bobby, desde futuros políticos a muchachos que tienen su primera experiencia con la droga; la actriz-cantante alcohólica y su cansado esposo; la pareja madura, donde ella esconde su inseguridad a base de cuidar su apariencia... Notable film bien trabado por Emilio Estevez, director y guionista, y que se reserva un pequeño papel. Se citan en el metraje dos películas, Grand Hotel y Bonnie and Clyde, y no es una mención casual. La estructura y marco del film remiten al clásico de Edmund Goulding, y el otro título anticipa la ensalada de tiros que va a constituir su clímax. Aunque la narración arranca de un modo premioso -hay muchos personajes y subtramas que introducir-, lo cierto es que Estevez las dota de espléndida intensidad dramática, sobre todo porque estamos ante seres de carne y hueso, con inquietudes que podemos entender; y cada pequeña 'tragedia' alcanza su momento álgido, en que detectamos grandeza y miseria. Un reparto de maravillosos actores, espléndidamente escogido, con personajes que les vienen como anillo al dedo -algunos ciertamente arriesgados, como el de tres grandes actrices que se enfrentan al problema de su edad, Demi Moore, Helen Hunt y Sharon Stone- contribuyen, cada uno desde su pequeña parcela, a la gran estatura de este film.

Jerry trabaja como guía junto a una estación científica sita en la Antártida. Solitario y con mal de amores, vierte toda su ternura en sus fieles perros de trineo. Tras una accidentada expedición para hacerse con un pedazo de meteorito caído en la zona, se hace necesaria la rápida evacuación de los hombres de la base, debido al mal tiempo. Su jefe promete a Jerry que en el siguiente vuelo vendrán a recoger a los perros. Pero el tiempo empeora de tal modo que se hace imposible el regreso. Carcomido por los remordimientos –ha dejado atados a los perros, y así su supervivencia no parece fácil–, Jerry moverá todos los hilos a su alcance para regresar a la Antártida y rescatar a los canes. Simpática película de aventuras, en la más pura tradición de la Disney, y con un aire que recuerda a Jack London y su Colmillo blanco. Basado en una historia real, dirige la función Frank Marshall, que ya dirigió un film de aventuras en increíbles parajes naturales: ¡Viven!, que también llevaba a la pantalla una historia auténtica.

Phil y su progenitor Buck, ambos padres de familia, no pueden ser más diferentes. Phil es, ante todo, un hombre dedicado a su hogar. Mientras que Buck concibe su entorno como un ambiente competitivo, en el que lo importante, más que participar, es ganar. Phil ha aceptado entrenar el equipo de fútbol infantil de su hijo de 10 años; lo que no puede imaginar es que en el mismo campeonato juega un equipo de chavales, favorito para el triunfo, entrenado por… ¡Buck! Comedia familiar, que se toma más en serio que la media. Will Ferrell sigue probando sus dotes para hacer reír, y Robert siempre es una garantía de buen hacer. Pero quien destaca en el campo del humor, por encima de los dos actores citados, y los críos, es Mike Dikta, que tiene algunos de los mejores gags.

Maggie y Rose son hermanas, pero al margen de ese pequeño detalle no tienen absolutamente nada en común, a no ser, quizá, el número de calzado. Maggie, que es casi una analfabeta, está acostumbrada a vivir de su aspecto físico y explota su sexualidad de modo irresponsable e ingenuo. Además es incapaz de mantener un trabajo más allá de unos días. Su hermana Rose, por el contrario, se graduó en Princeton y trabaja como abogada de éxito en un importante bufete, aunque en temas del corazón es un completo desastre y siente que su vida es en realidad más deprimente de lo que parece. Un día, a raíz de una burda traición amorosa, Rose echa en cara a Maggie la inutilidad de su vida arrastrada y holgazana, y ambas hermanas terminan por decirse adiós bruscamente. Sus vidas transcurrirán entonces por caminos diversos: mientras Rose sigue en la gran ciudad, Maggie se traslada a la costa para visitar a su abuela. Curtis Hanson ha demostrado con películas como L.A. Confidential o Jóvenes prodigiosos de lo que es capaz cuando llega a sus manos un buen guión. Y en esta adaptación de la novela de Jennifer Weirner, despliega también su sobrado oficio: atención a los personajes, manejo del ritmo narrativo, sabiduría al equilibrar el drama y la comedia…, y además adereza esos aspectos con una especial frescura que impregna toda la cinta y que se agradece de veras. Quizá cargue algo la mano al mostrar los frívolos encantos de Cameron Díaz, quien por otro lado deja claro que es mucho más que un cuerpo bonito. Toni Collette borda su personaje de hermana responsable con un punto depresivo (un tipo de papeles que conoce a la perfección desde Un niño grande y El sexto sentido) y la veterana Shirley MacLaine está estupenda como abuela sabihonda. En definitiva, una simpática historia de mujeres desorientadas que buscan la felicidad, y cuyo clásico desarrollo no esconde sus buenas intenciones.

Frederik Du Chau, responsable de La espada mágica, dirige una película familiar en la línea de Babe, el cerdito valiente. Si Babe era un cerdo que aspiraba a ser perro pastor, en esta ocasión la protagonista es Rayas, una cebra que sueña con ser nada más ni nada menos que caballo de carreras. Como es lógico, esto desata las  burlas de los auténticos purasangres de la granja de al lado. Nolan Walsh, antiguo criador de caballos, y dueño de Rayas desde que se la encontró abandonada, ve que el animal tiene aptitudes, por lo que decide entrenarla para ir al hipódromo. El film contiene reflexiones positivas sobre la fuerza de voluntad y el afán de superación. Como en la citada Babe, los animales están animados por ordenador, y lo cierto es que los resultados técnicos son increíbles. Destacan los simpáticos secundarios, como el pelícano mafioso y, sobre todo, una pareja de tábanos raperos que en la versión española, doblados por Gomaespuma, son lo mejor de la función.

¡Qué difícil es juzgar bien a las personas...! Y sin embargo, día a día, los seres humanos parece que no podemos sustraernos a emitir juicios críticos acerca de tal o cual actuación de nuestros semejantes. Y como somos egoístas, desconfiados, frívolos, cínicos y quizá solitarios, a menudo nuestras conclusiones resultan parciales y estrechas, cuando no claramente sesgadas por nuestros gustos y prejuicios. No tiene por qué ser así, pero la experiencia raramente nos demuestra lo contrario. C’est la vie, que dirían los franceses. Pues bien, que cualquier ser humano es capaz de lo mejor y de lo peor, de lo bueno y de lo malo, de la virtud y del pecado, sin importar su condición, su raza o su religión, es la gran verdad que transmite esta maravillosa y multipremiada película, que respira autenticidad por los cuatro costados. Su creador, Paul Haggis, se dio a conocer al gran público el año pasado con el guión de la también fantástica Million Dollar Baby, película durísima dirigida por Clint Eastwood. Ahora, además de escribir el guión de Crash, con la colaboración de Robert Moresco, también ha optado por ponerse detrás de las cámaras y hacer labores de producción. La jugada le ha salido perfecta y ahí están los Oscar conseguidos para demostrarlo. El hallazgo del cadáver de un muchacho durante una noche especialmente fría en la populosa ciudad de Los Ángeles, sirve de punto de arranque de un argumento que se retrotrae a las treinta y seis horas anteriores del fatal descubrimiento. Durante ese tiempo, el modélico guión de Haggis hará llegar al espectador –con apenas algunos trazos– los diversos caminos existenciales y las crisis de identidad de un amplio puñado de personajes, que quieren retratar –con las lógicas limitaciones de la realidad- la variada tipología de personas de una gran ciudad y por ende del mundo entero. Ahí están el fiscal del distrito y su esposa, con sus desencuentros y soledades; un policía con experiencia y su joven e idealista compañero; un tendero iraní y su hija médico; un cerrajero mexicano y su familia; un matrimonio acomodado de afroamericanos; dos agentes de la ley; dos jóvenes delincuentes... Gracias al guión y al montaje milimétrico las vidas de los personajes quedan relacionadas entre sí, un poco a la manera de Magnolia (1999), la apabullante película coral de Paul Thomas Anderson, aunque en el caso de Crash las historias sean más equilibradas y menos excesivas. La película, tan honda como sincera, es un monumento sobre la condición humana, con todas sus debilidades y sus esperanzas. Y por encima de todo, Haggis logra algo muy, pero que muy difícil hoy en día: emocionar casi hasta las lágrimas sin una pizca de sentimentalismo. Y hay que elogiar el completísimo reparto, lleno de actores conocidos, al igual que los aspectos más técnicos, como la fotografía de J. Michael Muro y la música minimalista de Mark Isham, que viene aderezada con las estupendas canciones “In the Deep”, de Bird York, y el excelente colofón “Maybe Tomorrow” de Stereophonics.

