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Biografía

Ryuichi Sakamoto

Ryuichi Sakamoto

68 años

Ryuichi Sakamoto

Nació el 17 de Enero de 1952 en Tokio, Japón

Premios: 1 Oscar

06 Enero 2007
Escucha una selección de temas de Ryuichi Sakamoto, entre ellos "El cielo protector", "El último emperador" y "Feliz Navidad, Mr. Lawrence".
Oscar
1988

Ganador de 1 premio

Filmografía
Proxima

2019 | Proxima

Las películas de astronautas están de moda, tal vez tenga algo que ver con ello el 50 aniversario de la llegada del hombre a la Luna, y la nostalgia por las emociones de gestas y descubrimientos de antaño, que hoy en día brillan por su ausencia. Sea como fuere, a títulos com El primer hombre o Ad Astra hay sumar la llegada de esta película europea, Proxima. Alice Winocour, directora de Augustine y coguionista de Mustang ofrece una historia centrada en mujeres, la astronauta Sarah y su pequeña hija Stella. Sarah, que está separada de su marido, ha sido seleccionada para el primer viaje espacial tripulado a Marte, un magnífico logro profesional, pero que le supondrá no estar con Stella durante un año, una prueba difícil de sobrellevar. La película describe el período de duro entrenamiento previo al despegue del cohete que la llevará a la Estación Internacional junto a otros dos compañeros astronautas, uno ruso y el otro estadounidense. Junto a la presión de los ejercicios pesa la reacción de la pequeña, que aunque encantadora tendrá que acostumbrarse a vivir con su padre, a un nuevo entorno de amigos y escuela, y a ver a su madre sólo en plasma. Winocour opta por una vía realista a la hora de abordar su historia, con un equilibrio muy de agradecer. Pone en valor el esfuerzo, y no sólo físico, que también, que una mujer tiene que hacer para descollar como cosmonauta, pero evita acertadamente convertir el film en algo asimilable al panfleto feminista. Y pinta bien las relaciones con los otros astronautas, con el ex marido, con los trabajadores de la Agencia Espacial Europea, o del centro de entrenamiento en Moscú. También evita los sentimentalismos fáciles, porque las reacciones de madre e hija ante la inminente separación son muy naturales, e incluso el único “extraordinario” que se permite en el último tramo de la película, lo acepta el espectador sin rechistar, porque no se ha abusado de la petición de que suspenda su incredulidad. La sobriedad funciona, y los actores lo hacen muy bien, tanto la pequeña Zélie Boulant, como sobre todo Eva Green, que lleva casi todo el peso de la historia. Respaldan bien ellos, Matt Dillon, Lars Eidinger y Aleksey Fateev.

7/10
Cólera (Ikari)

2016 | Ikari

Hace diez años el japonés Lee Sang-il entregó una amable película, Hula Girls, pero se ve que una década da para mucho, y la que trae aquí bajo el brazo habla de Cólera, las acciones más oscuras de las que es capaz el hombre, aunque con la idea de señalar que de la podredumbre pueden asomar vestigios de humanidad. El film relata con poderío visual la búsqueda de un sanguinario asesino, que mató a un matrimonio en su casa, escribió en una de las paredes con sangre la palabra “cólera” y tras darse una ducha ahí mismo se fue. El caso produce sensación, porque protagoniza un reality televisivo de colaboración ciudadana,: ahí se ofrecen detalles sobre el sospechoso buscado por la policía, del que existe un retrato robot. Al tiempo, seguimos la pista a tres outsiders, que podrían ser, o no, el asesino: un taciturno gay al que un ejecutivo conoció en un lugar de contactos, y que se ha llevado a vivir a su casa; el empleado de una pequeña empresa ligada a la pesca, que está saliendo con la hija del dueño, recién rescatada de la prostitución; y un mochilero, que ha recalado en una isla, y que hace amistad con una pareja de adolescentes. Sang-il, director y guionista, crea una estructura y unos personajes medianamente sólidos, no pierde el rumbo en medio de lo que pretende, a no ser por algunos momentos excesivos e innecesariamente explícitos, sobre todo al mostrar el sexo homosexual, la violación de una jovencita, y algún otro estallido de colérica violencia. Probablemente de las tres historias de los sospechosos, la que mejor funciona es la de padre, hija y novio, con un magnífico Ken Watanabe encarnando al progenitor.