Robert Scott, un lacónico agente especial, de los duros, de esos que disparan y luego hacen las preguntas. Le encargan una delicada misión: encontrar a Laura Newton, una joven universitaria que ha desaparecido sin dejar pistas. Con ayuda de Curtis, un afroamericano agente novato, y personal de la CIA y el FBI, Scott averiguará que el asunto está relacionado con una red árabe de trata de blancas, que comercia con prostitutas en los mercados clandestinos de Dubai. Además, descubre que la chica es hija de alguien muy, muy importante. Cuando la investigación está a punto de dar sus frutos, Scott recibe la inexplicable orden de parar. De nuevo el cineasta y dramaturgo David Mamet reflexiona sobre el poder, su tema favorito junto con el dinero, en una historia que muestra que un hombre puede llegar a sacrificar a su propia hija por conservar el poder político. El cineasta se pliega demasiado a las convenciones del cine policíaco, y no llega a la altura de sus grandes obras, como El caso Winslow y Casa de juegos, pero sigue teniendo diálogos brillantes y logra sorprender con giros inesperados pero, eso sí, bastante tramposos. Aunque Mamet vuelve a ser el autor del guión, esta vez se basa en un libro de Eric L. Haney, un ex militar estadounidense que contaba él sus experiencias en el legendario escuadrón Delta Force. El título hace referencia a la “polis” griega, donde se solía encomendar las misiones más peligrosas a un único pero eficiente soldado.

Año 1979. Estados Unidos pasa por una crisis de confianza. En años de guerra fría, ha vivido fracasos como la Guerra de Vietnam, o el escándalo del Watergate, saldado con la dimisión del presidente Nixon. Ahora, en plena administración Carter, sucesos como la toma de la embajada en Irán, o la invasión rusa de Afganistán, desaniman a la población. En esta atmósfera, Herb Brooks recibe el encargo de entrenar el equipo de hockey sobre hielo que representará a EE.UU. en las olimpiadas de invierno. Herb es un tipo duro. Sabe que dispone de poco tiempo, y antes de buscar a las estrellas de la liga profesional, opta por formar un equipo con gente joven, aficionados con talento, donde todos deben ser una piña. Así se prepara para lograr un “milagro”: vertebrar un equipo capaz de ganar a un rival legendario, la Unión Soviética, no porque sean mejores (los rusos llevan 15 años jugando juntos, son profesionales), sino porque habrán preparado “el momento” en que la victoria es posible. Apasionante film deportivo, basado en hechos reales. Gavin O’Connor (Tumbleweeds) sabe imprimir a su historia un vibrante tono épico, y comunica eso tan bonito de representar a tu propio país. Jugar con la dualidad “es sólo un partido de hockey”-“es más que un partido de hockey” se revela un acierto. El film no sólo entrega partidos emocionantes de resultado dudoso. También critica con acierto los llamados “Dream Teams”, capaces de todo menos de hacer soñar a sus seguidores, al haber sustituido los profesionales el amor a sus colores por el deseo primordial de hacer cuanto más dinero mejor. Kurt Russell encarna con aplomo al tozudo entrenador, y se dibuja bien su conflicto de conciliar el trabajo con la atención a la familia; allí Patricia Clarkson, como su esposa, da una nueva lección interpretativa, al insuflar vida a lo que podía ser un “papel florero”, conjugando cariño al marido con exigencia para que atienda todos sus deberes.

A Jessica Shepard le va muy bien en el terreno profesional, pues recientemente ha sido ascendida a inspectora de policía. Desgraciadamente, no puede decir lo mismo del campo personal, pues lleva una existencia desnortada, entregada por las noches al alcohol y a la búsqueda de diversos amantes. Incluso ha tenido que recurrir a la ayuda de un psiquiatra, para recuperarse del trauma causado por el suicidio de su padre, también policía, de quien heredó su amor a la profesión. Su vida dará un “giro inesperado” cuando le toca investigar de una serie de asesinatos. Todas las víctimas resultan ser sus amantes, con los que ha mantenido relaciones sexuales recientemente: lo que la convierte en sospechosa principal. El veterano cineasta y guionista Philip Kaufman, responsable de Elegidos para la gloria, se embarca en un thriller de lo más convencional, protagonizado por Ashley Judd, toda una especialista en el género. Y si bien el guión no tiene tantos giros inesperados como promete el título, cuenta con sólidos actores, como Samuel L. Jackson, comisario y mentor de la protagonista, que en cierta forma ha sido el sustituto de su padre fallecido, y Andy García, en el personaje del típico compañero del que ella se está enamorando.

Rennie, tras perder a su esposa hace cinco años a manos de un asesino, sólo piensa en vengar su muerte y encontrar a Fargo, un temerario y sádico conductor mutilado que se dedica a atropellar a inocentes conductores. Su próxima víctima es Molly Poole, una joven y bella mujer que viaja sola. A su vez, un investigador llamado Macklin anda tras la búsqueda de Rennie. Acción e inquietud en este thriller donde todos se convierten en el gato y el ratón de una red humana que acumula odio, venganza y violencia. Robert Harling, guionista de comedias como El club de las primeras esposas o Hasta que la ley nos separe, dirige una cinta que hace honor a su título pero que sobre todo acumula angustia en algunas de sus escenas. Protagonizan Jim Caviezel, Rhona Mitra (El hombre sin sombra) y un perfecto Colm Feore (Muerte de un ángel).

¿Existen los gafes, esos tipos a los que si algo puede salirles mal, les saldrá mal? Y en caso afirmativo, ¿es cierto que contagian su mala suerte a los que tienen alrededor? El film que nos ocupa parte de la respueta a ambas preguntas es sí, y que por ello son los empleados ideales para un casino: basta que pululen por ahí, para que se termine la buena racha del cliente más afortunado. Bernie es uno de estos gafes profesionales, y su mafioso jefe está encantado con él. Pero cuando inicia una tórrida relación con Natalie, una camarera, parece que la vida le sonríe, que es feliz. Lo que se traduce en la pérdida de su mala estrella. Y esto es algo que su patrón no está dispuesto a permitir. Es necesario reconocer que la premisa de este film resulta muy original. Además los personajes están bien perfilados por el trío principal de actores, William H. Macy, Maria Bello y Alec Baldwin, este último candidato al Oscar al mejor actor de reparto. Aunque pesa en exceso la carga fatalista de la trama, y la insistencia en unas explícitas escenas de sexo, que ralentizan la historia.

El vehículo que debía transportar a una feliz novia a la iglesia, se convierte en coche mortuorio que traslada sus restos al cementerio. La vida de 4 personas (la difunta, sus padres, y el novio) ha dado un vuelco radical, de la noche a la mañana. Una bala perdida la alcanzó, y las cosas ya no serán lo que debieron ser. No ha habido boda, cierto, pero los “suegros” de Joe Nast le habían acogido ya como a un hijo. Todo estaba hablado, y la idea era que el malogrado marido trabajara codo a codo con su suegro. Ideales truncados, un cuento de hadas hecho mil pedazos, que se complica más por un hecho que Joe no se atreve a desvelar. Él y su novia habían anulado su compromiso. No estaban seguros del paso que iban a dar, y tenían intención de comunicar su decisión a los padres de ella, cuando la muerte frustró el plan. Ahora Joe se encuentra en una encrucijada. Tiene miedo a aumentar el dolor de los padres de la difunta, pero su silencio alimenta una espiral de afecto y atenciones de las que no se cree merecedor. E incluso suponen una planificación no deseada de su vida, que debiera discurrir por los cauces elegidos por él responsablemente. Junto al drama del joven protagonista, el dibujo de los padres de ella (magníficos Dustin Hoffman y Susan Sarandon), con sus inesperadas manías y los mundos que se construyen para evadirse de la realidad cotidiana, no sacan al espectador de la historia; y ayuda a perfilar una buena subtrama, una historia de amor maduro, construido día a día, donde el “cansancio” del otro no sirve de excusa para dejar de amar; o la de los problemas de comunicación con la hija. También tiene entidad el dilema del joven Joe (la carrera de Jake Gyllenhaal va a más): se describe bien un modo de hacer que teme lastimar al otro, en que la falta de sinceridad en el momento oportuno complica las cosas; ese miedo a que te retire el saludo quien hasta entonces te apreciaba, sólo por hablar a las claras, pesa sobre muchas personas, lo que hace más dolorosa la inevitable revelación de la verdad. En este caso cuando el amor llama a la puerta del protagonista.

Nathan es un “loquero” de primera división. Pero ser un psiquiatra de prestigio tiene sus inconvenientes. Sobre todo cuando unos tipos secuestran a tu hijita para servir a sus retorcidos planes. En efecto, sólo una joven desequilibrada conoce los seis dígitos de un código que podría proporcionarles una fortuna. Y claro, hace falta un experto en “cocos” para sonsacar a la chica. Los secuestradores piensan, seguramente con razón, que Nathan se dará prisa en hacer su trabajo si tienen en su poder a la niña. Clásico thriller en que el protagonista debe echar una carrerita contra el reloj para salvar la vida de su hija. La cosa se adereza con un poco de relación psiquiatra-paciente al estilo de El silencio de los corderos, con cámaras de televisión y teléfonos móviles que dan un poquito de “marcha tecnológica” a la trama, y con un amigo (el inmenso Oliver Platt) que parece tener alguna que otra cosa que ocultar. Gary Fleder, el director de la excelente Cosas que hacer en Denver cuando estás muerto y de El coleccionista de amantes, firma un buen título de género, donde el protagonista es un agobiado Michael Douglas. En funciones de villano tenemos a Sean Bean, en un papel semejante a los que ha hecho en GoldenEye y Juego de patriotas.

Sobre el guionista Peter Appleton se cierne la sombra de una sospecha: el Comité de Actividades Antiamericanas investiga su posible pasado comunista. Deprimido, sufre un accidente; y sin memoria, la gente de un pueblo le toma por un desaparecido durante la II Guerra Mundial. Magnífico film de Frank Darabont (Cadena perpetua, La milla verde), un poco a lo Frank Capra, donde el “prota”, Jim Carrey, halla una nueva vida.

Sara, hija única de padres divorciados, desea triunfar como bailarina. La muerte inesperada de su madre mientras hacía una prueba de ingreso en una academia de baile la deja hecha polvo. Entonces se va a vivir a un barrio afroamericano de Chicago con su padre músico. En el instituto conoce a Derek, joven negro, buen estudiante y gran bailarín, que la inicia en el hip-hop. Entre medias surge, oh-la-lá, el amor. Peli de jóvenes que buscan triunfar en el mundo de la música, del estilo Fama (1980), Flashdance o, más reciente, El ritmo del éxito. El director Thomas Carter ya había mostrado interés por la cuestión musical en Rebeldes del Swing. Y allí también se hacía presente la cuestión racial, pues el film estaba ambientado en la alemania nazi.

El género deportivo tiene un inconveniente: las películas suelen ser muy similares. Normalmente, el equipo de fútbol, hockey, atletismo o petanca olímpica de turno comienza siendo desastroso y es el que menos posibilidades tiene de alcanzar el éxito. A través de la autosuperación de los protagonistas, se consigue alcanzar la gran final, donde se juegan el todo por el todo. Aún así, continúan apareciendo grandes películas que dan otra vuelta de tuerca a este esquema, como Un domingo cualquiera o Titanes. Hicieron historia. Si aquellas hablaban de la corrupción y el racismo, en esta ocasión se utiliza el género para hablarnos de los estratos más marginales de la sociedad. Keanu Reeves, no ha descansado mucho entre los rodajes de Matrix y su continuación, pues ha tenido tiempo para protagonizar Noviembre dulce, Premonición, Juego asesino y la también deportiva Equipo a la fuerza. Aquí se convierte en Conor, auténtico arquetipo de perdedor, dedicado a las apuestas y reventa de entradas, que debe dinero a sujetos peligrosos. Su amigo de la infancia Jimmy, que trabaja en un bufete de abogados, le promete un dinerillo a cambio de un favor: entrenar al equipo de béisbol que la empresa de Jimmy patrocina, formado por chavales del barrio menos recomendable de Chicago. Aunque no le dan demasiado bien a la bola, jugar se convertirá para los niños y el entrenador en la forma de escapar al fracaso al que, presuntamente, están destinados. Además, Conor tendrá tiempo de enamorarse de la maestra de los chavales. Del reparto destaca Diane Lane (La tormenta perfecta), pero atención a la expresividad de los niños, todos ellos debutantes: fueron elegidos entre auténticos chicos deportistas de Chicago. Esto otorga verosimilitud a la trama, que está basada en una experiencia real, la de Daniel Coyle que describió los hechos en su novela autobiográfica.

Las cosas no le van bien a George Monroe. Vive solo en una casa destartalada y cochambrosa, acaba de perder el trabajo y para colmo ha recibido la noticia de que su salud está muy debilitada. Su ex mujer Robin se ha casado con otro hombre, y su hijo Sam es un colgado adolescente, totalmente desnortado y que se dedica a drogarse y hacer la vida imposible a su madre. Pero George va a llevar a cabo el plan que se había propuesto hacía mucho tiempo: construir una casa nueva con sus propias manos. El sueño de todo americano. La casa como símbolo de la propia existencia... El director Irwin Winkler ha dedicado toda su vida a la producción cinematográfica, y sus películas han cosechado un total de 12 Oscar de entre 45 nominaciones. Se ve que el tipo tiene ojo. La casa de mi vida es su quinta película como director y en ella ofrece una comedia dramática muy apañada. Reúne en ella a un reparto envidiable –todos ellos perfectos–, liderado por un Kevin Kline que aporta toda su simpatía a un personaje tan singular como la vida que se desarrolla en torno a su choza. Anda que no es rarito su hijo, y la joven “lolita” de la casa de al lado, y la patética madre de ésta, y el otro vecino... Pero todo puede enderezarse si se pone esfuerzo, constancia y unidad en un empeño común. Incluso puede caber un final a lo Capra para redondear la faena. Estos americanos...

Trixie es una vigilante jurado muy competente en su trabajo. Recién fichada por un casino, vigila a los clientes que buscan camorra o a los simples carteristas. Por su camino se cruzan personajes variopintos, entre ellos un senador corrupto. Alan Rudolph divierte más de lo acostumbrado en un film en que Emily Watson demuestra el pedazo de actriz que es.

Henry es un atracador de bancos que ya peina canas. Víctima de una supuesta parálisis cerebral, es trasladado a un asilo. Allí la guapa enfermera Carol se mosquea un poco con el nuevo inquilino, que parece un rematado cuentista. Fascinada por su personalidad, se aliará con él para realizar un nuevo golpe. Atractiva pareja la que forman el mítico Paul Newman con la morenaza Linda Fiorentino. La peli conjuga la intriga típica de las historias de ladrón de guante blanco con la clásica subtrama romántica. Hay diálogos inteligentes, pero sobre todo el carisma de una estrella de muchos quilates.

Embajada de Estados Unidos en Yemen. Una multitud enardecida se manifiesta ante la sede diplomática. El ambiente se caldea progresivamente, hasta el punto de que un equipo de marines procede a evacuar al embajador y a su familia. En un momento de máxima tensión el coronel Childers toma una dura decisión: ordena abrir fuego sobre los manifestantes, lo que provoca decenas de muertos. Como consecuencia, se convoca un consejo de guerra para juzgar si Childers violó las reglas de compromiso al disparar a civiles desarmados. Un viejo amigo le defiende, y ambos se topan con una tupida red de intereses políticos, poco interesados en descubrir la verdad. William Friedkin, que ganó el Oscar con French Connection (Contra el imperio de la droga) y asustó a medio mundo con El exorcista, dirige este film con firme pulso. El veterano director comenta que habla de "amistad y leatad, y sobre el papel que le toca jugar al militar moderno". Las escenas de acción son impecables, y el pulso interpretativo que mantienen Tommy Lee Jones y Samuel L. Jackson merece ser visto.

“Dado que el buceo es el trabajo más peligroso de la Armada. ¿Quién querría dejarlo ahora?“ Desde luego el protagonista de esta cinta no, a pesar de que quien lanza tal sugerencia es el oficial de buzos Bill Sunday, un auténtico experto en torturarle la existencia. Pero en Hombres de honor la palabra rendirse no existe. Al contrario, son la fuerza de voluntad, el valor y el orgullo los pilares en esta historia sobrecogedora, basada en la experiencia vital de Carl Brashear, el primer afroamericano que logró ser buzo de la Armada de los Estados Unidos. Todo empieza con la ilusión del joven Carl (Cuba Gooding Jr.) por entrar en la Marina y alejarse de la mediocridad que le ata a las tierras de Kentucky. Su sueño se hace realidad cuando en 1948 el presidente Truman firma una ley que permite el ingreso en la Armada a gente de color. Pero sus ambiciones van más allá: quiere ser buzo y hacer carrera en tan arriesgada actividad. Lo que no imagina es el infierno que tendrá que soportar en sus carnes: el aislamiento de sus compañeros por su piel, la burocracia naval y sobre todo las miles de zancadillas que en su camino le pondrá el oficial de instrucción Bill Sunday (Robert De Niro, nuevamente maestro). Sin embargo, su espíritu indomable no se parará ante nada ni ante nadie hasta conseguir su objetivo, incluso después de perder una pierna. A alguno quizás le produzca urticaria ver en una “peli” el típico entrenamiento militar a base de berridos marciales al estilo “Señor, sí, señor”. De esta parafernalia castrense no se libra Hombres de honor, pero afortunadamente se queda sólo en la superficie. A poco que bajamos a las profundidades del argumento nos encontramos con las caracterizaciones de unos personajes de los que se desprenden actitudes, sentimientos y motivaciones con suficiente cuerpo y volumen para engancharnos a la pantalla y dejarnos arrastrar por el triunfo del espíritu humano que encarnan. “No tuve que ser muy dramático con respecto a la vida de Carl Brashear para presentar una gran historia; es conmovedora tal cual es”, manifiesta Cuba Gooding Jr. Y es que son grandes las emociones que emergen del drama y la aventura de este "biopic" trazado al modo clásico, con excitantes escenas (como la de las pruebas de instrucción) y una narración vigorosa a cargo de George Tillman Jr. A todo ello contribuye el guión de Scott Marshall Smith, que estuvo asesorado en todo momento por el propio Carl Brashear. El guionista inventó el personaje de Bill Sunday como compendio de algunos de los oficiales con los que tuvo que enfrentarse el protagonista.