El renacido

2015 | The Revenant

Alejandro González Iñárritu aplazó el rodaje de El renacido para acometer primero Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia), ganadora de cuatro Oscar, en las categorías de película, dirección, guión original y fotografía. Al mexicano no le ha afectado la supuesta maldición de los premios de la Academia, pues demuestra tener cuerda para rato. Aquí adapta la novela "The Revenant: A Novel of Revenge", de Michael Punke, que reconstruye la historia real de Hugh Glass, miembro junto con su hijo de una expedición de tramperos que en 1823 se interna en territorio de los arikara, entre las dos Dakotas, en busca de pieles. Cuando Glass sufre el ataque de un oso pardo queda malherido, y sus compañeros, acosados por los indios, no pueden llevarle consigo. El capitán de la expedición le deja bajo el cuidado de su retoño, otro de los miembros más jóvenes del grupo y el veterano John Fitzgerald. Pero este último resulta no ser de fiar. La veracidad de las imágenes se acentúa gracias a la cámara cercana de Emmanuel Lubezki, alias "El Chivo", colaborador habitual del realizador, tan integrada en cada escena que se vive en primera persona el acecho de los pieles rojas y el padecimiento de los personajes. A veces se nota que se trata del mismo operador de El árbol de la vida, sobre todo en algunas secuencias oníricas donde el protagonista evoca la felicidad de su familia, truncada por la muerte. Salvo algún plano metafórico donde un ave brota de heridas mortales, el grueso del film se aleja bastante de los detalles pretenciosos que daban un poco al traste con los altos vuelos de Birdman. Por primera vez, el autor de Amores perros se adentra en el puro cine de género, sin querer ofender con esta afirmación al cuate, pues esto no quiere decir que estemos ante un relato genérico o convencional ni mucho menos. Pero sí que mira a los westerns sucios de Sam Peckinpah y tiene elementos en común con Las aventuras de Jeremiah Johnson, filmada en 1973 por Sydney Pollack, y sobre todo con El hombre de una tierra salvaje, de Richard C. Sarafian, que reconstruye los mismos hechos históricos. Aunque El renacido resulta más cruda si cabe por el hiperrealismo del cine contemporáneo. El espectador siente la violencia en sus carnes, sobre todo en la impresionante secuencia del ataque del grizzly, que pasará con toda seguridad a la historia del cine, si bien no resulta apta para cardíacos. El conjunto tiene mucho del cine clásico de aventuras, sin que eso suponga una ruptura completa con su filmografía, ni un renacer de Iñárritu, sino más bien una evolución coherente. Aquí también se concibe la vida como un ‘via crucis’, donde los humanos tienen que soportar duras pruebas cada vez peores (como el protagonista de Biutiful), y seguir vivo muchas veces depende del azar. En su retrato de la lucha contra los elementos naturales, parece que el hombre acaba siendo lo más peligroso, pues la traición puede causar más daño que el ataque de una bestia salvaje. Pero la mirada del mexicano se ha vuelto un poco más luminosa, pues en la dura batalla por salir adelante a cada minuto, puede irrumpir un acto de solidaridad humana que devuelve la esperanza. Incluso se lanza una mirada a lo trascendente… "La venganza está en manos de Dios", asegura uno de los personajes. Casi sobrenatural resulta la composición del protagonista realizada por Leonardo DiCaprio, que lejos de acomodarse y vivir del cuento sigue buscando papeles complicados; algunos planos filmados en la nieve sin ropa no han debido resultar nada fáciles para la estrella. Pero sorprende casi más el gran Tom Hardy, que interpreta al barbudo antagonista sobre todo con los ojos, que le permiten mostrar la miseria del lado más oscuro de las personas.