Estados Unidos, años 50. Homer Hickman es un joven fascinado por la hazaña soviética de poner en órbita el satélite Sputnik. Estimulado por el evento, convence a un grupo de amigos del instituto para que se le unan en una meta: construir cohetes y lanzarlos siguiendo estrictos principios científicos. Lo que parece un juego de críos, se convierte en algo muy serio. Así lo advierte John, el algo desilusionado padre de Homer, capataz de mineros en la pequeña localidad donde reside con su familia, que esperaba que su hijo siguiera sus pasos en la mina de carbón. Joe Johnston (Jumanji, Rocketeer, Cariño, he encogido a los niños) logra su película más redonda al seguir la pista a los hechos auténticos protagonizados por un grupo de adolescentes apodados “los coheteros”. Uno de ellos, ingeniero de la NASA en la actualidad, los ha contado en un libro autobiográfico. A diferencia de tantos films recientes que retratan a adolescentes descerebrados, que sólo piensan en acostarse con el chico/chica de al lado o en acudir a fiestas topeguay, aquí hay unos chavales con personalidad, ilusiones, caídas de ánimo, secretos inconfesables, preocupación por el otro… Es la traslación a la pantalla de cómo se convierte en realidad el sueño americano, que en realidad no sólo es americano sino universal. Voluntad, coraje, espíritu de sacrificio y amor pueden y de hecho, cambian las cosas. Ello se muestra con una atmósfera que combina perfectamente nostalgia y magia, sin ñoñerías. Los cuatro actores que dan vida a los amigos son desconocidos, pero hacen su papel a las mil maravillas. Desde el líder con carisma, al empollón que vive instalado en su genialidad, pasando por el que tiene problemas con su padre alcohólico, vemos seres de carne y hueso, que interesan. Y entendemos la ilusión de una profesora (una recuperada Laura Dern) por sus alumnos, o el miedo de un padre (estupendo Chris Cooper) que conoce demasiado bien lo dura que es la vida, para creer que su hijo pueda dedicarse a algo distinto que a picar piedra. Un film estimulante, con una magnífica dirección artística y fotografía, y una banda sonora épica y vibrante, que incluye temas de los 50 tan pegadizos como Ain’t that a Same de Fats Domino.

Virgil es un masajista ciego que un día conoce a la arquitecto Amy, con la que traba amistad. En seguida surge el flechazo entre ambos, y ella le anima a que se someta a una operación para recuperar la vista. Cuando vuelve a ver, Virgil descubre todo un mundo ante sus ojos: el color del cielo, el aspecto de las cosas, la cara de las personas que más quiere... pero se dará cuenta de que no todo hay que juzgarlo con el prisma de la vista, sino con el del corazón. Romántica película basada en hechos reales y dirigida por Irwin Winkler (La red), con la presencia de Val Kilmer (Batman Forever) y Mira Sorvino (Poderosa Afrodita) como protagonistas.

Mox es un estudiante universitario con ideas propias, que juega en el equipo de fútbol americano. Casi siempre de suplente. Hasta que la estrella del equipo se lesiona, y se ve obligado a sustituirle. De la noche a la mañana se convierte en pieza clave de "Los Coyotes" –así se llama el equipo–; Mox empieza a saborear las mieles del éxito, con todo lo que lleva consigo: adulación, chicas que se ponen a tiro, etc. Por si fuera poca la presión, el mítico entrenador de "Los Coyotes", un tipo duro que recurre a métodos poco ortodoxos para estimular a sus jugadores, se lleva a matar con Mox. Drama deportivo que plantea el interrogante de qué precio es lícito pagar por alcanzar la victoria. Muchas trepidantes escenas de fútbol, y los dramas humanos y sentimentales de los distintos personajes salpican el relato.

Dwayne (Bruce Willis) es, además de dueño, la imagen publicitaria de una potente empresa de coches usados. Un tipo muy popular, como el famoso Curro de Viajes Halcón, pero con tendencias suicidas. Su socio, Harry (Nick Nolte), es una persona con un secreto inconfesable: le gusta ponerse ropa de mujer. Por otro lado, Kilgore (Albert Finney) es un escritor de quinta división, al que, por alguna razón inexplicable, le han invitado a participar en unas jornadas culturales. El film narra las vicisitudes de tan extrafalarios personajes. El “moderno” Alan Rudolph (Inquietudes, Choose Me...) dirige esta adaptación de una novela Kurt Vonnegut. Una película alocada e inclasificable, con un toque psicodélico que recuerda un poco a Miedo y asco en Las Vegas, de Terry Guilliam. Bruce Willis, que ya trabajó con Rudolph en Pensamientos personales, se pone serio a la hora de hacer esta especie de comedia; así es, aunque suene paradójico, pues este film trata de ser una crítica al desquiciamiento de la sociedad actual.

Comedia negra bastante desafortunada que cuenta con una importante baza en el reparto como es el protagonismo de Marlon Brando en lo que sería su penúltima presencia en pantalla ya que después sólo rodaría The Score (Un golpe maestro) en 2001. El mítico actor es el desaprensivo alcalde de una prisión –apodado “El Sueco”– que intimida a los maridos de sus atolondradas hijas con una trama de atraco por medio. El filme fue un merecido fiasco en taquilla y ya sólo su tráiler daba auténtica pena. Acompañando a Brando en esta imposible película están Donald Sutherland y Martin Sheen, que ya habían coincidido con él en Una árida estación blanca y Apocalypse Now, respectivamente.

Rick Magruder es un prestigioso abogado que lleva una vida tranquila en un pequeño pueblo llamado Savannah. Se enamora de una preciosa camarera, Mallory, con la que mantiene una apasionada relación. Sin embargo, Mallory vive atemorizada por su tirano padre, Dixon Doss, un pastor fundamentalista. Para ayudarla, Rick alega que el padre padece una enajenación mental y lo encierran en un hospital psiquiátrico. Sin embargo, en poco tiempo consigue escapar y perseguirá a su hija, por lo que el abogado tiene que ayudarle. Como otros grandes cineastas (entre ellos Sydney Pollack y Francis Ford Coppola) el prestigioso realizador Robert Altman filmó en los años 90 un filme basado en un guión original del popularísimo escritor John Grisham, cuyos libros tienen en común que están protagonizados por jóvenes e intrépidos abogados. Altman saltó a la fama tras el éxito del filme M.A.S.H. en el año 1970, pero después desarrolló su carrera en el cine al margen del Hollywood con títulos como Nashville. A partir de principios de los 90, desarrollo una segunda edad de oro con el éxito de filmes como El juego de Hollywood, Vidas cruzadas o Prêt-à-Porter. Este es el trabajo más convencional del realizador, inscrito en el más puro estilo norteamericano. El reparto es absolutamente lujoso, e incluye nombres como el director y actor Kenneth Branagh (Henry V), Daryl Hannah (Blade Runner), Tom Berenger (Platoon, El sendero de la traición) y Robert Duvall, uno de los mejores actores de Hollywood, con títulos como El padrino.

Acción desde el minuto uno. Ritmo trepidante, música marchosa, mucha luz, mucho ruido. Así es Blade, la película que sigue la pista a este peculiar cazavampiros negro, que trata de librar al mundo de la maldición de los vampiros. Sobre todo de Deacon Frost, causante de la muerte de su madre y de que comparta algunas de las características de estos seres de las tinieblas. El cómic de Marvel ha sido adaptado a la pantalla por David S. Goyer, autor de uno de los films del género fantástico más interesante de los últimos tiempos: Dark City. El británico Stephen Norrington, procedente del mundo del videoclip, dirige la cinta. Y ha apostado por dar a Blade un "look" de semivampiro elegante, con clase: gafas oscuras, ropas negras y grises, gabardina flotante en las escenas de acción. En cambio Frost (encarnado por Stephen Dorff) es un vampiro macarra y mal afeitado, con una pinta permanente de colgado; no en vano es muy aficionado a organizar orgías vampíricas. Mucha sangre y efectos especiales salpican a este violento título, que trata de ser fiel a los dictados del cómic en que se basa. Wesley Snipes, el popular actor de color (Sol Naciente, Demolition Man, Pasajero 57) da vida con fortuna al torturado Blade. Aunque no estamos ante un film que exija grandes esfuerzos interpretativos, el actor se muestra inspirado cuando, casi al final, descubre un terrible secreto en torno a su madre. Snipes demuestra además que sus aptitudes como karateka no han perdido fuerza con los años.

Tras su película Apolo 13, el actor Tom Hanks ejerció de productor ejecutivo en esta serie de 12 episodios de cerca de una hora de duración en los que se dramatizaban los principales hitos del Programa Espacial Apolo. Cuenta con un sólido reparto.

Sean es un joven ex policía, miembro de una familia de servidores de la ley, que ha terminado con esfuerzo y tesón la carrera de derecho. Ahora pasa a ser uno de los novatos ayudantes del fisica de distrito en la siempre complicada ciudad de Nueva York. El primer caso que le endosan es atractivo pero difícil, al tiempo que tiene derivaciones que le afectan directamente: debe instruir la acusación contra un importante capo de la droga, que cuando iba a ser detenido liquidó a dos policías, además de herir a su propio padre, también policía, justo cuando le quedaba poco tiempo para retirarse. Lo malo es que a medida que investiga, descubre ramificaciones de corrupción en el cuerpo policial, que podrían implicar a su progenitor. Sidney Lumet demuestra un magnífico pulso narrativo en este film, que conecta con otros títulos suyos como Sérpico y El príncipe de la ciudad en su temática de las cloacas de la policía. "Melodrama moral", en palabras del director, plantea interesantes dilemas éticos, y señala la frecuente tentación de caer en el cinismo para autojustificar las propias acciones. El reparto es excelente, pero destacan Andy García y Ian Holm, hijo y padre en la película.

Dos matrimonios que tienen en común el hecho de estar atravesando una crisis, ven unidas sus vidas. Cuando la mujer de uno de ellos llama al marido del otro para arreglar su apartamento, se convertirán en amantes, lo que propiciará que los otros dos cónyuges acaben también enamorados. El veterano cineasta Alan Rudolph (Elígeme, Inquietudes) continuó haciendo gala de su particular estilo narrativo en este sólido filme, que se apoya en el trabajo de cuatro grandes intérpretes. Julie Christie se hizo con la Concha de Plata a la Mejor actriz en el Festival de San Sebastián de 1997.

“Pequeño Árbol” es un niño cherokee que, tras quedarse huérfano, se va a vivir con sus abuelos a las montañas. Allí conocerá sus raíces indias, vivirá mil y una aventuras y descubrirá los valores más importantes de la vida. La fotografía es excepcional.

Lawrence Preston (E. G. Marshall), su sobrino Don (Beau Bridges), y su nieta M. J. (Martha Plimpton) forman un bufete de abogados, conocido por su honestidad. Su máxima profesional es el sano principio de que cualquier acusado es en principio inocente mientras que no se demuestre su culpabilidad. Los tres forman una piña, aunque pertenezcan a tres generaciones distintas, y están dispuestos a enfrentarse a quien sea para defender la justicia y la verdad. Don acaba de abandonar su carrera como profesor, y ahora se enfrenta a un duro caso. Se trata de un hombre al que se le acusa de asesinato, cegado por los deseos de venganza. Las pruebas contra el acusado parecen evidentes, pero las investigaciones de los Don, Lawrence y M. J., les conducen hasta un pasado oscuro y unos motivos más enrevesados de lo que parece. Un thriller judicial que tiene un original planteamiento. Se desarrolla con ritmo, manteniendo la tensión en todo momento. Descubre poco a poco los recovecos más turbios del sistema judicial, con altas dosis de suspense.

Quien dice coleccionar sellos dice mujeres... Claro, sólo en una mente enferma que, incluso, programa sádicamente la muerte de sus víctimas. Trepidante thriller psicológico, adaptación de una novela de James Patterson, con el detective Alex Cross estrujándose las meninges para desenredar una compleja madeja. Gran trabajo del dúo actoral, especialmente el de Ashley Judd en uno de esos papeles de mujer fuerte que tan bien se le daban.

Amy es una niña que tras perder a su madre, se marcha con su padre a vivir a una granja de Canadá. Tras la tragedia, Amy solo encuentra consuelo encerrándose en sí misma, pero cuando encuentra un nido de gansos y decide criarlos en su hogar, la niña descubrirá de nuevo la alegría de vivir. Preciosa película familiar que es todo un canto de amor a la naturaleza y a los animales. Destaca la fotografía y las coreografías aéreas de los pájaros. El film está lleno de valores referentes a la familia y a la amistad. Protagoniza la cinta Jeff Daniels (La fuerza del cariño) y Anna Paquin, que ganó un Oscar por El piano. Muy recomendada para los más jóvenes de la casa.

Una de las más convincentes interpretaciones de Sharon Stone (Instinto básico, Casino, Gloria) en la que encarna a un condenada a muerte. Acusada por participar en un brutal asesinato Cindy Ligget (Stone) ha pasado doce años en prisión y espera su condena a muerte. El momento de la ejecución se aproxima inexorablemente, pero Cindy está preparada para morir. Para lo que no está preparada es para Rick Hayers (Rob Morrow), su abogado, empeñado en salvarle la vida cueste lo que cueste. Cindy se dará cuenta de que el amor da la fuerza para luchar por encima de todas las posibilidades, ya que ofrece una razón para vivir. El director Bruce Beresford (Paseando a Miss Daisy) demuestra sus enormes cualidades en esta película de relaciones humanas. Acompaña la brillante partitura del compositor Mark Isham. Para apasionados por los dramas carcelarios.

Día de Acción de Gracias. Como tantos norteamericanos, Claudia (Holly Hunter) se dispone a cumplir con la rutina anual de reunirse con su familia; esta vez, con menos ganas que nunca: a la responsabilidad de educar sola a una hija adolescente, se une la reciente pérdida de su empleo. Tendrá que convivir junto a Henry (Charles Durning) y Adele (Anne Bancroft), unos padres, ya mayores, que la quieren mucho pero que la atosigan demasiado; Tommy (Robert Downey Jr.), el hermano homosexual, bromista empedernido, que viene acompañado de un amigo; y Joanne, la hermana responsable y algo amargada, casada y con dos hijos. La tía Glady, con sus rarezas, termina de dar un aire pintoresco al cuadro familiar. Jodie Foster escoge para su segunda película como directora una historia que dibuja las no siempre fáciles relaciones familiares. Usando el personaje de Claudia como hilo conductor, mezcla los aspectos dramáticos con los propios de la comedia. El propósito: mostrar en tono positivo y esperanzado que nadie es perfecto, que en la vida familiar se presentan discusiones y diferencias, y hasta posibles entrometimientos, que a todos cuesta expresar con claridad los propios sentimientos. Esta última cuestión, la de comunicarse, está muy presente en los filmes de Foster como directora (El pequeño Tate) y como actriz (Nell, El silencio de los corderos...). Ella misma ha reconocido que le atraen «las situaciones donde no hay comunicación, donde ese instinto falla». En cualquier caso, las excentricidades y conductas inmorales de los personajes se salvan —a veces con cierto permisivismo— por el cariño con que la directora los mira. Hay un reconocimiento tácito de que esas dificultades son, al fin y al cabo, la vida misma, y que no hay que darles más importancia de la que tienen; también el tiempo se presenta como medicina capaz de desdibujar los malos tragos para dejar presentes, en cambio, los recuerdos entrañables del pasado. Aunque con un personaje principal, la película tiene un carácter coral, con un reparto envidiable, en el que resulta difícil destacar a alguien por encima del resto. Foster, con bastante acierto, decide permanecer detrás de la cámara, concentrándose en narrar la historia y dejando hacer a los actores dentro de unas pautas bien precisas. Así consigue un relato ágil, bien estructurado y planificado, pero a la vez insuflado de cierto aire de espontaneidad. Sin duda que el espectador se reconocerá a sí mismo y a sus parientes en algunas de las situaciones que presenta el film.

Divertida comedia romántica en la que una irresistible publicitaria, Sarah Jessica Parker (Luna de miel para tres, Mars Attacks!), decide hacer una apuesta arriesgada: casarse de una vez por todas con su novio. Sin embargo el matrimonio exige serias responsabilidades, una de ellas la fidelidad, cosas que no parecen suceder en su propia y recien formada familia. El enredo de amores que se produce a su alrededor será el detonante de multitud de situaciones inesperadas. El admirado Antonio Banderas (Entrevista con el vampiro, Two Much, La máscara del Zorro) y Mia Farrow (Alice, El pico de las viudas) completan un reparto memorable en esta comedia sobre el matrimonio y la fidelidad, escrita y dirigida con inestimable soltura por David Frankel. El estilo recuerda a los ácidos films de Woody Allen.

Angela Bennet (Sandra Bullock) es una mujer decidida que trabaja como especialista en informática. Es brillante en su profesión, y se dedica a recorrer el complejo mundo digital en busca de virus o cualquier tipo de anomalías en los sistemas informáticos. Aunque tiene unos conocimientos muy avanzados, su tarea se ha convertido en una rutina para ella. De pronto, su vida da un giro cuando descubre un programa al que cualquiera puede acceder en internet. Mediante este programa, el usuario puede entrar en bases de datos secretas, burlando cualquier sistema de protección. Lo que no intuye es que su vida corre un grave peligro, porque detrás de su descubrimiento se esconde una compleja trama de corrupción. Sin darse cuenta, está involucrada en una conspiración de la que no puede escapar. Interesante película que trata en clave de intriga un conflicto informático. La famosa Juegos de guerra, basada en un suceso real, abrió la brecha de este tipo de películas. La novedad de La red es que la acción se desarrolla explícitamente en internet, aprovechando la explosión de las autopistas de la información desde mediados de los años 90. Mantiene el suspense en todo momento, gracias en parte a una eficaz interpretación de Sandra Bullock. La música es del experto creador de atmósferas tensas Mark Isham.