8/10
Nagasaki: Recuerdos de mi hijo

2015 | Haha to kuraseba

Yoji Yamada entrega otra película inspirada en el cine de Yasujiro Ozu, expresamente citado en la película, tras versionar doblemente Cuentos de Tokio en Una familia de Tokio en clave dramática, y en tono de comedia en Maravillosa familia de Tokio. Mantiene el tono humanista, la narración clásica, con muchos interiores y la cámara baja con los personajes sentados en el suelo. E incluye un personaje sobrenatural, muy en la tradición de la narrativa nipona. Cuenta con la ayuda en el guión de su colaborador en esos filmes Emiko Hiramatsu. Arranca la narración en Nagasaki, durante la Segunda Guerra Mundial, con la fotografía en blanco y negro. El joven Koji, estudiante de medicina, no sospecha que ese 9 de agosto, mientras asiste a una clase, va a ser una de las víctimas de la bomba atómica que arroja un bombardero americano, para desconsuelo de su madre viuda Nobuko y de su prometida Machiko. Pasados tres años a la espera de algo parecido a un milagro –nada físico pudo probarles la muerte de Koji–, parece el momento de pasar página. Pero el fantasma de Koji visita a Nobuko para preguntar por su amada, en una especie de situación imposible donde lo razonable sería agradecer a Machiko sus atenciones con la que debía ser su suegra, e invitarle a buscar un hombre que le quiera y con el que pueda formar una familia. El film, de una delicadeza sublime, pinta bien el cuadro de relaciones humanas, la madre viuda con el hijo, la prometida con su potencial suegra, el vendedor de extraperlo con la madre, con el telón de fondo de esa bomba terrible y sus consecuencias en las personas concretas. Con naturalidad se muestra la fe cristiana de los personajes, que da pie a momentos preciosos como el de la escena final, el funeral que se eleva hasta un multitudinario coro celestial. Se integra maravillosamente la partitura musical de Ryuichi Sakamoto.

7/10
Hara-Kiri: Muerte de un samurái

2011 | Ichimei

A principios del siglo XVII el Japón feudal vive una época de paz. Eso significa que muchos samuráis se convierten en "ronin", samuráis sin amo, sin clan, porque sus señores no quieren hacerse cargo de ellos. Para sobrevivir algunos acuden a una artimaña: solicitar a un shogun de alta cuna que les deje hacerse el "hara-kiri" en su patio, de modo que así morirán con honor. En realidad, lo que pretenden es que se apiaden de ellos y les presten dinero para vivir. En el clan Li se presenta un día Hanshiro con esa petición de muerte honorable. Para persuadirlo, el jefe del clan, Kageyu, le narra la historia horrible de un joven samurái que acudió a él poco antes con esa misma solicitud y al que se le obligó a matarse de una manera verdaderamente atroz. Hanshiro escucha la terrible historia e insiste en hacerse el "seppuku", el suicidio ritual del samurái, delante de todos... Magnífica película del director nipón Takashi Miike, quien cada vez se va consolidando más como uno de los directores japoneses más completos. En su anterior película, la estupenda 13 asesinos, ya dio muestras de su sensibilidad para crear tipologías humanas y de su talento para rodar y planificar la acción de modo realista. En Hara-Kiri: Muerte de un samurái ha regresado de nuevo a esa atmósfera medieval del mundo de los samuráis y el resultado es muy notable. Probablemente estamos ante su mejor película. Miike despliega su historia de manera muy, muy pausada, adoptando el estilo narrativo del cine japonés clásico. Cine de gestos, de miradas leves, de pocas palabras. El mundo retratado en Hara-Kiri: Muerte de un samurái es el de un tiempo legendario, un modo de vida donde las relaciones personales apenas se expresan explícitamente. Eso no quiere decir que los sentimientos más hondos no ardan dentro de los personajes. La familia protagonista de esta historia es un ejemplo claro. Desprenden una humanidad enorme, y eso hace que sus renuncias, sus heroísmos cotidianos, su existencia amorosa, su sacrificio y su vida terriblemente dura penetre en la conciencia del espectador... Y también que así, tras contemplar el terrible final uno de ellos, la tragedia se masque, esté latente, hirviendo a fuego lento, durante todo el film. Hara-Kiri: Muerte de un samurái tiene una puesta en escena tan sobria y sencilla que empuja únicamente a la contemplación de los sentimientos humanos. Tal concepción de la historia, en conjunción con la poderosísima fuerza del guión enlaza este film de Miike con la llamada trilogía del samurái dirigida por su compatriota Yoji Yamada, y en especial con la extraordinaria El ocaso del samurái. En efecto, la historia se sitúa en ese mundo donde la vida samurái ha ido perdiendo su sentido. En tiempos de paz sólo han quedado rituales vacíos y el honor de antaño se ha convertido en una simple palabra, en un "adorno" como dice Hanshiro, de modo que se han olvidado las virtudes que deberían acompañarlo y consolidarlo, como el amor, la piedad y la compasión. El modo contundente con que Takashi Miike habla de esta cuestión adopta la trazas de una tragedia griega absolutamente desgarradora.