Khaila Richards (Halle Berry) es una joven drogadicta con muchos problemas. Debido a la vida que lleva, se ve obligada a abandonar a su hijo recién nacido, dando por perdida su vida. Pero el bebé es encontrado y se recupera en un hospital, donde la asistente social Margaret Lewin (Jessica Lange) le coge cariño y decide adoptarlo. Khaila continúa con una forma de vida que le está llevando a la perdición. Desesperada y sin ninguna salida, es arrestada durante un atraco y enviada a la cárcel. Allí entra en un programa de rehabilitación de toxicómanos, recupera la salud, las ganas de vivir, y, por supuesto, la ilusión por recuperar a su hijo. Pero han pasado más de tres años, y Margaret Lewin no está dispuesta a deshacerse de su pequeño. Se plantean entonces una serie de problemas legales y de complicadas cuestiones éticas y morales. Una película emotiva y muy poderosa, que provoca en el espectador un montón de sentimientos. La interpretación de Jessica Lange como Margaret es magnífica. El tema de la adopción que plantea la película está tratado con profundidad, con criterio, y con buen sentido.

Susan Sarandon (Thelma y Louise, Mujercitas) da vida a Meg, una madre de siete hijos, que está atravesando una crisis. Con sus hijos ya mayores y distanciada de su marido, la idea de la separación le ronda por la cabeza. La situación cambia cuando se le notifica que su hijo mayor ha sido víctima de un atentado terrorista en el cuartel de Oriente Medio donde estaba destinado. El suceso reúne a toda la familia, comenzando una tensa espera de más noticias, en la que cada miembro de la familia hará examen de su comportamiento en el pasado, saliendo reforzada la unión familiar. Película basada en la novela de Ellyn Bache. Está dirigida por el famoso director teatral Robert Allan Ackerman, que debutaba en el mundo del cine con este film. Ackerman logra hacer un detallado retrato de los personajes, en el que sin lugar a dudas destaca Susan Sarandon en el papel de madre abnegada. Tensa espera mezcla acertadamente elementos dramáticos, costumbrista e incluso algún golpe de humor. El resultado de todo ello es brillante.

Dorothy Parker, poetisa, escritora y guionista, formó parte del círculo de intelectuales que en los años veinte se reunía en la neoyorkina Mesa Redonda del Algonquin. Sus encuentros constituían un curioso cóctel de conversación ingeniosa, cotilleos y comentarios a la producción artística reciente, sazonado todo con un punto de ironía. Alan Rudolph evita la tentación de entretener su mirada en algunos personajes de ese círculo, del calibre de Scott Fitzgerald, Edna Ferber o Robert E. Sherwood, por citar sólo tres, para centrar su mirada en quien le interesa: la Sra. Parker, como la conocían sus compañeros. El personaje de la escritora se presenta patético; pese a la belleza de su poesía, recitada a lo largo del film con breves insertos en blanco y negro, predominan las sombras sobre las luces en el cuadro de su trayectoria personal. Se describen un matrimonio roto, un romance con Charles McArthur y el posterior desengaño, y una relación platónica con Robert Benchley —los dos estaban casados—, que aparece como el que debía haber sido gran amor de la Sra. Parker. Esta mujer esconde sus desgracias tras una gruesa capa de cinismo; trata de aparentar una fría aceptación de sus problemas, como si no afectaran a su brillante intelecto: así lo hace cuando decide abortar, ironizando sobre sus supuestos remordimientos. En su interior, la Sra. Parker está desgarrada, más por tratar de ocultar la fragilidad común a todo ser humano; el alcohol es el refugio donde trata de olvidar. Rudolph, director y coguionista, logra una película pulcra, esmerada y un tanto fría, de maravillosa ambientación, que da idea de los problemas de determinados artistas. Como otros films sobre creadores artísticos —por ejemplo, Balas sobre Broadway, de Woody Allen—, maneja la equívoca idea de que éstos deben considerarse por encima del bien y del mal. El director no oculta las debilidades y el desencanto de su personaje principal —espléndida la actuación de Jennifer Jason Leigh—, pero evita juzgarlo y, por supuesto, condenarlo.

Carter y Carol son dos ladrones que tras estafar a un mafioso, emprenden una huida deseperada mientras los matones de la mafia y la policía les pisa los talones. La película es un remake de La huida que dirigió Sam Peckinpah en 1972, y que cuenta con el mismo guionista. El film no tiene nada nuevo y el ritmo narrativo cojea bastante. A parte de alguna lograda secuencia de acción, la historia no es más que un conjunto de tomas violentas e inoportunas escenas sexuales. Los protagonistas, Alec Baldwin y Kim Basinger, por entonces marido y mujer, no dan mucho más de sí para levantar cabeza a la historia.

Cuenta las aventuras de una preciosa y diminuta muchacha que nace de un grano de cebada mágico. El también diminuto príncipe Cornelius está enamorado de ella, pero para que Pulgarcita le corresponda, deberá ayudarla a deshacerse de otros molestos pretendientes de su mismo tamaño y más grandes, como un escarabajo o un sapo. En sus aventuras, Pulgarcita y Cornelius cuentan con la ayuda de un grupo de simpáticos amigos insectos. Se trata de una adaptación libre en dibujos animados del cuento clásico de Hans Christian Andersen. Con imaginación y con ternura, se recrea un mundo fantástico en el que los niños se verán enseguida inmersos. Un buen fondo musical completa el ambiente mágico.

Nell es una jovencita que ha vivido siempre con su madre en una casa en las montañas, alejada de todos y de todo y utilizando un lenguaje único. Cuando la madre muere, Nell es incapaz de sobrevivir por sí sola pues carece de capacidad para comunicarse con los demás y valerse por sí misma. Sólo el psiquiatra Jerry Lovell intentará ayudarla y sacarla de esta situación. Tierna película de Michael Apted, donde Jodie Foster (El silencio de los corderos) consiguió una merecida nominación a los Oscar en la categoría de mejor actriz. Supo representar perfectamente el carácter de esta joven recluida en una casona, lejos de la civilización; y por su parte, Liam Neeson aporta la calidez del protector que hace lo posible por colmarle de las necesidades básicas y protegerla de los individuos sociales que pretenden hacer de ella un objeto de estudio.

Las películas de Robert Redford tienen la característica de ser diferentes y de explorar con profundidad aspectos importantes del ser humano. En Quiz Show, nominada a cuatro Oscar, indaga en el afán de lograr la fama, en la honestidad y en el poder de los medios de comunicación. Ralph Fiennes (La lista de Schindler, El paciente inglés) y John Turturro (Barton Fink) interpretan a dos concursantes enfrentados en un programa de preguntas: el veintiuno. Hay mucho dinero en juego y cuando comienzan a surgir rumores de que las respuestas están amañadas surge un escándalo que salpica a la cadena de televisión y sobre todo hiere la honestidad de los concursantes. Memorables interpretaciones, entre las que hay que destacar la del veterano Paul Scofield (Un hombre para la eternidad), en un papel memorable como padre del principal concursante implicado. Una radiografía dura de la vida moderna, en uno de sus aspectos más característicos, el de los medios de comunicación, y con la firma inconfundible de Robert Redford. El film está basado en hechos reales.