7/10
Women Without Men

2009 | Zanan-e bedun-e mardan

Debut en el largometraje de la fotógrafa y creadora de videoarte iraní Shirin Neshat, residente en Nueva York, y que tuvo una enorme repercusión internacional con su serie de retratos de mujeres "Women of Allah", expuesta en Londres, Nueva York, Ámsterdam y otras ciudades. Neshat, que recibió el premio a la mejor dirección en la edición de 2009 de Venecia, adapta una novela de su compatriota Shahrnush Parsipur. La acción tiene lugar en Irán, en 1953, un año conflictivo, porque el primer ministro Mohammad Mosaddeq trataba de nacionalizar los recursos petrolíferos, y se organizó el golpe de estado que le apartó del poder, en beneficio del Shah de Persia. En este contexto, se entrecruzan las dramáticas peripecias de cuatro mujeres. Munis es una soltera de treinta años presionada por su hermano, que quiere que se case. Éste tiene deslumbrada a Faezeh, su mejor amiga. Zarin, una mujer con problemas de anorexia, se ve obligada a ejercer la prostitución, y Fakhri es una mujer madura, infeliz por la relación con su intolerante marido. Desde luego, se nota que está detrás de Women Without Men una brillante fotógrafa, pues la estética de la cinta es absolutamente deslumbrante, e integra secuencias de realismo mágico de lo más sugerente. También es sobresaliente la música, del maestro Ryuichi Sakamoto, y cuenta con actores excepcionales. Sin embargo, y a pesar de su calidad, el film no llega a ser todo lo brillante que podría ser, pues juega en su contra la abundancia de secuencias excesivamente crípticas, y su mensaje feminista acaba resultando demasiado estereotipado.

5/10
Seda

2007 | Silk

El canadiense François Girard llevaba una década sin dirigir, tras El violín rojo, de 1998. El cineasta regresa como productor, director y guionista de esta adaptación de una de las mejores novelas del italiano Alessandro Baricco, autor de títulos como ‘Novecento’, en la que se basó La leyenda del pianista en el océano. 1860. Baldablou, un empresario francés que se dedica a fabricar tejidos, tiene dificultades para seguir con su negocio, por una enfermedad que ataca a los gusanos de seda. Para remediar su situación, Baldablou envía a Herve Joncour, el hijo del alcalde, a Japón, en busca de huevos de gusanos de seda. Joncour debe separarse unos meses de Helen, una maestra de escuela, con la que acaba de contraer matrimonio. Para llegar a su destino, debe atravesar Europa en trenes, hasta Kiev, y allí cruzará la estepa rusa con una caravana para llegar a un barco que le lleva a Japón. Una vez en el país del sol naciente, encontrará un aliado que le ayuda a conseguir los huevos que necesita, pero también se sentirá atraído por una bella y enigmática mujer. Girard busca reproducir el lirismo de la novela, a través de una fotografía muy cuidada, de Alain Dostie, su colaborador habitual, que realiza un trabajo muy superior al conjunto. Por lo demás, se trata de un drama bastante decepcionante. El cineasta tenía todos los elementos para dar lugar a una producción de empaque, como un presupuesto amplio que permite una convincente reproducción de la época, y una historia que era eficaz y sugerente en manos de Baricco, gracias a su estilo evocador y suave –como la seda–, y a sus sutiles reflexiones sobre la infidelidad. La traslación a la gran pantalla es mucho más hueca, no acaba de estar del todo bien narrada, y se resiente de una voz en off que trata de compensar lo que las imágenes son incapaces de explicar. Contaba también Girard con un reparto con posibilidades que desaprovecha. Michael Pitt (Last Days) ha estado mejor en otras ocasiones, pero aquí se muestra impasible, incapaz de comunicar nada. Keira Knightley y Alfred Molina cumplen con profesionalidad, pero sus personajes apenas tienen cancha para expresar alguna emoción, por lo que su trabajo queda bastante deslucido.

4/10
Tony Takitani

2004 | Tony Takitani

Sensible película japonesa, de gran exquisitez formal, basada en un relato corto de Haruki Murakami. Sorprenden sus modos narrativos, pues comienza como si se tratara de un documental sobre el ilustrador gráfico Tony Takitani, del que se cuentan sus orígenes familiares, lo que supone hablar de la dedicación al jazz de su padre Shozaburo, y de cómo su madre murió al poco de nacer él. El film nos muestra que Tony es muy bueno en su trabajo, pero que le embarga una tremenda soledad. Soledad a la que podría poner remedio Eiko, una mujer que acude a su estudio, y de la que se enamora. Acabarán casándose, pero Tony descubrirá un rasgo muy particular de la personalidad de Eiko: le encanta la ropa, y siempre está comprando prendas nuevas; es algo que le obsesiona, y no puede evitar gastar el dinero en ello. Con delicadeza, Tony intentará hacer ver a su esposa que debe enmendarse en esta cuestión, algo que ella procura con terribles consecuencias. El film de Jun Ichikawa es una gozosa experiencia estética. A modo de cuento, se describen de modo encantador los sentimientos de los personajes, sobre todo los de Tony. Para ello hay recursos muy atractivos, como la voz del narrador, que de pronto cede la palabra a los actores, y éstos, de modo sorprendente, completan lo que se estaba contando. También es muy original la transición entre planos, elegantes travellings laterales que siguen a los actores, que quedan ocultos tras un objeto en primer plano, oscuro y fuera de foco, lo que sirve para efectuar el deseado cambio de escenario. La partitura musical de Ryuichi Sakamoto es perfecta para evocar los sentimientos de soledad y melancolía, de añoranza de la persona amada. Todo es suave, no se cede al sentimentalismo fácil, y la búsqueda de la construcción de una atmósfera recuerda a Deseando amar (In the Mood for Love). Hay opciones audaces, como la de conceder a los actores Issei Ogata y Rie Miyazawa dos papeles, algo que no desentona en absoluto.

7/10
Femme Fatale

2002 | Femme Fatale

Mientras se celebra el festival de cine de Cannes, una ladrona (Rebecca Romijn) roba un valioso collar de diamantes para a continuación traicionar a sus socios. Poco después asume la identidad de una mujer suicida, y se fabrica una nueva vida como esposa del embajador de EE.UU. en Francia. Hasta que un fotógrafo (Antonio Banderas) capta la instantánea de una mujer que ha eludido siempre las cámaras: los socios antaño burlados la reconocerán. Brian De Palma, un cineasta hábil visualmente, juega a ser David Lynch, aunque sin olvidar a su referencia por antonomasia, Alfred Hitchcock: la doble personalidad de una mujer remite inevitablemente a De entre los muertos (Vértigo). Así, pergeña un morboso thriller de alto contenido erótico y giros extraños, que abre el argumento a la posibilidad de cómo podrían haber discurrido las cosas si cierto acontecimiento no se hubiera producido.

4/10
Gohatto

1999 | Gohatto-Taboo

Kioto. 1985. Nuevo reclutas inician su adiestramiento en el templo Nishi-Honganji. El autor de El imperio de los sentidos presenta la novedad de incluir homosexuales entre los antiguos guerreros samuráis.