Película singular, cuyo camino puede facilitar El club de los poetas muertos. De nuevo un film insiste en el valor de la educación, en la capacidad del hombre para apreciar la belleza de las cosas. Nunca se hará bastante ante determinadas reformas escolares, que convierten a los alumnos que las sufren en poco menos que en "peleles", incapaces de pensar por sí mismos. Mike Figgis dirige y pone al día con gran acierto esta adaptación de la obra teatral de Terence Rattigan, llevada ya a la pantalla en 1951 por Anthony Asquith. Andrew Crocker-Harris (Albert Finney) es profesor de lenguas clásicas en un colegio de Oxford, obligado a jubilarse antes de tiempo so pretextos de salud. Con el fin de curso se desvelarán los hilos que han ido tejiendo el fracaso vital del profesor. Se casó con Laura (Greta Scacchi), una mujer a la que quería. Pero ambos son muy distintos y se han distanciado. Ahora ella le es infiel. Estaba ilusionado con su vocación docente pero no siempre logra transmitir el saber que querría. Además sus alumnos le tienen pavor. Pero Taplow (Ben Silverstone), que tiene con él clases particulares, le hará cambiar. Es éste un film de detalles que no sobran, y que funcionan muy bien en contraste unos con otros. La ambientación es magnífica, el tono casi siempre elegante. Y los numerosos personajes secundarios sirven a la historia: la mujer, que arrastra una vida frustrada; el simpático profesor de ciencias, que sin embargo engaña a Andrew y a Laura; un rector incapaz de conocer a profesores y alumnos; el sustituto de Andrew, nervioso ante la perspectiva de enfrentarse a los alumnos en las aulas; y el joven Taplow, un chaval muy normal con un corazón de oro. Albert Finney hace del profesor una interpretación magistral. Hay muchos matices en la descripción de su personalidad. Severo, con dotes para la enseñanza, amante de su especialidad y de la cultura, incapaz de rebelarse cuando sus superiores le pisotean. La versión Browning rezuma una amargura sutil. Al principio es imperceptible y no involucra al espectador, pero poco a poco le envuelve por completo, al percibirse lo que ha sido la vida del profesor. El engranaje narrativo es perfecto y prepara el camino a secuencias conmovedoras, capaces de mostrar lo mejor y lo peor del ser humano, y que hacen evolucionar positivamente a todos los personajes. Quizá lo que más sorprende del film es su defensa apasionada del latín y el griego en la enseñanza. La hace de un modo inteligente, mostrando la satisfacción que supone comunicar, en uno de cada cien casos, una sabiduría y un gozo por la belleza que hasta entonces se disfrutaban en solitario. La satisfacción es mayor si se consigue con un muchacho que tiene pensado estudiar ciencias el próximo curso. El paralelismo entre la infidelidad que sufren el protagonista del "Agamenón" de Eurípides y el profesor no es sólo un recurso más o menos hábil. Es una demostración del alcance universal de la obra del dramaturgo griego. No se critica el valor de las ciencias experimentales, o la popularidad del deporte –hay un profesor jugador de criquet que es el ídolo de los alumnos–. Se trata de recordar algo que hasta hace poco nadie ponía en tela de juicio: que sin humanidades no hay civilización que merezca ese nombre.

En un hipotético 2004, los viajes en el tiempo son una realidad. Para controlar que la gente no cambie el pasado a su antojo, el gobierno ha creado una unidad especial de policías temporales. Mientras persigue a un ambicioso senador,  uno de los mejores agentes del cuerpo, Max Walker, se ve involucrado en una gigantesca conspiración criminal. Peter Hyams, especialista en filmes de ciencia ficción como Atmósfera cero, prima la acción y compone un ameno producto de serie B muy superior a la media de las películas de Van Damme.

Basada en ocho historias y un poema de Raymond Carver, nos cuenta la historia de diferentes hombres y mujeres que tratan de incoporarse y adaptarse al mundo laboral. Se trata de un auténtico mosaico de diversas historias entrelazadas que dan lugar a diferentes argumentos, en algunos predomina el humor, en otros el romance e incluso el terror. Robert Altman (Prêt-à-Porter, El juego de Hollywood) dirige este film que fue galardonado con el Leon de Oro en la Mostra Internacional Cinematográfica de Venecia y que obtuvo la nominacion al Oscar en la categoría de mejor director. Destaca un elaborado montaje, a la hora de mezclar y entrelazar las diferentes historias, y un extraordinario y largo reparto de lujo: Andie MacDowell, Bruce Davison, Julianne Moore, Tim Robbins, Jack Lemmon, son algunas de las estrellas de este original film.

5 de noviembre de 1975, en un bosque al Noroeste de Arizona. Antes de anochecer, un equipo de leñadores que está trabajando, observa admirado una luz cegadora que proviene del interior del bosque. Su primera reacción es la huida, pero uno de ellos, Travis Walton, el más intrépido, se decide a adentrarse para averiguar la causa de la misteriosa luz. Según se va acercando, una poderosa energía le impide dar marcha atrás, y desaparece ante la mirada de sus compañeros, que corren despavoridos. Cuando acuden a denunciar a la policía que Travis ha sido absorbido por un OVNI, se mofan de ellos y les acusan de asesinato. Varios días después, Travis aparece desnudo y desorientado. No recuerda lo que ha sucedido, pero sus amigos están ahora empeñados en desvelar el terrible suceso. Se supone que basada en un hecho real, esta película se adentra en el jugoso tema del secuestro de humanos por parte de alienígenas de otro planeta. Mantiene un elevado tono de suspense y sorpresa, y unos considerables efectos especiales. Recomendable para los amantes del género.

Típica comedia juvenil frívola pero con tirón comercial, a cargo de Richard Benjamin (Esta casa es una ruina, Sirenas). Zora, una chica negra, se entera que su madre recurrió a la inseminación artificial para tenerla. Cuando investiga la identidad de su padre, descubre que es un blanco inaguantable que se dedica a vender coches. A pesar de contar con las indudables dotes cómicas de Whoopi Goldberg, resulta una historia muy irregular, en la que han tenido que meter baza varios guionistas. Resalta el pésimo gusto de la secuencia que transcurre en el banco de semen.

Durante la Segunda Guerra Mundial un grupo de soldados norteamericanos encuentra un objetivo alemán. Los hombres de ambos bandos llevan un tiempo aislados por lo que no saben muy bien cuál es el rumbo de la guerra. La dura situación de los dos ejércitos ejércitos hace que ambos bandos decidan concederse una tregua para celebrar la Navidad sin batallar. Un argumento similar tiene la también cinta bélica Feliz Navidad, aunque el título de Christian Carion se desarrolla en la Primera Guerra Mundial.

Años 40 en Nueva York. El fotógrafo Leon Bernstein es el mejor en su oficio y acude el primero a cualquier suceso de la ciudad para recoger las migajas de la noticia y retratar las mejores instantáneas. Un día, la bella Kay Levitz le pide ayuda porque la mafia anda detrás de ella chantajeándola. Leon le prestará ayuda ya que está enamorado de Kay. Gran película de intriga y gran puesta en escena de Joe Pesci (Uno de los nuestros o Casino). Al más puro estilo del buen cine negro, Joe Pesci se mete en la piel de un fotógrafo sin escrúpulos que se introducirá en la mafia con tal de ayudar a su enamorada, interpretada por Barbara Hershey (Hannah y sus hermanas, Una mujer peligrosa). Gángsters, mujer atractiva, el héroe venido a menos, años 40... ingredientes perfectos para un thriller magnífico.

Un dibujante que ayuda a la policía en la confección de retratos-robots es solicitado para invstigar al responsable del crimen de un empresario. Al llegar ve que las características aportadas por una testigo parecen señalar a su propia esposa. Entonces, alarmado, redibujará el retrato y comenzará él a investigar el crimen por su cuenta. Pintoresco thriller de misterio que dejará frío a los espectadores, primer trabajo como realizador del actor secundario y director de fotografía Phedon Papamichael. Entre el reparto destaca, eso sí, la inquietante y bella Sean Young (Blade Runner) en el papel de la esposa del dibujante.

El actor Gary Sinise se dirige a sí mismo y a John Malkovich en esta sentida adaptación de la novela de John Steinbeck. El film describe la profunda amistad entre dos trabajadores de una granja, uno de ellos disminuido psíquico. Un tono fatalista recorre la historia, sobre todo porque Lennie no sabe controlar su fuerza.

Jack Deebs (Gabriel Byrne) es un dibujante que, por una serie de circunstancias, da con sus huesos en la cárcel. La única forma que encuentra para evadirse del tedio de la prisión, es dibujando un mundo de dibujos al que llama "Cool World". Sus dibujos los protagoniza una voluptuosa rubia llamada "Holli Would", interpretada por Kim Basinger. Pero Jack se mete tanto en el mundo de sus personajes, que acaba siendo absorbido por "Holli Would". La chica quiere seducirle, pensando que así podrá convertirse en una persona real, y dejar de ser un dibujo animado. Pero un detective humano que vive en "Cool World", interpretado por Brad Pitt, se encarga de avisar a Jack de que está prohibido tener relaciones sentimentales con los dibujos. Las cosas se complican cuando "Holli Would" toma por fin forma humana y se pasea por Las Vegas. Una mezcla entre la comedia y el thriller policiaco, que combina las interpretaciones reales con los dibujos animados. Aunque la trama es algo tonta, y algunas situaciones no tienen mucho sentido, resulta entretenida y curiosa.

Robert Redford (Gente corriente, Un lugar llamado Milagro) vuelve a ponerse detrás de la cámara, y demuestra que puede ser tan bueno contando historias como interpretándolas. En esta ocasión nos narra la historia de los hermanos McLean, Norman (Craig Sheffer) y Paul (Brad Pitt), hijos de un pastor presbiteriano. La vida de estos hermanos gira en torno a cuatro cosas: la familia, la religión, la ambición y la pesca con mosca. Con el tiempo Norman llega a ser un profesor universitario, mientras que Paul triunfa como reportero, aunque su heterodoxo modo de ser le lleva al borde del abismo. Estamos ante un gran espectáculo visual, y ello es debido a una excelente fotografía de Philippe Rousselot, premiada con el Oscar, que sabe resaltar la belleza de la naturaleza. En este sentido se hace preciso destacar las secuencias de pesca en el río, que son auténticamente espectaculares. El carácter en ocasiones nostálgico y bucólico del film está subrayado por la acertada banda sonora de Mark Isham.