5/10
Snake Eyes (Ojos de serpiente)

1998 | Snake Eyes

Casino de Atlantic City. En su interior se celebra uno de los combates de boxeo más esperados del año. Tanta expectación levanta que el mismísimo Secretario de Estado de EE.UU. acude a verlo. Pese a las medidas de seguridad, ni el comandante Dunne ni el detective del casino Rick pueden evitar que unos desaprensivos asesinen al político en pleno combate. Tras el pánico inicial se pone en marcha la investigación con cierto caos, tratando de retener al público asistente. Acción, intriga y dos actores de indudable fuste: el asiduo al cine de acción Nicolas Cage, y el intérprete de carácter Gary Sinise. Mueve la cámara con auténtico virtuosismo Brian De Palma (Los intocables de Eliot Ness). ¡Atentos a los primeros 15 minutos del film, en que la cámara se mueve como una loca, sin un solo corte, metiéndose por todos los rincones del recinto, hasta llegar a un ring con más de 10.000 espectadores! ¡Alucinante! Luego la trama discurre por cauces más trillados, pero no faltan las sorpresas en este interesante y brillante ejercicio de estilo.

6/10
El amor es el demonio

1998 | Love Is the Devil: Study for a Portrait of Francis Bacon

Francis Bacon fue un pintor irlandés que a los 16 años descubrió su condición de homosexual, hecho por el cual su padre le echó de casa. En su juventud comenzó a pintar, siendo Picasso su primer referente, y poco a poco comenzó a obtener celebridad y éxito, incluso una obra suya fue vendida al Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1949. El tema principal de su pintura era la muerte y sus trabajos eran descarnados, oscuros y desgarradores. Mantuvo una relación con George Dyer desde mediados de los 60 hasta 1971, cuando éste se suicidó. En este oscuro biopic del pintor, el actor Derek Jacobi se pone en la piel del artista y Daniel Craig en la de su amante. La actriz Tilda Swinton es otro de los rostros conocidos.

4/10
Pequeño Buda

1993 | Little Buddha

Bernardo Bertolucci (El último emperador, El cielo protector) vuelve a posar su mirada al Oriente, y lo hace a través de la historia de Jesse (Alex Wiesendanger), un niño de Seattle, Estados Unidos, que es buscado por unos sacerdotes lamas que afirman que es la reencarnación de un sabio budista muerto hace algunos años. Sus padres aceptan que viaje al Nepal donde junto con otros niños donde serán sometidos a una serie de pruebas que detérminarán cual de ellos es la recarnación del viejo maestro. Estamos ante una preciosista película de gran efectismo visual y estético, realzado por una excelente banda sonora (Ryuichi Sakamoto) y una impecable fotofrafia de Vittorio Storaro. Bertolucci utiliza el film para mostrar al mundo Occidental la doctrina budista.

4/10
Wild Palms

1993 | Wild Palms

Un futuro cercano. Harry Wickoff, prometedor abogado, empieza a trabajar para Wild Palms, un potente conglomerado empresarial. Su hijo Coty trabaja como actor en una serie que emite un canal que pertenece a esta empresa. Pronto, Winckoff se reencuentra con Paige Katz, que fue su amante antes de que se casara. Katz busca desesperadamente a su hijo, que ha sido raptado. Ambiciosa serie que trataba de seguir la senda de Twin Peaks. A pesar de que cuenta con grandes actores, y de que tenía directores como Kathryn Bigelow, el argumento resultaba demasiado confuso y enmarañado.

5/10
Cumbres borrascosas (1992)

1992 | Wuthering Heights

En la Inglaterra del siglo XIX, los niños Cathy y Hindley Earnshaw son sorprendidos un día por su padre, que trae a un chiquillo sucio con el propósito de adoptarlo. Se trata de Heathcliff. Con el paso del tiempo y la muerte del padre, Hindley, amo de "Cumbres Borrascosas", desprecia a Heathcliff, convertido en mozo de cuadras. Pese a todo, se mantiene el afecto mutuo entre Cathy y Heathcliff. Pero parece un amor imposible por la barrera social que les separa. La célebre novela romántica de Emily Brontë ha sido llevada al cine con fortuna en varias ocasiones. Entre ellas, la versión de William Wyler, de 1939, comprendía con habilidad la mitad de la novela. La de Luis Buñuel (Abismos de pasión, 1957), era una visión bastante libre, sitúada en Mexico. Peter Kosminsky intenta abarcar la obra completa, y lo hace, pero con resultados muy irregulares. Momentos esenciales, como la llegada de Lockwood a "Cumbres Borrascosas" en una noche desapacible, o la conversación entre Cathy y el ama de llaves, que Heathcliff escucha escondido, no están bien concebidos. Además, el film aparece demasiado fragmentado, y Kosminsky no logra imprimir a la historia de amor su tono trágico y tumultuoso. Aun contando con actores de la talla de Juliette Binoche y Ralph Fiennes, a Cathy le falta pasión, y a Heathcliff el mostrarse atormentado. No bastan el hermoso marco del film, o su pegadiza banda sonora, para mantenerlo a flote.

4/10
Tacones lejanos

1991 | Tacones lejanos

Rebeca (Victoria Abril) es una locutora de radio de una emisora que dirige su marido. La madre de ella es la artista Becky del Páramo (Marisa Paredes), una mujer con varios maridos y amantes que abandonó a su hija para dedicarse al espectáculo. Además, hace años estuvo locamente enamorada del marido de su hija. Ahora, la estrella vuelve a la capital a actuar pero al poco de llegar, el marido de Rebeca es asesinado. Film con el indiscutible sello de Pedro Almodóvar donde habla del encuentro entre una madre y una hija y la relación que entre ambas vuelve a surgir, a pesar de los rencores y las dudas. El mundo almodovariano flota en el ambiente de la historia y por supuesto, los travestis tienen que aparecer por algún lado. Uno de ellos, interpretado por el cantante Miguel Bosé. La película ganó el César al mejor director en 1993.

5/10
El cielo protector

1990 | The Sheltering Sky

Poco después de acabada la Segunda Guerra Mundial, un matrimonio neoyorquino de artistas -ella, Kit, es escritora, Port es músico–, hartos de una vida rutinaria, emprende un viaje por el Norte de África, donde les acompaña Tunner, enamorado de ella. Aunque quisieran encontrar una razón para continuar su vida en común, prueban otras cosas, él se acuesta con una nativa, ella acaba en el catre con Port tras muchas botellas de champán: pero ninguno de los dos encuentra un alivio. Ambiciosa adaptación de la novela de Paul Bowles a cargo del maestro Bernardo Bertolucci, que muestra su enorme veteranía en cada uno de los planos, llegando a una perfección técnica inimitable. La fotografía de Vittorio Storaro, de bellísimos tonos rojizos, y la composición de los planos deslumbra en muchos momentos, con las tormentas de arena, las dunas, o los oscuros túneles laberínticos de una de las poblaciones donde recalan. También juega su papel la música, que combina temas saharianos con la compuesta por el japonés Ryuichi Sakamoto. La narración se ciñe al esquema de personas vitalmente aburridas, a las que el exotismo de un país diferente, hace revivir momentáneamente, e incluso descubrir que las oportunidades que asoman en la existencia y que hacen que merezca la pena seguir adelante, surgen con cuentagotas y hay que aprovecharlas, algo que Kit y Port descubren demasiado tarde. De todos modos el discurso es ambiguo, con exagerada insistencia en lo sensual y carnal, y hay una recreación en la languidez de una burguesía que busca emociones e ignora que el amor es darse y supone sacrificio. Debra Winger y John Malkovich se revelan como actores muy adecuados para dar vida al matrimonio en crisis. Campbell Scott es el tercero en discordia, el joven capaz de despertar quizá nuevas ilusiones en Kit. Además hay un par de personajes secundarios que son una especie de triste contrapunto cómico, madre e hijo, encarnados por Jill Bennett y Timothy Spall. E incluso tiene presencia el propio autor de la novela, Bowles, como narrador, aunque su breve intervención, aunque sólo sea para reconocer su aportación, resulta algo artificiosa.