Ambicioso thriller psicológico de gran intensidad dramática y que cuenta con un reparto de auténtico lujo. El director Alan Rudolph se muestra como un auténtico especialista en manejar la acción, en la dirección de actores y en llevar al espectador al terreno que quiere. La historia es el desvelamiento de un misterioso asesinato. Parece que todas las personas que conocían a la víctima tenían motivos suficientes para acabar con ella. Dos mujeres, sin embargo, serán llevadas a la comisaría como principales sospechosas... Tanto Demi Moore (Ghost, Algunos hombres buenos) como Bruce Willis (Pulp Fiction, La jungla de cristal, El sexto sentido) firman unos papeles memorables y dan cuenta de una capacidad dramática envidiable. Harvey Keitel (Smoke, Reservoir Dogs) tiene también una envidiable presencia y el guión de William Reilly y Claude Kerven está perfectamente hilvanado en colaboración con la inquietante música de Mark Isham. Para amantes de las historias difíciles de resolver.

Una madre soltera. Su único hijo es un niño superdotado, un genio de las matemáticas. La pregunta del millón es: ¿cómo conjugar el desarrollo de su talento con el deseo de que crezca como cualquier otro niño? Jodie Foster debutó en la dirección con este emotivo drama, y lo rodó con estilo. Además se reservó el papel de la madre preocupada.

Billy es un joven sencillo con ganas de progresar. Cuando conoce al mafioso Dutch Schultz, decide introducirse en su banda y pasar a ser un gangster más, conociendo los entresijos del mundo de la mafia. Poco a poco Billy irá progresando y destacando por encima de Dutch, pero las cosas se complicarán cuando Billy y Drew, novia de Dutch, se enamoren. Thriller que recuerda Uno de los nuestros y Una historia del Bronx. En la línea de las películas de la mafia, el joven protagonista queda fascinado por el 'negocio' y por el mundo de prosperidad económica que se abre ante sus ojos y que hace que olvide el peligro que también acecha. Dirige la cinta Robert Benton, que se basó en una novela de E.L. Doctorow, y protagonizan Dustin Hoffman, Nicole Kidman y Steve Buscemi.

Los principales sospechosos de integrar una banda de ladrones de bancos, que perpetra sus golpes con caretas de ex presidentes de los Estados Unidos, son Bodhi (Patrick Swayze) y sus amigos surferos. El agente del FBI Johnny Utah (Keanu Reeves) se hace pasar por aficionado a las olas y entabla amistad con el fascinante Bodhi. Producida por su entonces marido James Cameron, la directora Kathryn Bigelow rodó este sorprendente thriller, con impresionantes secuencias de surf y paracaidismo. Además, la cineasta se esfuerza por crear tipos humanos y creíbles.

El célebre caso del barón Klaus von Bulow, que fue acusado de provocar el coma a su esposa. ¿Negligencia o intento de asesinato? ¿Fue el barón von Bulow responsable del coma irreversible de su mujer Sunny? El film muestra, a partir del libro escrito por el letrado Alan Dershowitz, la minuciosidad con que éste preparó la apelación a una sentencia condenatoria. Y se juega la carta de la ambigüedad (nunca sabremos las intenciones de Klaus), mientras se subraya el cinismo del barón, que tienta a Dershowitz para que acepte el caso: sabe que le interesan las causas sociales, y que necesita recursos para financiarlas. Por lo cual, aunque a regañadientes, asume la defensa. Dibuja pues al personaje con trazos nada amables, pero eso no significa, por supuesto, que sea culpable. Barbet Schroeder firmó su mejor trabajo, y Jeremy Irons ganó un merecido Oscar por su interpretación.

Un hombre es juzgado en una pequeña ciudad de Connecticut por un asesinato que no ha cometido. Una desconocida contrata a un famoso detective para demostrar su inocencia, y tras las primeras investigaciones, descubre una compleja trama de corrupción. Además, según comienza a conocer la verdadera identidad de su cliente, relacionada con el mundo de la prostitución, también comienza a enamorarse de ella. Espeso y cínico thriller, al que falta el necesario ritmo. Cuenta con dos actores de primera como protagonistas: Nick Nolte (Aflicción) y Debra Winger (El cielo protector). Y el guión es obra del prestigioso dramaturgo Arthur Miller, basado en su propia obra de teatro. Pero el escritor no pasaba por su mejor momento, todo resulta demasiado retorcido y opaco, con personajes poco atractivos y motivaciones a las que falta nitidez.

A Harry Dobbs, un detective privado, le encarga una bella pero inestable mujer que vigile a su esposa, que quizá la esté engañando. Harry se pone a ello, ignorante de que él mismo está siendo seguido por Stella, otra detective, pues su celosa novia tampoco está muy segura de su fidelidad. El enredo se complica aún más cuando Harry descubre que su objetivo es bígamo. Alan Rudolph escribe y dirige un "divertimento" ligero que homenajea al cine negro en clave de suave e irónica comedia, donde nada es lo que parece, y aunque nunca pasa nada, sí pasa. Su reparto es muy competente y mantiene el interés, aunque en el fondo lo que se cuenta sea una nadería. Lo que a la postre era el punto de partida sobre el que juega el cineasta.

La acción nos sitúa en una aldea perdida, en pleno territorio de Afganistán. Los guerrilleros afganos se enfrentan a las poderosas tropas soviéticas. En medio del desierto, un desequilibrado comandante soviético y su equipo, a bordo de un carro de combate, están sembrando el pánico entre los atemorizados habitantes de la región. El encargado de pilotar el carro de combate, interpretado por Jason Patric, es consciente de la brutalidad de sus superior, e intenta detenerlo. Pero la locura del comandante va en aumento, y Patric es considerado un traidor por desobedecer las órdenes de su superior. Es abandonado en medio del desierto, sin ninguna posibilidad de salvación. Un grupo de guerrilleros lo encuentran, y antes de castigarlo se les ocurre hacer un pacto. Patric les ayudará a destruir la temible máquina de guerra, que ya es conocida como La bestia. Una interesante película de acción bélica que denuncia el sinsentido y la crudeza de la guerra. La originalidad del planteamiento reside en encontrar una guerra apenas retratada en el cine. Entretenida por momentos gracias a sus atractivas escenas de combate.

Recreación del mundillo cultural parisino de los años 20 del siglo XX, un mundo habitado por pintores y escritores bohemios entre los que se encontraban, por ejemplo, Ernest Hemingway o Gertrude Stein. El reparto es llamativamente bueno, con protagonismo para Keith Carradine (Los duelistas), y momentos estelares de Linda Fiorentino o Geraldine Chaplin. La trama narra las vicisitudes de un pintor americano llamado Nick Hart, que trabaja ilustrando un periódico de París. Lo que consigue apenas le da para vivir, pero sus dificultades llegan sobre todo cuando descubre a su mujer Rachel con otro hombre. Él la ama aún y quiere recuperarla. Estos hechos coincidirán con una curiosa oferta laboral que le hacen: falsificar tres famosos cuadros. El resultado del film es más que aceptable, con una cuidada recreación de época y una trabajada dirección de actores a cargo de Alan Rudolph (Afterglow).

Carretera al infierno provocó en 1986 más de una pesadilla. El film se inscribía en la tradición de historias de miedo que transcurre en esas interminables carreteras rectas donde apenas circula un alma, tan abundantes en Estados Unidos. Con una historia así, El diablo sobre ruedas (1971), dio el golpe Steven Spielberg cuando era un desconocido. Y títulos recientes como Nunca juegues con extraños (2001) y Jeepers Creepers (2002) siguen esta estela terrorífica. Incluso esta película dio lugar a una secuela en 2003, Carretera al infierno II. La película fue el debut de su director, Robert Harmon. Especialista en fotografía, Harmon dirigió un corto de casi media hora que se incluye en el DVD, como carta de presentación para poder debutar en el largo. En el reparto, además de a C. Thomas Howell y Rutger Hauer, se pudo a ver a la entonces desconocida Jennifer Jason Leigh.

Un ex policía que acaba de salir de la cárcel frecuenta un local llamado Café de Wanda, donde se reúnen varios personajes relacionados con la mafia. Allí conoce a la mujer de sus sueños, pero tiene un compañero sentimental y un hijo. Película de culto del realizador Alan Rudolph y uno de sus mejores trabajos junto con Elígeme. El cantante de country y actor Kris Kristofferson (La puerta del cielo) realiza una excelente interpretación.

Sorprendente historia basada en hechos reales, acontecidos en Estados Unidos a comienzos del siglo XX. La mujer de un funcionario de prisiones (Diane Keaton) se va a enamorar de uno de los "huéspedes" de la cárcel (Mel Gibson), hasta el punto de que prestará toda su ayuda para que éste y su hermano (Matthew Modine) puedan fugarse. Para desarrollar este trama, Gillian Armstrong juega la carta de la ambigüedad, lo que obliga a aceptar que la protagonista busque el amor en una persona tan inesperada, y la narración se despliega con suficiente inteligencia para que nos preguntemos si los hermanos están manipulando a su inesperada ayudante, o si verdaderamente existen sinceros lazos afectivos.