6/10
El cuento de la doncella

1990 | The Handmaid's Tale

En un mundo futuro, en una América ficticia, la polución ha provocado que la mayoría de las mujeres sean estériles. De ahí que las autoridades recaben información sobre las que están capacitadas para tener hijos y las recluyan en centros de adoctrinamiento, donde se encuentran prisioneras a la espera de ser fertilizadas. Además, las leyes para con las mujeres son bastante estrictas e incluso pueden ser ahorcadas si mantienen relaciones sexuales. Una fábula donde tienen cabida distintas interpretaciones sociales, culturales, políticas y religiosas, según la novela de Margaret Atwood. Lo malo es que el guión de Harold Pinter es demasiado farragoso para resultar entretenido, y ni siquiera su estupendo reparto coral –Faye Dunaway, Robert Duvall, Aidan Quinn, Elizabeth McGovern y, especialmente Natasha Richardson– acabó por interesar a los espectadores.

5/10
El último emperador

1987 | The Last Emperor

En el Pekín de 1908, un niño llamado Pu yi, es separado de su familia y recluido en la Ciudad Prohibida, para formarle como emperador. Pasan los años, y aún siendo joven, el país comienza a desmoronarse y todas las tradiciones milenarias comienzan a desaparecer, con lo que el emperador es completamente despojado de su poder. En ese punto, ha de abandonar todo lo que conoce y seguir su vida en el mundo exterior, como un hombre normal. Magnífica y por momentos sobrecogedora película, ganadora de nueve Oscar, que invita a un subyugante viaje al lejano Oriente. Los escenarios y la ambientación son dignos de ver, a pesar de que cojea un poco el ritmo de la historia y de que posiblemente los actores dan menos de lo que se espera de ellos. De todos modos, Bernardo Bertolucci, que también recibió el Oscar al mejor director, dirige un film espectacular sobre la historia de China en el siglo XX. Entre el reparto se encuentra el veterano Peter O'Toole (Lawrence de Arabia).

7/10
Feliz Navidad, Mr. Lawrence

1983 | Merry Christmas Mr. Lawrence

En plena Segunda Guerra Mundial Jack Celliers es un oficial del ejército británico que es confinado a un estricto campo de concentración japonés. Allí conocerá al coronel Lawrence, único interprete entre los soldados ingleses y los orientales. Las tensiones entre ambos bandos se hacen cada vez más insostenibles, aunque un capitán del ejército nipón, llamado Yonoi, está sintiendo atracción por Jack. Drama bélico que plantea las diferencias entre dos culturas ambientando la historia en un campo de concentración en la isla de Java. La interactuación entre ambos bandos dará lugar a distintas relaciones inesperadas. Dirige el japonés Nagisa Oshima, pero es una película muy occidentalizada donde colocan como protagonista al cantante David Bowie, un poco perdido en la historia. De todos modos, el guión no pierde ritmo y destaca la presencia de Takeshi Kitano (El verano de Kikujiro, Zatoichi) y Tom Conti.

6/10
Daijobu, mai furendo

1983 | Daijobu, mai furendo

Esta película japonesa, escrita y dirigida por Ryu Murakami, cuenta la historia de Gonzy Traumerai, un superhéroe diferente. Peter Fonda encarna al protagonista de esta obra, que es una parodia de los filmes de superhéroes como Superman.

3/10
Feliz Navidad, Mr. Lawrence

1983 | Merry Christmas Mr. Lawrence

En plena Segunda Guerra Mundial Jack Celliers es un oficial del ejército británico que es confinado a un estricto campo de concentración japonés. Allí conocerá al coronel Lawrence, único interprete entre los soldados ingleses y los orientales. Las tensiones entre ambos bandos se hacen cada vez más insostenibles, aunque un capitán del ejército nipón, llamado Yonoi, está sintiendo atracción por Jack. Drama bélico que plantea las diferencias entre dos culturas ambientando la historia en un campo de concentración en la isla de Java. La interactuación entre ambos bandos dará lugar a distintas relaciones inesperadas. Dirige el japonés Nagisa Oshima, pero es una película muy occidentalizada donde colocan como protagonista al cantante David Bowie, un poco perdido en la historia. De todos modos, el guión no pierde ritmo y destaca la presencia de Takeshi Kitano (El verano de Kikujiro, Zatoichi) y Tom Conti.

6/10

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